lundi 19 novembre 2018

STEPHAN WHITLAN & RON BOOTS: Substitutes (2018)

“Substitutes is a stronger blend of a Boots & Whitlan's improvised set on an evening where they weren't supposed to play at all”
1 Finding our Way 9:54
2 The Deepend One 19:57
3 On an Old-Field 5:52
4 The Deepend Two 23:48
5 Flux 8:01

Groove Unlimited ‎| GR-258 (CD-r 67:33)
(Improvised Netherlands & England Schools)

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   **Chronique en français plus bas**
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Hearing the first 30 minutes of “Substitutes” one wonders if it's possible! Supported by the faithful companion Harald Van der Heijden, on drums and percussions, Ron Boots and Stephan Whitlan, with whom he made Seven Days last year, have filled on short notice the waiting time with a fascinating live performance of more than one hour before Ulrich Schnauss has finally received his equipment during the last E-Day 2018. And to listen to “Substitutes”, one wonders if it's indeed possible! Because 3 hours before, the 3 musicians had no idea what was waiting for them.
A breath moans at the beginning of "Finding our Way". Its radiance makes spring up the nest which diffuses a plethora which rolls in harmonious circles, while softly the first drums resound followed by a line of bass which spreads its heat. Very representative of three musicians who tune out their ideas, "Finding our Way" becomes a slow with a flavor of jazz-blues. The keyboard scatters its chords with nimble fingers that model an electric piano approach sitting in a bluish mist bench. The drum gets in tune with precise and non-violent strikes while the synth weaves acrobatic solos that counterbalance the harmoniously nostalgic vision of the electric piano. The atmospheres are warm, and the instruments as well tuned as the ideas, "The Deepend One" attacks the audience, and our ears, with the assurance of the best from Boots-Van der Heijden-Whitlan. A juicy and reverberating wave, fluty breezes and frivolous arpeggios put us in a position of expectation. Woosh and waash are buzzing around the harmonic carousel of arpeggios. Vangelis' synth impulses set an apocalyptic climate that suits woosh and waash. It's the arpeggios that first give way to the next phase of "The Deepend One". Then comes the whispers of a bass line and the avalanche of a drum in mode attack! Synth lines sweep the horizons above our ears, bringing reverberation effects as the music reaches an area as dark as a war zone lit by the fires of the sky. This long staging goes beyond 7 minutes before the soft and steady pace of "The Deepend One" lights up the impatience of our feet. If the spheroidal impulses of the arpeggios remain present, the synth stays well back with harmonies in the form of very discrete solos. It's 2 minutes later that it pierces this sound cuirass with a more noble presence, while the title sinks into the heavy strikes of Harald Van der Heijden. Only the guitar is missing, and we are in the realm of MorPheuSz!
Divided into 2 parts, “Substitutes” is proposed in its most basic envelope. No overdubs, no frills! What we hear is what the audience has heard. However, we feel a better cohesion, a greater symbiosis here than on the first 30 minutes of this concert performed on short notice. Plus, there is no applauses! This second part starts with "On an Old-Field". And no, you're not dreaming; it's a homemade cover of Tubular Bells. More ethereal, more fragile and very electronic, the music gets between our ears with the sweetness of an old companion who puts the suit of a romantic ballad. The finale slides to "The Deepend Two" and its synth which twists its solos like the slow agony from a guitar. Layers embellish this shrill chant of the synth whose nimble fingers sculpt solos and waves which mix their intentions. Arpeggios wriggle as the chthonic choir song awakens the rumblings from heavens. It's a dark overture, in the pure tradition of Berlin School, Phaedra era, where fires sparkles and is jumping a line of bass sequences in layers stuffed of chloroform. The rhythm hopping like a gallop in a static circle, "The Deepend Two" takes the shape of an ambient rhythm chewed by a sneaky bass line and circular sequences which tergiversate in a thick metallurgical fog. The drum makes its pitching tumble while the solos scream with fright. And then ... boom! The rhythm comes vigorously after the 9th minute point. Solid, furious and clubbed by an octopus on drums, it brings music far behind the limits of ambient rhythms. The sequencer throws its kicks and the synth its harmonious solos as Harry Van der Heijden, master on drums, multiplies strikes that support a heavier and more catchy music with keyboard and synth that launch sonic attacks of ruthless heaviness, without denying the melodious side of the music. It's good big electronic rock from the Netherlands School and this title is certainly worth the money spent to acquire this “Substitutes”. Especially since that "Flux" is another monument of electronic rhythm where sequencer and drums unite their cohesions in a good spasmodic electronic rock which finds its cosmic references towards its finale.
For a music which is proposed on short notice, this “Substitutes” has all the attributes of a music improvised by 3 friends who were on the same page, on the same beat. If the start is nebulous, the next 60 minutes take us to a level where the complexity of cohesion in the improvisations reaches several climaxes in the 2 parts of The Deepend. This is strong Netherlands School with a zest of this rock side of the England School. So, the result exceeds, in this context, all expectations. To further explore the 2 parts of The Deepend in studio would certainly be a stroke of genius!
Sylvain Lupari (November 17th, 2018) *****

synth&sequences.com
Available at Groove nl
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                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS
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À entendre les 30 premières minutes de “Substitutes” on se demande si c'est possible! Appuyé du fidèle compagnon Harald Van der Heijden à la batterie et aux percussions Ron Boots et Stephan Whitlan ont rempli à pied levé le temps d'attente de plus d'une heure par une étonnante prestation avant qu'Ulrich Schnauss reçoive enfin son équipement lors du dernier E-Day 2018. Et à écouter les 30 premières minutes de “Substitutes”, on se demande si c'est effectivement possible! Car 3 heures avant, les 3 musiciens n'avaient aucune idée de ce qui les attendait.
Un souffle gémit en début de "Finding our Way". Son rayonnement en fait jaillir le nid qui en diffuse une pléthore qui tourne en cercles harmonieux, alors que tout doucement les premières percussions résonnent suivies d'une ligne de basse qui étend sa chaleur. Titre très représentatif de trois musiciens qui accordent leurs idées, "Finding our Way" devient un slow avec une saveur de jazz-blues. Le clavier éparpille ses accords avec des doigts agiles qui modèlent une approche de piano électrique assis dans un banc de brume bleutée. La batterie est dans le ton avec des frappes précises et sans violence alors que le synthé tisse des solos acrobatiques qui font contrepoids à la vision harmonieusement nostalgique du piano électrique. Les ambiances sont réchauffées et les instruments aussi bien accordés que les idées, "The Deepend One" attaque l'auditoire, et nos oreilles, avec l'assurance du meilleur de Boots-Van der Heijden- Whitlan. Une onde grasse et réverbérante, des brises flûtées et des arpèges frivoles nous amènent dans une position d'expectation. Des woosh et des waash bourdonnent autour du carrousel harmonique des arpèges. Des élans de synthé assez Vangelis installent un climat apocalyptique qui sied bien aux woosh et aux waash. Ce sont les arpèges qui en premier cèdent le pas à la phase suivante de "The Deepend One". Vient ensuite les murmures d'une ligne de basse et l'avalanche d'une batterie en mode attaque! Des lignes de synthé balaient les horizons au-dessus de nos oreilles, amenant des effets de réverbérations alors que la musique atteint une zone aussi obscure qu'une zone de guerre éclairée par le feu du ciel. Cette longue mise-en-scène dépasse les 7 minutes avant que le rythme mou et soutenu de "The Deepend One" allume l'impatience de nos pieds. Si les élans sphéroïdaux des arpèges restent bien présents, le synthé reste bien en arrière avec des harmonies sous formes de solos bien discrètes. C'est 2 minutes plus loin qu'il perce cette cuirasse sonore avec une présence plus noble, alors que le titre s'enfonce dans les lourdes frappes d'Harald Van der Heijden. Il ne manque que la guitare et nous sommes dans le royaume de MorPheuSz!
Divisé en 2 sections, “Substitutes” est proposé dans son enveloppe le plus élémentaire. Pas d'overdubs, ni flaflas! Ce que nous entendons est ce que le public a entendu. Pourtant, on sent une meilleure cohésion, une plus grande symbiose ici que sur les 30 premières minutes de ce concert performé à pied levé. De plus, il n'y a aucun applaudissement! Cette 2ième partie débute donc avec "On an Old-Field". Et non vous ne rêvez pas; il s'agit bel et bien d'une reprise-maison de Tubular Bells. Plus éthérée, plus fragile et très électronique, la musique se love entre nos oreilles avec la douceur d'une vieille compagne à qui en met un habit de ballade entre les mains. La finale glisse vers "The Deepend Two" et son synthé qui tord ses solos comme la lente agonie d'une guitare. Des nappes de voix embaument ce chant strident du synthé dont des doigts agiles sculptent des solos et des ondes qui mélangent leurs intentions. Des arpèges frétillent alors que le chant chthonien de la chorale éveille les grondements des cieux. C'est une ouverture sombre, dans la pure tradition Berlin School, époque Phaedra, où pétillent des feux sonores et sautille une ligne de basses séquences dans des nappes bourrées de chloroforme. Le rythme sautillant comme un galop dans un cercle statique, "The Deepend Two" épouse un rythme ambiant mâchonné par une ligne de basse sournoise et des séquences circulaires qui tergiversent dans un épais brouillard métallurgique. La batterie fait débouler ses frappes des hauteurs alors que les solos hurlent de frayeur. Et puis…boom! Le rythme se détache avec vigueur après la 9ième minute. Solide, furieux et matraqué par une pieuvre à la batterie, il amène la musique loin loin derrière les limites des rythmes ambiants. Le séquenceur lance ses ruades et le synthé ses solos harmoniques alors qu'Harald Van der Heijden, magistral à la batterie, multiplie des frappes qui supportent une musique plus lourde et plus entraînante avec clavier et synthé qui lancent des attaques soniques d'une lourdeur impitoyable, sans renier le côté mélodieux de la musique. C'est du bon gros rock électronique de la Netherlands School, et ce titre vaut assurément les deniers déboursés pour acquérir ce “Substitutes”. Surtout que "Flux" est un autre monument de rythme électronique où séquenceur et batterie unissent leurs cohésions dans un bon rock électronique spasmodique qui retrouve ses repères cosmiques autour de sa finale.
Comme musique qui est proposée à pied levé, ce “Substitutes” possède tous les attributs d'une musique improvisée par 3 compères qui étaient sur la même page, sur le même beat. Si le départ est laborieux, les 60 minutes suivantes nous amènent à un niveau où la complexité de cohésion dans les improvisations atteint plusieurs points culminants dans les 2 parties de The Deepend. Du gros Netherlands School avec un zest de d'un England School très lourd. Donc, le résultat dépasse, dans ce contexte, toutes les attentes. Explorer davantage les 2 parties de The Deepend en studio serait assurément un coup de génie!

Sylvain Lupari 19/11/18

samedi 17 novembre 2018

P'FAUN: the golden peacock (2018)

“This the golden peacock is another must-have album from a trio that is far from being an idea that has shone only the time of a concert”
1 so ham (a suite) 14:49
2 flying fish 7:01
3 king gong 9:15
4 house in the storm - part 2 10:58
5 number five (is still alive) 7:18
6 p'quences 14:39
7 blue pearls - part 1 7:23
8 blue pearls - part 2 7:05

Groove NL (CD 78:28)
(Electronic prog rock, Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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After a first EP released earlier this year that foreshadowed beautiful things from P'Faun, “the golden peacock” confirms that sp'roque was far from being an idea that has shone only the time of a concert. For this first album on the Groove label, the descendant of P'Cock offers a brilliant album where the colors of EM get mix to a solid symphonic rock with a surprising musicality. Heavy, incisive and so much catchy, “the golden peacock” follows this curve of creativity that the duo Betzler & Brückner has initiated in 2015 with the album Two.
"so ham (a suite)" offers a paradisiacal introduction with peacock cries and dialogues, quite humorous I should add, from explorers in the jungle of P'Faun. Doris Hach's cello weaves a gloomy ambience which is bickering with sitar effects and gongs. With the density of orchestrations and of the organ pads, this opening to “the golden peacock” is torn between its heavy cinematic moods, the psychedelic designs of the synths and the nervous percussion of Tommy Betzler. Sammy David's guitar takes the guides and forces an invasion towards a heavy electronic progressive rock that remains stuck under the multiple effects and solos of the synths which adorn this approach of ambient rock with a slight psybient veil. Between its phases of rhythms and non-rhythms, its stormy meditative ambiances and its symphonic cinematographic imprint, "so ham (a suite)" drifts into a cryptic universe where the quiet-ambient side is as opaque as omnipresent. It's with "flying fish" that the departure to the universe "the golden peacock" begins. The rhythm is heavy and lively. Built on flowing sequences, which are in Berlin School mode, and the powerful strikes of Tommy Betzler, the rhythm is also sat on a solid bass that recalls the game of Chris Squire in Yes. Here is a big powerful electronic rock with a nice duel between Michael Brückner, solid on the sequencer and on synths and Sammy David who throws some very good guitar solos between our ears. "king gong" follows with its heavy rhythm and its Bleusy guitar a la King Crimson played by Gerd Weyhing. Tommy Betzler beats his drums with power while harmonizing them with bells on this structure whose rhythmic mass wobbles towards phases always a little more meditative. We are not far from Frank Zappa on this track which asks us a little time of listening in order to discover its beauties. House in the Storm is the flagship title, at least its second part which was featured on an Innovative Communication compilation, from the former band of Tommy Betzler; P'Cock. I always had a weakness spot for this title and it's with pleasure, and a little of mistrust, that I welcomed "house in the storm - part 2" between the walls of my living room. And mistrust had no reason to be because indeed it's this 2nd part, of a 9 minutes length, which is extricated from an introduction of ambiences filled with the Indian perfumes of Mind Over Matter. The rhythm is lively and circular, with percussive rattling and the bluish haze of synth's silvery reflection effects. The guitar and percussions take care of the rest which is no more or less the exact reflection of this restored version of this title in its contemporary version which is catchier and more electronic. The guitar is just amazing here!
Speaking of guitar, it's none other than Harrald Nies who makes his chords, riffs and solos run on the thrumming rhythm of "number five (is still alive)". The bass, played by Sammy David, throbs with passion in an introduction where Harald's riffs and chords play finesse with a good rhythmic programming of Michael Brückner whose Berliner mode is joined by the nervous percussions of TB. We discover a heavy e-rock in its stationary bubble with good rousing impulses where heaviness is orchestrated by a synth loaded of psychosis scents. Composed by Michael Brückner and René van der Wouden, "p'quences" is the most electronic title of this “the golden peacock”. Its rhythm is lively and structured by these lines of sequences whose agile flickering line up like long undulating filaments that go alongside and intertwine in a very good Berlin School style. The percussions give more relief to this rhythm whose modifications in the movement of the sequencers go from more or less ambient phases to other more extreme ones in terms of liveliness. The synths imagine cosmic decors with good effects and solos as agile as these aerial choreographies of supersonic jets. Huge and very intense! The 14 minutes of "blue pearls" close this impressive opus from Tommy Betzler, Michael Brückner and Sammy David with 2 parts split into a powerful electronic progressive rock as ingenious as quite melodious. "blue pearls- part one" offers a muddy, vaporous introduction where the 3 musicians tune their instruments as well as their ideas. Sibylline fog banks move forward with a hint of unreal voices. If you can hardly hear the jingling in the distance, it's quite different for the bass which is more voracious than the very timid guitar. But it changes very slowly when the guitar tries to create those evanescent melodies of Mark Knopfler. The riffs begin to hiccup, awakening the percussion while the anesthetic synths' layers release effects of guttural gurgles. Fragrances of orchestrations try to hide the intentions of Sammy David, but too late the percussions move nervously and plunge "blue pearls-part one" in an electronic rock heavier than slow with another stunning of the bass which chews the beat like the genus Chris Squire. And it's with the arrival of "blue pearls- part two" that the trio embraces a phase of galloping electronic rhythm like these cavalries in a progressive electronic rock where synth and guitar harmonize their duels in a superb fusion of Berlin School and progressive symphonic rock. Another must-have from the label Groove which has just launched 3 small sound bombs with the latest albums of Spyra, Can Atilla and this “the golden peacock”.
Sylvain Lupari (November 17th, 2018) *****

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                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Après un premier EP paru en début d'année qui laissait présager de bien belles choses de P’Faun, “the golden peacock” confirme que sp'roque était loin d'être une idée qui n'a brillé que le temps d'un concert. Pour ce 1ier album sur le label Groove, le descendant de P’Cock propose un brillant album où les couleurs de la MÉ se mélangent à du solide rock symphonique avec une surprenante musicalité. Lourd, incisif et tellement entraînant, “the golden peacock” suit cette courbe de créativité que le duo Betzler & Brückner a initié en 2015 avec Two.
"so ham (a suite)" propose une introduction paradisiaque avec des cris de paons et des dialogues, assez humoristiques, d'explorateurs dans la jungle de P’Faun. Le violoncelle de Doris Hach tisse une ambiance morose qui lutte avec des effets de sitar et des gongs. Avec la densité des orchestrations et des nappes d'orgue, cette ouverture à “the golden peacock” se tiraille entre de lourdes ambiances cinématographiques, les dessins psychédéliques des synthés et les percussions nerveuses de Tommy Betzler. La guitare de Sammy David prend les guides et force une invasion vers un rock progressif électronique lourd qui reste coincé sous les multiples effets et solos des synthés qui ornent cette approche de rock ambiant d'un léger voile psybient. Entre ses phases de rythmes et de non-rythmes, ses houleuses ambiances méditatives et son empreinte cinématographique symphonique, "so ham (a suite)" dérive dans un univers sibyllin où le côté ambiant-tranquille est aussi opaque qu'omniprésent. C'est avec "flying fish" que le départ vers l'univers “the golden peacock” s'amorce. Le rythme est lourd et vif. Érigée sur des séquences fluides, qui sont en mode Berlin School, et les puissantes frappes de Tommy Betzler, le rythme s'appuie aussi sur une solide basse qui rappelle le jeu de Chris Squire dans Yes. Voilà un gros rock électronique puissant avec un beau duel entre Michael Brückner, solide sur le séquenceur, au synthé et Sammy David qui nous lance de très bons solos de guitare. "king gong" suit avec son rythme lourd et sa guitare Bleusy à la King Crimson jouée par Gerd Weyhing. Tommy Betzler bat ses fûts avec puissance tout en les harmonisant avec des clochettes sur cette structure dont la masse rythmique vacille vers des phases toujours un peu plus méditatives. Nous ne sommes pas vraiment loin de Frank Zappa sur ce titre qui nous demande un peu de temps d'écoute afin de découvrir ses beautés. House in the Storm est le titre-phare, à tout le moins sa 2ième partie qui figurait sur une compilation du label Innovative Communication, de l'ancien groupe de Tommy Betzler; P’Cock. J'ai toujours eu un faible pour ce titre et c'est donc avec plaisir, et un peu de méfiance, que j'ai accueilli "house in the storm - part 2" entre les murs de mon salon. Et la méfiance n'avait aucune raison d'être puisqu'effectivement c'est cette 2ième partie, d'une durée de 9 minutes, qui s'extirpe d'une introduction d'ambiances remplie des parfums Indiens de Mind Over Matter. Le rythme est vif et circulaire, agrémentée de cliquetis percussifs et de brume bleutée par ses reflets argentés. La guitare et les percussions s'occupent du reste qui n'est plus ni moins l'exact reflet de ce titre remis à neuf, dans sa version contemporaine plus entraînante et plus électronique. La guitare est tout simplement fumante ici!
Parlant guitare, c'est nul autre qu'Harald Nies qui fait courir ses accords, riffs et solos sur le rythme vrombissant de "number five (is still alive)". La basse, jouée par Sammy David, palpite avec passion dans une introduction où les riffs et accords d'Harald jouent de finesse avec une bonne programmation rythmique de Michael Brückner dont le mode Berliner est joint par les percussions nerveuses de TB. On découvre un rock lourd et stationnaire avec de bons élans entraînants où la lourdeur reste orchestrée par un synthé bourré de parfums de psychose. Composé par Michael Brückner et René van der Wouden, "p'quences" est le titre le plus électronique de “the golden peacock”. Son rythme est vif et structuré par ces lignes de séquences dont les clignotements agiles s'alignent comme de longs filaments ondulants qui se côtoient et s'entrecroisent dans un très bon Berlin School. Les percussions donnent plus de relief à ce rythme dont les variances dans le mouvement des séquenceurs vont de phases plus ou moins ambiantes à d’autres plus extrêmes au niveau de la vivacité. Les synthés imaginent des décors cosmiques avec de bons effets et des solos autant agiles que ces chorégraphies aériennes des jets supersoniques. Immense et très intense! Les 14 minutes de "blue pearls" clôturent cet impressionnant ouvrage de Tommy Betzler, Michael Brückner et Sammy David avec 2 parties scindées dans un puissant rock progressif électronique aussi ingénieux que mélodieux. "blue pearls- part one" propose une introduction vaseuse, vaporeuse où les 3 musiciens accordent leurs instruments aussi bien que leurs idées. Des bancs de brume sibyllins avancent avec un soupçon de voix irréelles. Si on entend à peine les tintements au loin, cela en est tout autre pour la basse qui est plus vorace que la toute timide guitare. Mais cela change tout doucement lorsque la guitare tente un jeu de mélodie évasive à la Mark Knopfler. Les riffs se mettent ainsi à hoqueter, éveillant les percussions alors que les nappes anesthésiantes des synthés libèrent des effets de gargouillis gutturaux. Des parfums d'orchestrations tentent de camoufler les intentions de Sammy David, mais trop tard les percussions s'agitent nerveusement et plongent "blue pearls- part one" dans un rock électronique plus lourd que lent avec une autre magnifique présence de la basse du genre Chris Squire. Et c'est avec l'arrivée de "blue pearls- part two" que le trio embrasse une phase de rythme électronique galopant comme ces cavaleries dans un heavy rock progressif symphonique où synthé et guitare harmonisent leurs duels dans une superbe fusion de MÉ de style Berlin School et de rock progressif symphonique. Un autre incontournable de Groove nl qui vient de lancer 3 petites bombes soniques avec les derniers albums de Spyra, Can Atilla et ce “the golden peacock”.
Sylvain Lupari 16/11/18 

mercredi 14 novembre 2018

SPYRA: Dunst (2018)

“A true feast for the ears, Spyra has just raised the art of EM at a very high level with Dunst”
1 Trias 12:10
2 Dunst 10:32
3 Frozen Fountain 9:28
4 Altekunst 12:47
5 Staub Part II 10:59
6 Tangible 15:36

Groove Unlimited-GR-256 (CD 71:41)
(Sequencer-based style Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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It's by waves coming from the sonic West that "Trias" sets up the rhythmic parameters of “Dunst”. Propelled by a surge of intensity from the metallic woosh and waash, this ambient and dreamlike opening switches for a polyphase rhythm that is fed with jerks. A mesh of percussions, percussive effects and lines of sequences with hues as diversified as their rhythmic direction are grafted to these multiple spasmodic breaks while above, a wave wobbles and sings alone. These multiple lines of sequences and pinches of percussions flirt with a fusion between a technoid approach a la Spyra and a heavy sedentary electronic rock fed by a plethora of sound effects that respect the infinite borders of synths and of these making sounds machines. And if a less intense phase comes up, it's to create a kind of breakdance with an armada of percussive effects and percussions which are doing dancing tap before the rich sound fauna reinstates its jewelry, including sequences a bit organic. "Trias" paves the way to the other 5 structures whose musical and sound promiscuities open our ears to a fascinating universe that can only belong to Wolfram der Spyra. It took almost four years for the Eschwege musician to reopen Staub's borders. And this time, Spyra attacks our hearing with a striking album built on rhythmic crossroads where sequences and electronic percussions fill a universe that would be as obscure as Staub's. The title track begins a little on the premise of "Trias", except that the rhythm that feeds most of its 10 minutes is eyeing a more technoid approach with muffled pulsations that plasticize a leaping dance approach. Jerking and jumping like kicks of horses attacked by a wasp's nest, the sequences remain vivacious and incisive. The synth pads invade this more rebellious structure and when "Dunst" touches an ambiospherical phase, the electronic percussions modeled on Mojave Plan (Tangerine Dream's White Eagle album) and Metal on Metal (Kraftwerk's TEE) redirects the pace into a lighter phase.
"Frozen Fountain" opens with a music sculpted in the anesthetic scents of Klaus Schulze's Mirage. Mirroring like limpid drops in a crystal universe, these drops of rhythm forge a stationary cadence that displays the colors of Spyra with a complex approach that combines lightness and intensity in the tones and permutations of the phases. Light, since chords flutter like chimes related to the frivolity of sonic snowflakes. Intense, because other chords are waltzing with a graver reflect while espousing the light step of those more limpid arpeggios. Another line of sequences rises without stopping, and without reaching its point of explosion, giving a magnetic resonance pattern to the spheroidal ballet of "Frozen Fountain". While streaks shear the sound ceiling, other more vivid sequences, dancing like scissors on a silvery hair, give another dimension to these sequencer movements that shimmer and twirl in slightly swirling breezes. The jingles, as well as the softer passages, got hypnotizing me and tied me to my earphones. This is the kind of title that can be played in a loop while there is always an element of charm that emerges from nowhere. And especially that "Altekunst" adopts this scheme, but in a more ethereal approach. At least its opening, since its 2nd part offers a keen and heavier structure. It's a fluid upward movement from the sequencer that gives this rhythmical momentum a little after the 5 minutes bar. A very Berlin School movement that awakens a pool of more aggressive sequences in their tonal colors. These tones shimmer between resonant and organic colors, while the percussions nourish the greed of saccades that rediscover a new decor with good sound effects. "Staub Part II" shows all the differences between Staub and “Dunst”. The violence in the tones as well as the distorted gurgles which are distortion diffusers guide the drifting layers and the rhythm towards a heavy and seductive approach of Berlin School surrounded by sounding butterflies that flutter with their radiant colors. After an opening full of sibylline breezes, "Tangible" offers a heavy but lively sequencer movement that plays with its nuances and phase changes in a setting where the spectral harmonies offer themselves a feast of sequences that oscillate breathlessly. Disrupted by short phases of ambient elements, the rhythm plays with its impulses to feign strength and delicacy in a sound context sometimes noisy.
A feast for the ears, “Dunst” offers an EM built on unthinkable routes of rhythms forged by the multiple facets of a sequencer, and its innumerable mathematical probabilities, and electronic percussion. In fact, Spyra has just raised the art of EM at a very high level. In my mind, this is where a progressive vision of EM should be now. Despite the chaos of these polyrhythmic structures, a perfume of musicality emanates from the 72 minutes of this excellent album. What I retain the most is the color of its sequences whose tints radiate and rage in patterns where the lack of cohesion suddenly becomes synonymous with synchronicity. I speak very little of the atmospheres ... Swept by a stormy sequencer and electronic percussions, they are consistent of the levels reached in Staub. Which is not nothing, too! In the end, here is an excellent album that can order a few listens, but this patience will be rewarded in 1000 ways!
Sylvain Lupari (November 14th, 2018) *****

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                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est par des ondes venant de l'Ouest sonique que "Trias" établit les paramètres rythmiques de “Dunst”. Propulsé par un élan d'intensité des woosh et waash métalliques, cette ouverture ambiante et onirique permute en un rythme polyphasé qui est nourri de saccades. Un maillage de percussions, d'effets percussifs et des lignes de séquences aux teintes aussi diversifiées que leur direction rythmique se greffent à ces multiples cassures spasmodiques alors qu'au-dessus, une onde vacille et chante en solitaire. Ces multiples lignes de séquences et ces percussions flirtent avec une fusion entre une approche technoïde à la Spyra et un lourd rock électronique sédentaire nourri par une pléthore d'effets sonores qui respectent les frontières de l'infini des synthés et de ces machines à faire des sons. Et si une phase moins intense s'amène, c'est pour instituer un genre de breakdance avec une armada d'effets percussifs et de percussions qui danse des claquettes avant que la riche faune sonore réinstaure ses bijoux, notamment des séquences un brin organique. "Trias" pave la voie à 5 autres structures dont les promiscuités musicales et sonores ouvrent nos oreilles à un fascinant univers qui ne peut qu'appartenir à Wolfram der Spyra. Cela aura pris près de 4 ans pour que le musicien natif d'Eschwege réouvre les frontières de Staub. Et cette fois-ci Spyra attaque de plein fouet notre ouïe avec un percutant album construit sur des carrefours rythmiques où séquences et percussions électroniques meublent un univers qui serait aussi obscure que celui de Staub. La pièce-titre débute un peu sur la prémices de "Trias", sauf que le rythme qui nourrie la majorité de ses 10 minutes lorgne vers une approche plus technoïde avec de sourdes pulsations qui plastifient une approche de danse bondissante. Saccadées et sautant comme des ruades de chevaux attaqués par un nid de guêpe, les séquences restent vives et incisives. Les nappes de synthé envahissent tant bien que mal cette structure plus rebelle et lorsque "Dunst" touche une phase ambiosphérique, des percussions calquées sur le modèle de Mojave Plan, (album White Eagle de Tangerine Dream) et Metal on Metal (TEE de Kraftwerk) redirige le rythme vers une phase plus légère.
"Frozen Fountain" s'ouvre avec une musique sculptée dans les parfums anesthésiants du Mirage de Klaus Schulze. Miroitant comme des gouttes limpides dans un univers de cristal, ces gouttes de rythme forgent une cadence stationnaire qui affiche les couleurs de Spyra avec une approche complexe et qui unit légèreté et intensité dans les tonalités et les permutations des phases. Léger, puisque des accords voltigent comme des carillons liés à la frivolité de flocons de neige sonique. Intense, puisque d'autres accords valsent avec un reflet plus grave tout en épousant la démarche légère des arpèges plus limpides. Une autre ligne de séquences monte sans arrêt, et sans atteindre son point d'explosion, donnant un relief de résonnance magnétique au ballet sphéroïdal de "Frozen Fountain". Alors que des stries cisaillent le plafond sonore, d'autres séquences plus vives, dansant comme des coups de ciseaux sur une chevelure argentée, donnent une autre dimension à ces mouvements du séquenceur qui miroitent et virevoltent dans des brises légèrement tourbillonnantes. Les tintements, de même que les passages plus doux, sont hypnotisant et m'ont fixé à mes écouteurs. C'est le genre de titre que l'on peut faire tourner en boucle alors qu'il y a toujours un élément de charme qui surgit de nul part. Et surtout que "Altekunst" épouse ce schéma, mais dans une approche plus éthérée. À tout le moins son ouverture, puisque sa 2ième partie offre une structure plus vive et plus lourde. C'est un fluide mouvement ascendant du séquenceur qui donne cet élan rythmique un peu après la barre des 5 minutes. Un mouvement très Berlin School qui éveille un bassin de séquences plus agressives dans leurs couleurs tonales. Ces tonalités miroitent entre des couleurs résonnantes et organiques, alors que des percussions nourrissent l'avidité des saccades qui redécouvrent un nouveau décor avec de bons effets sonores. "Staub Part II" affiche toutes les différences entre Staub et “Dunst”. La violence dans les tons ainsi que les gargouillis difformes et diffuseurs de distorsions guident les nappes planantes et le rythme vers une lourde et séduisante approche de Berlin School cernée de papillons sonores qui voltigent avec leurs couleurs rayonnantes. Après une ouverture gorgée de brises sibyllines, "Tangible" offre un lourd mais vif mouvement du séquenceur qui joue avec ses nuances et ses changements de phases dans un décor où les harmonies spectrales s'offrent un festin de séquences qui oscillent à perdre haleine. Disloqué par de courtes phases d'ambiances, le rythme joue avec ses élans pour feindre force et délicatesse dans un contexte sonore parfois tapageur.
Un véritable festin pour les oreilles, “Dunst” propose une MÉ construite sur d'impensables routes de rythmes forgées par les multiples facettes d'un séquenceur, et de ses innombrables probabilités mathématiques, et des percussions électroniques. Dans les faits, Spyra vient de rehausser l'art de la MÉ à un niveau très élevé. Selon moi, c'est là que la MÉ progressive devrait être. Malgré le chaos de ces structures polyrythmiques, un parfum de musicalité émane des 72 minutes de cet excellent album. Ce que je retiens le plus est la couleur de ses séquences dont les tintes rayonnent et ragent dans des schémas où le manque de cohésion devient subitement synonyme de synchronicité. Je parle très peu des ambiances…Balayées par les tempêtes du séquenceur et des percussions électroniques, elles sont conséquentes des niveaux atteints dans Staub. Ce qui n'est pas rien aussi! Au final, voilà un excellent album qui peut commander quelques écoutes, mais cette patience sera récompensée de 1 000 façons!

Sylvain Lupari 14/11/18

lundi 12 novembre 2018

CAN ATILLA: Berlin High School Legacy (2018)

“This is a superb album of traditional Berlin School loaded of the vintage magic with just enough complexity to not make people run away”
1 Messier 81 4:07
2 Arp 299 15:52
3 IC 10 6:29
4 IC 342 13:45
5 IOK- 01 5:41
6 LGS- 3 11:18

Groove GR-257 (CD 57:10)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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Those who have fallen under the spell of EM since a few years probably don't know the name of Can Atilla. High-caliber Turkish musician, the musician from Ankara has earned the praises of the electronic scene with his famous Ave, album that has marked the 30th anniversary of Tangerine Dream in 1999. Since then, Can Atilla has produced 5 albums, all on the Groove label, which have been influenced by Tangerine Dream and sometimes Jean-Michel Jarre. In the meantime, he also composed multiple soundtracks for Turkish cinema and New Age music with a strong tribal essence that rooted his power of attraction in his native Turkey. More present on the social networks that flirt with a clientele follower of the EM of the Berlin School genre for a few months, we suspected that Can Atilla was preparing a return. He whose first album in the genre goes back to Waves of Wheels in 1992. So, it is more than 15 years later and 7 years after his last album Hi-Story that he finally presents his comeback album. Amazing and sublime from beginning to end, “Berlin High School Legacy” revisits the scents of the beautiful years of EM with an approach stigmatized in the periods of Logos and Le Parc. Even more! Except this time, Can Atilla will go further. Will go even further than one would has imagined!
And it starts with the sonic morphine layers of "Messier 81". Cavernous breezes filled with ether and absent voices float on a mass of embryonic dissonant sounds, which will be found in more detail in "LGS-3", borrowed from the years 73-75. It's a dark, even Chthonian title, with enormous Luciferian organ waves, like the good Tony Banks of the Foxtrot years, drifting quietly towards the fiery "Arp 299". A line of bass sequences oscillates vividly in a setting of sound magic that the guitarist Mahir Şafak Tuzcu attacks with furious solos, like Zlatko Perica, which swirl with the same incisive magic of synth solos. The drums tumble and mistreat a highly boosted EM with a stormy hammering, leaving little room for lines of sequences which survive anyway while little by little the ardor of this electronic progressive rock dissipates. A short moment of leniency is required. It imposes banks of layers of voices and keyboard chords that move like Free Jazz and whose tone exudes slight memories of old TD. But the music and the ferocity of its rhythm comes back in force in the 2nd part of "Arp 299" whereas this time the guitar is in competition with the synth for solos that roll so well with the multiple strokes from the octopus on percussions. Highly contagious and one of the very best tracks in EM this year. That moves a lot inside the 6 minutes of "IC 10". The title is born from the sequences of "Arp 299" in order to take refuge in a texture of percussive ambiences. Multiple hits with very diverse tones structure these moods. A line of bass sequences arises to create a quasi-circular resonant structure to which these percussive effects get grafted. Another line of more clear sequences adopts this rhythm which suddenly loses its percussions and its resonant bass. This motley structure ends up espousing a more harmonious tangent where everything sounds like the electronic rock of the Dream in their Poland years.
The piano which opens the path of "IC 342" will undoubtedly recall Paul Haslinger's Piano Medley in the bootleg Sonambulistic Imagery. A sweet flute evaporates these memories to guide us elsewhere. Elsewhere is the entire universe of Tangerine Dream, all eras include, that we found in the second part of “Berlin High School Legacy”. Complex in its approach always very assorted, the music of Can Atilla is like this long filiform member to which are added musical membranes that make us visit various eras, like that of Green Desert with these percussions that also bring us back to the era Hyperborea , Sphinx Lightning, or yet Logos. The tour de force in "IC 342" is to meet several eras and styles within its 14 minutes which are constantly in motion. So much that the game of comparisons is difficult and Can Atilla finally leads us to his own style. Like with "IOK- 01"! A good solid electronic rock in its Chris Franke's sequencer armature. To my ears, "LGS-3" is the most enjoyable title of this latest EM album from Can Atilla. Blissful, but it needs a few listens before falling in the four-leaf clover! The first part proposes these ambiences of mystery that one discovered in the analog universe of the Phaedra, and even Cyclone, years. These elements of atmosphere progress in intensity before imploding in the rodeos and cascades of the sequencer. The oscillations come and go later then on a drum carpet which structures "LGS-3" in a good electronic rock always more intense before dying in those atmospheres which fed these inexplicable finales of the vintage years of EM.
I devoured a lot more “Berlin High School Legacy” through my headphones than with my speakers. The sonorous fauna is dense and incredibly alive, while the rhythms are carved in patterns of sequences and percussion that employ 2 or 3 Chris Franke at the same time. Like a Harald Grosskpof in "Arp 299"! A title moreover that brought out in mind the brilliant The Tape from Olivier Briand. Can Atilla succeeds in forging a universe here that is very close to those of the 70's when the complexity of the compositions rivaled with seduction. No weak moments and many strong ones in this last album of Can Atilla which must appear on my Top 10 ... of this year if only for "Arp 299" which shows that the Turkish musician is as much comfortable in his style than in his role of copycat of Tangerine Dream's best moments. But to think of it ... is it not what “Berlin High School Legacy” means? A must in 2018!
Sylvain Lupari (November 12th, 2018) ****½*

synth&sequences.com
Available at Groove nl
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                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ceux qui s'intéresse à la MÉ depuis quelques années ne connaissent sans doute pas le nom de Can Atilla. Musicien Turc de haut calibre, Can Atilla s'est attiré les éloges de la sphère Électronique avec son célèbre Ave, album qui soulignait le 30ième anniversaire de Tangerine Dream en 1999. Depuis, le musicien originaire d'Ankara a produit 5 albums, tous sur la label Groove, sous le signe des influences de Tangerine Dream et parfois Jean-Michel Jarre. Entretemps, il a composé de multiples trames sonores pour le cinéma Turc et de la musique New Age avec une forte essence tribale qui enracinait son pouvoir d'attraction dans sa Turquie natale. Plus présent sur les réseaux sociaux qui flirtent avec une clientèle adepte de la MÉ du genre Berlin School depuis quelques mois, on se doutait bien que Can Atilla préparait un retour aux sources. Lui dont le premier album de genre remonte à Waves of Wheels en 1992. C'est donc plus de 15 ans plus loin et 7 ans après son dernier opus Hi-Story qu'il présente enfin son album retour. Étonnant et sublime du début à la fin, “Berlin High School Legacy” revisite les parfums des belles années de la MÉ avec une approche stigmatisée dans cette période Logos à Le Parc. Sauf que cette fois, Can Atilla ira plus loin. Ira même plus loin que nous l'aurions imaginé!
Et cela débute par les nappes de morphines soniques de "Messier 81". Des brises caverneuses nourries d'éther et de voix absentes flottent sur une masse de sons dissonants embryonnaire, que l'on retrouvera avec plus de détails dans "LGS- 3", empruntée aux années 73-75. C'est un titre sombre, chthonien même, avec d'énormes vagues d'orgue lucifériennes, comme du bon Tony Banks des années Foxtrot, qui dérive tranquillement vers le bouillant "Arp 299". Une ligne de basses séquences oscille vivement dans un décor de féérie sonore que le guitariste Mahir Şafak Tuzcu attaque avec de furieux solos, genre Zlatko Perica, qui tourbillonnent avec la même incisive magie de solos de synthé. Les percussions déboulent et maltraitent une MÉ hautement survoltée avec un matraquage tempétueux, laissant peu de place aux lignes de séquences qui survivent tout de même alors que peu à peu l'ardeur de ce rock progressif électronique se dissipe. Un court moment de clémence s'impose. Il impose des bancs de nappes de voix et des accords de clavier qui bougent comme du Free Jazz et dont la tonalité dégage de légers souvenirs du vieux TD. Mais la musique et la férocité de son rythme revient en force dans la 2ième portion de "Arp 299" alors que cette fois-ci la guitare est en compétition avec le synthé pour des solos qui roulent tellement bien avec les multiples coups de la pieuvre aux percussions. Hautement contagieux et un des très bons titres en MÉ cette année. Ça bouge beaucoup à l'intérieur des 6 minutes de "IC 10". Le titre naît des séquences de "Arp 299" pour se réfugier dans une texture d'ambiances percussives. De multiples cognements aux tonalités très diversifiées structurent ces ambiances. Une ligne de basses séquences émergent afin de créer une structure résonante quasi circulaire à laquelle se greffent ces effets percussifs. Une autre ligne de séquences plus limpides épouse ce rythme qui soudainement perd ses percussions et sa basse résonnante. Cette structure hétéroclite finie par épouser une tangente plus harmonieuse où tout sonne comme le rock électronique du Dream des années Poland.
Le piano qui ouvre le sentier de "IC 342" rappellera sans doute ce Piano Medley de Paul Haslinger dans Sonambulistic Imagery. Une douce flûte évapore ces souvenirs pour les guider ailleurs. Ailleurs c'est l'univers entier de Tangerine Dream, toutes époques confondues, que l'on retrouve dans la 2ième partie de “Berlin High School Legacy”. Complexe dans sa démarche toujours très bigarrée, la musique de Can Atilla est comme ce long membre filiforme auquel s'ajoute des membranes musicales qui nous font visiter diverses époques, comme celle de Green Desert avec ces percussions qui nous ramènent aussi à l'ère Hyperborea, Sphinx Lightning, ou encore Logos. Le tour de force dans "IC 342" est de rencontrer plusieurs époques et styles à l'intérieur de ses 14 minutes qui sont constamment en mouvement. Tant que le jeu des comparaisons est difficile et que Can Atilla nous amène finalement dans son style. Comme avec "IOK- 01"! Un bon rock électronique solide dans son armature du séquenceur à la Chris Franke. "LGS- 3" est le titre le plus jouissif de ce dernier album de MÉ par Can Atilla. Jouissif, mais ça demande quelques écoutes avant de tomber de les trèfles à 4 feuilles. La 1ière partie propose ces ambiances de mystère que l'on découvrait dans l'univers analogue des années Phaedra et même Cyclone. Ces éléments d'ambiances progressent en intensité avant d'imploser dans les rodéos et cascades du séquenceur. Les oscillations vont et viennent par la suite sur un tapis de percussions qui structure "LGS- 3" en un bon rock électronique toujours de plus en plus intense avant de mourir dans des ambiances qui nourrissaient ces finales inexplicables de la MÉ des années vintage. 
J'ai dévoré pas mal plus ce “Berlin High School Legacy” dans mes écouteurs que dans mes haut-parleurs. La faune sonore est dense et incroyablement vivante alors que les rythmes sont sculptés dans des patterns de séquences et de percussions qui emploient 2 ou 3 Chris Franke en même temps. De même qu'un Harald Grosskpof dans "Arp 299"! Un titre d'ailleurs qui m'a fait ressortir le brillant The Tape d'Olivier Briand. Can Atilla réussit d'ailleurs à forger un univers ici qui est très près de ces années 70 où la complexité des compositions rivalisait avec séduction. Pas de moments faibles et beaucoup de moments forts dans ce dernier album de Can Atilla qui doit figurer sur mon Top 10…ne serait-ce que pour "Arp 299" qui démontre que le musicien Turc est aussi à l'aise dans son style que dans son rôle d'imitateur des bons moments de Tangerine Dream. Mais à bien y penser…n'est-ce pas cela “Berlin High School Legacy”?  Un incontournable en 2018!

Sylvain Lupari (12/11/18)

jeudi 8 novembre 2018

ANDY PICKFORD: Objects & Expressions I (2018)

“Objects & Expressions I is another nice collection of titles from AP with pretty good ballads, a zest of Electronica and dance music”
1 Driver 6:07
2 Charabang 7:45
3 Smile 5:07
4 Shenestra 4:58
5 Rollatorbahn 7:19
6 Magnetar 7:36
7 Mirage 11:58
8 Euterpe 6:16
9 Zitouna 5:08

Andy Pickford Music (DDL 62:17)
(E-Ballads, E-Pop, Electronica & Weeping orchestrations)
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   **Chronique en français plus bas**
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Another major musical project from Andy Pickford, “Objects & Expressions I” will also turn into trilogy, like Harmonics in the Silence, Shadow at the Gate and Orgonon. The only difference is that this series seems to be offered in 3 separate parts instead of a big block of nearly 200 minutes that requires a lot of listening time and concentration from the listener. But will AP resist for a long time before launching his last trilogy entirely? Only time, and of course Andy, will say it. And if one remembers well, these last 3 sonic odysseys had met the highest expectations of his fans. So, what about this “Objects & Expressions I”? Drawn from his memories and / or recently composed music, the music proposed here offers the unique signature to the English musician with a variety of rhythms forged in minimalist structures to which he constantly adds these elements that make his music a unique rendezvous at the crossroads of the creativity. And as always, creativity and accessibility go hand in hand in the world of the famous Andy Pickford.
"Driver" doesn't waste time! A line of sequences that gurgles tries to chew a melodious approach as fragile as the song of a chaffinch, but as resistant as the mocking of nightingales. This first musical proposal of “Objects & Expressions I” is immediately kidnapped by a knockout of percussions, sequences and bass pulsations that bring this unbridled rhythm to the borders of a fiery Drum & Bass and of an electronic rock tinted with fragile glitters of synth-pop. The rhythm is sharp and tied around nervous spasms, like a stop & go, while the whistled melody is weaving an earworm. The effects of echo in the keyboard riffs give to "Charabang" a 90's dance music approach. The music is very much alive with an approach of Frankie Goes to Hollywood on a structure as nervous as in "Driver", but more fluid and more in the genre Trance Electronica. We are in mode dance for almost 8 minutes on this title that frees a little perfume of Binar at the level of voices. "Smile" is the first title that clings to our emotions in this new embryonic trilogy. The rhythm is mild, a mild-tempo, with a circular electronic ballad approach where the keyboard riffs fall in mode harmony. Lively, almost magnetising, the music is surrounded by good percussion effects and stroboscopic lines. We hang onto it quite fast and we spin like happy actors under a light rain. In a setting of a seashore with waves crashing on the dock, "Shenestra" unravels keyboard chords that jump into the torrent of tabla drums. The chords roll like beads on a harp, while the muted rhythm beats to the measure of silent pulsations. It's a short song rather melancholy with a music which scatters its greyness on a slow-tempo fed mainly by an acoustic guitar and its dreamy solos.
In its approach of dance music and its vocoder that does quite Kraftwerk, "Rollatorbahn" is a pretty explosive title! The flow is highly dynamized by a sequencer and its lines of bass sequences a bit funky which oscillate sharply under the scars of a shower of stars. Condensed in a mass of sound, the rhythm and the synth chirps are struggling with jerky percussions and percussive effects that energize a decor consisting of a lot of DJ effects. "Magnetar" is a very beautiful moment in this collection of 9 tracks. Its dreamlike opening follows a sonic river battered by other very good percussive effects and stroboscopic filaments which gradually lead the music towards an almost dramatic accentuation with percussions which shake the senses as much as the allegorical chant of an angelic choir. Longest title of this “Objects & Expressions I”, "Mirage" begins its magnetizing charms by a tribal introduction of the Middle East. Clanic percussions are making duel with a suavely sensual voice. This Berber dance is swallowed by the bludgeoning of a percussion/sequencer meshing, but the rhythm stays in this minimalist approach with a motorik touch whose contractions sculpt a long movement filled with jerks. It makes me think of Walter Christian Rothe in Let the Night Last Forever, especially the title Death. Violin layers and keyboard riffs complete the ornamentation of this very magnetizing title which nails us to our headphones. "Euterpe" is a nice and joyful synth-pop that would cheer up the most depressed of us. The music spreads a beautiful harmonious spiral, well fed by fairy voices, where a guitar gets graft and its melody that gets loose like a coil on a gentle grassy slope. "Zitouna" is another suave down-tempo with cinematographic violins. And if the melody, strummed on crystal, makes you think of the arrangements in I'm not in Love from 10cc, thus I'm not the only one!
I had a great time listening this Andy Pickford's “Objects & Expressions I”. And this titles suits very well to the music. This is pure AD music! Available in 24-bit download format, there is no CD projected for now, the music is rather easy to tame with pretty good ballads, a zest of Electronica and dance music on some titles that are not likely to burn you soles of the feet. Interestingly, AP offers explanatory texts on the source of each title as well as the brief lyrics of "Driver".
Sylvain Lupari (November 8th, 2018) ***¾**

synth&sequences.com
Available at Andy Pickford's Bandcamp
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                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Autre projet musical d'envergure d'Andy Pickford, “Objects & Expressions I” aboutira aussi en trilogie, à l'image de Harmonics in the Silence, Shadow at the Gate et Orgonon. La seule différence est que cette série semble être offerte en 3 parties séparées au lieu d’un gros bloc de près de 200 minutes qui demande beaucoup de temps d'écoute et de concentration chez l'auditeur. Mais est-ce qu'AP va résister longtemps avant de nous balancer sa dernière trilogie? Seul le temps, et Andy bien sûr, le diront. Et si l'on se rappelle plutôt bien, ces 3 dernières odyssées soniques avaient répondu aux attentes les plus hautes de ses fans. Donc, qu'en est-il de ce “Objects & Expressions I”? Puisée dans ses souvenirs et/ou composée dernièrement, la musique proposée offre la signature unique au musicien Anglais avec une variété de rythmes forgés dans des structures minimalistes auxquelles il ajoute constamment ces éléments qui font de sa musique un unique rendez-vous au carrefour de la créativité. Et comme toujours, la créativité et l'accessibilité vont de pair dans l'univers du célèbre Andy Pickford.
"Driver" ne perd pas de temps! Une ligne de séquences qui gargouille tente de mâchonner une approche mélodieuse aussi fragile que le chant d'un pinçon, mais aussi résistante que les moqueries de rossignols. Cette première proposition musicale de “Objects & Expressions I” est aussitôt kidnappée par un matraquage de percussions, de séquences et de basses pulsations qui amènent ce rythme débridé aux frontières d'un fougueux Drum&Bass et d'un rock électronique teinté des fragiles paillettes de synth-pop. Le rythme est vif et noué autour de spasmes nerveux, genre stop&go, alors que la mélodie sifflée est tisseuse de ver-d'oreille. Les effets d'écho dans les riffs de clavier donnent à "Charabang" une approche de musique de danse des années 90. La musique est très vivante avec une approche à la Frankie Goes to Hollywood sur une structure aussi nerveuse que "Driver", mais plus fluide et plus dans le genre Transe Électronica. Nous sommes en mode danse pour près de 8 minutes sur ce titre qui remue un peu les parfums, au niveau des voix, de Binar. "Smile" est le premier titre qui s'accroche à nos émotions dans cette nouvelle trilogie embryonnaire. Le rythme est doux, un mild-tempo, avec une approche de ballade électronique circulaire où tombent des riffs de clavier en mode harmonie. Entraînante, quasiment magnétisante, la musique est cernée par de bons effets de percussions et des lignes stroboscopiques. On accroche tout de go et on tournoie comme ces acteurs heureux sous une délicate pluie. Dans un décor d'un bord de mer avec des vagues qui s'écrasent sur quai, "Shenestra" dénoue des accords de claviers qui se jettent dans le torrent de percussions tablas. Les accords défilent comme des perles sur une harpe, alors que muet le rythme bat à la mesure de sourdes pulsations. C'est est un court titre plutôt mélancolique avec une musique éparpille sa grisaille sur un slow-tempo nourri principalement par une guitare acoustique et ses solos rêveurs.
Dans son approche de musique de danse et son vocodeur qui fait assez Kraftwerk, "Rollatorbahn" est un titre assez explosif! Le débit est hautement dynamisé par un séquenceur et ses lignes de basses séquences un peu funky qui oscillent vivement sous les cicatrices d'une pluie d'étoiles. Condensé dans une masse sonore, le rythme et les gazouillis harmoniques du synthé font la luttent à des percussions saccadées et des effets percussifs qui dynamisent un décor constitué de moults effets de DJ. "Magnetar" est un très beau moment dans cette collection de 9 titres. Son ouverture onirique suit une rivière sonique malmenée par d'autres très bons effets percussifs et des filaments stroboscopiques qui peu à peu amènent la musique vers une accentuation quasiment dramatique avec des percussions qui chamboulent les sens autant que le chant allégorique d'une chorale angélique. Plus long titre de ce “Objects & Expressions I”, "Mirage" établit ses charmes magnétisants par une introduction tribale du Moyen-Orient. Les percussions claniques font duel avec une nappe de voix suavement sensuelle. Cette danse berbère se fait avaler par le matraquage du maillage percussions/séquenceur. Le rythme reste dans cette approche minimaliste, mais avec une touche motorique dont les contractions sculptent un long mouvement rempli de saccades. Ça me fait drôlement penser à Walter Christian Rothe dans Let the Night Last Forever, notamment le titre Death. Des nappes de violon et des riffs de clavier complètent l'ornementation de ce titre très magnétisant qui nous cloue à nos écouteurs. "Euterpe" est un beau synth-pop bien joyeux qui remonterait le moral au plus déprimé d'entre nous. La musique étale une très belle spirale harmonieuse, bien nourrie par des voix de fées, où se greffe une guitare et sa mélodie qui se défait comme une bobine sur une douce pente herbeuse. "Zitouna" est un autre down-tempo suave avec des violons cinématographiques. Et si la mélodie, pianotée sur du cristal, vous fait penser aux arrangements de I'm not in Love de 10cc, je ne suis donc pas le seul!
J'ai passé un agréable moment avec ce “Objects & Expressions I” d'Andy Pickford. Du grand Pickford en fait! Offert en format téléchargeable 24 bits, il n'y a aucun projet de CD pour l'instant, la musique est plutôt facile à apprivoiser avec de belles ballades, un zest d'Électronica et quelques titres de danse qui ne risquent pas de vous brûler la plante des pieds. Fait intéressant, AP propose des textes explicatifs sur la provenance de chaque titre ainsi que les brèves paroles de "Driver".

Sylvain Lupari 08/11/18