mardi 30 octobre 2018

ALBA ECSTASY: The Floating Body (2018)

“Ambient! Indeed, very ambient and relaxing EM”
1 The Floating Body 30:00
Alba Ecstasy Music (DDL 30:00)
(Ambient)
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   **Chronique en français plus bas**
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A wave that multiplies its reverb arc. The latter who does the same, and even to infinity, in a mirror effect where the half-circles of this wave extend and get lost beyond the horizon never stops to reflect the heart of its mission; make us sleep! Carved in Steve Roach's reflections, “The Floating Body” offers 30 minutes of ambient and rather relaxing music which is ideal for slipping into a deep sleep. Alba Ecxtasy even targets an absolute energy regeneration. Yes, we fall asleep without any difficulty. The movement is simple, linear and minimalist with delicate sonic buds which sparkle very discreetly in the shadow of this sonic half-moon that continues to radiate its solitary song on subtle circadian beats that Alba Ecstasy adds well before our senses intercept them. A deja-heard effect! Maybe, except that here its appearance without invitation adds a seductive aspect to ambient music that I would describe as seductive, as it is literally relaxing and without additives to awaken the ghosts of the night ...You see the genre?
Have I been reinvigorated? Restored with a new desire to face my next 24 hours? The question suits me very well given my physical condition. But no! I didn't do tap-dancing the morning after my sleep with the waves and the beats of “The Floating Body”. But I slept ... and very well even. And for the price ... one doesn't lose sleep!
Sylvain Lupari (October 29th, 2018)

synth&sequences.com
Available at Alba Ecstasy's Bandcamp
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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Une onde qui multiplie son arc de réverbération. Ce dernier qui en fait autant, et même à l'infini, dans un effet de miroir où s'étendent et se perdent les demi-cercles de cette onde qui n'arrête pourtant jamais de refléter le cœur de sa mission; nous faire dormir! Sculpté dans les réflexions de Steve Roach, “The Floating Body” propose 30 minutes de musique ambiante et plutôt relaxante qui est idéale pour nous glisser vers un sommeil profond. Alba Ecxtasy vise même une absolue régénération énergétique. Eh oui, on s'endort sans aucune difficulté. Le mouvement est simple, linéaire et minimaliste avec de délicats bourgeons soniques qui pétillent bien discrètement à l'ombre de cette demi-lune sonore qui ne cesse de faire rayonner son chant solitaire sur de subtils battements circadiens qu'Alba Ecstasy ajoute bien avant que nos sens les interceptent. Du déjà-entendu, sauf qu'ici son apparition sans invitation ajoute un séduisant aspect à une musique ambiante que je qualifierais de séduisante, tant elle est littéralement reposante et sans additif fait pour éveiller les spectres de la nuit…Vous voyez le genre?
Ai-je été revigoré? Ragaillardi avec un désir nouveau d'affronter mes prochaines 24 heures? La question m'est toute destinée étant donné ma condition physique. Mais non! Je n'ai pas dansé les claquettes le lendemain suivant mon sommeil avec les ondes et les battements de “The Floating Body”. Mais j'ai dormi…Et très bien même. Et pour le prix…on ne perd pas le sommeil!

Sylvain Lupari 29/10/18

lundi 29 octobre 2018

ALBA ECSTASY: Where are the Quiet Saturdays? Vol. 3 (2018)

“This one is a fair album, mostly ambient, woven in the comfort of an astral journey”
1 Part 7 14:38
2 Part 8 9:49
3 Part 9 15:22

Alba Ecstasy Music (DDL 39:48)
(Ambient beats and moods)
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 **Chronique en français plus bas**
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Another rendezvous all in music and perfect for a Saturday night offered by Alba Ecxtasy! This is the 3rd one since the series was reactivated at the end of August 2018. If the exercise can still be exciting when paired with YouTube, when is there music for our ears? Let's say that "Part 7" does things well! Minimalist title set on three distinct lines, 2 rhythms that intersect their parallel leaps, and a line of more melodious arpeggios, "Part 7" caresses our ears with these charms usual at the bank of sounds from Alba Ecxtasy.
Sound filaments simmer in the pot before embracing this spheroidal cohesion unique to the ambient rhythms of AE and the New Berlin School genre. The palette of tonal colors from the Romanian synthesist is activated with a complicity, both rhythmic and melodic, between each shade to create rhythms and harmonies in a seraphic landscape. I like this whistling synth which drags its light air in these benches of bluish mists, while other shades sign an electronic babbling in to solidify this sonic mass into a soft electronic rock. A bit like a techno that lacks yeast. It's floating, very rich musically, and it blooms out towards the 9 minutes for a floating rhythm slightly more alive with these early seraphic arpeggios of the beginning. I smell Software's fragrances in this title. After an introduction stuffed of meandering synth lines which undulate with an aura of distortion, "Part 8" offers an ambient music whose elements float and waltz in and with oblivion. There is a rather Chthonian vision of this title where Alba Ecxtasy is very comfortable in ambient music. The track Floating Body will be a more concrete example. "Part 9" concludes this last Saturday evening rendezvous with Mihail Adrian Simion with a cosmic-flavored sonic broth. In a more ambient context, the decor is similar to the one in "Part 7" with these sonic insects which sparkle and shine around a heavenly hive. Here too we can hear some perfumes of Software, especially in the second half which is more poetic.
It could be that the source is drying up! Unless Alba Ecxtasy is aiming for a more ambient context in his upcoming sessions, “Where are the Quiet Saturdays? Vol.3” is woven in the comfort of an astral journey. It's an honest album that can be heard especially at dawn of sleeping or when we are reading. Moments when the ears are less demanding while still asking a good level of creativity.
Sylvain Lupari (October 28th, 2018) ***½**

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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Un autre rendez-vous tout en musique, parfait pour un soir de samedi, proposé par Alba Ecxtasy! C'est le 3ième depuis que la série fut réactivé à la fin d'Août 2018. Si l'exercice peut toujours s'avérer captivant lorsque jumelée avec YouTube, quand est-il de la musique pour nos oreilles? Disons que "Part 7" fait bien les choses! Titre minimaliste serti sur trois lignes bien distinctes, 2 de rythmes qui entrecroisent leurs bonds parallèles, et une ligne d'arpèges plus mélodieux, "Part 7" caresse nos oreilles avec ces charmes usuels à la banque de sons d'Alba Ecxtasy.

Des filaments sonores mijotent dans la marmite avant d'épouser cette cohésion sphéroïdale unique aux rythmes ambiants du genre AE et du Néo Berlin School. La palette des couleurs tonales du synthésiste Roumain s'active avec une complicité, tant rythmique que mélodique, entre chaque teinte afin de créer des rythmes et des harmonies dans un paysage toujours aussi séraphique. J'aime ce synthé sifflotant qui traîne son air léger dans ces bancs de brumes bleutées, tandis que d'autres teintes signent un babillage électronique afin de solidifier cette masse sonique en un rock électronique mou. Un peu comme un techno qui manque de levure. C'est planant, très riche musicalement, et ça lève vers les 9 minutes pour un rythme flottant légèrement plus vivant avec ces arpèges séraphiques du début. Je sens des parfums de Software dans ce titre. Après une introduction farcie de lignes serpentées qui ondulent avec une aura de distorsions, "Part 8" propose une musique ambiante dont les éléments flottent et valsent dans et avec le néant. Il y a une vision plutôt chthonienne de ce titre où Alba Ecxtasy est très à l'aise dans la musique ambiante. The Floating Body en sera un exemple plus concret. "Part 9" conclut cette dernière rencontre du samedi soir avec Mihail Adrian Simion par un bouillon sonique à saveur cosmique. Dans un contexte plus ambiant, le décor s'apparente à "Part 7" avec ces insectes soniques qui scintillent et pétillent autour d'une ruche céleste. Ici aussi on peut entendre quelques parfums de Software, notamment dans la 2ième moitié qui est plus poétique.
Il se pourrait que la source se tarisse! À moins qu'Alba Ecxtasy vise un contexte plus ambiant dans ses prochaines sessions, “Where are the Quiet Saturdays? Vol.3” est tissé dans le confort d'un voyage astral. C'est un album honnête qui s'écoute surtout à l'aube de la nuit ou pour lire. Des moments où les oreilles sont moins exigeantes tout en demandant tout de même un bon niveau de créativité.

Sylvain Lupari 28/10/18

samedi 27 octobre 2018

WOLFGANG NACHAHMER: Eiszeit (2018)

 “Wonderful EM in a pure Berlin School style”
1 Hermes 4:28
2 Monotaur 5:28
3 Zaubertrank 5:35
4 Eiszeit 4:32
5 Es gibt keine mehr 13:30
6 Kirlian 5:01
7 Die einsamen Schatten 3:46
8 Der Mothmann 6:03

SynGate CD-R WN02 (DDL/CD-R 48:24)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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We still don't know who Wolfgang Nachahmer is! And yet, the secret was to be unveiled at the E-Live 2017, after the release of Hexenkessel. A year after this album, and the E.P. Schattenjäger, the secret remains whole! I hesitate between Peter Baumann and Harald Grosskopf, since the music and style of these two musicians are ubiquitous in this “Eiszeit”. A little more, I would say, than in Hexenkessel. But whatever! Wolfgang Nachahmer pays a treat to our ears with a delicious big 48-minute of vintage Berlin School EM where the rhythms, boned out of some riffs, parade with their circular skeletons under a sonic sky brimming with beautiful effects and synth solos as much agile than very melodious.
"Hermes" galvanizes our ears with lively rhythmic kicking from a sequencer as agile as a hare in pursuit of its female. Crazy of electronic beats that I am, I am not yet over my surprises here. The synth injects very vintage harmonic perfumes, I think of Earthstar and sometimes even Adelbert von Deyen, with an approach where synth's multiline spread echoes and other effects of prismed mists. And it's the same for the rhythmic pattern which juxtaposes its lines of sequences in a form of union between Chris Franke and Peter Baumann. My suspicions become filled of doubts with the introduction of "Monotaur" and its effects of misty Zombies voices a la Binar. This catchy title is set on a hypnotic rhythm with a circular approach rather like Düsseldorf School where a flop of sound effects, flirting with the borders of psychedelia, and solos that spin like pretzels refusing to close the loop but preferring to evaporate with the multiple sound effects, sometimes harmonic ones, of "Monotaur". Yes ... Very catchy! As will become "Zaubertrank" which hatches with a wave scrolling like a jerky kaleidoscopic thin line. Still very beautiful, the Mellotron launches harmonic lines, tinted of a misty flute, which undeniably recall the very virginal music of Peter Baumann in Trans Harmonic Nights. If the approaches of rhythms without definite forms but catchy, sometimes for the fingers, sometimes the feet and often the neurons, are almost similar, the ambiences on "Zaubertrank" are more pull towards the zones of beyond the grave with layers of mist and Chthonian voices. The envelope is also more vintage.
Speaking from beyond the grave, the ambiences of the title-piece drag us along without resisting. Do you remember the movie Phantasm? We are here! Evolutionary title well installed on a sequencer in mode Berlin School ascending loops, like a train which rolls while performing spirals, "Es gibt keine mehr" goes like a complex remix of Force Majeure to which we add ingredients of the Exit album. The synth solos remain very melodious and fly over the course of this rhythmic train where murmurs, guitar riffs and the effects of flutes blown by a slightly damaged blowgun are grafted. The piano and the Mellotron add a fascinating dimension to the unrealism of a structure that likes to decompose itself in these flavors of Tangerine Dream and especially of Edgar Froese. As good as bold! After an intro forged in synthesized tinklings, "Kirlian" explodes for another phase of an electronic rock and non-rock fed by synth solos that light a very Schulze mood of the 70's. At 5 minutes, we want more! After the lunar interlude of "Die einsamen Schatten", "Der Mothmann" arrives nervously in our ears. Whispers (tchop-tchap-tchop) and nervous arpeggios follow the shape of our eardrums with its half-amphibian and half-astronomical structure. The arpeggios flow with series of sequences whose semicircles feed on these synth-keyboard riffs while the rhythm gradually adopts an electronic rock stuffed of good synth solos. And as additional tonal appetizers, Wolfgang's imitator alleviates the weight of his sequencer by launching bright decorative filaments, witnesses to the abundance of sounds and electronic effects that further embellish the landscapes of “Eiszeit”. Another superb EM album from
SynGate's Wolfgang Nachahmer and his amazing return to the past.
Sylvain Lupari (October 27th, 2018) ****½*

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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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On ne sait toujours pas qui est Wolfgang Nachahmer! Et pourtant, le secret devait être dévoilé lors du festival E-Live de 2017, soit après la parution de Hexenkessel. Un an après cet album, et l'E.P. Schattenjäger, le secret reste entier! J'hésite entre Peter Baumann et du Harald Grosskopf, puisque la musique et le style de ces deux musiciens sont drôlement omniprésents dans ce “Eiszeit”. Un peu plus, je dirais, que dans Hexenkessel. Mais peu importe! Wolfgang Nachahmer paye une traite à nos oreilles avec un délicieux gros 48 minutes de MÉ du genre Berlin School vintage où des rythmes, désossés de certains riffs, défilent avec leurs ossatures circulaires sous un ciel sonique bardé de superbes effets et de solos de synthé aussi agiles que très mélodieux.
"Hermes" galvanise nos oreilles avec les vives ruades rythmiques d'un séquenceur aussi agile qu'un lièvre è la poursuite d'une hase. Friand de rythmes électroniques que je suis, je ne suis pourtant pas à bout de mes surprises ici. Le synthé injecte des parfums harmoniques très vintage, je pense à Earthstar et parfois même à Adelbert von Deyen, avec une approche où les multilignes de synthé répandent des échos et autres effets de bruines prismiques. Et c'est idem pour le pattern rythmique qui juxtapose ses lignes de séquences dans une forme d'union entre Chris Franke et Peter Baumann. Mes suspicions deviennent remplies de doutes avec l'introduction de "Monotaur" et ses effets de voix de Zombies brumeuses à la Binar. Ce titre accrocheur est monté sur un rythme hypnotique avec une approche circulaire plutôt du genre Düsseldorf School où s'agrippent une floppée d'effets sonores, qui flirtent avec les frontières du psychédélisme, et des solos qui tournoient comme des bretzels refusant de fermer la boucle mais préférant s'évaporer avec les multiples effets sonores, parfois harmoniques, de "Monotaur". Oui…Très accrocheur! Comme le deviendra "Zaubertrank" qui éclot avec une onde défilant comme un filet kaléidoscopique saccadé. Toujours très beau, le Mellotron lance des filets harmoniques, teintées d'une flûte brumeuse, qui rappellent indéniablement les douceurs très virginales de Peter Baumann dans Trans Harmonic Nights. Si les approches de rythmes sans formes définis mais entraînants, parfois pour les doigts, tantôt les pieds et souvent les neurones, sont presque similaires, les ambiances sur "Zaubertrank" sont plus portées vers les zones d'outre-tombe avec brume et nappe de voix Chthoniennes. L'enveloppe est aussi plus vintage.
Parlant d'outre-tombe, les ambiances de la pièce-titre nous y traînent sans résister. Vous vous souvenez du film Phantasm? On y est ici! Titre évolutif bien installé sur un séquenceur en mode ascension, genre un train qui roule tout en effectuant des spirales, de la Berlin School, "Es gibt keine mehr" se déroule comme un remix complexe de Force Majeure auquel on ajoute des ingrédients de l'album Exit. Les solos de synthé demeurent très mélodieux et survolent le trajet de ce train rythmique où se greffent des murmures, des riffs de guitare et des effets de flûtes soufflés par une sarbacane légèrement abimée. Le piano et le Mellotron ajoutent une fascinante dimension à l'irréalisme d'une structure qui aime se décomposer dans ces saveurs de Tangerine Dream et surtout d'Edgar Froese. Aussi bon qu'audacieux! Après une intro forgée dans des tintements synthétisés, "Kirlian" explose pour une autre phase de rock et pas-rock électronique nourri de solos de synthé qui allument une ambiance très Schulze des années 70. À 5 minutes, on en veut plus! Après le petit intermède lunaire de "Die einsamen Schatten", "Der Mothmann" arrive nerveusement à nos oreilles. Murmures (tchop-tchap-tchop) et arpèges nerveux épousent la forme de nos tympans avec sa structure mi-amphibienne et mi-astronomique. Les arpèges coulent avec des suites de séquences dont les demi-cercles se nourrissent de ces riffs de synthé-clavier alors que graduellement le rythme adopte un rock électronique gavé de bons solos de synthé. Et comme hors-d'œuvres tonales supplémentaires, l'imitateur de Wolfgang allège le poids de son séquenceur en lançant des filaments décoratifs lumineux, témoins de l'abondance de sons et d'effets électroniques qui enjolivent encore plus le paysage de “Eiszeit”. Un autre superbe album de MÉ de
SynGate et de Wolfgang Nachahmer et de son sidérant retour vers le passé.

Sylvain Lupari 27/10/18

jeudi 25 octobre 2018

BOUVETOYA: Moonquake (2018)

“A soft, mostly ambient, album which intertwines the French and Berlin Schools with smooth sequencing patterns”
1 Craters 8:30
2 Phenomenon 14:52
3 Synchronous 7:07
4 Ocean 13:13

SynGate Records CD-r MJ07 (CD/DDL 43:42)
(Ambient with soft sequenced beats)
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   **Chronique en français plus bas**
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It is with a distant sound wave that begins "Craters". Percussive elements peck these cosmic ambiances where the impression of drifting in the layers of Michael Jones is striking. The cosmic horizon is of a soothing calm. So much as the first tinkles of the chiming arpeggios are tinkling, our ears and our senses make a little jump of surprise. Constantly dressing its floating structure of atmospheric elements such as layers of voices and orchestrations, Bouvetøya manages to cement a strong moment of intensity which reaches its climax towards the 4th minute with a staging which is not reminiscent of these peaks of emotions in Manfred Man's synth jets in Solar Fire. Intensity! Everything revolves around this word in this last opus of
Bouvetøya; “Moonquake”. And this "Craters" locks us into a mass of orchestrations and synth effects which crosses the worlds of Michael Stearns and Vangelis in an intense cosmic canvas.
"Phenomenon" offers a very nice fusion of the French School a la Jean-Michel Jarre and the Berlin School Tangerine Dream's sauce. A slow introduction of cosmic ambiances elements, which will also adorn its finale, creates woosh floating with layers as much drifting but which are possessed by souls of cosmic violins. Quietly a sound mass, richer than in "Craters", raises the passions of the aficionados of interstellar esotericism in this introduction which waltzes with the sources of oblivion. So much, that glaucous and organic sounds get merge and are meandering these ambiences with sonic graffiti and sighs that sculpt good solos of a contemplative synth. These elements bring "Phenomenon" to a fluid movement of the sequencer. The rhythm is ideal to make work our neurons which must follow a fracture of the sequencer, releasing another contiguous line which hops in the hesitation of the first line of rhythm. Phantasmagorical elements ululate in the echo of this structure, like a concert of cosmic spectra which would go perfectly with the tales of a 4th dimension. Very good! Subsequently we come across "Synchronous" which presents another style of ambient rhythm surrounded by these decorative elements that sparkle all over the world of “Moonquake”. Here, they tinkle and parade like mini carousels that are trapped with rotating arches. A dense sound membrane releases the passion of the synthesizer on this pulsating rhythm. Its allegorical chants and its many scarlet streaks sharpened in passion add to the weight of this intense title that makes shivers run on our skin. In "Ocean", it is rather the Mellotron that gives us chills. Its fluty songs float on a slow structure whose flickering arpeggios vaguely recall the arrangements of
Vangelis in China or the peaceful progression of Jarre in Waiting for Cousteau. This long segment of contemplativity glides to another structure of rhythm, genre down tempo, which is pushed by a sequencer in mode Tangerine Dream. Grave chords bring dramatic effects while the Mellotron continues to charm our ears, just as these lunar orchestrations which cement this vision of emotional intensity which overhangs the 44 minutes of this other beautiful Bouvetøya album.
Sylvain Lupari (October 24th, 2018) *****

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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est avec une lointaine vague sonore que débute "Craters". Des éléments percussifs picorent ces ambiances cosmiques où l'impression de dériver dans les nappes de Michael Jones est saisissante. L'horizon cosmique est d'un calme sidérant. Tant que lorsque les premiers tintements des arpèges carillonnés tintent, nos oreilles et nos sens font un petit saut de surprise. Habillant constamment sa structure flottante d'éléments d'ambiances tel que nappes de voix et d'orchestrations,
Bouvetøya arrive à cimenter un fort moment d'intensité qui atteint son climax vers la 4ième minute avec une mise-en-scène qui n'est pas sans rappeler ces pointes d'émotions dans les jets de synthé de Manfred Man dans Solar Fire. Intensité! Tout tourne autour de ce mot dans ce dernier opus de Bouvetøya; “Moonquake”. Et ce "Craters" nous enferme dans une masse d'orchestrations et d'effets d’un synthé qui croise les univers de Michael Stearns et Vangelis dans un intense canevas cosmique.
"Phenomenon" propose une très belle fusion de la French School à la
Jean-Michel Jarre et du Berlin School sauce Tangerine Dream. Une lente introduction d'éléments d'ambiances cosmiques, qui ornera aussi sa finale, créée des woosh qui flottent avec des nappes aussi dérivantes mais possédées par des âmes de violons cosmiques. Tranquillement une masse sonore, plus riche que dans "Craters", soulève les passions des amateurs d'ésotérisme interstellaire dans cette introduction qui valse avec les sources du néant. Tant, que des bruits glauques et organiques fusionnent et serpentent ces ambiances avec des graffitis soniques et des soupirs qui sculptent des bons solos de synthé contemplatifs. Ces éléments amènent "Phenomenon" vers un fluide mouvement du séquenceur. Le rythme est idéal pour faire cheminer nos neurones qui doivent suivre une fracture du séquenceur, libérant une autre ligne contiguë qui sautille dans l'hésitation de la première ligne de rythme. Des éléments fantasmagoriques ululent dans l'écho de cette structure, comme un concert de spectres cosmiques qui irait à merveille avec les contes d'une 4ième dimension. Très bon! Par la suite nous tombons sur "Synchronous" qui présente un autre style de rythme ambiant cerné par ces éléments décoratifs qui scintillent un peu partout dans l'univers de “Moonquake”. Ici, ils tintent et défilent comme des mini carrousels qui sont piégés sans des arcs rotatifs. Une dense membrane sonore libère la passion du synthétiseur sur ce rythme pulsatif. Ses chants allégoriques et ses multiples stries écarlates aiguisées dans la passion ajoutent au poids intensif de ce titre qui fait courir des frissons sur notre peau. Dans "Ocean", c'est plutôt le Mellotron qui nous donne des frissons. Ses chants flûtés flottent sur une lente structure dont le scintillement des arpèges rappelle vaguement les arrangements de Vangelis dans China ou encore la paisible progression de Jarre dans En attendant Cousteau. Ce long segment de contemplativité glisse vers une autre structure de rythme genre down tempo qui est poussée par un séquenceur en mode Tangerine Dream. Des accords graves amènent des effets dramatiques alors que le Mellotron persiste à charmer nos oreilles, au même titre que ces orchestrations lunaires qui cimentent cette vision d'intensité émotive qui surplombe les quelques 44 minutes de cet autre bel album de Bouvetøya.

Sylvain Lupari 24/10/18

mardi 23 octobre 2018

COLISSEUM: Adventus (2018)

“Adventus is an excellent surprise and a brilliant album rather unexpected coming from the ambient vision of Perceptual Defence”
1 Voices from the Tyrrhenian Sea 9:36
2 Dances along the River 8:28
3 Forum 6:32
4 Aeterno Convivium 4:28
5 A.D. LXXII 8:19
6 Fasti Triumphales 9:48
7 In seventh Heaven 5:10
8 Tribute to the roman Ancestors 8:03

Colisseum Music (CD/DDL 60:27)
(Theatrical e-rock & Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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This is what I call an excellent surprise. I would say even more; a brilliant album quite unexpected for those who know the ambient theatrical style of Gabriele Quirici, aka
Perceptual Defence, , who this time team up with another Italian musician, Alessandro Ghera, aka Alexynth Project, a musician very at ease in his Electronica signature. Thus, “Adventusmarks the birth of a new duo of Italian synthesists who pulls out an electro-ambient style from their analog as well as digital equipment. The main idea behind Colisseum is to offer an EM inspired by the roots of the old city of Rome. And if the genre is melting Tangerine Dream elements from the 70's to progressive Italian music with a slight hint of Electronica, the goal reaches us straight in the ears with a quite unexpected freshness.
Winds of tones and breezes of voices encircle our ears at the opening of "Voices from the Tyrrhenian Sea". The stereo effect is almost authentic, and the sound envelope is more than realistic. It's in this level of excellence that a synth scatters its breaths of flutes on a parterre oozing of tones of an organic radiance. The sequencer projects the vision of this calm duck on the water and whose legs get activated in a lively static and flickering ballet, while the charm of the Mellotron operates more and more. Motionless, this rhythmic structure staggers while storing up an intensity from an eager sequencer while the synths inject Vangelis tunes on an interlacing of two lines of sequences. This staging unlocks on these ambient rocks of the Berlin School style with sequencers and lines of hybrid rhythms which hover with momentums of intensity before landing on a mattress of ambient elements rich in textures and in tonal colors. What pops to the ears once "Voices from the Tyrrhenian Sea" is ending is this rhythmic physiognomy stimulated in Chris Franke's influences as the atmospheres are carefully woven into a vision of ruins and decrepitude. Each title in “Adventus” projects an independent vision, even if a dark envelope encircles its dimensions. The sequencer and percussive effects in "Dances along the River" are just delightful to my ears. They are nervous and rely on a bass pulsation, structuring these rhythms that make us tap the fingers while being absorbed by the tonal texture which exploits the scents of TD, especially at the level of the voice riffs, and Vangelis in the synths' tunes. The dimension of the ambiances borrows a dark approach whose twinning with the rhythmic progression brings us into the territories of Near Dark. Intense, my ears are still vibrating, "Forum" lays down its emotions with the help of a piano which hammers its notes with strength, sometimes on a bed of mist and sometimes on a conveyor for active and static sequences. "In seventh Heaven" is much in the same genre, except that his progression is very TD style!
"Aeterno Convivium" is a heavy track which exploits the ascending rotations of its rhythm lines in a well calculated velocity level. The music here spits harmonies woven in the shadows of Tangram whose apparent fright is whistled by spectra rooted in a heavy structure. I'm totally blown away by this album and it's not over yet because "A.D. LXXII" does things very differently. From its introduction one feels that the music will take a path that will be in close collaboration with a mix of Synth-pop and Electronica, genre Propaganda with Jewel track, whose essences embalm a heavy electronic rock and its symphonic coat. But before, it's big rock with a guitar dragging its strata in a swirl of rhythm blown in the adrenaline of the sequencer. The rhythm borrows a stationary approach with a helicopter propeller effect which bickers with the winds, the symphonic coat points at these horizons, before resuming its frantic race. A superb title with a 2nd part even more soaked with thirst for rhythm with a guitar that still rages, a bit like if Thorsten Quaeschning was at the controls of this fat and juicy theatrical rock. After an introduction of atmospheres sewn in uncertainty, "Fasti Triumphales" lights up its Blues lanterns with a very ethereal guitar on a nest of motionless sequences and percussions. The ambience warms up and the intensity progresses to barter its first 4 minutes relatively without rhythms for a second part as much intense than wild. The sequencer, and its taste for a sneaky approach, and the effects of percussion-clappers add to the charms of this title that we will learn to love even more after a few listening. When reading the review, you don't expect me to write that "Tribute to the roman Ancestors" is the most intense track in “Adventus”. A bit like its predecessor, it demands some additional listening and it swarms of a rhythmic intensity that makes me think of some good Picture Palace Music or yet
Tangerine Dream of its recent period of Sonic Poem Series.
I often put my involvement in the world of EM in question. I'm a bit tired and I wrote so many reviews in the past years. These are albums like “Adventus” that revives the flames of my passion. Colisseum gives us an intense album with a series of titles that surprises and charms in a heavy style that nevertheless leaves room for a vision of Italian poetry unique to the progressive music of this country. A huge surprise which lands in my Top 10 of 2018!
Sylvain Lupari (October 23rd, 2018) ****½*

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Available at Colisseum's Bandcamp
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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Voilà ce que j'appelle une excellente surprise. Je dirais même plus; un brillant album tout à fait inattendu pour ceux qui connaissent le style théâtral ambient de Gabriele Quirici, aka
Perceptual Defence, qui cette fois-ci fait équipe avec un autre musicien Italien, Alessandro Ghera, aka Alexynth Project, un musicien très confortable dans sa signature Électronica. Ainsi, “Adventus voit la naissance d'un nouveau duo de synthésistes Italiens qui extirpe un style électro-ambiant de leurs équipements autant analogues que digitaux. La principale idée derrière Colisseum est d'offrir une MÉ inspirée des racines de la vieille cité de Rome. Et si le genre est de fondre des éléments de Tangerine Dream des années 70 à la musique progressive italienne avec un léger soupçon d'Électronica, le but visé nous arrive dans les oreilles avec une fraîcheur tout à fait inattendue.
Des souffles de sons et des brises de voix encerclent nos oreilles en ouverture de "Voices from the Tyrrhenian Sea". L'effet stéréo est presqu’authentique et l'enveloppe sonore est des plus réalistes. C'est dans ce niveau d'excellence qu'un synthé éparpille ses souffles de flûtes sur un parterre suintant de tons d'une radiance organique. Le séquenceur projette la vision de ce canard calme sur l'eau et dont les pattes s'activent dans un vif ballet statique vacillant, alors que le charme du Mellotron opère de plus en plus. Stationnaire, cette structure de rythme chancelle tout en emmagasinant une intensité par un séquenceur avide alors que les synthés injectent des airs de Vangelis sur un entrecroisement de deux lignes de séquences. Cette mise-en-scène débloque sur ces rocks ambiants de la Berlin School avec des séquenceurs et leurs lignes de rythmes hybrides qui planent avec des élans d'intensité avant d'atterrir sur un sol d'ambiances riche en textures et en couleurs tonales. Ce qui saute aux oreilles une fois "Voices from the Tyrrhenian Sea" est cette physionomie rythmique stimulée dans les influences de Chris Franke alors que les ambiances sont soigneusement tissées dans une vision de ruines et de décrépitudes. Chaque titre dans “Adventus” projette une vision indépendante, même si une enveloppe ténébreuse en cerne les dimensions. Le séquenceur et les effets percussifs de "Dances along the River" sont tout simplement délicieux pour mes oreilles. Ils sont nerveux et ils s'appuient sur une basse pulsation, structurant ces rythmes qui nous font tapoter des doigts tout en étant absorbés par la texture tonale qui exploite les parfums de TD, surtout au niveau des riffs de voix, et de Vangelis dans les chants des synthés. La dimension des ambiances emprunte une approche ténébreuse dont le jumelage avec la progression rythmique nous amène dans les territoires de Near Dark. Intense, mes oreilles en vibrent encore, "Forum" couche ses émotions avec l'aide d'un piano qui martèle ses notes avec force, tantôt sur un lit de brume et tantôt sur un convoyeur pour séquences actives et statiques. "In seventh Heaven" est beaucoup dans le même genre, sauf que sa progression fait très TD!
"Aeterno Convivium" est un titre lourd qui exploite les rotations ascendantes de ses lignes de rythmes dans un niveau de vélocité bien calculé. La musique crache ici des harmonies tissées dans les ombrages de Tangram dont la frayeur apparente est sifflotée par des spectres enracinés dans une structure lourde. Je suis totalement soufflé par cet album et ce n'est pas fini puisque "A.D. LXXII" fait les choses très différemment. Dès son introduction on sent que la musique va emprunter un sentier qui sera en étroite collaboration avec un mélange de Synth-pop et d'Électronica, genre Propaganda avec Jewel, dont les essences embaument un lourd rock électronique et son manteau symphonique. Mais avant, c'est du gros rock avec une guitare qui traîne ses strates dans un tourbillon de rythme gonflé dans l'adrénaline du séquenceur. Le rythme emprunte une approche stationnaire avec un effet d'hélices d'hélicoptère qui se chamaillent avec les vents, le manteau symphonique pointe à ces horizons, avant de reprendre sa course effrénée. Un superbe titre avec une 2ième partie encore plus imbibée de soif de rythme avec une guitare qui rage toujours, un peu comme si Thorsten Quaeschning aux commandes de ce gros rock théâtral bien juteux. Après une introduction d'ambiances cousue dans l'incertitude, "Fasti Triumphales" allume ses lampions de Blues avec une guitare très éthéré sur un nid de séquences et de percussions stationnaires. Les ambiances s'échauffent et l'intensité progresse jusqu'à troquer ses 4 premières minutes relativement sans rythmes pour une 2ième partie aussi intense que sauvage. Le séquenceur, et son goût pour une approche sournoise, et les effets de percussions-claquettes ajoutent aux charmes de ce titre que l'on apprendra à aimer encore plus après quelques écoutes. À la lecture de la chronique, vous ne vous attendez pas à ce que j'écrive que "Tribute to the roman Ancestors" est le titre le plus intense de “Adventus”. Un peu comme son prédécesseur, il commande des écoutes supplémentaires et grouille d'une intensité rythmique qui me fait penser à du bon Picture Palace Music ou encore à du Tangerine Dream de sa récente période Sonic Poem Series.
Je remets souvent mon implication dans l'univers de la MÉ en question. Je suis un peu usé et j'ai chroniqué tellement de MÉ ces dernières années…Ce sont des albums comme “Adventus” qui ravive les flammes de ma passion. Colisseum nous balance un album intense avec une série de titres qui étonne et charme dans un style lourd qui laisse néanmoins une place à une vision de poésie italienne unique à la musique progressive de ce pays. Une surprise énorme qui figure sur mon Top 10 de 2018!

Sylvain Lupari 23/10/18

lundi 22 octobre 2018

DIGITAL HORIZONS: Kaleidoscape (2018)

“Good solid E-Rock in too much variable structures, Kaleidoscape is on the other hand the best from Digital Horizons that I've heard”
1 The Infinity Mirror (First Parallel) 7:37
2 kaleidoscape1 8:24
3 kaleidoscape2 5:17
4 kaleidoscape3 4:54
5 The Infinity Mirror (Second Parallel) 9:29

Digital Horizons Music (DDL 35:41)
(Berlin School, E-Rock)
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   **Chronique en français plus bas**
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Passed in a blink of the eye between Pegasus (30 Years of Digital Horizons) and Polarize, “Kaleidoscape” offers another great collection of titles that should expand Justin Ludford's fan base again. And by ricochet the one of Digital Horizons. The music is very energizing and offers contagious rhythms, even in these multiple mutations that require a greater tolerance in the listener. It's some good electronic rock mounted on nervous sequences and lurking in a sound fauna where Tangerine Dream of the late Virgin years and Jean-Michel Jarre, Revolutions' era, chew our ears dumbfounded by some solid electronic rock ... more than once.
"The Infinity Mirror (First Parallel)" initiates this tonal bloom with a line woven in twists which gurgles a dialect full of sleet. Chords and other sequences adorn this dance of sound slugs, while a strange musical veil fills a décor whose borders between the organic and the inorganic gets melt with wonder up until a line of bass makes its sensuality undulate. When the percussion falls, the structure is endowed with a line of sequences that loses its stroboscopic vision in the pecking of wooden castanets dancing on this rhythm where Groove and Funk move away from a solid electronic rock. In constant excitement, the 7:37 minutes of "The Infinity Mirror (First Parallel)" lug its music between Berlin School, Funk, Groove and electronic rock. It's a bit much for 7 minutes, but it's the world of Justin Ludford and our ears will appreciate the musicality behind his structures. It's however very different with the 3 parts of the title-track. Each part is independent and offers its electronic rock structure which plots in the bosom of Berlin School. The first half of "kaleidoscape1" is in ambient mode in a lush setting that is quite close to the Tangerine Dream genre of the Jive years. Covered with frost, sequences shiver while others perform tap dance before dragging the structure into a good electronic rock a la TD style. "kaleidoscape2" plunges us all into a world of rhythm drawn by the waves of oscillations which undulate beneath the layers of a seraphic choir. There are good percussive effects quite attractive on this title. "kaleidoscape3" is a big electronic rock scented with influences from a heavy and incisive Jarre. This is the catchiest title of “Kaleidoscape”. The long title of this E.P., "The Infinity Mirror (Second Parallel)" suffers a little of the same problem of disparity within its permutation phases. Everything changes too fast in relation to time, but there are very good moments, in fact the first 8 minutes… Its introduction is pushed by the cries of alarm from a synth in mode alert, and an amalgam of undulating sequences grafted of percussive effects and clatters of a skeleton on drugs. A fat rubbery sequence gobbles up this timorous pace attempt, pushing these elements into a heavy, boosted electronic rock with a tonal flora as seductive as softening for the few wax deposits in the ears. It's very catchy and it's also a pity that the final stretches into din spasms which are taken away a small part of its charms. But in the end, “Kaleidoscape” is without a doubt the best from Digital Horizons that I've heard.
Sylvain Lupari (October 22nd, 2018) *****

synth&sequences.com
Available at Digital Horizons' Bandcamp
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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Passé en coup de vent entre Pegasus - 30 Years of Digital Horizons et Polarize, “Kaleidoscape” propose une autre belle collection de titres qui devraient élargir à nouveau le bassin de fans du projet de Justin Ludford; Digital Horizons. La musique est très énergisante et propose des rythmes contagieux, même dans ces multiples mutations qui demandent une plus grande tolérance chez l'auditeur. C'est du bon rock électronique monté sur des séquences nerveuses et tapi dans une faune sonore où Tangerine Dream de la fin des années Virgin et Jean-Michel Jarre, période Révolutions, mastiquent nos oreilles médusées par du solide rock électronique…à plus d'un endroit.
"The Infinity Mirror (First Parallel)" amorce cette floraison tonale avec une ligne tissée dans des torsades qui gargouillent un dialecte plein de grésil. Des accords et d'autres séquences ornent cette danse de limaces sonores, alors qu'un étrange voile musical emplie un décor dont les frontières entre l'organique et l'inorganique fusionnent jusqu'à ce qu’une ligne de basse fasse onduler sa sensualité. Lorsque les percussions tombent, la structure se dote d'une ligne de séquences qui étiole sa vision stroboscopique dans les picorements de castagnettes en bois dansant sur ce rythme où le Groove et le Funk l'éloignent d'un solide rock électronique. En constante effervescence, les 7:37 de "The Infinity Mirror (First Parallel)" trimballent sa musique entre du Berlin School, du Funk, Groove et rock électronique. C'est un peu beaucoup pour 7 minutes, mais c'est l'univers de Justin Ludford et nos oreilles vont bien apprécier cette musicalité qui se cache derrière ses structures. C'est en revanche très différent avec les 3 actes de la pièce-titre. Chaque partie est indépendante et offre sa structure de rock électronique qui magouille dans le giron de la Berlin School. La première demie de "kaleidoscape1" est en mode ambiant dans un décor luxuriant qui est assez près du genre Tangerine Dream des années Jive. Couvertes de givres, des séquences grelottent alors que d'autres exécutent une danse de claquettes avant d'entraîner la structure dans un bon rock électronique très TD. "kaleidoscape2" nous plonge tout de go dans un univers de rythme dessiné par des vagues d'oscillations qui ondulent sous les nappes d'une chorale séraphique. Il y a de beaux effets percussifs assez séduisants sur ce titre. "kaleidoscape3" est un gros rock électronique parfumé des influences d'un Jarre lourd et incisif. C'est le titre le plus accrocheur de “Kaleidoscape”. Plus long titre de cet E.P., "The Infinity Mirror (Second Parallel)" souffre un peu du même problème de disparité à l'intérieur de ses phases de permutations. Tout change trop vite par rapport au temps, mais il y a de très bons moments…en fait ses 8 premières minutes Son introduction est poussée par les cris d'alarme d'un synthé en mode alerte et un amalgame de séquences ondulantes greffées d'effets percussifs et de cliquetis d'un squelette sur acide. Une grosse séquence caoutchouteuse gobe cette tentative de rythme timorée, poussant ces éléments dans un lourd rock électronique vitaminé d'une flore tonale aussi séduisante que ramollissante pour les quelques dépôts de cérumen dans les oreilles. C'est très entraînant et c'est aussi dommage que la finale s'étire dans des spasmes tintamarresques qui lui enlèvent une petite partie de ses charmes. Mais au final, “Kaleidoscape” est sans nul doute le meilleur de Digital Horizons que j'ai entendu.

Sylvain Lupari 22/10/18

vendredi 19 octobre 2018

SYNDROMEDA: Eternal Destination (2018)

“This has to be the best album, certainly one of his most accessible, from Syndromeda in years”
1 No Fear of Failure 8:11
2 Purity 11:59
3 Nothingness 9:04
4 Moving In 14:23
5 The Core 15:22
6 Here and There 12:09

SynGate CD-R SS25 (CD-r/DDL 71:11)
(Berlin School a la Syndromeda)
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   **Chronique en français plus bas**
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Sequences imbued of rubbery tones initiate the sharp galloping of "No Fear of Failure". Layers of chthonic choruses are growing as this unbridled rhythm moves away from our ears and returns with force. Plumper arpeggios are grafted on this virulent movement of the sequencer that never stops questioning the meaning of our listening with different tonal colors. Static and furiously stimulating for our neurons, the rhythm continues its approach of acid rock under the flagellations of synth lines whose long gurgles flirt with a psychedelic approach as a post-apocalyptic one. "No Fear of Failure" starts this 31st solo album of Syndromeda, and its 25th on SynGate, with strength and fury. Danny Budts doesn't waste time by instantly capturing the listener's attention with a vivid rhythm, rich in dislocated sequences, and a setting still so close to Dark Ambient's evil roots. Without doubt his best album, and certainly one of the most accessible to me, “Eternal Destination” brings the listener in this world of very specific tones of Syndromeda where the sequences dance like feet of young deer on a frozen pond, or in a delicious incoherence, under the bites and/or the caresses of a synthesist in his clothes of Mr Hyde and Dr Jekyll.
And "Purity" reminds it to us with its introduction sewn into mysticism. Multiple synth lines of are waving and expand circles dominated by darkness and dominate a pulsation whose glaucous tones end up generating these sneaky rhythms of the Syndromeda universe. A clearer sequence hops upstream, awakening this dormant synth which now launches slow anesthetic solos. This is pure Syndromeda flowing here with a heavy intensity of its tonal richness and in its sedentary rhythmic structure where this imprint of John Carpenter's Halloween still can be hear here. "Nothingness" is cast in the same mold, but with a more aphasic slowness. Each Danny Budts' album opens its window into the universe of atmospheres and of esoteric meditation. The long introduction of "Moving In" reminds it to us with its anesthetic organ pads where tries to resist a mute movement from the sequencer. But unlike "The Core" which is just of dark atmospheres, even if a sequence swims to survive, an ambient rhythm where two movements of the sequencer progress against the current leads us to a finale filled with harmonious jingles. For the rest, the soundscape is always of dark vibes with reverberating waves and dusty breezes which float in a dull thud from the underworld. "Here and There" ends “Eternal Destination” with a livelier approach. Less violent than in "No Fear of Failure", the rhythm puts down a vegetative approach in a sound pool filled of star dusts. The resonances of a bass sequence jump in with more energy, drawing these zigzagging rhythms of Berlin School. Syndromeda deploys the arsenal of his synthesizer with multi-lines with reverberation arches and solos as melodious as a song of nightingale engulfed in the interstices of this synth. It's very Edgar Froese, in the clothes of Syndromeda! "Here and There" progresses in these visions of Danny Budts where everything is frozen in eclecticism, both in terms of rhythms and soundscapes.
Available in HQ CD-r, from the SynGate factory, or in downloadable edition, “Eternal Destination” offers over 71 minutes of captivating and intriguing EM that could certainly expand the audience of Syndromeda. The range is wide, and the rhythms dominate more than those soundscapes conceived in the mysticism or this art that Dany Budts possesses to raise the horizons of dark ambient music of a notch. Some very good Syndromeda!
Sylvain Lupari (October 19th, 2018) *****

synth&sequences.com
Available at SynGate Web Shop

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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des séquences imbibées de tonalités caoutchouteuses initient le vif galop de "No Fear of Failure". Des nappes de chœurs chthoniens grossissent à mesure que ce rythme débridé s'éloigne de nos oreilles et revient toujours avec force. Des arpèges grassouillets se greffent à ce virulent mouvement du séquenceur qui n'arrête jamais d'interroger le sens de notre écoute avec différentes couleurs tonales. Statique et furieusement entraînant pour les neurones, le rythme poursuit son approche de rock acide sous les flagellations de lignes de synthés dont les longs gargouillements flirtent avec une approche autant psychédélique que post apocalyptique. "No Fear of Failure" amorce ce 31ième album solo de Syndromeda, et son 25ième chez SynGate, avec force et fureur. Danny Budts ne perd pas de temps à capter instantanément l'attention de l'auditeur avec un rythme vif, riche en séquences disloquées, et un décor toujours aussi près des racines maléfiques du Dark Ambient. Sans aucun doute son meilleur album, et certainement l'un des plus accessibles selon moi, “Eternal Destination” amène l'auditeur dans ce monde de tonalités très particulières de Syndromeda où les séquences dansent comme des pieds de jeunes cerfs sur un étang glacé, ou encore dans une délicieuse incohésion, sous les morsures et/ou les caresses d'un synthésiste dans ses habits de Mr Hyde et Dr Jekyll.
Et "Purity" nous le rappelle avec son introduction cousue dans le mysticisme. De multiples lignes de synthé ondoient et élargissent des cercles dominés par la noirceur et qui dominent une pulsation dont les tonalités glauques finissent par engendrer ces rythmes sournois de l'univers Syndromeda. Une séquence plus limpide sautille en amont, éveillant ce synthé dormant qui lance maintenant de lents solos anesthésiants. C'est du pur Syndromeda qui coule ici avec une intensité lourde de sa richesse tonale et de sa structure rythmique sédentaire où traine toujours cette empreinte de John Carpenter dans Halloween. "Nothingness" est coulé dans le même moule, mais avec une lenteur plus aphasique. Chaque album de Danny Budts ouvre sa fenêtre dans l'univers d'ambiances et de méditation ésotérique. La longue introduction de "Moving In" nous le rappelle avec ses nappes d'orgue anesthésiantes où tente de résister un mouvement du séquenceur. Mais contrairement à "The Core" qui est juste d'ambiances, même si une séquence nage afin de survivre, un rythme ambiant où deux mouvements du séquenceur progressent à contre-courant nous amène vers une finale remplie de tintements harmonieux. Pour le reste, le décor est toujours d'ambiances noires avec des ondes réverbérantes et des souffles poussiéreux qui flottent dans un sourd tintamarre venant des enfers. "Here and There" termine “Eternal Destination” avec une approche plus animée. Moins violent que dans "No Fear of Failure", le rythme couche une approche végétative dans un bassin sonore rempli de poussières d'étoiles. Les résonnements d'une basse séquence sautillent dans avec plus d'entrain, dessinant ces rythmes zigzagants de la Berlin School. Syndromeda déploie l'arsenal de son synthétiseur avec des multi lignes aux arcs de réverbérations et des solos aussi mélodieux qu'un chant de rossignol englouti dans les interstices de ce synthé. Ça fait très Edgar Froese, dans les habits de Syndromeda! "Here and There" progresse dans ces visions de Danny Budts où tout est figé dans l'éclectisme, tant au niveau des rythmes que du décor de ses ambiances.
Disponible en format CD-r de l'usine SynGate ou en format téléchargeable, “Eternal Destination” propose plus de 71 minutes de MÉ à la fois captivante et intrigante qui pourrait certainement élargir le public de Syndromeda. L'éventail est large et les rythmes dominent plus que ces ambiances conçues dans le mysticisme ou cet art que possède Dany Budts pour relever d'un cran les horizons de la musique ambiante ténébreuse. Du très bon Syndromeda!

Sylvain Lupari 19/10/18

mercredi 17 octobre 2018

E-TIEFENGRUND: Fusion Machines (2018)

“This is another wonder of minimalist and hypnotic beats carved in the wonderful art of sequencing”
1 Wendelstein 27:32
2 Tokamak 25:23
3 Sonolumineszenz 24:15

SynGate CD-R TI05 (CD-r/DDL 77:10)
(Retro Berlin & Düsseldorf Schools)
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   **Chronique en français plus bas**
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A reverberant canvas emits its rays of distortions to develop quietly the long minimalist structure of "Wendelstein". Suspended synth tears and thunderous sound effects feed an ambiospherical opening that picks up everything that prowls in its black hole, including tiny bells in sequencing mode, to weave a mosaic of sounds from deep into the cosmos. Tears become nice laments while the scenery is still densely deafening. A line of bass pulsations is born from this always tamed tumult, sculpting an ascending cadence that makes us forget this good permutation of bells for tones from a plump and nervous woodpecker. One clearly hears noises in a computer language as the duo Silvia and Michael Kempe take us to a rhythmic mishmash filled with percussive and sound elements, including fire shots which carve a rhythm line in the background. At this point, around the 11 minutes, the sequencer re-evaluates its rhythmic strategy by accelerating the pace of the woodpecker that drives the synth in its jazzman's coat and the reverberant undulations in its disillusioned singer's clothes. This tasty chaos lingers until about the 16th minute, moment when "Wendelstein" deploys its semi-slow form without altering anything of its sonic disorder.
These first 27 minutes, difficult to tame if I want to be honest, lead us, hypnotized by this sonic amplitude, into the fascinating universe where everything seems the same, but nothing is really is from E-Tiefengrund. From “Fusion Machines”! The model remains the same. Long structures sitting on minimalist rhythms built on analog sequencers which play with speeds and infinite rhythmic possibilities. From the same gesture formula, "Tokamak" is the most seductive and easy to tame title of E-Tiefengrund's 5th album, all on SynGate. The sound mass and its reverberant effects remain the core of its genesis, except that the sequences and the percussive elements, totally seductive by the way, sculpt a very Düsseldorf School approach which is hypnotically lively. The last part, which happens around the 15 minutes, is feed of a sound fauna as variegated as totally crazy. A sound fauna filled with graffiti and braids from synths as much dynamic as the sequencers and which adorn too the more languid rhythm of "Sonolumineszenz".
Well settled in its comfort zone, E-Tiefengrund managed to charm as much as Kraftwerk ... But in anonymity! And it's a shame because the German duo has this art of concocting a seductive and magnetizing minimalist music with just what is enough to amaze our ears every five minutes. The sound textures in this “Fusion Machines” are ultra rich and become as important than its rich textures of rhythms built in the wonderlands of the sequencing art intertwined in crossroads where the disorders are also sources of cohesions. This duo is always so good since Voltage Sessions back in 2013!
Sylvain Lupari (October 17th, 2018) ***¾**

synth&sequences.com
Available at SynGate Web Shop
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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Une toile réverbérante émet ses rayons de distorsions afin de développer bien tranquillement la longue structure minimaliste de "Wendelstein". Des larmes de synthé en suspension et des effets sonores tonitruants alimentent une ouverture ambiosphérique qui ramasse tout ce qui traîne dans son trou noir, y compris de fines clochettes en mode séquences, afin de tisser une mosaïque sonore venant de loin dans le cosmos. Les larmes deviennent de belles complaintes alors que le décor reste toujours aussi densément assourdissant. Une ligne de basses pulsations naît de ce tumulte toujours apprivoisé, sculptant une cadence ascendante qui nous fait oublier cette superbe permutation des clochettes pour des tonalités de pic-bois dodus et nerveux. On entend clairement des bruits gazouiller un langage informatique alors que le duo Silvia et Michael Kempe nous amène vers un micmac rythmique rempli d'éléments sonores et percussifs, notamment des coups de feu qui sculptent une ligne de rythme en arrière-plan. C'est à ce moment, autour des 11 minutes, que le séquenceur réévalue sa stratégie rythmique en accélérant la cadence des piciformes qui entraîne le synthé dans son manteau de jazzman et les ondulations réverbérantes dans leurs habits de chanteur désillusionné. Ce savoureux chaos traîne jusque vers la 16ième minute, moment où "Wendelstein" déploie sa forme semi-lente sans rien altérer à son désordre sonique.
Ces 27 premières minutes, difficiles à apprivoiser si je veux être honnête, nous entraînent bien hypnotisé par cette amplitude sonore dans le fascinant univers où tout semble pareil mais rien ne l'est de E-Tiefengrund. De “Fusion Machines”! Le modèle reste le même. De longues structures bien assises sur des rythmes minimalistes construit sur des séquenceurs analogues qui jouent avec les vitesses et les infinis possibilités rythmiques. Issu de la même formule gestative, "Tokamak" reste le titre le plus séduisant et le plus facile à apprivoiser du 5ième album d'E-Tiefengrund, tous sur SynGate. La masse sonore et ses effets réverbérants restent le cœur de sa genèse, sauf que les séquences et les éléments percussifs, totalement séduisants par ailleurs, sculptent une approche très Düsseldorf School qui est hypnotiquement entraînante. La dernière partie, qui arrive autour des 15 minutes, est nourrie d'une faune sonore aussi bigarrée que disjonctée. Une faune sonore remplie de graffitis et de torsades de synthés aussi dynamiques que les séquenceurs et qui ornent le rythme plus alangui de "Sonolumineszenz".
Bien installé dans sa zone de confort, E-Tiefengrund réussi à charmer autant que Kraftwerk… Mais dans l'anonymat! Et c'est dommage puisque le duo Allemand a cet art de concocter une musique minimaliste séduisante et magnétisante avec juste ce qu'il faut pour émerveiller nos oreilles à toutes les cinq minutes. Les textures sonores dans ce “Fusion Machines” sont ultra riches et deviennent aussi importantes que ses riches textures de rythmes construites dans le merveilleux art du sequencing et entrecroisés dans un carrefour où les désordres sont aussi sources de cohésions. Toujours aussi bon depuis Voltage Sessions en 2013!

Sylvain Lupari 17/10/18