vendredi 17 mai 2019

BERNARD REEB: Shoot for the Moon (2019)

“A splendid album where New Age and Berlin School travel through some experimental visions which keep the music very accessible”
1 Stellar Garden 5:24
2 Towards Taurus 6:32
3 Ebenen 5:42
4 A Ray from Vega 4:17
5 Through the Milky Way 5:37
6 Far Over the Clouds 3:26
7 Le Chant du Crabe 5:13
8 Minor See 11:30
9 The Silver Dancer 4:57

10 Cygnus Lake 7:07
Bernard Reeb Music (CD/DDL 59:46)
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  **Chronique en français plus bas**
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Bernard Reeb is a new name in the spheres of French EM. And like all these artists of France, his signature is melodious even in its less accessible retrenchments. SHOOT FOR THE MOON is a first CD. His first two albums are of an ambient nature, though 7x8 is what I might call abstract music, and are available on his Bandcamp site entitled espaces sonores. Classically trained guitarist and music teacher, he fell into the EM cooking pot when he has discovered Blackdance from you know who. What surprised me the most, and also charmed by ricochet, is the sound envelope of SHOOT FOR THE MOON. I have heard some music! And the musical signature, as well as his approach in composition, of Bernard Reeb is unique. There are scents of Daniel Berthiaume, Le Feu Sacré, in his New Age approach that can be found on 1 or 2 tracks. The intonations of the guitar and some composition structures make me think of this album. But the EM of the Berlin School style is something of totally new. As much at the rhythm structures than at the sound level! If I dared a comparison, I would think of Richard Pinhas, at least in the spectacular "Le Chant du Crabe". But for the rest, we must make work his imagination ...
Very light, this is the kind of title that my Lise has liked, "Stellar Garden" sets the tone with a structure not complicated for two cents. The rhythm is attractive with a circular approach that hops without breaking a bone. The cross between the sequencer and the electronic percussion adds a small jerky side, but not too much. At times, the sequencer is more ferocious, and the rhythm shows more appetite. As scenery, Bernard Reeb offers a load of anaesthetising mist, streaks of guitar riffs and vaporous effects that float on the nice solos of a guitar that makes me think of the best of Darshan Ambient. It's tender and melancholy. You would say it's Easy Listening. I would not say that you are wrong! The guitar in "Towards Taurus" is of a very moving sensitivity. I like these complementary tones that flow when the French musician caresses the neck of his guitar here. The rhythm is getting heavier more and more than in the first title and if the guitar would be a synth, we would have splendid exploratory solos on a structure whose arrangements touch the limits of our sensitivity. We are in progressive New Age. "Ebenen" presents the Berlin School vision of Bernard Reeb. The rhythm is sustained and progresses with intensity in a series of dull pulsations that roll like ghost trains. Sequences and riffs feed this structure which becomes absolutely haunting if you start playing the head-banger. The atmospheres are cosmic with purring layers whose buzzing effects mingle with the limpid breezes of crystalline tones which illuminate the dark side of muted chords. If you think about it, it's a good Berlin School with a totally different sound vision. The beginning of "A Ray from Vega" can be reminiscent of Kraftwerk's percussive rattling in TEE. It's just the intro! The title develops with a hopping and fluid pattern as in "Stellar Garden", but the guitar is replaced by a melodious synth which is injector of mist. The pulsations are heavy and buzzing while the arpeggio dance stimulates a good spasmodic movement that goes quite well with the evolution of the music. The more I discover this album, and the more I like it.
And it's not a title like "Through the Milky Way" that will reverse this trend. The rhythm is magnetizing with a hypnotic tom-tom approach. After 90 seconds, everything shifts with a spheroidal vision where the bass sequences jump in oscillating loops surrounded by superb percussive effects. The synth injects layers of mists, thin lines of goddesses' seraphic chants and electronic chirpings that go along with this amazing vision at the level percussive effects. It's purely electronic and very creative. Evolution makes me think of good EM from Arc. But again, it's pretty shaky as comparison. "Far Over the Clouds" is a pretty nice slow tempo that slowly turns in an area soaked of ether. The drum is sober, and the bass line is molded to dance very close together. The movement is soft, and the guitar illuminates it with some melodious chords. The panorama is rich of its cosmic vision fed by a synth in mode; decorator. "Le Chant du Crabe" is just great. The rhythm is circular and undulates on a delicious pattern of percussive sequences and sequences that bicker with delicious percussive effects. We roll of the neck, we stamp of the feet and we are absolutely stunned by this rhythm enriched with an absolute creativity. We hook on that at the first listening! "Minor See" is a catchy title with a structure that sways between rock and dance music. There is this complicity between the sober percussions and a bed of oscillating sequences to which Bernard Reeb has added fluttering chirpings. The synth throws very good solos and effects of sirens that ululate like a horde of spectra. The rhythm is steady with nuances in intensity that are judiciously inserted. Orchestrations in staccato complete the sound envelope of "Minor See" which uses brilliantly its 11 minutes to offer a rhythm that fits very well on a dance floor. "The Silver Dancer" makes a tasty flamenco approach on a carousel of sequences whose fluidity is stopped to make us hear a Latin guitar effect. It's awesome. If you are interested in discovering a little more about the Bernard Reeb universe, "Cygnus Lake" offers a very glimpse with a dark ambient approach and a more experimental vision that can be found on SynPhonia and 7x8, two opuses published in 2017.
Impressive and totally recommendable, SHOOT FOR THE MOON is a sonic jewel box full of beautiful discoveries and of bold approaches. From New Age to Berlin School and a more classical vision in the art of writing music, the 60 minutes of this album pass in a gust of wind. At ease on both his guitar and the synth, Bernard Reeb is bold and creative in many places. Blowing the hot and the cold, he enchants with his melodious vision as he fascinates with his clear penchant for a more experimental approach that remains on this album a little more accessible. Highly recommendable!
Sylvain Lupari (May 17th, 2019) *****
Available at Bernard Reeb's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Bernard Reeb est un nouveau nom dans les sphères de la MÉ française. Et comme tous ces artistes de France, sa signature est mélodieuse même dans ses retranchements les moins accessibles. SHOOT FOR THE MOON est un premier CD. Ces deux premiers albums sont de nature ambiant, quoique 7x8 soit ce que je pourrais appeler de la musique abstraite, et sont disponibles sur son site Bandcamp intitulé espaces sonores. Guitariste de formation classique et professeur de musique, il est tombé dans la marmite de la MÉ en découvrant Blackdance de vous savez qui. Ce qui m'a surpris le plus, et charmé aussi par ricochet, c'est l'enveloppe sonore de SHOOT FOR THE MOON. J'en ai entendu de la musique! Et la signature musicale, ainsi que son approche en composition, de Bernard Reeb est unique. Il y a des parfums de Daniel Berthiaume, Le Feu Sacré, dans son approche New Age que l'on retrouve sur 2 ou 3 titres. Les intonations de la guitare et certaines structures de composition me font penser à cet album. Mais le genre EM du style Berlin School est quelque chose de totalement nouveau. Tant au niveau des structures de rythme que du son! Si j'osais une comparaison, je penserais à Richard Pinhas, à tout le moins dans le spectaculaire "Le Chant du Crabe". Mais pour le reste, il faut faire travailler son imagination…
Très léger, c'est le genre de titre que ma Lise a aimé, "Stellar Garden" donne le ton avec une structure pas compliquée pour deux sous. Le rythme est attrayant avec une approche circulaire qui sautille sans que l'on se brise un os. Le croisement entre le séquenceur et les percussions électroniques ajoute un petit côté saccadé, mais pas trop. Par moments, le séquenceur est plus féroce et le rythme montre plus d'appétit. Comme décor, Bernard Reeb propose des bancs de brume anesthésiante, des traînées de riffs et des effets vaporeux qui flottent sur des beaux solos d'une guitare qui me fait penser à du bon Darshan Ambient. C'est tendre et mélancolique. Vous me diriez que c'est du Easy Listening. Je ne dirais pas que vous avez tort! La guitare dans "Towards Taurus" est d'une sensibilité très émouvante. J'aime ces tonalités complémentaires qui coulent lorsque le musicien français caresse le manche de sa guitare ici. Le rythme est plus sautillant et plus lourd que dans le premier titre et si la guitare serait un synthé, nous aurions de splendides solos à saveur exploratoires sur une structure dont les arrangements touchent aux limites de notre sensibilité. Nous sommes dans du New Age progressif. "Ebenen" présente la vision Berlin School de Bernard Reeb. Le rythme est soutenu et progresse avec intensité dans une série de pulsations sourdes qui roulent comme ces trains fantômes. Séquences et riffs alimentent cette structure qui devient absolument obsédante si on se met à jouer du head-banger. Les ambiances sont cosmiques avec des nappes qui ronronnent et dont les effets de bourdonnements se mélangent aux souffles limpides des tonalités cristallines qui illuminent le côté sombre des accords plus assourdis. À bien y penser, c'est un bon Berlin School avec un son tout à fait différent. Le début de "A Ray from Vega" peut faire penser aux cliquetis percussifs de Kraftwerk dans TEE. C'est juste l'intro! Le titre se développe avec un pattern sautillant et fluide comme dans "Stellar Garden", mais la guitare est remplacée par un synthé injecteur de brume mélodieuse. Les pulsations sont lourdes et vrombissantes alors que la danse des arpèges stimule un bon mouvement spasmodique qui va assez bien avec l'évolution de la musique. Plus je découvre cet album, et plus j'aime.
Et ce n'est pas un titre comme "Through the Milky Way" qui va renverser cette tendance. Le rythme est magnétisant avec une approche de tam-tams hypnotique. Après 90 secondes, tout bascule avec une vision sphéroïdale où les basses séquences sautillent en boucles oscillatrices nimbées de superbes effets percussifs. Le synthé injecte des nappes de brumes, des filets de voix de déesses aux chants séraphiques et des pépiements électroniques qui vont de pair avec cette étonnante vision au niveau effets percussifs. C'est purement électronique et très créatif. L'évolution me fait penser à du bon Arc. Mais encore là c’est assez boiteux comme comparaison. "Far Over the Clouds" est un beau slow tempo qui tourne lentement dans une zone imbibée d'éther. Les percussions sont sobres et la ligne de basse est moulée pour danser collé-collé. Le mouvement est doux et la guitare l'illumine avec des accords mélodieux. Le panorama est riche de sa vision cosmique alimentée par un synthé en mode décorateur. "Le Chant du Crabe" est tout simplement génial. Le rythme est circulaire et ondule sur un délicieux pattern de séquences et de séquences percussives qui se chamaillent avec de délicieux effets percussifs. On roule du cou, on tape du pied et on est absolument abasourdi par ce rythme enrichi de créativité absolue. On accroche à la première écoute! "Minor See" est un titre enlevant avec une structure qui tangue entre du rock et de la dance music. Il y a cette complicité entre des percussions sobres et un lit de séquences oscillatrices à laquelle Bernard Reeb a ajouté des pépiements papillonnants. Le synthé lance de très bons solos et des effets de sirènes qui ululent comme une horde de spectres. Le rythme est soutenu avec des nuances dans son intensité qui sont judicieusement insérées. Des orchestrations en staccato complètent l'enveloppe sonore de "Minor See" qui utilise avec brio ses 11 minutes afin d'offrir un rythme qui se propose très bien sur un plancher de danse. "The Silver Dancer" fait tourner une savoureuse approche de flamenco sur un carrousel de séquences dont la fluidité est stoppée par des arrêts pour guitare latine. C'est génial. Si vous êtes intéressé à découvrir un peu plus l'univers Bernard Reeb, "Cygnus Lake" propose un très aperçu avec une approche ambiante sombre et une vision plus expérimentale que l'on retrouve sur SynPhonia et 7x8, deux œuvres parues en 2017.
Impressionnant et totalement recommandable, SHOOT FOR THE MOON est un coffre à bijoux soniques plein de belles découvertes et d'approches audacieuses. Du New Age à du Berlin School en passant par une vision plus classique de la composition, les 60 minutes de cet album passent en coup de vent. À l'aise autant sur sa guitare que sur le synthé, Bernard Reeb fait preuve d'audace et de créativité à plusieurs endroits. Soufflant le chaud et le froid, il enchante avec sa vision mélodieuse comme il fascine avec son net penchant pour une approche plus expérimentale qui reste, sur cet album, un peu plus accessible. À découvrir!

Sylvain Lupari 17/05/19

jeudi 16 mai 2019

MICHAEL BRÜCKNER & MATHIAS GRASSOW: Polar Vortex (2019)

“Another sonic immersion not always so easy to tame, this ambient tale from Brückner & Grassow has many seductive elements, including two thunderous numbers”
1 The North 18:16
2 Mirror 9:36
3 Drums of Shoom 6:00
4 The Waiting Hour 5:46
5 Xau Etách 10:29
6 Shanti 15:19

7 The Falling of Leaves (Melodic Version) 10:05
(Ambient & Drones)
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  **Chronique en français plus bas**
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What's more natural than a collaboration between Mathias Grassow and Michael Brückner? Despite the multitude of associations of musical ideas which have come and go in the career of the two musicians, never the opportunity to cross their visions has occurred. We must talk to the past, since it's now done with POLAR VORTEX. And the experience is up to the expectations of fans of these two musicians with a manufactured CD almost at full capacity. POLAR VORTEX offers nearly 76 minutes of an EM composed in the ambiospherical textures of the two German musicians who, without being poles apart, have some very precise visions of ambient music and music of ambiences. Reverberant effects and luminescent synth layers become the main accomplices of a musical fauna drawn from two imaginations that are never short of ideas. The sound fauna is made up of organic as well as out of the ordinary tones, while the ambiances and the musicality are rather diversified with the presence of Cornelia Kern on piano, Doris Hach on Monochord and the voice Cilia di Ponte on
"Shanti" Let's add the cello, the guitar and the percussions of Mathias Grassow to his anesthetic synth layers to the work of Michael Brückner on synths and keyboards, we have all the ingredients to enjoy an ambient work rich of its musical diversity.
"The North" plunges us into dismal atmospheres with a long guttural growl from which emerge bluish synth filaments waltzing with an orchestral philosophy in a forest where no one has yet laid down their ears. The slow layers of chimerical violins dance with groans and raucous sighs, before turning into solos agonizing in a hostile environment. Strange noises, such as long gurgles, percussive jingles and other hard-to-describe noises cling to the permutation of the resonant shadows which merge into layers of synths with more seraphic tints. Slamming of doors make our eardrums jump, changing the long course of "The North". The mists become less opaque and the synth writes down some extended notes which turn into small aerial solos. The synth multiplies these solos which are always on the edge of being similar which sing with more agility, more freedom in the shadow of moaning drones. I don't know if we are in the North, but we are in a remote territory where everything can be scary, as enchanting.  A piano steal the presence of floating arpeggios with isolated notes weakened by these atmospheres. Birds chirp and the sun seems to have found the northern route. But the turbulence of the atmospheres is never completely gone. The air tumult remains. "The North" tries to return to the dead ends of its opening. We are around 10 minutes and the piano of Cornelia Kern is timely. Crumbling its notes with the fear of getting lost, it resists this sonic and tonal turmoil. And the synth supports it with tears that flow in suspension, drawing these tasks that slip but refuse to fall on this wall of eclectic tones which has gnaw the first 17 minutes of this title that deserves to be hear more than once. Evanescent in its melody, the piano completes the torments of "The North" with a sensibility that we had not heard coming.
"Mirror" follows with a burst of hollow breezes and winds filled with crystalline drizzle in an ambient pattern and with different intensity levels. The arpeggios trapped in this gust of cold winds sound like in the universe of Vangelis, Antartica, or like those of "The North". Crunches and crackles add tonus to the gloomy look of "Mirror". "Drums of Shoom" offers a solo of percussions, kind of tom-tom, from Mathias Grassow.  One would say like thunders which purr in a soundscape which will remind you of Steve Roach & Byron Metcalf, but in a more sober way. Percussive effects attract our sense hearing on this music without harmony, except for the very melancholic one from the cello which points out at the end of a title imagined for percussions. "The Waiting Hour" is a short track of quite disturbing vibes with a horde of sound effects that fill our ears to the brim. Yes! The more I think about it and the more the links with Vangelis, for the orchestrations here, are solid. Fascinating and seductive, we get hooked on the first listen of "Xau Etách". While one expects to find this universe of gloomy ambiences, the long meditative hum helping, a series of spasmodic sequences pile up and dance in jolts. A bit like a movement of sifting. Chords with bass tones revolve around this stationary dance where you can also hear the cello draw on some strings. A thrill of intensity is felt and brings this dance on 3 chords and shakes of the sequencer towards an ambient passage where a fascinating Elvish voice awaits us. The tone is set and "Xau Etách" embraces a dance of wooden shoes on brick while Michael Brückner floods the sky with nice solos and synth effects rolling in loops. Extremely strange and absolutely attractive! "Shanti" is a purely ambient song featuring Doris Hach and Cilia di Ponte. The voice is as seductive as the effects of the monochord whose astral blues melts into silence before returning with a crash. A confusing noise, since it was very quiet until then, which has displeased me more than anything else. But hey, nothing is perfect! "The Falling of Leaves (Melodic Version)" ends POLAR VORTEX with another duel between drones, cello lamentations and synth layers haloed by delicate melodious lines in a panorama of ambient elements illuminated by the songs of the stars. And one feels a slight pulse of a phantom rhythm in a structure never short of intensity.
You have probably guessed; POLAR VORTEX is not for all ears. I am fortunate enough to discover new music and new musical horizons, and I have the chance to sit down and enjoy the many projects of Michael Brückner and other artists who like to come out of their comfort zones. And I come out rarely disappointed. In fact, when I don't like, I don't talk about it! And I liked this POLAR VORTEX ...
Sylvain Lupari (May 16th, 2019) *****
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Quoi de plus naturel qu'une collaboration entre Mathias Grassow et Michael Brückner? Malgré les multitudes d'associations d'idées musicales qui jalonnent la carrière des 2 musiciens, jamais la possibilité de croiser leurs visions ne s'est produite. On doit parler au passé, puisque c'est maintenant chose faite avec POLAR VORTEX. Et l'expérience est à la hauteur des attentes des amateurs de ces deux musiciens avec un CD manufacturé rempli quasiment à sa pleine capacité. POLAR VORTEX propose près de 76 minutes d'une MÉ composée dans les textures d'ambiances des 2 musiciens allemands qui, sans être aux antipodes, possèdent des visions très précises de la musique ambiante et d'ambiances. Des effets de réverbérations et des couches de synthé plus luminescentes deviennent ainsi les principaux complices d'une faune musicale puisée dans deux imaginations qui ne sont jamais à court d'idées. La faune sonore est maquillée de tonalités autant organiques qu'insolites alors que les ambiances et la musicalité est plutôt diversifiée avec les présences de Cornelia Kern au piano, Doris Hach au Monochord et Cilia di Ponte qui chante sur Shanti. Ajoutons le violoncelle, la guitare ainsi que les percussions de Mathias Grassow à ses couches de synthé anesthésiantes au travail de Michael Brückner aux synthés et claviers, nous avons là tous les ingrédients pour déguster une œuvre ambiante riche de sa diversité musicale.
"The North" nous plonge dans des ambiances lugubres avec un long grognement guttural d'où émergent des filaments de synthé bleutés qui valsent avec une philosophie orchestrale dans une forêt où personne n'a encore déposé ses oreilles. Les lentes couches de violons chimérique dansent avec des murmures et des soupirs rauques, avant de se déposer en solos agonisants dans un environnement hostile. Des bruits étranges, comme des longs gargouillements, des tintements percussifs et autres bruits difficilement décrivables s'accrochent à la permutation des ombres résonnantes qui se fondent dans les couches de synthés aux teintes plus séraphiques. Des cognements de portes font sursauter nos tympans, modifiant le long parcours de "The North". Les brumes deviennent moins opaques et le synthétiseur écrit quelques notes allongées pour de petits solos aériens. Le synthé multiplie ses solos semblables qui chantent avec plus d'agilité, plus de liberté à l'ombre des drones gémissants. Je ne sais pas si nous sommes au Nord, mais nous sommes dans un territoire reculé où tout peut faire peur, comme enchanter. Un piano dérobe la présence des arpèges flottants avec des notes fragilisées par ces ambiances. Des oiseaux pépient et le soleil semble avoir trouvé la route du Nord. Mais la turbulence des ambiances n'est jamais tout à fait partie. Le tumulte aérien subsiste. "The North" tente de retourner dans les impasses de son ouverture. Nous sommes autour des 10 minutes et le piano de Cornelia Kern tombe à point. Émiettant ses notes avec la peur de se perdre, il résiste à cette tourmente sonore et tonale. Et le synthé l'appuie avec des larmes qui coulent en suspension, dessinant ces tâches qui glissent mais refusent de tomber sur cette muraille de tonalités éclectiques qui rongent les premières 17 minutes de ce titre qui mérite d'être réattendu. Évanescent dans sa mélodie, le piano achève les tourments de "The North" avec une sensibilité que l'on n’avait pas entendu venir.
"Mirror" suit avec une rafale de brises creuses et de vents remplis de bruine cristalline dans un pattern ambiant et avec différents niveau d'intensité. Les arpèges pris au piège dans cette bourrasque sonnent comme dans l'univers de Vangelis, Antartica, ou comme ceux de "The North". Des craquements et crépitements ajoutent du tonus à l'aspect glauque de "Mirror". "Drums of Shoom" propose un solo de percussions du genre tam-tam par Mathias Grassow. On dirait des tonnerres qui ronronnent dans un panorama sonique qui va vous rappeler Steve Roach & Byron Metcalf dans un jeu de tam-tams plus sobre. Des effets percussifs attirent notre ouïe sur cette musique sans harmonie, exceptée pour celle très mélancolique du violoncelle qui se pointe vers la finale d'un titre imaginé pour des percussions. "The Waiting Hour" est un court titre d'ambiances assez dérangeantes avec une horde d'effets sonores qui remplit nos oreilles à ras-bord. Oui! Plus j'y pense et plus les liens avec Vangelis, pour les orchestrations ici, sont solides. Fascinant et séduisant, on accroche à la première écoute sur "Xau Etách". Alors que l'on s'attend à retrouver cet univers d'ambiances lugubres, le long bourdonnement méditatif aidant, une série de séquences spasmodiques s'entassent et dansent par saccades. Un peu comme dans un mouvement de sassement. Des accords aux tonalités basses gravitent autour de cette danse stationnaire où l'on peut aussi entendre le violoncelle tirer sur quelques cordes. Un frisson d'intensité se fait sentir et amène cette danse sur 3 accords et secousses du séquenceur vers un passage ambiant où nous attend une fascinante voix Elfique. Le ton est lancé et "Xau Etách" embrasse une danse de sabots de bois sur de la brique alors que Michael Brückner inonde le ciel de très beaux solos et effets en boucles. Extrêmement étrange et absolument séduisant. "Shanti" est un titre purement ambiant qui met en vedette Doris Hach et Cilia di Ponte. La voix est aussi séduisante que les effets du monochord dont le blues astral fond dans le silence avant de revenir avec fracas. Un fracas déroutant, puisque c'était très tranquille jusqu'à là, qui m'a plus déplu qu'autre chose. M'enfin, rien n'est parfait! "The Falling of Leaves (Melodic Version)" termine POLAR VORTEX avec un autre duel entre drones, lamentations de violoncelle et nappes de synthé nimbées de délicates lignes mélodieuses dans un panorama ambient illuminé par des chants d'étoiles. On sent une légère impulsion d’un rythme fantôme dans une structure jamais à court d'intensité.
Vous l'avez sans doute deviné, POLAR VORTEX n'est pas pour toutes les oreilles. Moi qui a cette chance de découvrir sans cesse de la nouvelle musique et des nouveaux horizons musicaux, j'ai la chance de m'assoir et de savourer à ma guise les nombreux projets de Michael Brückner et autres artistes qui aiment sortir de leurs zones de confort. Et j'en sors rarement déçu. En fait, quand je n'aime pas, je n'en parle pas! Et j'ai bien aimé POLAR VORTEX…

Sylvain Lupari (16/05/19)

mercredi 15 mai 2019

MICHAEL BRÜCKNER & VOLKER LANKOW: Monsoon Offerings (2019)

“A bit difficult to tame at some points, this Monsoon Offerings offers a tribal ambient vision of MB whose musical world sounds like Steve Roach's here”
1 10.000 Mermaids 18:20
2 Monsoon Offering/The Red Lamb 34:44
3 The Boon (Candraka Vasu) 23:06
4 10.000 Mermaids - Alternative Take (Bonus Track) 21:20

5 Playa Imaginaria (Bonus Track) 10:51
Michael Brückner Music (CD/DDL108:21)
(Tribal ambient)
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  **Chronique en français plus bas**
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Michael Brückner is without a doubt the counterpart of Steve Roach on the side of EM for our German friends. The native Heidelberg musician is extremely productive and has been composing music at a steady pace since the 2000's. He is on all fronts of creativity and can as much sail on Berlin School as on ambient music, like progressive E-rock and experimental music. MOONSOON OFFERINGS brings us to the borders of a tribal ambient style with a psychedelic vision du to these tribal percussions which drum these sometimes slow and hypnotic rhythms, as well as other lively and frenetic moments. Volker Lankow, who learned how to handle drums in Africa and the Middle East, met Michael Brückner at random rehearsals during concerts around 2015. They have collaborated, always at concerts and/or rehearsals, since with the idea to make an album later. It was while listening to Michael's music on SoundCloud that the percussionist decided to make some tests and present those to the musician who lives now in Mainz. Quietly, the idea of MOONSOON OFFERINGS took shape. While working on Pentecost - The Red Lamb, Suzannah Moon, who had already participated to the mega album All The Pieces Fit Forever, joined the duo.

It's with a blow of Gong that begins the story of "10.000 Mermaids". The background is rather electronic with lapping of ice that crackle in dark breezes. A bass pulsation wanders, waiting for the arrival of Volker Lankow's percussions which begin to dance frantically. The flow of tom-toms is lively and sculpts some African horizons beneath synth layers haloed of dark voices that slip into the reverberant effects of sound drones. The color of the buzzes, as well as the amplitude, evolve without shadowing the work of Lankow who beats his skins with the same efficiency and energy as Byron Metcalf. Moreover, the link to be made between the tribal rhythms of the latter and the colors of the gliding shadows of Steve Roach is without appeal. Perhaps the structure of "10,000 Mermaids" is more African tribal than American Indian. But for the rest, it's quite similar and the frenzy and tribal trance are at the same pitch. The synth weaves chirping effects that turn into loops and initiates a beautiful, a more electronic approach at the 9th minute which highlights the talent and agility of Volker Lankow's hands. This is a fiery phase that rolls up until the 15th minute. "10.000 Mermaids" is then building itself an ambient finale where wander a few jingles that sounds like an electronic xylophone. The alternative take seems more attractive to me because of a higher intensity in the rhythms and the ambiences. I had the chance to hear "Monsoon Offering / The Red Lamb" naked. Without percussions, voices nor flutes! Entitled Pentecost - The Red Lamb on SoundCloud, it's a long ambient title and totally deprived of rhythms. It's on this track that Volker Lankow and Suzannah Moon have decided to join their skills in a huge 30 minutes of an EM not really easy to tame. We flirt with an approach that I would describe as a tribal psybient with a strong propensity to be better consumed with a substance that switches up the brain to the fullest. Its first 7 minutes are soporific with the unconvincing voice of Suzannah Moon who hums on a percussion design quite like what we found in the opening room. Without being great, the flute is effective. A new horizon settles with nebulous mists of a synth that also throws jets of mysterious sound incantations. Mists and voices float on a better effort of the percussionist while, discreetly, the flute succeeds in imposing a presence as sibylline as the synth layers with scarlet tones. Between the jerking effects of the synth lines which fall down the ground, the voices and the flutes are dueling with more creative percussions up until that the 2nd part of "Monsoon Offering / The Red Lamb" reaches a fascinating zenith of dissension. The dynamism of the music transports us into a sort of musical shambles where nothing agrees and yet we feel a fascinating symbiosis. We recognize the influence of Markus Reuter here. There are as many good times as there are idle times. And 10 minutes less with a more energetic dose would have created quite a number!
"The Boon (Candraka Vasu)" is a very good title. Its introduction is a scientific speech on music and sounds. Crevices juicy of reverberations tear the moods behind this voice and another voice of astral mermaids. The rhythm that comes is a slow tribal with jingles from a xylophone of the South Islands. It's slow but really catchy with a pattern similar to "10,000 Mermaids", less the African approach, in this quiet trance that is clearly in the Roach/Metcalf genre, especially with those weird noises coming from an unknown fauna. "Playa Imaginaria (Bonus Track)" offers us the best of Michael Brückner, and Volker Lankow by ricochet, in a music based on nervous and spasmodic sequences which roll and hiccough against the drive of very lively percussions. A fluty wave emerges from nothingness, animating a sequencer that loosens its lines of rhythms into sequenced balls which roll in loops into a minimalist pattern. The synth throws discordant solos that get entangled in a mosaic of rhythms and effects that is pretty well supported by the work of manual percussions. It's Brückner, so it's rich with a little zest of experimentation, both in beats and in synth solos whose tones and complexity have nothing to envy to the best moments of Klaus Schulze. The more we advance in "Playa Imaginaria" and the more the tension of the rhythm reaches the summits, making of this title an excellent bonus which says a lot about what one can do on the music of Michael Brückner.
Michael Brückner is a real surprise box full of audacity and creativity. MOONSOON OFFERINGS amply shows it by being an album that will reward the one who decided to face the bull by the horns. Despite the many listening, I still find that "Monsoon Offering / The Red Lamb", in its original version or this one, is too long for nothing. But the rest is candy for the ears. Volker Lankow's percussion adds an impressive dimension to the electronic odes of the German musician/synthesist whose talent comes out of his ears! Available on Michael Brückner's Bandcamp and the bonus tracks come as well as with the CD purchase that the download version.
Sylvain Lupari (May 15th, 2019) ***½**
Available at Michael Brückner's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Michael Brückner est sans contredit le pendant de Steve Roach du côté de la MÉ chez nos amis les allemands. Le musicien natif de Heidelberg est hyper productif et compose de la musique à un rythme soutenu depuis les années 2000. Il est sur tous les fronts de la créativité et peut autant voguer sur du Berlin School que de la musique d'ambiances, comme du rock progressif et de la musique expérimentale. MOONSOON OFFERINGS nous amènes aux frontières du tribal ambiant avec une vision psychédélique de par ces percussions claniques qui tambourinent ces rythmes tantôt lents et hypnotiques, entre autres moments vifs et frénétiques. Volker Lankow, qui a appris les maniements des tambours en Afrique et au Moyen-Orient, a rencontré Michael Brückner au hasard des répétitions lors de concerts autour de 2015. Ils ont collaboré, toujours lors de concerts et/ou pratiques, depuis avec l'idée de faire un album plus tard. C'est en écoutant la musique de Michael sur SoundCloud que le percussionniste a décidé d'en faire des essais et de les présenter au musicien qui vit maintenant à Mainz. Tranquillement, l'idée de MOONSOON OFFERINGS prenait forme. C'est en travaillant sur Pentecost - The Red Lamb que Suzannah Moon, qui avait déjà participé au méga album All The Pieces Fit Forever, s'est joint au duo.
C'est avec un coup de Gong que débute l'histoire de "10.000 Mermaids". Le fond est plutôt électronique avec des clapotis de glace qui crépitent dans des brises sombres. Une basse pulsation erre, attendant l'arrivée des percussions de Volker Lankow qui se mettent à danser frénétiquement. Le débit des coups est entraînant et sculpte des horizons africaines sous des couches de synthés nimbées de voix sombres qui se glissent dans les effets réverbérant de drones sonores. La couleur des bourdonnements, ainsi que l'amplitude, évoluent sans porter ombrage au travail de Lankow qui tambourine ses peaux avec la même efficacité et la même énergie que Byron Metcalf. D'ailleurs le lien à faire entre les rythmes tribaux de ce dernier et les couleurs des ombres planantes de Steve Roach est sans appel. Peut-être que la structure de "10.000 Mermaids" est plus tribale Africaine qu'Amérindienne. Mais pour le reste, c'est assez ressemblant et la frénésie et la transe tribale sont au même diapason. Le synthé tisse des effets de pépiements qui tournent en boucles et initie une belle approche plus électronique vers la 9ième minute qui met en relief le talent et l'agilité des mains de de Volker Lankow. Voilà une phase enflammée qui roule jusqu'à la 15ième minute. "10.000 Mermaids" se construit alors une finale ambiante où errent quelques tintements qui ressemble à du xylophone électronique. La prise alternative me semble plus séduisante en raison d'une plus grande intensité dans les rythmes et les ambiances. J'ai eu le privilège d’avoir entendu "Monsoon Offering/The Red Lamb" tout nu, soit sans percussions, ni voix et flûtes. Intitulé Pentecost - The Red Lamb sur SoundCloud, c'est un long titre ambiant et totalement dénudé de rythme. C'est sur ce titre que Volker Lankow et Suzannah Moon ont décidé d'unir leurs talents dans un gros 30 minutes d'une MÉ pas vraiment facile à apprivoiser. Nous flirtons avec une approche que je qualifierais de psybient tribal avec une forte propension à être mieux consommé avec une substance qui allume le cerveau au maximum. Ses 7 premières minutes sont soporifiques avec la voix peu convaincante de Suzannah Moon qui fredonne sur un design de percussions assez identique à ce que nous trouvions dans la pièce d'ouverture. Sans être géniale, la flûte est efficace. Un nouvel horizon s'installe avec des brumes nébuleuses d'un synthé qui lance aussi des jets d'incantations sonores mystérieuses. Brumes et voix flottent sur un meilleur effort du percussionniste alors que, toute discrète, la flûte réussit à imposer une présence tout aussi sibylline que les nappes de synthés aux couleurs d'égorgés. Entre les effets de saccades des lignes de synthés qui tombent vers le sol, la voix et les flûtes font duel avec des percussions plus créatives jusqu'à ce que la 2ième partie de "Monsoon Offering/The Red Lamb" atteigne un fascinant zénith de discorde. Le dynamisme de la musique nous transporte dans une sorte de capharnaüm musicale où rien ne s'accorde et pourtant on sent une fascinante symbiose. On reconnait l'influence de Markus Reuter ici. Il y a autant de bons moments que de temps mort. Et 10 minutes de moins avec une dose plus énergique aurait créé tout un morceau de musique!
"The Boon (Candraka Vasu)" est un très beau titre. Son introduction fait entendre un discours scientifique sur la musique, sur les sons. Des lézardes juteuses de réverbérations déchirent les ambiances derrière cette voix ainsi qu'une autre voix de sirènes astrales. Le rythme qui vient est un tribal lent avec des tintements d’un xylophone des îles du Sud. C'est lent mais bigrement entraînant avec une formule similaire à "10.000 Mermaids", moins l'approche africaine dans cette transe tranquille qui est nettement dans le genre Roach/Metcalf, surtout avec ces bruits bizarroïdes venus d'une faune inconnue. "Playa Imaginaria (Bonus Track)" nous offre le meilleur de Michael Brückner, et de Volker Lankow par ricochet, dans une musique sise sur des séquences nerveuses et spasmodiques qui roulent et hoquètent à contresens des percussions très vivantes. Une onde flûtée émerge du néant, animant un séquenceur qui délie ses lignes de rythmes en boules séquencées qui roulent en boucles dans un pattern minimaliste. Le synthé lance des solos discordants qui s’enchevêtrent dans une mosaïque de rythmes et d’effets qui est assez bien soutenue par le travail des percussions manuelles. C'est du Brückner, donc c'est riche avec un petit zest d'expérimentation, tant dans les battements que les solos de synthé dont les tonalités et la complexité n'ont rien à envier aux meilleurs moments de Klaus Schulze. Plus on avance dans "Playa Imaginaria" et plus la tension du rythme atteint des sommets, faisant de ce titre un excellent bonus qui en dit long sur ce qu'on peut faire sur la musique de Michael Brückner.
Michael Brückner est une véritable boite à surprises pleine d'audace et de créativité. MOONSOON OFFERINGS le démontre amplement en étant un album qui récompensera celui qui a décidé d'affronter le taureau par les cornes. Malgré les écoutes je trouve encore que "Monsoon Offering/The Red Lamb", dans son étoffe originale ou celle-ci, est trop long pour rien. Mais le reste est du bonbon. Les percussions de Volker Lankow ajoutent une impressionnante dimension aux odes électroniques du musicien/synthésiste Allemand chez qui le talent sort par les oreilles! Disponible sur le site Bandcamp de Michael Brückner et les titres en prime viennent autant à l'achat du CD que du téléchargement.

Sylvain Lupari 15/05/19

mardi 14 mai 2019

JIM OTTAWAY: Beyond The Purple Sun (2019)

“Nice soundscapes with lot of cosmic moods, Beyond The Purple Sun is what is make of best in ambient cosmic music”
1 Celestial Rainbows 6:32
2 Lavender Moons 8:08
3 Dark Spaces 7:37
4 Birth of a Violet Quasar 10:02
5 Space Lightning 6:45
6 Secrets of the Hidden Stars 7:48
7 Beyond the Purple Sun 10:06

Jim Ottaway Music (CD/DDL 56:58)
(Ambient Cosmic Music)
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  **Chronique en français plus bas**
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A versatile musician-composer, Jim Ottaway is as much comfortable composing deeply ambient music than an EM whose structures are animated by beautiful movements of sequencers. The closing title, "Beyond the Purple Sun" is a very good example. Winner Australian Awards, as well as the Zone Music Reporter Awards of last year where he won the prize for the best ambient album for Deep Space Blue, the Australian musician and synthesist offers a 27th opus and a 7th in his series ambient -cosmic. Following the corridors of Deep Space Blue, BEYOND THE PURPLE SUN offers a collection of 7 titles with very different sonic perfumes that he had improvised in his studio between 2010 and the end of 2017. Hence this feeling of disparity between the 7 titles. The finish was thrown in February of this year with slight adjustments and some overdubs. The result is a halftone album if one seeks form pure mediation music. Otherwise, it's an album of cosmic ambiances carved in impressive panoramas where some pearls nestle as well as titles of disturbing moods.
A muffled shadow and quavering tones open the territories of "Celestial Rainbows". From then on, a wide layer of pastel color assails our senses with a slight hint of ocher. These layers drift like a lost ship in space-time. We see a conductor gather these sound waves to sculpt them into lunar orchestrations. We hear jingles and other stars mourn the silence of the gestures while a thin lost voice joins the cosmic violins. An intensity clings to this ambient-cosmic and ambiospherical movement which undeniably transports us to the door of an enchanting universe, if tones and cosmic arrangements are part of the elements that charm us. The strength of the Australian musician is to draw cosmic panoramas with such precision that we drift with his music. "Lavender Moons" is a good example with these multiple interstellar tinkles and these sound dilations that forge pulsations lost in their notions of beating. Cosmic effects and astral waves shrouded in visions of Tomita accompany this title without rhythmic life but lives from its synth layers whose colors and graceful movement are fluid as these screenshots in an ocean where so many multicolored creatures are dancing. But we are in cosmos and the synth is proving creativity by scattering lines, whose floating harmonies remind us of these Tangerine Dream's trumpet tones, and drifting pads scattering some wandering chants sung by astral mermaids. "Dark Spaces" has atmospheres that portray the dimension of its title. Effects explode here and there, while synth lines of synth collide and scratch the colors of their tones. The soundscape breathes of these sound masses full of mini explosions and of suspicious voices which try to push us back to the borders of the impossible. A bit like these sirens in Ulysses' journeys!
"Space Lightning" is a bit like that, but with more aggressivity in its cosmic effects, in its sound effects. Strange songs emerge between the rest of the din, as well as long filaments of reverberation. We do not sleep there! "Birth of a Violet Quasar" is a beautiful cosmic road where interstellar winds are like whispers that communicate with the clink of stars. A slight movement of the sequencer inspires an ambient rhythm that turns in a loop, even developing an evanescent harmonic vision. Here again, a cosmic choir murmurs serenity if one wants to dive into a meditative phase. A good ambient-cosmic title rich of its lines and poetic hums. "Secrets of the Hidden Stars" ties dynamic impulses to its moods. The winds, the moiré effects of the reverbs and the Alan Parsons arrangements add layer by layer to turbulences that are tamer than in "Dark Spaces" and "Space Lightning". The long title-track closes an album ambivalent in its structures and its visions with a pretty good sound wave that makes radiate the few seconds of its introduction. Video game effects adorn an introduction which pushes with a nice dangling of the sequencer and its Berlin School upward ambient rhythm. Threads of twinkling arpeggios follow a spherical fluttering path in an intense structure that, I hope, could be the omen of Jim Ottaway's next album. It's too strong for BEYOND THE PURPLE SUN which is a good album whose divergent elements throughout its 57 minutes get to be its strength. At the end, I had a nice hour of discovery on Jim Ottaway's BEYOND THE PURPLE SUN!

Sylvain Lupari (May 13th, 2019) ***½**
Available at Jim Ottaway's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Musicien-compositeur à la créativité polyvalente, Jim Ottaway est autant à l'aise pour composer de la musique profondément ambiante qu'une MÉ dont les structures sont animées par de beaux mouvements des séquenceurs. Le titre de clôture, "Beyond the Purple Sun" est un très bel exemple. Primé aux Awards Australien, ainsi qu'au Zone Music Reporter Awards de l'an dernier où il a remporté le prix pour le meilleur album ambiant pour Deep Space Blue, le musicien et synthésiste Australien propose un 27ième opus et un 7ième de sa série ambiant-cosmique. Suivant les corridors de Deep Space Blue, BEYOND THE PURPLE SUN propose une collection de 7 titres au parfum sonore très différent qu'il a improvisé dans son studio entre 2010 et la fin 2017. D'où cette sensation de disparité entre les 7 titres. La finition fut jetée en Février de cette années avec de légers ajustements et quelques surimpressions. Le résultat est un album en demi-teinte si on cherche la médiation pure. Sinon, c'est un album d'ambiances cosmiques sculptées dans d'impressionnants panoramas où nichent quelques perles et des titres aux ambiances dérangeantes.
Une ombre sourde et des frétillements sonores ouvrent les territoires de "Celestial Rainbows". Dès lors, une ample couche de couleur pastelle assaille nos sens avec un léger soupçon ocré. Ces couches dérivent comme un vaisseau égaré dans l'espace-temps. On voit un chef d'orchestre rassembler ces ondes sonores afin de les sculpter en orchestrations lunaires. On entend des tintements et autres étoiles pleurer le silence des gestes alors qu'une fine voix perdue rejoint les violons cosmiques. Une intensité s'agrippe à ce mouvement ambiant-cosmique et ambiosphérique qui indéniablement nous transporte à la porte d'un univers enchanteur, pour le peu que les tonalités et les arrangements cosmiques font partis des éléments qui nous charme. La force de du musicien Australien est de dessiner des panoramas cosmiques avec une telle précision que l'on dérive avec sa musique. "Lavender Moons" en est un bel exemple avec ces multiples tintements interstellaire et ces dilatations sonores qui forgent des pulsations perdues dans leurs notions. Des effets cosmiques et des vagues astrales nimbées des visions de Tomita accompagnent ce titre sans vie rythmique mais qui vit de ses couches de synthé dont les couleurs et les gracieux mouvement sont fluides comme ces prises de vue dans un océan où dansent de multiples créatures multicolores. Mais nous sommes dans le cosmos et le synthé fait preuve de créativité en éparpillant des lignes, dont les harmonies flottantes nous rappellent ces trompettes de Tangerine Dream, et des coussins à la dérive qui éparpillent des chants errants chantées par des sirènes astrales. "Dark Spaces" possèdent des ambiances qui dépeignent la dimension de son titre. Des effets explosent ici et là, alors que des lignes de synthé s'accrochent en s'écorchant les couleurs. Le paysage respire ces masses sonores pleines de mini explosions et des voix suspectes tentent de nous refouler aux frontières de l'impossible. Un peu comme ces sirènes dans les voyages d'Ulysse!
"Space Lightning" est un peu dans le même genre, mais avec plus d'agressivité dans ses effets cosmiques, ses effets sonores. Des chants étranges émergent entre le repos des tintamarres, ainsi que de longs filaments de réverbérations. On n'y dort pas! "Birth of a Violet Quasar" est une belle route cosmique où les vents intersidéraux sont comme des murmures qui communiquent avec les tintements des étoiles. Un léger mouvement du séquenceur inspire un rythme ambient qui tourne en boucle, développant même une vision harmonique évanescente. Encore ici, une chorale cosmique murmure des agréments de sérénité si on veut plonger dans une phase méditative. Un bon titre ambiant-cosmique riche de ses lignes et de ses fredonnements poétiques. "Secrets of the Hidden Stars" accroche de dynamiques impulsions à ses ambiances. Les vents, les effets moirés des réverbérations et les arrangements à la Alan Parsons ajoutent couche par-dessus couche à des turbulences qui sont plus apprivoisables que dans "Dark Spaces" et "Space Lightning". La longue-pièce titre clôt un album ambivalent dans ses structures et visions avec une belle ondée sonore qui irradie les quelques secondes de son introduction. Des effets de jeux vidéo ornent une introduction qui pousse avec un beau ballant du séquenceur et de son rythme ambiant ascendant à la Berlin School. Des filaments d'arpèges scintillent en suivant un tracé papillonnant sphéroïdal dans une intense structure qui, je le souhaite, pourrait être le présage du prochain album de Jim Ottaway. C'est trop fort pour BEYOND THE PURPLE SUN, un bel album dont les éléments divergents au long de ses 57 minutes en font sa force. Finalement…J'ai passé une belle heure de découverte sur BEYOND THE PURPLE SUN.
Sylvain Lupari 13/05/19

dimanche 12 mai 2019

IAN BODDY: Altair (2019)

“ALTAIR is not just for Ian Boddy's fans, but for those who like when EM meets other borders”
CD1 The Gatherings (77:54)
1 Shrine 9:00
2 Stay 10:09
3 Quantum of Memory 10:30
4 Incognito 8:55
5 Altair 17:07
6 Two Blocks 13:36
7 The Thaumaturge 8:38

CD2 Star's End (63:02)
1 Sanctum 8:16
2 Unquiet 9:04
3 Spire 14:13
4 Apostasy 19:23
5 Remnants 12:06

DiN59 (CD/DDL 140:56)
(England School, Electronica & Psybient)
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  **Chronique en français plus bas**
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Ian Boddy is a regular on the Atlantic crossings, as evidenced by his many presences on the US East Coast and his appearances at The Gatherings of Philadelphia as well at the famous Chuck van Zyl's Star's End. Some of these concerts were put into CD-R or made available on download on DIN Bandcamp site with titles like Shrouded, Strange Attractors and Sepulcher. Other albums, such as React and the very solid Liverdelphia, were made as a manufactured CD. ALTAIR is a double album which follows the last journey of DiN's boss in the city of fraternal love. And according to our friend Ian, this is the best record of his performances at the St-Mary's Church and the premises of WXPN-FM. Beyond the sound quality, especially at Star's End, and this electrical contact with the audience of The Gatherings, ALTAIR is also the opportunity to discover the new music of Ian Boddy whose last solo album dates back to 2016 with As Above So Below, which is very well represented during the performance at The Gatherings. One finds also on this show nearly 40 minutes new music. Of this delicious musical nectar whose England School styles of Arc and Redshift are related to the Electronica vision of Ian Boddy. At this level, the CD at The Gatherings offers almost 78 minutes of pure pleasure. On the other hand, the CD of Star's End proposes a new music which is more ambiospherical, although one doesn't really meditate with "Spire" and "Apostasy". So, place to ALTAIR!
The concert at The Gatherings begins with "Shrine". After the usual applause, the intriguing wave seems more spectral than in As Above So Below, while the pulsating effect of the rhythm invites us to a fabulous 77 minutes of EM in the Ian Boddy line. "Stay", from the Sway album, is a long bridge of dark moods that links the heavy and resonant rhythm of "Shrine" to the lighter one of "Quantum of Memory". Three titles and three different phases of the English musician's repertoire! "Incognito" is the first new music presented in ALTAIR. Rhythm and no rhythm, its cadenza flows in uncertainty and relies on a bass pulsation and its temporary shadow which molds an echo that responds to the clatter of percussions that sparkle from one ear to another. The keyboard puts down arpeggios which evolve with a demonic clarity that is unique to the signature of Ian Boddy. The long title-track begins in a fauna of electronic noises borrowed from the first avant-garde repertoire of the genre. A bass beat is running in muted behind this field of noises, recalling these links which unite the music of Arc and Redshift to that of the DiN boss. The rhythm is the most fluid, the one that makes us stomp of the feet since the opening of this performance at The Gatherings. The sound effects are a shield against the boredom, the rhythm gestation also, with an incredible tonal richness that we have learned to tasty with the recent explosion of the Modular synths. The pulse, we speak more of a pulse here, chew the resonant heaviness of "Shrine" by performing a race with long turns under synth layers sifted in ectoplasmic effects and rolling like these astral waves by a starry night. The pulsations of the rhythm seem articulated like the muffled sounds of our tongue slamming clandestinely under our palate. This rhythm takes more vitality after the door of the 7th minute, while the melodies drawn from the effects turn into faster loops. The music borrows a small Electronica bend and synths cry revenge on the effects with very good solos that lead the music to a quieter phase. And it's little by little that "Altair" leaves our ears that must now negotiate with the splendors of "Two Blocks", a title which flirts between the big England School and the Electronica such as thought and developed by Ian Boddy. The flow of the sequencer sculpts one of these rhythms not too sure to want to strip our floor while the drum and their metal snaps are running to the opposite. Arpeggios are running in all directions, trying to understand those sound effects that finally have the upper hand by leading "Two Blocks" to a kind of psybient finale. After loud applauses, it always annoys me a bit, "The Thaumaturge", from the album As Above So Below, is a fully deserved encore of a concert that I would like to see. At least I can hear it now!
The performance of Star's End begins in tranquility with the almost pastoral waves of "Sanctum". Violent wiissh, woossh and waassh roll their destiny intersecting their patterns, while the atmospheres sink into abyssal depths that make me think slightly of the textures of Michael Stearns in M'Ocean marinating with these effects of noisy circular waves that furrowed the spaces of Jean-Michel Jarre in Magnetic Fields. Layers of old dark and obituary organ come to cover these musical mirages, while quietly the intensity of "Sanctum" is lost in the abstruse landscapes of "Unquiet". Guttural moans, such as those mammoth moans in the Lord of the Rings, come to haunt its opening which shines again of a troubling and very effective sounding fauna. Diversity is such and there are so many elements that add up and increase the intensity level of a few notches, that it's almost impossible to sink into indifference. We start to find it a little bit long when "Unquiet" gives way to "Spire". We are in the core of Star's End and its purely ambiospherical phase moves towards a slow rhythm, animated by a good bass line slightly throbbing which serves as a timing belt for arpeggios whose harmonic choreography seems to be inspired by the territories of Poseidon that we find in the excellent Michael Stearns' M'Ocean. It's a clever mix of ambiances between Ian Boddy's England School and his touch of ambient Electronica with some very nice solos from a synth which expel out from its interstices a fabulous set of legends and mysteries. It's very beautiful! Then comes the heavy and devious "Apostasy"! This cornerstone of the Star's End show has all the facets of Ian Boddy gathered in 20 minutes. The rhythm extends its tentacle with a long circular axis that zigzags like those heavy rhythms of the England School. Tamed for an ambient phase, it contains the fantasies of the keyboard and synth from the English musician. A layer of gothic haze tames this structure which trots in our head with a slight melodious aura. Sound effects and keyboard keys sparkle here and there. The ambiances reach a threshold of intensity and "Apostasy" continues to resist to the contained fury of the sequencer, seeking instead to wallow in a psybient vision which becomes more and more Chthonian. A shadow of Arc encircles the music around the 10 minutes, breaking the pinnacle of this title which concludes with an unexpected serenity. "Remnants" ends ALTAIR with a phase of sibylline atmospheres which reaches an emotional and intense point before returning to the limbo of Ian Boddy's ambiospherical symphonies.
Ian Boddy was at the height of his inspiration during his two performances in Philadelphia. The videos on YouTube are as much the proof as these two concerts which give off an excellent communion with the spectators and the night listeners. For his fans, ALTAIR is a must! We have here all the facets of this excellent sculptor of atmospheres who succeeds, album after album, to astonish and to touch us. Available in CD manufactured with a 6-panel digipack packaging, as well as in a downloadable format, ALTAIR is not just for Ian Boddy's fans, but for those who like when EM crosses other borders.

Sylvain Lupari (May 13th, 2019) **** ¼*
Available at DiN's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ian Boddy est un habitué des traversées de l'Atlantique, comme en font foi ses nombreuses présences sur la côte Est américaine et ses apparitions au The Gatherings de Philadelphie ainsi qu'au très célèbre Star's End de Chuck van Zyl. Quelques-uns de ces concerts ont été réalisé sous forme de CD-R ou de téléchargement sur le site de DIN; Shrouded, Strange Attractors et Sepulchre. D'autres albums, comme React et le très solide Liverdelphia ont été réalisé sous forme de CD manufacturé. ALTAIR est un album double qui suit le dernier voyage du boss de DiN dans la ville de l'amour fraternelle. Et selon notre ami Ian, il s'agit de la meilleure des captations de ses performances dans l'église de Ste Marie et dans les locaux du WXPN-FM. Au-delà de la qualité sonore, notamment au Star's End, et de ce contact électrique avec l'audience au The Gatherings, ALTAIR est aussi l'occasion de découvrir la nouvelle musique d'Ian Boddy dont le dernier album solo remonte en 2016 avec As Above So Below, qui est fort bien représenté lors de la prestation au The Gatherings où l'on retrouve aussi près de 40 minutes de ce délicieux nectar musical dont les styles England School d'Arc et Redshift sont liés à la vision Électronica d'Ian Boddy. À ce niveau, le CD The Gatherings propose près de 78 minutes de pur plaisir. En revanche, le CD Star's End propose une musique inédite qui est plus ambiosphérique, quoiqu'on ne médite pas vraiment avec "Spire" et "Apostasy". Donc, place à ALTAIR!
Le concert au The Gatherings débute avec "Shrine". Après les applaudissements d'usage, l'onde intrigante semble plus spectrale que dans As Above So Below, alors que l'effet pulsatoire du rythme nous convie à un fabuleux 77 minutes de MÉ dans la lignée Ian Boddy. "Stay", de l'album Sway, est un long pont d'ambiances sombres qui lie le rythme lourd et résonnant de "Shrine" à celui plus léger de "Quantum of Memory". Trois titres et trois phases différentes du répertoire du musicien Anglais! "Incognito" est la première nouveauté présentée dans ALTAIR. Rythme et pas de rythme, sa cadence coule dans l'incertitude et s'appuie sur une basse pulsation et son ombre passager qui moule une écho auquel répond les cliquetis de percussions qui pétillent d'une oreille à l'autre. Le clavier étend des arpèges qui évoluent avec une limpidité démoniaque qui est unique à la signature d'Ian Boddy. La longue pièce-titre débute dans une faune de bruits électroniques empruntés aux premiers répertoires avant-gardistes du genre. Une basse pulsation court en sourdine derrière ce champs de bruits, rappelant ces liens qui unissent la musique d'Arc et de Redshift à celle du boss de DiN. Le rythme est le plus fluide, celui qui entraîne le plus de tapements de pieds depuis l'ouverture de cette performance au The Gatherings. Les effets sonores sont un blindage contre l'ennuie, le gestation du rythme aussi d'ailleurs, avec une richesse tonale incroyable que nous avons apprise à savoureux avec l'explosion récente des synthés modulaires. Le beat, on parle plus de beat ici, mâchonne les lourdeurs résonnantes de "Shrine" en effectuant une course avec de longs virages sous de couches de synthé tamisées dans des effets ectoplasmiques et qui roulent comme ces vagues astrales par une nuit étoilée. Les pulsations du rythme semblent articulées comme les bruits sourds de claquant clandestinement sous notre palais. Ce rythme prend plus de vitalité après la porte des 7 minutes, alors que les mélodies tirées des effets tournent en boucles plus rapides. La musique emprunte un petit virage Électronica et les synthés crient vengeance sur les effets avec de très bons solos qui conduisent la musique vers une phase plus tranquille. Et c'est peu à peu que "Altair" quitte nos oreilles qui doivent maintenant négocier avec les splendeurs de "Two Blocks", un titre qui flirte entre du gros England School et l'Électronica tel que pensé et développé par Ian Boddy. Le débit du séquenceur sculpte un de ces rythmes pas trop certain de vouloir décaper notre plancher alors que les percussions et leurs claquements métalliques sont disposés à tout le contraire. Des arpèges courent en tout sens, tentant de comprendre ces effets sonores qui ont finalement le dessus en entraînant "Two Blocks" vers une finale un peu genre psybient. Après des applaudissements nourris, ça m'agace toujours un peu, "The Thaumaturge", de l'album As Above So Below est un rappel pleinement mérité d'un concert que j'aurais donc aimer voir. Au moins je peux l'entendre maintenant!
La performance de Star's End débute dans la quiétude avec les ondes quasiment pastorales de "Sanctum". De violents wiissh, woossh et waassh roulent leurs destinées en entrecroisant leurs schémas, alors que les ambiances s'enfoncent dans des profondeurs abyssales qui me font penser légèrement aux textures de Michael Stearns dans M'Ocean marinant avec ces effets de bruyantes vagues circulaires qui sillonnaient les espaces de Jean-Michel Jarre dans Les Champs Magnétiques. Des nappes de vieil orgue ténébreux et obituaire viennent recouvrir ces mirages musicaux, alors que tranquillement l'intensité de "Sanctum" se perd dans les paysages abscons de "Unquiet". Des gémissements gutturaux, tel ces gémissements de mammouth dans le Seigneur des Anneaux, viennent hanter son ouverture qui irradie encore d'une faune sonore troublante et très efficace. La diversité est tel et il y tant d'éléments qui s'ajoutent et qui haussent le niveau d'intensité de quelques crans, qu'il est quasiment impossible de sombrer dans l'indifférence. On commence à trouver ça long que "Unquiet" fait place à "Spire". Nous sommes dans le cœur de Star's End et sa phase purement ambiosphérique se déplace vers un rythme lent, animé par une bonne ligne de basse, légèrement vrombissante, qui sert de courroie à des arpèges dont la chorégraphie harmonique semble s’inspirer des territoires de Poséidon que l'on retrouve dans l'excellent M'Ocean de Michael Stearns. C'est un habile mélange d'ambiances entre l'England School d'Ian Boddy et sa petite touche d'Électronica ambiant avec de très beaux solos d’un synthé qui expulse de ses interstices un fabuleux décor de légendes et de mystères. C'est très beau! Puis arrive le lourd et sournois "Apostasy"! Ce long titre phare de Star's End possède toutes les facettes d'Ian Boddy réunit sur 20 minutes. Le rythme étend sa tentacule avec un long axe circulaire qui zigzague comme ces rythmes lourds de la England School. Dompté pour une phase ambiante, il contient les fantaisies du musicien Anglais au clavier et synthé. Une couche de brume gothique dompte cette structure qui trotte dans notre tête avec une légère aura mélodieuse. Des effets sonores et des notes de claviers pétillent ici et là. Les ambiances atteignent un seuil d'intensité et "Apostasy" continue de résister à la fureur contenue du séquenceur, cherchant plutôt à se vautrer dans du psybient qui devient de plus en plus chthonien. Une ombre d'Arc encercle la musique autour des 10 minutes, défonçant le pinacle de ce titre qui se conclut dans une sérénité inattendue. "Remnants" termine ALTAIR avec une phase d'ambiances sibyllines qui atteint une pointe émotive et intense avant de retourner dans les limbes des symphonies ambiosphérique d'Ian Boddy.
Ian Boddy était au sommet de son inspiration lors de ses 2 performances à Philadelphie. Les vidéos sur YouTube en sont autant la preuve que ces 2 concerts qui dégagent une excellente communion avec les spectateurs et les auditeurs de nuit. Pour ses fans, ALTAIR est un must! Nous avons ici toutes les facettes de cet excellent sculpteur d'ambiances qui réussit, album après album, à étonner et à émouvoir. Disponible en version CD manufacturé dans un emballage digipack à 6 panneaux, ainsi qu'en format téléchargeable, ALTAIR n'est pas juste pour les fans d'Ian Boddy, mais pour ceux qui aiment lorsque la MÉ franchit d'autres frontières.
Sylvain Lupari 12/05/19