lundi 15 octobre 2018

ELECTRIC ORANGE: Unterwasser (Live 2002) (2002-2018)

“This is a pure feast of Psy Rock, Krautrock and EM of the great analog era of Berlin music eclosion”
1 ffurg 15:51
2 transit ins jenseits 18:50
3 sauerkirsch 5:54
4 myd 18:41
5 not of 17:45
6 wet cake 7:23
7 ortat 17:35
8 span 13:57
9 hydrog 16:17
10 lake 11:21
11 mk 13:23

Electric Orange Music (DDL 157:00 & Vinyl)
(Blend of analog Berlin School, psy rock and Krautrock)
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   **Chronique en français plus bas**
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Electric Orange on Synth&Sequences!? Don't worry, this Blog doesn't intend to issue reviews about Krautrock music. There are much more specialized sites on the subject. But sometimes, both genres can harmonize with a real complicity. Like in this fascinating “Unterwasser (Live 2002)”! It was after a post on Facebook that I dipped my ears on a video of the half of Electric Orange playing "transit ins jenseits". I had found the music as good as the post mentioned, even though the music was more in mode Floydian psychedelic rock of the late 60's. Like in XXV by the way, the latest EO album! The post in question also referred to what was some very good Berlin School to be find in this album. And it's indeed the case! So, I decided to push the adventure further … It's with electronic noises, others more of the cosmic kind, and effects of vapors in reverberant mutations that "ffurg" is lodged between my ears. From these noises are born effects of lascivious percussive elements without wills. Calmly, a hypnotic trance rhythm of a pleasant slowness forms behind a thick wall of reverberations and sound distortions. Drums and sequences are added to this anesthetic rhythm. The range and swarm form a fascinating texture of percussive elements that grows like an ethereal ride under the many caresses of a misty Mellotron and the many bites of psychedelic effects. Evolutionary, the rhythmic frame captures all these small details and nuances to mix the Krautrock motorik with the model of sequenced rhythms of the Berlin School. In this form or in others, the 11 structures and the 157 minutes of “Unterwasser (Live 2002)” lug the listener into a unique realm where the tasty music of the golden years of Berlin's creativity transcends its borders.
Electric Orange is labeled first and foremost as a Krautrock and a psychedelic rock band of about 4 musicians; a drummer, a bassist, a guitarist and a keyboardist. It's this keyboardist, Dirk Jan Müller, who is the founder of this group whose first self-entitled album was released on Mario Schönwälder's label, Manikin Records, in 1993.  And it's in the framework of Manikin's 10th anniversary that this “Unterwasser (Live 2002)” was improvised and recorded. The band was invited to play at the Manikin Festival held in Bad Sulza on April 6th, 2002. For this event, Electric Orange was represented by 2 musicians; Dirk Jan Müller on keyboards, synths and Mellotron and Dirk Bittner on guitars, vocoder and synthesizers too. It's therefore without computers that EO performed in the morning and evening for two sets of more than 60 minutes each. This resulted in a double CD, released shortly after, which will be reissued in vinyl version in November of this year. In its simplest device, EO offered thus a music loaded of analog tones and fragrances on long improvised tracks worthy of the good times of Ash Ra and Pink Floyd with a superb electronic vision driven by a Tangerine Dream still on the exploratory path.
"transit ins jenseits" is more in the genre of Ash Ra, while "sauerkirsch", as well as "wet cake", offer short ambiospherical passages a little more experimental. Languishing in its oriental scent and slightly psychedelic texture, "myd" is as much tasty, although the voice of Dirk Bittner (I hear Arthur Brown here) can annoy some, than "ffurg". "not of" is in the same genre, with a psychedelic essence more oriented towards the A Saucerful of Secrets period from the pink flamingo. The Mellotron in "ortat" is quite divine in a structure straddling between a psychedelic genre and the analog electronics as well as well supported by Nick Mason's drumming style. We are entering in the Berlin School core of “Unterwasser (Live 2002)” with compositions simply just great for improvised music. "span" is a marvel! The sequencer, and its steps of young deer on a frozen pond, as well as the Mellotron takes us back to the nice time of the Dream on a long structure where noises and unusual sound effects remain sources of charm. The rhythm unbridled by a superb cohesion of sequences and percussions, "hydrog" is even more convincing with its vision of Force Majeure. "lake" is another title that develops with a lascivious slowness. The fragrances of Orient float on a sequencer which doesn't want to know anything about anonymity. "mk" concludes this little gem of Electric Orange with a processional structure where the borders of Pink Floyd, Ash Ra and Tangerine Dream merge into a more obscure or even more Chthonian musical structure. The procession moves with percussions in mode spiritual trance whereas that guitar riffs and breaths of flutes squabble a harmonic dimension in decay that blends into the huge layers of Mellotron filled of mist and mysticism.
Released in 2002, “Unterwasser (Live 2002)” remains of actuality with its next vinyl reissue which follows the 25th album of Electric Orange soberly titled XXV. A double album that I listened too, thanks to the kind collaboration of Dirk Jan Müller, and which is closer to the textures of the 1st part of this live album of more than 2 hours of music. But 2002 or 2018, this album of EO is a solid opus that would please to fans of Berlin School for sure. Who knows? That's maybe how the entirely analog Berlin School style project of Dirk Jan Müller, Cosmic Ground, was set on its feet some 12 years later. A must!
Sylvain Lupari (October 15th, 2018) *****

synth&sequences.com
Available on Electronic Orange Bandcamp
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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Electric Orange sur Synth&Sequences!? Ne vous en faites pas, ce Blog n'a pas l'intention d'émettre des chroniques sur la musique Krautrock. Il y a des sites nettement plus spécialisés sur le sujet. Mais parfois, les deux genres peuvent s'harmoniser avec une réelle complicité. Comme dans ce fascinant “Unterwasser (Live 2002)”! C'est à la suite d'un post sur Facebook que j'ai trempé mes oreilles sur une vidéo de la moitié d'Electric Orange qui interprétait "transit ins jenseits". J'avais trouvé ça effectivement aussi bon que le post mentionnait, même si la musique était nettement plus en mode rock psychédélique très Floydien de la fin des années 60. Comme XXV d'ailleurs, le dernier album d'EO. Le post en question faisait aussi référence à ce qu'il y avait du très bon Berlin School dans cet album. Et c'est effectivement le cas! Ainsi, j'ai décidé de pousser l'aventure plus loin…C'est avec des bruits électroniques, d'autres plus du genre cosmique, et des effets de vapeurs en mutations réverbérantes que "ffurg" se loge entre mes oreilles. De ces bruits naissent des effets percussifs lascifs et sans volontés. Calmement, un rythme de transe hypnotique d'une lenteur agréable se forme derrière une épaisse muraille de réverbérations et distorsions sonores. Des percussions et des séquences se greffent à ce rythme anesthésiant. L'éventail et l'essaim forment une fascinante texture d'éléments percussifs qui grandit comme une chevauchée éthérée sous les multiples caresses d'un Mellotron brumeux et les nombreuses morsures des effets psychédéliques. Évolutive, l'armature rythmique saisie tous ces petits détails et nuances afin de bien mélanger le style Krautrock motorique au modèle des rythmes séquencés de la Berlin School. Dans cette forme ou dans d'autres, les 11 structures et les 157 minutes de “Unterwasser (Live 2002)” trimballent l'auditeur dans un royaume unique où la savoureuse musique des années d'or de la créativité berlinoise dépassait ses frontières.
Electric Orange est étiqueté d'abord et avant tout comme étant un groupe de Krautrock et de rock psychédélique de plus ou moins 4 musiciens; un batteur, un bassiste, un guitariste et un claviériste. C'est ce claviériste, Dirk Jan Müller, qui est le fondateur de ce groupe dont le premier album est sorti sur le label de Mario Schönwälder, Manikin Records, en 1993. Et c'est dans le cadre du 10ième anniversaire de Manikin que ce “Unterwasser (Live 2002)” fut improvisé et enregistré. Electric Orange était invité à jouer au Festival commémoratif de la maison Manikin qui s'est tenu à Bad Sulza le 6 Avril 2002. Pour cette occasion, Electric Orange était représenté par 2 musiciens; Dirk Jan Müller au claviers, synthés et Mellotron et Dirk Bittner aux guitares, vocodeur et synthétiseurs. C'est donc sans computeurs qu'EO performait en matinée et en soirée pour deux sets de plus d'une heure chaque. Il en a résulté à un double CD, sorti peu de temps après, qui sera réédité en version vinyle en Novembre de cette année. Dans son plus simple appareil, EO offrait donc une musique aux sonorités analogues et aux improvisations dignes des bons moments d'Ash Ra et Pink Floyd avec une superbe vision électronique mue par un Tangerine Dream encore sur la voie exploratrice.
"transit ins jenseits" est plus dans le genre Ash Ra, alors que "sauerkirsch", ainsi que "wet cake", offrent de courts passages ambiosphériques un peu plus expérimentaux. Langoureux dans son parfum d'orient et sa texture légèrement psychédélique, "myd" est aussi savoureusement languissant, quoique la voix de Dirk Bittner (j'entends du Arthur Brown ici) peut agacer certains, que "ffurg". "not of" est dans le même genre, avec une essence psychédélique plus orientée vers la période A Saucerful of Secrets du flammant rose. Le Mellotron dans "ortat" est tout à fait divin dans une structure à cheval entre le psychédélique et l'électronique analogue et bien soutenue par des percussions genre Nick Mason. On entre dans le cœur du genre Berlin School de “Unterwasser (Live 2002)” avec des compositions tout simplement géniales pour une musique improvisée. "span" est une merveille! Le séquenceur, et ses pas de jeunes cerfs sur un étang gelé, ainsi que le Mellotron nous ramène à la belle époque du Dream sur une longue structure où bruits et effets sonores insolites restent des sources de charme. Le rythme débridé par un superbe cohésion séquences et percussions, "hydrog" est encore plus convaincant avec sa vision très Force Majeure. "lake" est un autre titre qui se développe avec une lenteur lascive. Les parfums d'Orient flottent sur un séquenceur qui ne veut rien savoir de l'anonymat. "mk" conclut cde petit bijou d'Electric Orange avec une structure processionnelle où les frontières de Pink Floyd, Ash Ra et Tangerine Dream se fondent dans une structure musicale plus obscure, voire plus Chthonienne. La procession progresse avec des percussions en mode transe spirituelle alors que des riffs de guitare et des souffles de flûtes se chamaillent une dimension harmonique en décrépitude qui se fond dans les immenses couches de Mellotron remplies de brume et de mysticisme.
Paru en 2002, “Unterwasser (Live 2002)” reste d'actualité avec sa prochaine réédition vinyle qui suit le 25ième album d'Electric Orange sobrement intitulé XXV. Un album double aussi que j'ai écouté, grâce aussi à l'aimable collaboration de Dirk Jan Müller, et qui se rapproche plus des textures de la 1ière partie de “Unterwasser (Live 2002)”. Mais 2002 ou 2018, cet album d'EO est un solide opus qui allait sans doute initier le projet solo, entièrement Berlin School analogue, de Dirk Jan Müller Cosmic Ground quelques 12 ans plus tard. Un incontournable!

Sylvain Lupari 15/10/18 

jeudi 11 octobre 2018

MICHEL HUYGEN: Kryptyk (2018)

“That's have to be the most beautiful and most accessible album that Michel Huygen has produced so far”
1 Al-Ula 5:16
2 Return to Mystykatea 6:41
3 La Hija Del Sol 1:49
4 In Your Dimension 4:53
5 Elon's Visions 4:19
6 Electro-Bubbles of Energy4:20
7 Santa Monica Promenade 4:08
8 Suvarnabhumi (The Golden Land) 7:21
9 Kryptyk 4:00
10 Et Ad Te Ipsum 5:30

Neuronium Records
(48:17)
(Ambient, New Age, Melodic)
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   **Chronique en français plus bas**
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Michel Huygen is not Neuronium! In the sense that the co-founder of the Spanish cult band of EM is very able to move away from the spheres of Neuronium when he proposes an album under his name. Two entities for two very distinct approaches where his music is much more meditative and perfumed by the melodious sweetness of New Age, while that of Neuronium is more focused on a psychotronic model allied to Berlin School. Except that on “Kryptyk”, Michel Huygen transgresses with an unstoppable fingering his own borders. The music proposed on this (already) 44th opus of Huygen/Neuronium, since that Quasar 2C361 has treaded our ears in 1977, travels between phases of meditation, beautiful soft melodies to make our soul shivering and structures animated of rhythms as complex as very catchy. The arrangements, the effects of voices and guitar are amazingly realistic and transports us to a beautiful sonic collection that even seduced my beautiful Lise. The most beautiful and most accessible album that Michel Huygen has produced so far!
And it starts with slight jingles and synth lines whose reverb effects even caress our ears. "Al-Ula" releases these synth lines with very diversified colors that twist like a nest of snakes on a prisoner island in the middle of an astral ocean. Filaments with absent voices hum an embryonic melody that melts into a brief rhythmic offering and loses itself in a finale splashed with ephemeral tones like moths trapped in an electric trap. Subsequently, we fall into the first operation charm of “Kryptyk” with the superb "Return to Mystykatea". This elegiac title offers a romantic piano with tears of melancholy that resonate in the web of void. Michel Huygen has created a splendid soprano voice in the interstices of his synthesizer. Its seraphic chants light up the furnace of our emotions. And paired with this piano as evasive as the most beautiful moments of Vangelis or Suzanne Ciani, they pull us quietly towards the sweet songs of astral whales. A superb moment which continues, even if the two titles are not linked, with another piece of tenderness, "La Hija Del Sol" and its concerto for sampled voices on the bed of a celestial harp. Another title that shows Huygen's talent of creator is "In Your Dimension" which continues this path of tenderness and melancholy initiated by "Al-Ula". Here it's an acoustic guitar that weaves the canvases of romance of a lonely soul under a starry sky. The guitar notes resonate with realism and its pinched tweets that go straight to the heart are dampened by a layer of an absent choir and some nice orchestral arrangements.
"Elon's Visions" ends this emotional relationship between Michel Huygen and his listener with very twisted solos jostling in a structure without other lives, apart from some notes that try to come together in order to create a more coherent structure. I'm not sure, but I hear some notes whispering to me as the solos gesticulate and sing with the implants of a soprano on drug. Finally, these chords and sequences sculpt a rhythm always without cohesion where charm however textures and forms of solos sometimes quite ethereal. We are in the rhythmic phase of “Kryptyk” with a very playful "Electro-Bubbles of Energy" in its musical funfair elements. Crystal clear arpeggios unfold an endless harmonic bed on a dislocated dance rhythm, like break-dance, where are tinkling some big juicy sequences and other fat chords. We stay in a good EDM phase with the suave "Santa Monica Promenade". This title cuts through all the elements in order to obsess us all day long; a light and catchy rhythm, sensual voices in the background and a divine female singer who radiates our ears with a voice of goddess while the piano weaves an incredible melody weaver of musical itch. One whistles and hums in our head for a while! When Michel informed us that "Suvarnabhumi (The Golden Land)" was nominated at the Hollywood Music Awards, Media section, as one of the best New Age Ambient tracks in 2018, I didn't expect the Americans to have a so open-minded. It's indeed an ambient title with fragrances of the East which astonishes by the purity of the Diva sampled and arranged by himself in the filters of his synthesizer. The title-track offers a good bold rock where our friend Michel overflows with his meditative style to flirt with his Neuronium side with a complex and tasty approach in both organic and psychotronic textures. Let's say I didn't like it the first time...maybe the second shot too! I think it's because of its creativity and its incredible stereo effects that we end up by liking this "Kryptyk". "And Ad Te Ipsum" ends “Kryptyk” by an ocean of serenity, thus closing the loop of an album that takes us through the gamut of emotions. A very surprising album by Michel Huygen for whom the synthesizers don't have any more secrets but which still remain to our ears, at least mine, those instruments of endless auditory pleasures!
Sylvain Lupari (October 11th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available at CD Baby and Amazon

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                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Michel Huygen n'est pas Neuronium! En ce sens que le cofondateur du groupe culte Espagnol de MÉ est très capable de s'éloigner des sphères de Neuronium lorsqu'il propose un album sous son nom. Deux entités pour deux approches très distinctes où sa musique est nettement plus en mode méditative et parfumée des douceurs mélodieuses du New Age, alors que celle de Neuronium est plus axée sur le modèle psychotronique Berlin School. Sauf que sur “Kryptyk”, Michel Huygen transgresse avec un imparable doigté ses propres frontières. La musique proposée sur ce (déjà) 44ième opus de Huygen/Neuronium, depuis que Quasar 2C361 a foulé nos oreilles en 1977, voyage entre des phases de méditations, de splendide mélodies moelleuses à faire frémir notre âme et des structures animées de rythmes autant complexes que très accrocheurs. Les arrangements, les effets de voix et de guitare sont d'un réalisme stupéfiant et nous transporte sur un très beau recueil sonique qui a séduit ma très belle Lise. Le plus beau et le plus accessible que Michel Huygen ait produit à date!
Et ça débute avec de légers tintements et des lignes de synthé dont les réverbérations caressent tout de même nos oreilles. "Al-Ula" libère ces lignes de synthé aux couleurs très diversifiées qui s'entortillent comme un nid de couleuvres sur une île prisonnière au milieu d'un océan astral. Des filaments avec des voix absentes fredonnent une mélodie embryonnaire qui se fond dans une brève offrande rythmique et se perd dans une finale éclaboussée de tonalités aussi éphémères que les papillons de nuit trappés dans un piège électrique. Par la suite, nous tombons dans la 1ière opération charme de “Kryptyk” avec le superbe "Return to Mystykatea". Ce titre élégiaque offre un piano romanesque avec ses larmes de mélancolie qui résonnent dans la toile du néant. Michel Huygen a créé une splendide voix de soprano dans les interstices de son synthétiseur. Ses chants séraphiques allument le fourneau de nos émotions. Et jumelés à ce piano aussi évasif que les plus beaux moments de Vangelis ou de
Suzanne Ciani,  ils nous tirent tranquillement vers les doux chants de baleines astrales. Un superbe moment qui se poursuit, même si les deux titres ne sont pas liés, avec une autre pièce de tendresse, "La Hija Del Sol" et son concerto pour voix échantillonnées sur le lit d'une harpe céleste. Autre titre qui démontre le talent de créateur d'Huygen, "In Your Dimension" qui poursuit cette route de tendresse et mélancolie amorcée par "Al-Ula". Ici, c'est une guitare acoustique qui tisse les toiles de romance d'une âme solitaire sous un ciel étoilé. Les notes de guitare résonnent de réalisme et ses pincements acuités qui vont droit au cœur sont amortis par une nappe d'une chorale absente et de beaux arrangements orchestraux.
"Elon's Visions" termine ce rapport affectif entre Michel Huygen et son auditeur avec des solos très torsadés qui se bousculent dans une structure sans autres vies, mise à part quelques notes qui tentent de se rassembler afin d'endosser une structure plus cohérente. Je ne suis pas certain, mais j'entends certaines notes me chuchoter alors que les solos gesticulent et chantent avec des implants de soprano sur l'acide. Finalement, ces accords et des séquences sculptent un rythme toujours sans cohésion où charment cependant les textures et les formes des solos parfois assez éthérés. Nous sommes dans la phase rythmique de “Kryptyk” avec un "Electro-Bubbles of Energy" très enjoué gans ses éléments de fête foraine musicale. Des arpèges limpides déroulent un lit harmonique sans fin sur un rythme de danse disloquée, genre break-dance, où tintent de grosses séquences juteuses et autre accords gras. On reste dans du bon EDM avec le suave "Santa Monica Promenade". Ce titre recoupe tous les éléments pour nous obséder à longueur de journée; rythme léger et entraînant, voix sensuelles en arrière-plan et une divine chanteuse qui irradie nos oreilles avec une voix de déesse alors que le piano tisse une incroyable mélodie tisseuse de ver d'oreille. On la siffle et chantonne dans notre tête pour un bout de temps! Lorsque Michel nous a informé que "Suvarnabhumi (The Golden Land)" était en nomination au Hollywood Music Awards, section Media, comme un des meilleurs morceaux de New Age Ambient en 2018, je ne m'attendais pas à ce que les Américains aient une si grande ouverture d'esprit. C'est effectivement un titre ambiant avec des parfums d'Orient qui étonne par la pureté de la Diva échantillonnée et arrangée par lui-même dans les filtres de son synthétiseur. La pièce-titre offre un bon rock audacieux où l'ami Michel déborde de son style méditatif pour flirter avec son côté Neuronium avec une approche complexe et savoureuse dans texture autant organique que psychotronique. Disons que je n'ai pas aimé à la première écoute! Je crois que c'est à cause de sa créativité et de ses incroyables effets stéréo que l'on finit par aimer ce "Kryptyk"."Et Ad Te Ipsum" termine “Kryptyk” par un océan de sérénité, bouclant ainsi la boucle d'un album qui nous fait passer par toute la gamme des émotions. Un album très surprenant de Michel Huygen pour qui les synthétiseurs n'ont plus vraiment de secrets mais qui restent encore à nos oreilles, à tout le moins les miennes, des instruments de plaisirs auditifs sans fin!

Sylvain Lupari 11/10/18

lundi 8 octobre 2018

NORD: Whispers (2018)

“That's has to be Nord's oddest album to date, but it still has those fascinating moves and moments in some dense paranormal vibes”
1 Whispers Part 1; Do You Want to Know a Secret? 19:12
2 Whispers Part 2; Hypnos 16:52
3 Shadows 9:43
4 Whispers Part 3; It Was Just a Dream 12:58

Nord Music (DDL 58:46)
(Berlin School)
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 **Chronique en français plus bas**
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What's going on under this very vintage artwork? We are a little far from the air of California with this sweet face that seems to whisper the music of Nord in another light. We had a right to questioning since the Romanian synthesist liked to present progressive rock within the Berliner parameters just a few months ago. An incursion into the Californian style of the 60's and 70's? None of that in this “Whispers” which is a literally strange album, as if the whole Nord's universe was now focused on paranormal or on science fiction.

"Do You Want to Know a Secret?" starts this last offering of Sztakics István Attila with this ascendant rhythm movement typical of the Berlin School ambient genre. The sequencer frees this line of rhythm that goes up and down, stumbles and gets up in a sound mass stuffed with slow effects of reverberations and orchestrations where wander some solos of synth well scattered in this universe of ether and melancholy. At times, the orchestrations become large sonic wings that engulf us in a more sibylline than lyrical universe. In fact, the secret would be keep silent by entities of a parallel universe that I would believe it, so much it's nebulous and always in sepulchral mode. Strident solos and grave chords guide us to Part 2 where "Do You Want to Know a Secret?" releases its secret by the mean of a big electronic rock of 5 minutes before the music returns to the habitats of its introduction. The music in “Whispers” changes direction more often that it has to, within its 4 tracks, touching even a chaos and a din that always finds the essence of its roots. And "Hypnos" has nothing like of the ambient music that one would have thought. The rhythm is lively and surrounded by the spectral songs of the synth and its solos. The sequences are keen and undisciplined, structuring this rhythm of acid rock that whirls in the same direction as the spectral songs and the spirals of the synth and its effects tributary of its vision of beyond the world or invasions of bad aliens. Calmer and more in hypnotizing Berlin School mode, the second part takes us into these whisperings that often don't serve the cause of a music designed for a film by John Carpenter.
"Shadows" always stays in this envelope of a world beyond the grave with an introduction full of Vangelis synth effects and other effects that mix elements of fear and of EM. A sequence flickers behind this wall of dramatic effects with a synth and its twirling solos just like they were absorbed by a cyclone eye. Another sequence begins its surreal dance with a continuous beat that kicks in the spot, bringing "Shadows" into a short rhythmic escapade that didn't need it, so much the stationary rhythmic decor and the sonic graffiti of a synth and its solos contorted like an acrobat from the Cirque du Soleil restrain its vigor. "It Was Just a Dream" remains the most consistent title of “Whispers”. Imaged in the futuristic structures of Vangelis, its introduction combines softness and rigor with nice arpeggios floating in those allegorical mists. A beautiful piano sings with the weeping effects of the synth, forging a beautiful structure of intense melancholy. I would have liked it to remain as it is, because it does very Bernd Kistenmacher too, but the sequencer decides otherwise around the 4th minute. Carrying the last vestiges of this nostalgic dawn, it brings "It Was Just a Dream" to a fascinating electronic rock where the symphonic portion of its introduction throws its fractions in a beautiful rhythmic spiral that is more musical, and more surprising, than that of "Hypnos". Except that in the end, "It Was Just a Dream" concludes an album that is also at the height of its permutation towards this astonishing universe of discord as well as cohesion which structures the 60 minutes of “Whispers”.
Sylvain Lupari (October 8th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available at Nord Bandcamp

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                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Que se passe-t-il sous cette pochette très vintage? Nous sommes un peu loin des airs de la Californie avec ce doux visage qui semble nous chuchoter la musique de Nord sous un autre jour. On avait un peu de quoi s'interroger puisque le synthésiste Roumain aimait bien nous présenter du rock progressif à l'intérieur des paramètres Berliner il y a quelques mois à peine. Une incursion dans le style Californien des années 60-70? Rien de cela dans ce “Whispers” qui est un album littéralement étrange, un peu comme si l'univers tout entier de Nord se concentrait maintenant sur le paranormal ou encore sur la science-fiction.
"Do You Want to Know a Secret?" débute cette dernière offrande de Sztakics István Attila  avec ce mouvement de rythmes ascensionnel typique au genre Berlin School ambiant. Le séquenceur libère cette ligne de rythme qui monte et descends, trébuche et se relève dans une masse sonore bourrée de lents effets de réverbérations et d'orchestrations où errent quelques solos de synthé bien éparpillés dans cet univers d'éther et de mélancolie. Par moments, les orchestrations deviennent de grandes ailes sonores qui nous engloutissent dans un univers plus sibyllin que lyrique. En fait, le secret serait tu par des entités d'un univers parallèle que j'y croirais, tant c'est nébuleux et toujours en mode sépulcral. Les solos acuités et des accords graves nous guident vers la 2ième partie où "Do You Want to Know a Secret?" libère son secret dans un gros rock électronique de 5 minutes avant que la musique ne revienne dans les habitats de son introduction. La musique dans “Whispers” change de directions plus souvent qu'à son tour à l'intérieur de ses 4 titres, frôlant même un chaos et du tintamarre qui retrouve toujours l'essence de ses racines. Et "Hypnos" n'a rien des allures de musique ambiante que l'on aurait pensé. Le rythme est vif et cerné dans les chants spectraux du synthé et de ses solos. Les séquences sont vives et indisciplinées structurant ce rythme de rock acide qui tournoie dans le même sens que les chants spectraux et les spirales du synthé et de ses effets tributaires de sa vision d'outre-monde ou d'invasion d'extra-terrestres méchants. Plus calme et plus en mode Berlin School hypnotisant, la 2ième partie nous entraîne dans ces chuchotements qui souvent ne servent pas la cause d'une musique conçue pour un film de John Carpenter.
"Shadows" reste toujours dans cette enveloppe d'outre-monde avec une introduction bourrée d'effets de synthé Vangelis et d'autres effets qui mixent éléments de peur et électroniques. Une séquence scintille derrière cette muraille d'effets dramatiques avec un synthé et ses solos virevoltants comme étant absorbés par un œil de cyclone. Une autre séquence débute sa danse surréelle avec un battement continu qui trépigne vivement sur place, amenant "Shadows" dans une courte escapade rythmique qui en n'avait nullement besoin tant le décor rythmique stationnaire et les graffitis soniques d'un synthé et ses solos aussi contorsionnés qu'un acrobatique du Cirque du Soleil, restreignent sa vigueur. "It Was Just a Dream" reste le titre le plus cohérent de “Whispers”. Imagée dans les structures futuristes de Vangelis, l'introduction allie douceur et rigueur avec de beaux arpèges flottant dans ces brumes allégoriques. Un très beau piano chante avec les effets pleureurs du synthé, forgeant une belle structure de mélancolie très intense. J'aurais aimé que ça reste tel quel, car ça fait très Bernd Kistenmacher aussi, mais le séquenceur en décide autrement autour de la 4ième minute. Transportant les derniers vestiges de cette aubade nostalgique, il amène "It Was Just a Dream" vers un fascinant rock électronique où la portion symphonique de son introduction lance ses fractions dans une belle spirale rythmique qui est plus musicale, et plus étonnante, que celle de "Hypnos". Sauf qu'au final, "It Was Just a Dream" conclut un album qui est aussi à la hauteur de sa permutation vers l'étonnant univers de discorde autant que de cohésion qui structure les 60 minutes de “Whispers” dans l'absolu improbable. 

Sylvain Lupari 08/10/18

dimanche 7 octobre 2018

TONE SCIENCE MODULE: No.2 Elements and Particles (2018)

Democratizing a musical style that can frighten the ears in its form of more experimental music, Elements and Particles responds admirably to its vocation
1 Floating World (Todd Barton) 8:42
2 Magnetic Lullaby (Bluetech) 6:37
3 Additive Procedure (Parallel Worlds) 5:57
4 Euneirophrenia (Paul Nagle) 7:54
5 Overtone (Dave Bessell) 6:39
6 Radar Hill (Richard Quirk) 7:23
7 Your Strange Glitter (Hainbach) 5:03
8 Prophet & Loss (Nathan Moody) 5:03
9 Marine Layer (R Beny) 7:01

DiN-TS02 (DDL 60:10)
(Ambient & Cinematic Soundscapes)
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 **Chronique en français plus bas**
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A shadow of sound rises from nothingness. Like a finger touching a smooth surface, dozens of mini circles turn into reverberant effects that purr like a machine from darkness. These circles seem to float with graceful winged movements and avoid evanescent obstacles that come and go in a sound palette where brief pulses sculpted in a dropper vibrate. Thriller and tension cinema effects go by lazily on a structure that the musician knits as the seconds reach the 8:42 minutes' point. "Floating World" fgrom Todd Barton, a well-known American musician who specializes in the Buchla modular synth universe, opens the second volume of DiN's Tone Science series. Like in Structure and Forces, “Elements and Particles” offers 9 sonic chapters that represent the other side of the electronic universe; the one that creates the moods in movies, documentaries and/or commercials. A universe in which harmonies take a back seat and where sounds and textures are real treats for the ears and the speakers. Some artists push the reflection further by grafting harmonious textures on a carpet of samplings and effects from analog and/or modular synthesizers. Like this fascinating, and ultimately delicious, lullaby from Bluetech, "Magnetic Lullaby", which is sublime and very musical in this realm of experimental tones. Complex and mystifying, "Additive Procedure" is very representative Parallel Worlds' universe who excels in the art of creating completely unexpected rhythms in moods beyond this world. Paul Nagle's "Euneirophrenia" is a bit of the same kind, the dark envelope in less! Its introduction is teeming of tonalities without identities that end up clinging to a rhythm sequence as curt as the shots of a woodpecker on hardwood. We are talking here of a rhythm not meant to dance, but to follow its current with our ears which detect a kind of telegraph with an alphabet coded in secret. David Bessell proposes in "Overtone" a music of ambiances that would go very well in an enchanted forest where the gorgeous blonde princess waltzes between secret traps on a beautiful texture of flutes.
"Radar Hill" from the Isle of Man's Englishman Richard Quirk is the kind of mood music that would give an even more Mephistophelic texture to a film like Silent Hill. The synth waves come out with slow impulses that make me think of these elephant airs, more discreet here, by Jean-Michel Jarre in Ethnicolor. The echo effects stimulate these sound waves that agglutinate like sea waves rolling on their balls of sound foam. With a little imagination, I hear the hubbub of a crowd pushing and on the edge to make falling a wall. Hainbach is a German musician who likes to create ambiances in movement. His title "Your Strange Glitter" is one of the most fascinating, at the level of tones, in this 2nd collection from Tone Science series. Very bright arpeggios react like those lights that shine intermittently on an exposed electric module. Snaps of a strange sound texture get grafted to this chant of unpredictable jingles, leading to a structure dominated by a clang of tonalities as much variegated than the discontinuous flow of "Your Strange Glitter". Nathan Moody is a California sound designer who likes to create movies for our imagination only. "Prophet & Loss" is the second title that hooks our ears from the first listening in this “Elements and Particles”, the other being "Magnetic Lullaby", at least for my tastes. It's a title armed with a slow rhythm with very Redshift vibes, at the level of sound thrillers. Glaucous batrachian beats, which multiply with the echo effects, and other beats enrich an even darker opening with fumes from a radioactive synth line. This unexpected rhythm, built by elements just as improbable, amazes my ears with its texture gnawed by dystrophic effects. Its progression is stimulated by a clear demonic intensity and ends with a crash effect that doesn't alleviate this feeling of dread anchored admirably by an evolution that has crawl beneath our skin. A beautiful find! It's R Beny's "Marine Layer" that soothes this sensation of cinematic terror with a rather relaxing music where the model of azure breezes of the ambient music vogues with a slight perfume of industrial ambiances. A genre that likes to concoct this other musician from California.
Democratize a musical style that can frighten the ears in its form of more experimental music, this 2nd volume of Tone Science by DiN label responds admirably to its vocation. The music is more alive than dead and the sounds have a richness that can only seduce. “Elements and Particles” is the perfect sequel to Structure and Forces, as well as introducing us to other artists working in an area where the 7th art would be meaningless without their creativity.
Sylvain Lupari (October 6th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Din Bandcamp

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                                            CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Une ombre sonore s'élève du néant. Comme un doigt touchant une surface lisse, des dizaines de mini cercles se transforment en effets réverbérants qui ronronnent comme une machine issue des ténèbres. Ces cercles semblent flotter avec de gracieux mouvements ailés et évitent des obstacles évanescents qui vont et viennent dans une palette sonore où vibrent de brèves impulsions sculptées dans un compte-goutte. Des effets de cinéma du genre tension et thriller vivotent paresseusement sur une structure que le musicien tricote au fur et à mesure que les secondes atteignent la barre des 8:42 minutes. "Floating World" de Todd Barton, un musicien américain bien connu dans le milieu qui se spécialise dans l'univers des synthés modulaires Buchla, ouvre le 2ième volet de la série Tone Science du label DiN. Comme dans Structure and Forces, “Elements and Particles” propose 9 chapitres soniques qui représentent l'autre côté de l'univers électronique; soit celui qui crée les ambiances dans les films, les documentaires et/ou les commerciaux. Un univers ou les harmonies passent en second plan et où les sons et leurs textures sont de véritables friandises pour les oreilles et les haut-parleurs. Certains artistes poussent la réflexion plus loin en greffant des textures harmonieuses sur un tapis de collages d'effets des synthétiseurs analogues et/ou modulaires. Comme cette fascinante, et au final délicieuse, berceuse de Bluetech, "Magnetic Lullaby", qui est sublime et très musicale dans ce royaume de tonalités expérimentales. Complexe et mystifiante, "Additive Procedure" est tout ce qui a de plus conforme à l'univers de Parallel Worlds qui excelle dans l'art de créer des rythmes tout à fait inattendus. "Euneirophrenia" de Paul Nagle est un peu dans le même genre, enveloppe ténébreuse en moins. Son introduction grouille de tonalités sans identités qui finissent par s'accrocher à une séquence de rythme aussi sec que les coups du pic bois sur du bois dur. On parle ici d'un rythme pas fait pour danser, mais pour suivre son courant de nos oreilles qui détectent un genre de télégraphe à l'alphabet codé dans le secret. David Bessell propose en "Overtone" un titre d'ambiances qui irait très bien dans une forêt enchantée où la belle princesse blonde valse entre des pièges secrets sur une belle texture de flûtes.
"Radar Hill" de l'Anglais de l'Île de Man Richard Quirk est le genre de musique d'ambiances qui donnerait une texture encore plus méphistophélique à un film du genre Silent Hill. Les ondes de synthé sortent avec des lentes impulsions qui me font penser à ces chants d'éléphantes, plus discrets ici, de Jean-Michel Jarre dans Ethnicolor. Les effets d'écho stimulent ces ondes sonores qui s'agglutinent comme des vagues qui roulent sur leurs boules d'écumes sonores. Avec un peu d'imagination, j'entends les brouhahas d'une foule sur le bord de faire tomber une muraille. Hainbach est un musicien Allemand qui aime créer des ambiances en mouvements. Son titre "Your Strange Glitter" est un des plus fascinant, au niveau tonalité, dans cette 2ième collection de Tone Science. Des arpèges très lumineux réagissent comme ces lumières qui brillent de façon intermittente sur un module électrique à découvert. Des claquements d'une étrange texture sonore se greffent à ce chant de tintements imprévisibles, amenant vers une structure dominée par un tintamarre de tonalités aussi bigarrées que le débit discontinue de "Your Strange Glitter". Nathan Moody est un concepteur sonore de la Californie qui aime créer des films pour notre imagination seulement. "Prophet & Loss" est le 2ième titre qui accroche dès la 1ière écoute dans “Elements and Particles”, l'autre étant "Magnetic Lullaby", à tout le moins pour mes goûts. C'est un titre armé d'un rythme lent avec des ambiances très Redshiftiennes aux niveaux des thrillers sonores. Des battements batraciens glauques, qui se multiplient avec des effets d'échos, et d'autres battements enrichissent une ouverture assombrie encore plus avec des émanations d'une ligne de synthé radioactive. Ce rythme inattendu, construit par des éléments tout aussi improbables, émerveille mes oreilles avec sa texture rongée par des effets dystrophiques. Sa progression est stimulée par une nette intensité démoniaque et se termine avec un fracas qui n'allège en rien ce sentiment d'effroi ancré admirablement par une évolution qui nous est rentrée sous la peau. Une belle trouvaille. C'est "Marine Layer", de R Beny, qui apaise cette sensation de terreur cinématographique avec une musique plutôt relaxante où le modèle des brises azurées du modèle ambiant vogue avec un léger parfum d'ambiances industrielles. Un genre qu'aime bien concocter cet autre musicien de la Californie.
Démocratiser un genre musical qui peut effrayer les oreilles dans son étiquette de musique plus expérimentale, ce 2ième volet de Tone Science par le label DiN répond admirablement bien à sa vocation. La musique est plus vivante que morte et les sons possèdent une richesse qui ne peut que séduire. “Elements and Particles” est la suite parfaite à Structure and Forces en plus de nous faire découvrir d'autres artistes qui œuvrent dans un domaine où le 7ième art serait dénudé de sens sans leur créativité.

Sylvain Lupari 07/10/11


vendredi 5 octobre 2018

MADHAVI DEVI: The Truth of Being (2018)

“The Truth of Being is a splendid album which redefined parameters of ambient music with a richness that had never reached my ears yet”

1 Translucence Reflected 9:34
2 Jade Breeze 12:28
3 Cloudbreak on Ilsa 6:21
4 Breakthrough 4:51
5 Inner Vision - Cave of Light 15:14
6 Luminescent Hue 7:50 
Spotted Peccary SPM-3801 (CD/DDL 56:18)
(Ambient with a zest of mysteries)
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 **Chronique en français plus bas**
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Where do I start this review about the last of the celestial and atmospheric Mass from the Spotted Peccary label? I had already heard the music, at least his participation, of Madhavi Devi with the very ambient Source of Compassion, album made in 2016 with Howard Givens; the great Manitou of the American label. Always at the controls, Givens lends his synths and especially his realization for a splendid album which redefined some parameters of the ambient music. Bewitching, secret and mystical “The Truth of Being” explores another realm of atmospheric landscapes with a sound aesthetic that impressed me with a richness that had never reached my ears yet. Cheryl Gallagher uses a variety of synths, analog as well as digital and modular with equally diverse sound filters. The harps, the Big one as some electrical, a guitar, a violin and truly fascinating Tibetan percussions weave pads of ambiances and evanescent rhythms in a very immersive music enveloped by sumptuous orchestrations. A superb album guided by the oceans, the secrets of Madhavi Devi and its impressive musical vision that makes us travel through her fantasies!
Breezes blowing on the Pacific Ocean bring the waves to murmur on the shores. It's in a very heavenly vision that "Translucence Reflected" floats these puffs that raise sand particles which solidify into carillon chants. Like a mobile of a child above a gigantic astral bed, the tones of the chimes must go over the immensity of the territory and turn into percussive chords which get bang and tingle with a hope of forming a less passive rhythm. And it's a slight movement of rhythm that finally seduces the azure winds of "Translucence Reflected". This rhythm swirls like a mirage of Michael Stearns in a second part blown to give us chills with orchestrations and chants of the stars which form a sublime lullaby lunar. Here it is! Cheryl Gallagher's charms box is now wide open, and "Jade Breeze" gets in all in softness with its purring and deafening breeze. Celestial layers unfurl like a carpet of yellow tulips opening their petals in a symphony of inert movements. Even with shades of shadow, the tones are radiant and cast a meditative tranquility that is joined by a duel between a piano and tinkling chimes, maybe Tibetan percussions. Thin lines of voices seem to come out of this membrane where nothing else can get in while the jade breezes play with the tenderness of a piano which has no restraint for throwing some chills in the secret corridors of our soul. And as in "Translucence Reflected", it's a kind of chimes dance that lights up the light rhythm of "Jade Breeze". Drums, very discreet, invite themselves in this ethereal dance which gradually scatters its clinking tones in this vast ocean which has blown its introduction.
"Cloudbreak on Ilsa" is a rather intense ambient track that moves in the void by the impulses of its dense sound doormat embroidered by multiple lines of orchestrations. Harp and a violin played by Stephanie Britten Phillips throws a very nostalgic, sometimes very cryptic, vision in an electronic texture fed by many sound effects of another realm of tones. Close to Patrick O'Hearn's mythical territories, "Breakthrough" takes us to another level with a didgeridoo song rocked by superb percussions that mold a mesmerizing down-tempo of the most eclectic. Strange, my speakers always want to hear it again! Sighs and tears exist in all forms in “The Truth of Being”. And they are at the origin of "Inner Vision - Cave of Light", a symphony for souls adrift. At the same time complex and heavenly, with nice passages of introspective harmonies, the music is a kind of astral journey with its many waash and wiishh that undulate and caress the slow winged movements of the stringed instruments and the soft laments of a synth in mode; Michael Stearns cosmic with a sibylline scent. The waves of sound, like THX sound strips, take us into a tonal landscape, which always manages to reach a higher level from title to title, and its fabulous permutations that are done smoothly. A tingling of percussions pierces the aura of the orchestrations, destabilizing the atmospheric wave that seeks its rhythmic lair. The oceans are still spitting waves on the celestial shores while the advance of the percussion jostles another color of the synth layers. The irregular flow of the percussive jingles and the echoing movements weave an ambient rhythm that sounds like if Klaus Schulze was waiting for us in another universe. The violins throw blackness and the harp is woven evanescent melodies that come and rephrase their designs in ambient soundscapes that merge into an impenetrable mosaic whose twisted effects multiply the new abysmal slowness of "Inner Vision - Cave of Light", which quietly gets back to the port of its loneliness. A superb evolving title which precedes the tease that is "Luminescent Hue". Here, no more question of serenity. The rhythm is sometimes hungry and sometimes controlled, but always dominant. The violence in orchestrations and another superb pattern of percussions enliven the tempestuous flow of this title that concludes a very surprising and invaluable album for the ears as well as for the speakers from beginning to end. An amazing discovery my friends!
Sylvain Lupari (October 5th, 2018) ****½*
synth&sequences.com
Available on Spotted Peccary

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                                            CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Par où débuter cette chronique concernant la dernière des Messes célestes et atmosphériques du label Spotted Peccary? J'avais déjà entendu la musique, à tout le moins sa participation, de Madhavi Devi avec le très ambient Source of Compassion, album réalisé en 2016 en compagnie d'Howard Givens; le grand manitou du label Américain. Toujours aux commandes, Givens prête ses synthés et surtout sa réalisation pour un splendide album qui redéfini certains paramètres de la musique ambiante. Envoûtant, secret et mystique “The Truth of Being” explore un autre royaume de paysages d'ambiances avec un esthétisme sonore qui m'a fortement impressionné avec une richesse qui n'avait encore jamais atteint mes oreilles. Cheryl Gallagher utilise une panoplie de synthés, tant analogues que digitaux et modulaires avec des filtres sonores tout autant diversifiés. Les harpes, grandes comme électriques, une guitare, un violon et de fascinantes percussions tibétaines tissent des étoffes d'ambiances et de rythmes dans une musique très immersive enveloppée par de somptueuses orchestrations. Un superbe album guidé par les océans, les secrets de Madhavi Devi et son impressionnante vision musicale qui nous fait voyager à travers ses fantaisies!
Des brises soufflant sur l'océan Pacifique amènent les vagues à murmurer sur les rivages. C'est dans une vision très paradisiaque que "Translucence Reflected" fait flotter ces souffles qui soulèvent des particules de sable qui se solidifient en des chants de carillons. Comme un mobile d'un enfant au-dessus d'un gigantesque lit astral, les tonalités des carillons doivent porter sur l'immensité du territoire et se transforment en des accords percussifs qui cognent et tintent avec un espoir de former un rythme moins passif. Et c'est un léger mouvement de rythme qui séduit finalement les vents azurés de "Translucence Reflected". Ce rythme tournoie comme un mirage de Michael Stearns dans une 2ième partie soufflée afin de nous donner des frissons avec des orchestrations et des chants d'étoiles qui forment une sublime berceuse lunaire. Voilà! La boîte à charmes de Cheryl Gallagher est maintenant toute grande ouverte et "Jade Breeze" s'y introduit tout en douceur avec sa ronronnante brise assourdissante. Des nappes célestes se déploient, comme un tapis de tulipes jaunes ouvrant leurs pétales dans une symphonie de mouvements inertes. Même maquillées d'ombre, les tonalités sont radieuses et jettent une quiétude méditative qui est rejoint par un duel entre un piano et des tintements de carillons, de percussions Tibétaines. Des filets de voix semblent sortir de cette membrane où plus rien ne rentre alors que les brises de jade jouent avec la tendresse d'un piano sans retenue pour jeter des frissons dans les couloirs secrets de notre âme. Et comme dans "Translucence Reflected", c'est une danse de carillons qui anime le rythme léger "Jade Breeze". Des percussions, très discrètes, s'invitent à cette danse éthérée qui graduellement éparpille ses tintements dans ce vaste océan qui soufflait son introduction.
"Cloudbreak on Ilsa" est un titre ambient plutôt intense qui bouge dans le vide par les impulsions de son dense paillasson sonore brodé par des multi lignes d'orchestrations. Harpe et violon, joué par Stephanie Britten Phillips, jette une vision très nostalgique, parfois même très sibylline, dans une texture électronique alimentée par moult effets sonores d'une autre contrée. Tout près des territoires mythiques de Patrick O'Hearn, "Breakthrough" nous amène à un autre niveau avec un chant de didgeridoo bercé par de superbes percussions qui moulent un envoûtant down-tempo des plus éclectique. Étrange, mes haut-parleurs voulaient toujours le réentendre! Les soupirs et les larmes existent sous toutes les formes dans “The Truth of Being”.  Et ils sont à l'origine de "Inner Vision - Cave of Light", une symphonie pour âmes à la dérive. À la fois complexe et céleste avec de beaux passages d'harmonies introspectives, la musique est un genre de voyage astral avec ses nombreux waash et wiishh qui ondulent et caressent les lents mouvements ailés d'instruments à cordes et les tendres complaintes d'un synthé en mode; Michael Stearns cosmique avec une senteur sibylline. Les vagues de sons, comme des lames sonores en THX, nous emmurent dans un paysage tonal, qui réussit toujours à atteindre un niveau supérieur de titre en titre, et ses fabuleuses permutations qui se font en douceur. Un tintement de percussions percent l'aura des orchestration, déstabilisant l'ondée atmosphérique qui cherche son repaire rythmique. Les océans crachent toujours des vagues sur les berges célestes alors que l'avancée des percussions bousculent une autre couleur des strates de synthé. Le débit irrégulier des tintements percussifs et les roulements de leurs échos tissent un rythme ambiant qui sonne comme si Klaus Schulze nous attendait dans un autre univers. Les violons jettent du noir et la harpe est tisseuse de mélodies évanescentes qui vont et viennent reformuler leurs desseins dans des paysages d'ambiances qui se fondent en une mosaïque impénétrable dont les effets torsadés multiplient la nouvelle lenteur abyssale de "Inner Vision - Cave of Light", qui tranquillement rentre au port de sa solitude. Un superbe titre qui précède l'allumeuse qu'est "Luminescent Hue". Ici, plus question de sérénité. Le rythme est tantôt affamé et tantôt contrôlé, mais toujours dominant. La violence des orchestrations et un autre superbe pattern de percussions animent le débit tempétueux de ce titre qui conclut un album fort surprenant de Madhavi Devi et inestimable pour les oreilles ainsi que les haut-parleurs du début à la fin.
Sylvain Lupari 05/10/18