samedi 25 mai 2019

COMPUTERCHEMIST: Volcan Dreams (2019)

“This is quite a powerful retro Berlin School album which is loaded of striking synth solos and driven by sequencer-based style paces”
1 Volcan Plain 12:03
2 Through the Volcan Forest at Dusk 10:08
3 Volcan Sea 15:31
4 Valley of Modulation 6:45

5 Subsonic Volcan Flight 14:55
TerrainFlight | TF010 (CD/DDL 59:22)
(Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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Computerchemist is the project of the English musician Dave Pearson. Active musically since 2007 with a highly acclaimed debut album in Atmospheric. The synthesist who lives now in Hungary, is making a comeback with his 7th album; VOLCAN DREAMS. And what do volcanoes dream of? Well, of Tangerine Dream's music! On structures of rather catchy rhythms, Computerchemist forges very Berlin School approaches in the programming of the sequencer and has really nothing more to learn of Chris Franke. Moving between minimalist art and a kind of psychotrobic trance, the rhythms serve more the cause of synth harmonies and solos than its opposite, creating the perfect illusion of the 70's with a tone very close to that time. And Dave Pearson insists, there are no virtual synths nor virtual effects on this album. Using the Volca synth modules, the English musician weaves solos that are sometimes even staggering, and always very attractive, which constantly swirl with varying colors and intensity levels but with a touch that gives chills. It's therefore with great pleasure that I share with you my comments on VOLCAN DREAMS, an album that has exceeded my level of expectation. Both in terms of compositions, music and of its excellent tone for an album available mainly in download on Computerchemist's Bandcamp platform. A physical CD can also be bought.
What comes out of my Totem speakers are juicy and resonant chords. Just behind, we hear a series of sequences which walks stealthily. A march that becomes more present, more accentuated with the arrival of electronic percussions. So, it's a kind of slightly hobble up-tempo that "Volcan Plain" extends its musicality all around my listening room. I insist on this point, not by snobbery, but to make it clear that in a download version the sound of VOLCAN DREAMS bursts from everywhere. The synth delivers beautiful lines with a hint of Chinese weeping violin while the two tones of the sequencer's lines clash while clinging to percussions. This steady structure and a minimalist touch welcome these mists that add a more mystical decor to a music whose perfumes are quite tangible. The synth pitches good effects and throws good solos that turn in turn, by turns with keyboard chords which leave their harmonic imprints into our ears. Chris Gill completes the work with a bright and vivid guitar whose solos add a progressive touch to the music. Take the spectral harmonies of Phaedra and stick them to a brisk and spasmodic pace, you get the main ingredients of "Through the Volcan Forest at Dusk". Two lines of sequences structure a lively flow, one of which flutters sharply, which is helped by a sneaky bass line and clatters of percussions, giving a semblance of wings to this rather catchy electronic rhythm. This structure is interrupted in some places with sequences that flutter in solo to give the synth the space it needs to emit its short evasive melodies. The solos abound on this title, and some are simply flabbergasting, with random tracings and changing tones. The essence of the 70's is well reproduced in this title, both at the level of rhythm level, of the ambiences and the harmonies of the synth.
With a level of rhythm where we stamp of feet and we roll of the neck, "Volcan Sea" fully explores the meaning of its title. Initially, the rhythm is built on stationary sequences whose fluttering and flow converge towards a dark and threatening sound mass. Spray of sounds emerge by the form of synth solos and discret keyboard riffs. The tone of the synth is very sharp with piercing solos which intertwine as the rhythmic intensity is eating up the time in order to reach a symbiosis of intensity around the 5 minutes with the arrival of percussions. The spasmodic rhythm is still hiccupping as the synth ignites its progressive flame by spitting fire solos that remind me of the good days of Manfred Mann's Earth Band with the album Solar Fire. Intense and superb in its drifts and its random axes, it's a very good title which left its imprints on my walls. "Valley of Modulation" still shows Computerchemist's skill for weaving morphic solos. On a slow pace, like a cosmic down-tempo, Dave Pearson conceives his solos which get unite to a melodious approach. The drum of Zsolt Galántai adds a bit of astral sensuality with a good presence that accentuates the heaviness of the rhythm. Gradually, this beat is out of steam and the harmonic solos sail alone towards a finale rounded of resonances which swallow everything, to disappear suddenly and thus destabilizing a listening that had become hypnotic. "Subsonic Volcan Flight" ends VOLCAN DREAMS with a big Techno & Trance! Bass sequences that make boom-boom-boom, slamming of percussions and hands and a decor that flees the senses at 100 per hour, the rhythm really leaves the territories Berlin School with a Vanderson approach, but heavier ... and even faster. Jean-Michel Jarre I would say, during his last Electronica tour. In addition to jerky orchestral layers and psychotronic effects, the synth still has some energy to forge some good solos.
A find! A very nice find that this album, and the music, that Computerchemist who offers an album without flaws and which highly stylized by the many synth solos that are the foundations of EM. Evolving mainly in the Berlin School mode, Dave Pearson is also very creative in rhythm programming with multiple lines on the same title, creating an opaque richness that satisfies the whims of my hearing that never has enough of sequences to put between my ears. But the main attraction remains this Volca that Computerchemist handles with style and panache, creating one of the beautiful albums of pure sequencer-driven Berlin School I've heard lately. Happy ears all the way through the 60 minutes of an album perfect for the retro Berlin School fan in you.

Sylvain Lupari (May 24th, 2019) ****½*
synth&sequences.com
Available at Computerchemist's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Computerchemist est le projet du musicien Anglais Dave Pearson. Actif musicalement depuis 2007 avec un album hautement acclamé en Atmospheric. Le synthésiste qui vit maintenant en Hongrie, effectue un retour avec son 7ième album; VOLCAN DREAMS. Et de quoi rêve les volcans? Eh bien, de Tangerine Dream! Sur des structures de rythmes assez entraînants, Computerchemist forge des approches très Berlin School dans une programmations du séquenceur qui n'a plus rien à apprendre de Chris Franke. Voguant entre l'art minimaliste et un genre de transe psychotrobique, les rythmes servent plus la cause des harmonies et des solos de synthé que son contraire, créant ainsi la parfaite illusion des années 70 avec une tonalité très près de cette époque. Et Dave Pearson insiste, il n'y a pas de synthés, ni d'effets virtuels sur cet album. Utilisant la gamme de synthé Volca, le musicien anglais tisse des solos qui sont parfois même ahurissants, et toujours très attrayants, qui tourbillonnent constamment avec des couleurs et des niveaux d'intensité variables mais avec un doigté qui donne des frissons. C'est donc avec un énorme plaisir que je vous fais part de mes observations sur VOLCAN DREAMS, un album qui a dépassé mon niveau d'attente. Tant au niveau des compositions, de la musique que de son excellent tonalité pour un album disponible en CD, mais principalement en téléchargement sur la plateforme Bandcamp de Computerchemist.
Ce qui sort de mes Totem sont des accords gras et résonnants. Juste derrière, on entend une suite de séquences qui marche sournoisement. Une marche qui devient plus présente, plus accentuée avec l'arrivées des percussions électroniques. C'est donc un genre de up-tempo légèrement boitillant que "Volcan Plain" étend sa musicalité tout autour de ma salle d’écoute. J'insiste sur ce point, pas par snobisme, mais pour bien faire comprendre que dans une version téléchargeable la sonorité de VOLCAN DREAMS éclate de partout. Le synthé livre de belles lignes avec un soupçon de violon pleureur chinois alors que les 2 tonalités des lignes du séquenceur s'affrontent tout en s'agrippant aux percussions. Cette structure soutenue et un brin minimaliste accueille ces brumes qui ajoutent un décor plus mystique à une musique dont les parfums sont assez tangibles. Le synthé lance de bons effets et des solos qui tournent à tour de rôle avec des accords de claviers qui laissent leurs empreintes harmoniques dans nos oreilles. Chris Gill complète les travaux avec une guitare vive et éclatante dont les solos ajoutent une touche progressive à "Volcan Plain". Prenez les harmonies spectrales de Phaedra et collez-les à un rythme vif et spasmodique, et vous obtenez les principaux ingrédients de "Through the Volcan Forest at Dusk". Deux lignes de séquences structurent un débit vif, dont une qui papillonne vivement, auquel s'ajoute une ligne de basse sournoise et des cliquetis de percussions, donnant un semblant d'ailes à ce rythme électronique assez entraînant. Cette structure est interrompue à quelques endroits avec des séquences qui papillonnent en solo afin de donner au synthé l'espace nécessaire pour émettre ses courtes mélodies évasives. Les solos abondent sur ce titre avec des tracés aléatoires et des tonalités changeantes. L'essence des années 70 est bien restituée dans ce titre, tant au niveau rythme que les ambiances et harmonies du synthé.
Avec un niveau du rythme où on tape du pied et roule du cou, "Volcan Sea" explore tout à fait le sens de son titre. Initialement, le rythme est construit sur des séquences stationnaires dont les papillonnements et le flux aux tonalités flûtées convergent vers une masse sonore sombre et menaçante. Des gerbes de sons émerge par des solos de synthé et des riffs de clavier sobres. Le ton du synthé est très aiguisé avec des solos perçants qui roulent sur eux alors que l'intensité rythmique gruge le cadran afin de rejoindre une symbiose d'intensité autour des 5 minutes avec l'arrivée des percussions. Le rythme spasmodique hoquète toujours alors que le synthé allume sa flamme progressive en crachant des solos de feu qui me rappellent les bons jours de Manfred Mann's Earth Band avec l'album Solar Fire. Intense et superbe dans ses dérives et ses axes aléatoires, c'est un très bon titre qui a laissé ses empreintes sur mes murs. "Valley of Modulation" démontre encore le talent de Computerchemist pour tisser des solos morphiques. Sur un rythme lent, genre down-tempo cosmique, Dave Pearson conçoit ses solos qui se rallient à une approche mélodieuse. La batterie de Zsolt Galántai ajoute un brin de sensualité astrale avec une bonne présence qui accentue la lourdeur du rythme. Peu à peu, ce beat s'essouffle et les solos harmoniques voguent seuls vers une finale bombée de résonnances qui avalent tout, pour disparaître tout à coup et déstabilisant ainsi une écoute qui était devenue hypnotique. "Subsonic Volcan Flight" termine VOLCAN DREAMS avec du gros Techno & Trance! Basse séquences qui font boom-boom-boom, claquements de percussions et de mains et un décor qui fuit les sens à 100 à l'heure, le rythme sort vraiment des territoires Berlin School avec une approche à la Vanderson, mais en plus lourd…et même plus vite. Du Jean-Michel Jarre je dirais, lors de sa dernière tournée Electronica. Outre des nappes orchestrales saccadées et des effets psychotroniques, le synthé a encore quelques énergies pour forger quelques bons solos.
Un trouvaille! Une très belle trouvaille que cet album, et la musique, de Computerchemist qui propose un album sans bavure et qui est hautement stylisé de par les très nombreux solos de synthé qui sont les fondements de la MÉ. Évoluant principalement sur le mode Berlin School, Dave Pearson est aussi très créatif dans la programmation rythmique avec des multi lignes sur un même titre, créant une richesse opaque qui satisfait les caprices de mon ouïe qui n'a jamais assez de séquences à se foutre entre les oreilles. Mais l'attrait principal demeure ce Volca que Computerchemist manipule avec style et panache, créant un des beaux albums de pur Berlin School guidé par séquenceur que j'ai entendu dernièrement. Du bonheur plein les oreilles tout au long des 60 minutes d'un album parfait pour les fans de Berlin School rétro.

Sylvain Lupari (24/05/19)

vendredi 24 mai 2019

DIVIDED BY TWO: Dissolution (2019)

“Dissolution is mainly aimed to lovers of tones rather than the music itself with a high abstract vision of dark ambient cosmic EM”
1 Dissolution 18:04
2 Growth 17:47
3 Breaths and Voices 17:26
4 The End 21:54

SynGate | LunaDT02 (CD-R/DDL 75:12)
(Dark Cosmic Ambient EM)
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  **Chronique en français plus bas**
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When one talks about music that is difficult to tame, to even approach, one must think about the music of Divided by Two, which is the kind of EM structured to create horror movies in our imagination. Available in HQ downloadable 24-bit format, DISSOLUTION may push you to the limits of your tolerance, as the sound mass generates titanic shocks and twisted filaments of tonal pains in a dissolving sound magma. Don't look for harmonies nor rhythms. When we find something like that, we must work hard of the brain to really elaborate on something about what looks like a form of beat, of harmony cemented in one block!
The title-piece welcomes us with chirps provided of organic tones. The movement goes up and down like a good frame of ambient rhythm. The tweets multiply their presence that is quickly swallowed by synth pads with threatening tones. "Dissolution" aptly represents the soundscape of this 6th album from the duo consisted of Gabriele Quirici, aka Perceptual Defense, and Danny Budts, better known under the name of Syndromeda. Gigantic mooing of synths set a war between Godzilla and Ultraman (hello the little ones) that takes place in cosmos and its weightlessness effect. The sound direction is rather random with movements which mislaid our ears in a din whose intensity varies with the masses of sounds. The second part is darker with innumerable effects and lines of synths that paint a still fierce scene, the synth blades creak and tear the panorama in many places, and where the few elements of rhythm are fleeing zones in dissolution. A music to listen and to put images on at our proper end of the world! "Growth" approaches our ears with keys that stretch and slam by both ends. Hard to describe, the effect is strange. It's a bit like stretching a rubber band that breaks like a slow effect of tchick and tchonck tones. We don't even have time to stick to it that our interpretation when a big buzz of space shuttle (sic) chew our eardrums throwing strands, but small strands, of voices in mutation. A mass of winds, of buzzing, get settles. They encircle in a natural corridor whose craggy edges make them howl with shrill cries, while the middle elements come out in an opaque slowness. Of course, that we hear vocal lines winding around this mass! As we hear rustlings or bleating, a bit like a hunter with his big voice who seeks to lure his prey which has 5 legs and 2 heads. What? We are in the world of DISSOLUTION, so everything is possible! And with the help of imagination, we can stick anything we imagine to this scourge of monumental winds which escapes from a long, an endless corridor. After reaching a zenith form, "Growth" gradually decreases its mistral storm to throw itself into a mouth of orchestrations fed by violent and intense staccato. Described like that it looks like nothing! But there is a lot of intensity and work of sculpting winds, drones, breezes and ululations of Aeolus, as well as his army, in the DISSOLUTION's atmospheres.
And what is "Breaths and Voices" made of? In fact, it's pretty clear! But these immense collages and superimpositions of winds of all kinds, and voices a little more seraphic, are constantly scratched by the rustling of knives spreading the rough side of wind's buckwheat pancake with granular particles full of savors of nut's soaked in iodine. "The End" exploits huge layers of chthonic voices that suffer and blow in a burning universe. The other percussive elements of this album lurk in these atmospheres in order to extract a semblance of life somewhere. It's a bit long, almost monotonous when the percussion elements become more distant, a little as if the winds and the voices passed by a long horn without level of emotivity. Despite this, a form of clatter shakes the vibe around the 16 minutes without so far that "The End" exploits this opportunity to put a little positivism between the ears.
Dark and boisterous, DISSOLUTION is mainly aimed to lovers of tones rather than the music. Abstract art sculpted by two synth wizard who extract the incredible sonic possibilities out of their equipment. At this level, I can not imagine having a better sound explanation of the dissolution than with this album. The sounds have shapes and colors which exploit with a clear precision the End, the dissolution of a planet of which Divided by Two are the craftsmen hidden in its entrails. I didn't rate it because it's not really my musical genre. But I found the adventure interesting at small doses.

Sylvain Lupari (May 23rd, 2019)
Available at SynGate's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Lorsqu'on parle de musique difficile à apprivoiser, à approcher même, il faut penser à la musique de Divided by Two, qui est le genre de MÉ structurée pour créer des films d'épouvante dans notre imagination. Offert en format téléchargeable 24 Bits, DISSOLUTION risque de vous pousser aux limites de votre tolérance, tant la masse sonore engendre des chocs titanesques et des filaments tordus de douleurs tonales dans un magma sonore en dissolution. Ne cherchez pas les harmonies, ni les rythmes. Lorsqu'on trouve un truc du genre, il faut travailler fort du ciboulot afin de vraiment élaborer sur ce qui ressemble à une forme de rythmes ou d'harmonie cimentés en un bloc!
La pièce-titre nous accueille avec des pépiements dotés de tonalités organiques. Le mouvement monte et descend, comme une bonne ossature de rythme ambiant. Les gazouillis multiplient une présence qui est vite avalée par des nappes de synthé aux tonalités menaçantes. "Dissolution" présente avec justesse le panorama sonore de ce 6ième album du duo composé de Gabriele Quirici, aka Perceptual Defence, et Danny Budts, mieux connu sous le nom d'artiste Syndromeda. Des gigantesques meuglements des synthé fixent une guerre entre Godzilla et Ultraman (allo les petits) qui se déroule dans le cosmos et son état d'apesanteur. La direction sonore est plutôt aléatoire avec des mouvements qui égarent nos oreilles dans un tintamarre dont l'intensité varie selon les masses de sons. La 2ième partie est plus ténébreuse avec d'innombrables effets et lignes de synthés qui peignent un décor toujours aussi féroce, les lames de synthé crissent et déchirent le panorama à maints endroits, et où les quelques éléments de rythme possibles fuient des zones en dissolution. Une musique pour visionner sa fin du monde!
"Growth" aborde nos oreilles avec des notes qu'on étire et qui se claque les extrémités. Difficile à décrire, l'effet est étrange. C'est un peu comme étirer un élastique de son qui se briserait comme dans un lent effet de tchick et tchonck. On n'a même pas le temps d'y coller notre interprétation qu'un gros bourdonnement de navette spatiale (sic) mâchonne nos tympans en y jetant des brins, mais des petits brins, de voix en mutation. Une masse de vents, de bourdonnements, s'installe. Ils s'enlacent dans un corridor naturel dont les bords escarpés les font hurler de cris stridents, alors que les éléments du milieu sortent dans une lenteur opaque. Certes qu'on entend des ligne de voix s'enrouleur autour de cette masse! Comme on entend des bruissements ou des bêlements, un peu comme un chasseur avec sa grosse voix qui cherche à leurrer son gibier à 5 pattes et 2 têtes. Nous sommes dans le monde de DISSOLUTION, donc tout se peut! Et l'imagination aidant, on est bien capable de coller n'importe quel image à ce fléau de vents monumentaux qui s'échappe d'un long corridor sans fin. Après avoir atteint une forme de zénith, "Growth" diminue peu à peu sa tempête de mistrals pour se jeter dans une bouche d'orchestrations nourrie par de violents et intenses staccato. Décrit comme cela, ça l'air de rien! Mais il y a beaucoup d'intensité et de travail de sculptage de vents, drones, brises et ululements d'Éole, ainsi que de son armée, dans les ambiances de DISSOLUTION.
Et de quoi est fait "Breaths and Voices"? En fait, c'est assez clair! Mais ces immenses collages et superpositions de vents de tout acabits, et de voix un peu plus séraphiques, sont constamment grattouiller par des bruissements de couteaux en train de tartiner le flanc rugueux des galettes de vents avec des particules granuleuses aux arômes d'écrous trempés dans l'iode. "The End" exploite d'immenses strates de voix chthoniennes qui souffrent et soufflent dans un univers en combustion. Les seuls autres éléments percussifs de cet album trôlent dans ces ambiances, afin de soutirer un semblant de vie quelque part. C'est un peu long, quasiment monotone lorsque les éléments de percussions deviennent plus espacés, un peu comme si les vents et les voix passaient par une longue corne sans niveau d'émotivité. Malgré cela, une forme de tintamarre secoue les ambiances autour des 16 minutes sans que pour autant "The End" exploite cette occasion afin de nous mettre un peu de positivisme entre les oreilles.
Ténébreux et tapageur, DISSOLUTION s'adresse principalement aux amateurs de tonalités plus que de musique. De l'art abstrait sculpté par deux magiciens synthésistes qui soutirent les incroyables possibilité sonore de leurs équipements. À ce niveau, j'imagine mal avoir une meilleure explication sonore sur la dissolution qu'avec cet album. Les sons ont des formes et des couleurs qui exploitent avec une nette précision la fin, la dissolution d'une planète dont Divided by Two sont les artisans cachés dans ses entrailles. Je ne pose aucune note, car ce n'est pas vraiment mon genre musical. Mais j'ai trouvé l'aventure intéressante à petites doses.

Sylvain Lupari 23/05/19

jeudi 23 mai 2019

AGE: Lost in Silence (2019)

“Lively E-Rock with some Berlin School zests along with cosmic ambient phases, Lost in Silence trades one mood for one beat in a fascinating mosaic of retro EM”
1 Hope in Silence 2:42
2 Departure to Nowhere 5:14
3 Hypnagogie Part 1 9:34
4 Light Arrows 5:01
5 Hypnagogie Part 2 8:51
6 Nowhere 4:33
7 Whispering Light 1:50
8 Running Through Time 4:26
9 Palais Montcalm 1:42
10 Gone Alone 3:43
11 Timeless 2:57
12 Scary Night 3:02
13 Hypnagogie Part 3 5:39

14 Hope and Silence 2:09
Groove | GR-264 (CD/DDL 61:06)
(Cosmic Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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Me, who thought that AGE had made a comeback last year with the reissue, by Groove, of Landscapes, I was left for a pleasant surprise discovering that Emmanuel D'Haeyere and Guy Vachaudez was very active since 2015, and went on to make two more albums following this LOST IN SILENCE, produced and also made on Ron Boots' label. This 14th album of AGE is a studio version of the concert that the Belgian duo had presented as part of the E-Live 2018 festival held in Netherlands. The music presented here is from 2 upcoming albums, namely Hypnagogie, which is a purely ambient and cosmic album, and Sequenz, an album structured on the work of the sequencers. It's thus a journey between the stars and the rhythms that awaits the listener who is heading to discover the 61 minutes of LOST IN SILENCE.
And it begins with a "Hope in Silence" which arises with its slow wings of orchestration which embrace a sensitive and moving piano. A voice whispers behind the scenes and its whispers join "Departure to Nowhere" and its introduction gassed with a superb Mellotron flute. We go back in time with this analog savour which initiates a good electronic rock. Structured on a mesh of rhythmic lines from the sequencer and the electronic drums, the pace is fluid and lively with rattling effects which whisper to our ears always so intoxicated by these perfumes of flutes that sing some divine harmonies. The synth activates its charms with good solos that come out from harmonies of the flute and are just as oneiric. "Hypnagogie Part 1" is the first part of a long ambient journey, and possibly a cosmic one, which will alternate with so many rhythmic phases. We fly over a hostile territory filled with dark winds and subtle wooshh and waashh. Sound effects are painting the moods with a cosmic vision whereas buzzing, cavernous breezes and purring rustling as well as rippling of living water blow a more earthly vision. But no matter, this sound fauna feeds on its impulses. These dark ambiences are decorated with stray piano notes and cello strings that wander between multiple winds and a variety of sound effects, mostly percussive, including creasing footsteps and some quavering caught here and there. These atmospheres overflow up until "Light Arrows", I even hear bells, and its very Berlin School rhythm with percussions that give to it a rock look a la Poland. Lively with synth solos sounding like a guitar, "Light Arrows" is one of those tracks that make the perfect transition between ambient passages and the good Berlin School presented here in order to keep the audience on the alert.
The zigzagging and delicately spasmodic rhythmic structure leaves its imprint in "Hypnagogie Part 2", whose dark and gloomy ambiences are struggling to camouflage the ghostly presence of "Light Arrows" sequencing pattern. The decor is almost identical, except that the impression of going along the bowels of a long tunnel is palpable. As much here as in "Hypnagogie Part 1". The phantom rhythm gets back with strength in "Nowhere". The movement of the sequencer is stormy. Two lines of rhythms are superimposed and dance in close symbiosis, while a line of arpeggios makes rodeo on the main movement which is very Berlin School. Layers hover above the rhythm without deepening their presence. "Whispering Light" is a beautiful, but too short, melody in the genre of Vangelis' early years. It's wonderful ... but too short! "Running Through Time" comes with a rhythm structure that fits very well with the vision of its title. A nervous rhythm sat on the thrill of the first rhythmic line of the sequencer. Bongos, electronic percussions and another line of stroboscopic sequences complete the rhythmic frame which gesticulates under a plethora of layers, lines and effects which place the genre between the 70's and 80's. A wide range that speaks a lot on the capacity of Emmanuel D'Haeyer & Guy Vachaudez to weave a universe of enchantment which gathers essences from all eras. "Palais Montcalm" is another quiet title, mostly assumed by nice orchestrations. "Gone Alone" is a little more demanding. It's a cosmic rock as melodious as avant-garde with orchestrations in staccato. We are talking about a progressive vision!? "Timeless" is really something else with its structure forged in an avalanche of glass chimes that clump together on a nervous conveyor. A melody strum on a fake guitar completes the melodious approach of which the Greek essence melts in the orchestrations and the scary effects of "Scary Night". "Hypnagogie Part 3" fits quite well the structure of "Scary Night" with its percussive effects, its muted impulses and the sensation of wandering deep into gutters. "Hope and Silence" ends LOST IN SILENCE in the same way that "Hope in Silence" started. With beauty and tenderness! But especially with this desire to re-hear a fascinating ode where rock and cosmic ambiances have never been as in close symbiosis as here.
Sylvain Lupari (May 23rd, 2019) *****
Available at Groove nl
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Moi qui pensais que AGE avait fait son retour l'an passé avec la réédition, par Groove, de Landscapes, j'ai été quitte pour une bonne surprise en découvrant que d'Emmanuel D'Haeyere et Guy Vachaudez étaient très actifs depuis 2015 et s'enlignaient pour réaliser deux autres albums suivant ce LOST IN SILENCE, produit et réalisé aussi sur l'étiquette de Ron Boots. Ce 14ième album de AGE est une version studio du concert que le duo Belge avait présenté dans le cadre du festival E-Live 2018 en Hollande. La musique présentée ici est tirée de 2 albums à paraître prochainement, soit Hypnagogie, qui est un album purement ambiant et cosmique, et Sequenz, un album structuré sur le travail des séquenceurs. C'est donc un voyage entre les astres et les rythmes qui attend l'auditeur parti à la découverte des 61 minutes de LOST IN SILENCE.
Et cela débute avec un "Hope in Silence" qui se pose avec ses lentes ailes d'orchestration qui embrassent un piano sensible et émouvant. Une voix chuchote en arrière-scène et ses murmures transitent vers "Departure to Nowhere" et son introduction gazée par une superbe flûte de Mellotron. Nous reculons dans le temps avec cette saveur analogue qui initie un bon rock électronique. Structuré sur un maillage de lignes de rythme du séquenceur et de percussions électroniques, le rythme est fluide et entraînant avec des effets de cliquetis qui murmurent à nos oreilles toujours enivrées par ces parfums de flûtes qui chantent de divines harmonies. Le synthé active ses charmes avec de bons solos qui se détachent des harmonies de la flûte et qui sont tout autant oniriques. "Hypnagogie Part 1" est la première partie d'un long voyage ambiant, et possiblement cosmique, qui alternera avec autant de phases rythmiques. Nous survolons un territoire hostile remplit de vents sombres et de subtiles wooshh et wiishh. Des effets sonores peignent les ambiances d'une vision cosmique alors que des bourdonnements, des brises caverneuses et des bruissements ronronnant ainsi que des clapotis d'une eau vivante soufflent une vision plus terrestre. Mais peu importe, cette faune sonore se nourrit de ses impulsions. Ces ambiances ténébreuses sont ornées de notes de piano égarées et des cordes de violoncelle qui errent entre les vents multiples et une panoplie d'effets sonores, pour la plupart percussifs, avec notamment des froissements de pas et des chevrotements captés ici et là. Ces ambiances débordent vers "Light Arrows", j'entends même des cloches, et son rythme très Berlin School avec des percussions qui lui donnent un look rock à la Poland. Enlevant avec des solos de synthé sonnant comme une guitare, "Light Arrows" est un de ces titres qui font la parfaite transition entre les passages ambiants et du bon Berlin School question de tenir l'auditoire sur le qui-vive.
La structure de rythme zigzagante et délicatement spasmodique laisse son empreinte dans "Hypnagogie Part 2" dont les ambiances planantes et sombres peinent à camoufler la présence fantôme des séquences de "Light Arrows". Le décor est quasiment identique, sauf que l'impression de longer les entrailles d'un long tunnel est palpable. Autant ici que dans "Hypnagogie Part 1". Le rythme fantôme revient avec force dans "Nowhere". Le mouvement du séquenceur est houleux. Deux lignes de rythmes sont superposées et dansent en étroite symbiose, alors qu'une ligne d'arpèges fait du rodéo sur le mouvement principal qui fait très Berlin School. Des nappes planent tout au-dessus du rythme sans pour autant approfondir leurs présences. "Whispering Light" est une belle, mais trop courte, mélodie dans le genre des premières années de Vangelis. C'est très beau…mais trop court! "Running Through Time" s'amène avec une structure de rythme qui colle très bien à la vision de son titre. Un rythme nerveux sis sur le tressaillement de la première ligne de rythme du séquenceur. Des bongos, des percussions électroniques et une autre ligne de séquences stroboscopiques complètent l'ossature cadencée qui gesticule sous une pléthore de nappes, de lignes et d'effets qui situent le genre entre les années 70 et 80. Un large éventail qui en dit long sur la capacité d'Emmanuel D'Haeyer et Guy Vachaudez à tisser un univers d'enchantement qui s'abreuve à tous leurs âges. "Palais Montcalm" est un autre titre tranquille, majoritairement assumé par de belles orchestrations. "Gone Alone" est un peu plus demandant. Il s’agit d'un rock cosmique aussi mélodieux qu'avant-gardiste avec des orchestrations en staccato. On parle de vision progressive!? "Timeless" n'est pas piqué des vers avec sa monture forgée dans une avalanche de carillons en verre qui s'agglutinent sur un convoyeur nerveux. Une mélodie grattée sur une fausse guitare complète l'approche mélodieuse dont l'essence Grecque fond dans les orchestrations et les effets épeurants de "Scary Night"."Hypnagogie Part 3" épouse assez bien la structure de "Scary Night" avec ces effets percussifs, ces sourdes impulsions et cette sensation d'errer profondément dans des caniveaux. "Hope and Silence" termine LOST IN SILENCE de la même façon que "Hope in Silence" l'avait débuté. Avec beauté et tendresse! Mais surtout avec ce désir de réentendre une ode fascinante où le rock et les ambiances cosmiques n'ont jamais été en aussi étroite symbiose qu'ici.

Sylvain Lupari 22/05/19

mercredi 22 mai 2019

DIGITAL HORIZONS: December Runways (2018)

“This is a long long track album offers only on DL at a fair price, so I think it worths it”
1 Launch 9:35
2 Control Tower 7:07

3 Landing 21:22
(E-Rock of the 80's style)
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  **Chronique en français plus bas**
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I quite enjoyed Ghost Station. Enough to make a very detailed review! I'm not saying that DECEMBER RUNWAYS is its equivalence, but the atmospheres are very close. Enough not to make a link. Composed and recorded at the end of 2018, the music breathes this atmosphere of cold winter, as well as this strange sensation of traveling through this cold. This mini album, this E.P. of 38 minutes has this particular attraction at the level of sound, the impression of hearing the reflection of music on the frosted windows of a wagon filled with the feeling of living tight between the elbows of travelers. And if you like Tangerine Dream of the digital years, and even beyond, you must look at Digital Horizons, because Justin Ludford has never hidden that it was his main source of inspiration.
It's with staggering and ill-fitting chords that "Launch" comes to our ears. The tone is sizzling, like white noises coated with verdigris, and resonates in opalescent mist gases. It's like a carousel dragging overweight. A huge synth layer lies down. Swapping for a more symphonic approach, it envelops this introduction built on uncertainty. Lively and nervous sequences spew forth a rhythm which advances and stops in a setting of the industrial genre with chthonic voices as layers of winter mood. And everything freezes after 3 minutes! "Launch" breathes through the faint pulses of mist and of the chords which ring like glass anvils hit by an ice hammer. The arpeggios of the introduction come alive again when a layer of buzzing helps the stop-and-go structure to come out of limbo. This time, percussion breathes dynamism and intensity at this pace which relapses into its ambiospherical industrial phase, but "Launch" arrives at its last destination. This membrane of white noises, crackling in the background of the music, is also present on "Control Tower" and its undecided structure that clings to a big electronic rock at around 2:30. Dramatic effects spew resonant vibrations as the sequences and arpeggios jump into the muted impulses of the reverberations in which astral voices are huddled. The structure is very similar to that of "Launch", except for some adjustments in the harmonic design of the arpeggios and a more percussive approach of the drum machine.
The long title "Landing" offers precisely this kind of heavy ambient rhythmic structure that shines of very Tangerine Dream tones with repetitive suites of keyboard chords which travel between Firestarter and Wavelength. Tied around this pattern of sequences and percussions which hop up and down, the tempo is more fluid than in the first two titles with rattling percussions that whisper in a language adapted to the metabolism of white noises, of interferences. And if we pay attention, we hear a ghost structure that is incomplete at the level of sound maturity and that fills the moods, among other elements, for a good part of DECEMBER RUNWAYS. Split into two parts, "Landing" offers a very solid second part with a hyperactive structure crisscrossed by a good and zigzagging bass line. Synth effects stretch their musicality in multi-color layers that re-form into other effects and then into orchestral layers. Additional percussive effects try to influence this quite nice axis of sedentary rhythm, but nothing to do; this finale is rich of its sedentary rhythm and its plethora of synth layers painted of ambivalent colors. This "Landing" is worth the cost, which is not very high, of DECEMBER RUNWAYS if one seeks to fall under the charms of Digital Horizons and discover the universe of Justin Ludford.
Sylvain Lupari (May 22nd, 2019) *****
Available at Digital Horizons' Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'avais bien aimé Ghost Station. Assez pour en faire une chronique bien détaillée! Je ne dis pas que ce DECEMBER RUNWAYS est son équivalence, mais les ambiances en sont très proches. Assez pour ne pas faire de lien. Composée et enregistrée à la fin de 2018, la musique respire cette atmosphère de froideur hivernale, ainsi que cette étrange sensation de voyager au travers ce froid. Ce mini album, cet E.P. de 38 minutes possède cet attrait particulier au niveau sonore, cette impression d'entendre le reflet de la musique sur les vitres givrées d'un wagon rempli de cette sensation de vivre serré entre les coudes des voyageurs. Et si vous aimez le genre Tangerine Dream des années digitales, et même plus loin, il faut regarder du côté de Digital Horizons, parce que Justin Ludford n'a jamais caché que c'était sa principale source d'inspiration.
C'est avec des accords titubant et mal ajustés que "Launch" se présente à nos oreilles. La tonalité est grésillante, comme des bruits-blancs enrobés de vert-de-gris, et résonne dans des gaz de brume opalescente. C'est comme un carrousel traînant une surcharge de poids. Un immense nappe de synthé se dépose. Permutant pour une approche plus symphonique, elle enveloppe cette introduction construite sur l'incertitude. Des séquences bien vives et nerveuses crachent un rythme qui avance et arrête dans un décor du genre industriel avec des voix chthoniennes comme enveloppe d'atmosphère hivernale. Et tout fige après les 3 minutes! "Launch" respire par les sourdes impulsions de nappes de brume et par ces accords qui tintent comme des enclumes de verre que l'on frappe avec un marteau de glace. Les arpèges de l'introduction reprennent vie lorsqu'une nappe de bourdonnements aide la structure stop-and-go à sortir des limbes. Cette fois-ci, des percussions insufflent dynamisme et intensité à ce rythme qui rechute dans sa phase ambiosphérique industrielle, mais "Launch" arrive à sa dernière destination. Cette membrane de bruits blancs, de grésillements dans le fond de la musique est aussi présente sur "Control Tower" et sa structure indécise qui s'accroche à un gros rock électronique autour des 2:30. Des effets dramatiques crachent des vibrations résonnantes alors que les séquences et arpèges sautillent dans les sourdes impulsions des réverbérations où se blottissent des esquisses de voix astrales. La structure ressemble beaucoup à celle de "Launch", mis à part certains ajustements dans le design harmonique des arpèges et une approche plus investie au niveau des percussions.
Le long titre "Landing" propose justement ce genre de structure de rythme ambiant lourd qui reluit des tonalités très Tangerine Dream avec des suites répétitives d'accords de clavier qui voyagent entre Firestarter et Wavelength. Noué autour de ce pattern de séquences et de percussions qui trépigne comme des pieds dansants, le tempo est plus fluide que dans les deux premiers titres avec des cliquetis de percussions qui murmurent dans un langage adapté au métabolisme des bruits blancs, d'interférences. Et si on prête attention, on entend une structure fantôme qui est incomplète au niveau de la maturité sonore et qui rempli les ambiances, parmi d'autres éléments, d'une bonne partie de DECEMBER RUNWAYS. Scindé en 2 parties, "Landing" offre une 2ième partie très solide avec une structure hyperactive entrecroisée par une belle et zigzagante ligne de basse. Des effets de synthé étirent leur musicalité en couches multi couleurs qui se reforment en autres effets et puis en nappes orchestrales. Des effets percussifs additionnels tentent d'influencer ce bel axe de rythme sédentaire, mais rien à faire; cette finale est riche d'un rythme sédentaire et d'une pléthore de strates de synthé aux couleurs ambivalentes. Ce "Landing" vaut le coût, qui n'est pas très élevé, de DECEMBER RUNWAYS si on cherche à tomber sous les charmes de Digital Horizons et découvrir l'univers de Justin Ludford.

Sylvain Lupari 22/05/19

mardi 21 mai 2019

INDRA: Archives-Platinum Three (2016)

“Everything is so alike and yet quite different in those 4 minimalist structures of this album that makes hope for more music from Indra”
1 Wobbling 26:30
2 Elle's Dream 11:39
3 On/Off 11:57

4 The Missionary 26:20
Indra Music (CD-r/DDL 76:28)
(Roumanian & Berlin Schools)
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  **Chronique en français plus bas**
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It's with a reverberation of a horn posted to the West that the sound effects of "Wobbling" get cemented in an introduction that doesn't announce at any point the fluid flow of a sequencer which is already busy building a pattern of rhythm subtly jerky and amply undulatory, like these Berlin School rhythmic trains. Cavernous breezes and sibylline layers spread an enigmatic reflection over this structure which releases a much more jerky flow. A synth line develops a fascinating vampiric melody that has all the appearances of a nursery rhyme for children of another planet. A bass pulsation makes hear the weight of its resonance appear in a context where frailty and heaviness clash. The synth hesitates between its solos, its sound effects and this melody that stigmatizes our dependence for a musical itch whereas the first confusion will be born of percussive effects which change the ambulant approach for a kaleidoscope of percussive and tone effects. The vision of "Wobbling" changes completely around its 10 minutes with this circular avalanche which swallows the last bit of melody. Surrounded by a veil woven in a psychedelic vision, the next minutes of this first title to open PLATINUM THREE are an escalation towards the creativity that Indra still has in his minimalist vision. The music is lively and rather catchy, like a semi-trance in a morphic techno, until the point of 20 minutes where an isolated sequence jumps in saccade to guide "Wobbling" towards a zone of mist and cosmic effects in a final breathing a little of the substance that had initiated it. Recorded in the years 13-14, PLATINUM THREE brings us closer to the last of this mega production of sound archives of Romanian musician/synthesist. And it's been a world of discoveries where everything is similar and where nothing is however so identical. It's also this kind of album that inspires fans of Indra with 4 long structures centered on hypnotic rhythms and whose slow evolutions serve the cause of the many layers of melodies and additional rhythms that Indra designs with his vision coated of a sensitivity and an understanding of the minimalist art in electronic music that is very personal to him.
"Elle's Dream" offers a pattern of ambient rhythm that ripples in a horizontal zigzag trajectory. A line of bass sequences purrs deliciously, rising and falling in the jargon of electronic percussions that add a minimum of velocity to this minimalist structure. Oscillating slowly throughout its 11 minutes, "Elle's Dream" hosts timid and fragile arpeggios that sparkle like music bubbles, while others seem to fall from sky. The synth shapes solos which cry like these waves from a Theremin. A voice of astral goddess sticks its seraphic chants to it, and another line of arpeggios, more in mode of sequenced loops, dance in these atmospheres which even spread an anesthetic mist. Nearly 12 minutes can seem long? It's to know Indra badly who always leaves a nuance in the voluptuousness of his astral rhythm or in his melodious approach where an arpeggio is absent on some occasions. A very good title that didn't suggest it on its first listening. One immediately hooks on the noticeably spasmodic rhythm of "On/Off". Catchy with its bass pulsations and bass drum, it opens with a line of nervous oscillations which jump feverishly beneath the caresses of good synth solos which get unfold in a same tonal symbiosis. Its the percussions that develop this approach of convulsive semi-rock and semi-dance with halos of arpeggios that fall in a choreography of ascending movements. The catchy rhythm and melody are at the rendezvous in this title."The Missionary" is molded in the same spaces and visions as "Wobbling". Either evolutionary with a nice collection of arpeggios and sequences that add up to needle throughout its 26 minutes. Its approach is timid with arpeggios dancing on a structure that goes up and down, like those wide loops of rhythm and melody of the Berlin School kind. The harmony of the chords tinkles as in the superb Mirage by Klaus Schulze. Velocity is adjusted to the Indra style when the carousel increases speed by one notch. The synth casts solos while other chords come in reinforcement, increasing the melodious mass of "The Missionary". A soporific haze rises after 6 minutes while the percussions spew some vaporous effects while still increasing significantly the rate of rhythm which remains in its minimalist philosophy. And gradually, Indra enriches its musical texture by bringing layers of additional melodies, orchestrations and percussions more accentuated around the 13 minutes. Moment when sound effects flood the musical sky of "The Missionary". The 16th minute brings us to an ambiospherical zone that one can imagine as being a tropical rainforest with an active tone fauna from which emerge sporadic elements of rhythms and of melodies that are familiar to us and which are reconstructed in a finale drawn in the elements of the 13th minute. Some great Indra, always pleasant to hear. To analyze!
Sylvain Lupari (May 20th, 2019) ****¼*
Available at Indra's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est avec une réverbération d'un cornet posté à l'Ouest que les effets sonores de "Wobbling" se cimentent dans une introduction qui ne laisse présager en rien le fluide écoulement d'un séquenceur qui déjà s'affaire à construire un schéma rythmique subtilement saccadé et amplement ondulatoire, comme ces trains rythmiques de la Berlin School. Des brises caverneuses et des nappes de voix sibyllines étendent un reflet énigmatique sur cette structure qui dégage un débit nettement plus saccadé. Une ligne de synthé développe une fascinante mélodie vampirique qui a toute les apparences d'une comptine pour chérubins d'une autre planète. Une basse pulsation fait entendre le poids de sa résonnance dans un contexte où fragilité et lourdeur s'affrontent. Le synthé hésite entre ses solos, ses effets sonores et cette mélodie qui stigmatise notre dépendance pour ver-d'oreille alors que la première confusion naîtra des effets percussifs qui remodulent l'approche ambulante pour un kaléidoscope d'effets percussifs et sonores. La vision de "Wobbling" change totalement autour des 10 minutes avec cette avalanche circulaire qui avale le dernier brin de mélodie. Nimbées d'un voile tissé dans une vision psychédélique, les prochaines minutes de ce premier titre à ouvrir PLATINUM THREE sont une escalade vers la créativité qu'Indra cerne toujours dans sa vision minimaliste. La musique est vive et plutôt entrainante, comme une semi-transe dans un techno morphique, jusqu'au point des 20 minutes où une séquence isolée sautille en saccade afin de guider "Wobbling" vers une zone de brume et d'effets cosmiques dans une finale qui respire un peu de cette substance qui l'avait initié. Enregistré dans les années 13-14, PLATINUM THREE nous rapproche de la grande dernière de cette méga production d'archives sonores du musicien/synthésiste Roumain. Et ça été tout un univers de découvertes où tout se ressemble et où rien n'est pourtant pas identique. C'est aussi ce genre d'album qui inspire les fans d'Indra avec 4 longues structures centrées sur des rythmes hypnotiques et dont les lentes évolutions servent la cause des nombreuses couches de mélodies et de rythmes supplémentaires qu'Indra conçoit avec sa vision enrobée d'une sensibilité et d’une compréhension de l'art minimaliste électronique qui lui est très personnelle.
"Elle's Dream" propose une figure de rythme ambiant qui ondule dans une trajectoire de zigzag horizontale. Une ligne de basse séquences ronronne donc délicieusement, montant et descendant dans le jargon des percussions électroniques qui ajoutent un minimum de vélocité à cette structure minimaliste. Oscillant lentement tout au long de ses 11 minutes, "Elle's Dream" accueille des arpèges timides et fragiles qui pétillent comme des bulles de musique, alors que d'autres semblent tomber des nues. Le synth façonne des solos qui pleurent comme ces ondes d'un Thérémine. Une voix de déesse astrale colle ses chants séraphiques et une autre ligne d'arpèges, plus en mode de boucles séquencées, dansent dans ces ambiances qui étendent même une brume anesthésiante. Près de 12 minutes peuvent paraître long? C'est mal connaître Indra qui sort toujours une nuance dans la voluptuosité de son rythme astral ou encore dans son approche mélodieuse où un arpège s'absente à quelques occasions. Un très bon titre qui ne laissait pourtant pas présager cette option à sa première écoute. On accroche tout de suite au rythme sensiblement spasmodique de "On/Off". Entraînant avec ses boums de basses pulsations et de caisse grave, il éclot par une ligne d'oscillations nerveuses qui sautillent fébrilement sous les caresses de bons solos de synthés dans une même symbiose tonale. Ce sont les percussions qui développent cette approche de semi-rock et semi-danse convulsive avec des auréoles d'arpèges qui chutent dans une chorégraphie de mouvements ascendants. Le rythme entraînant et la mélodie accrocheuse sont au rendez-vous dans ce titre. "The Missionary" est moulé dans les mêmes espaces et visions que "Wobbling". Soit évolutif avec une belle collection d'arpèges et de séquences qui s'ajoutent de fil en aiguille tout au long de ses 26 minutes. Son approche est timide avec des arpèges qui dansottent sur une structure qui monte et descend, comme ces amples boucles de rythme et de mélodie du genre Berlin School. Les harmonies des accords tintent comme dans le superbe Mirage de Klaus Schulze. La vélocité est ajustée au style Indra lorsque le carrousel augmente la vitesse d'un cran. Le synthé lance des solos alors que d'autres accords arrivent en renfort, augmentant la masse mélodieuse de "The Missionary". Une brume soporifique s'élève après les 6 minutes alors que les percussions crachent des effets vaporeux tout en augmentant toujours très sensiblement la cadence du rythme qui reste toujours dans sa philosophie minimaliste. Et peu à peu, Indra enrichit sa texture musicale en apportant des couches de mélodies supplémentaires, des orchestrations et des percussions plus accentuées autour des 13 minutes. Moment où des effets sonores inondent le ciel musical de "The Missionary". La 16ième minute nous amènes vers une zone ambiosphérique que l'on imagine comme une forêt tropicale humide avec une faune sonore active d'où émerge de façon sporadique des éléments de rythmes et de mélodies qui nous sont familiers et qui se reconstruisent dans une finale puisée dans les éléments de la 13ième minute. Du grand Indra, toujours plaisant à entendre. À analyser!

Sylvain Lupari 20/05/19