jeudi 16 août 2018

THE GLIMMER ROOM: Memories Foreknown (2018)

“Memories Foreknown is a very good compilation with a fair balance between the ambient and rhythmic sides of a splendid and touching artist”
1 Fields Full of Poppies (original version) 3:37
2 Mr Price Remembers 4:16
3 One Day Late May 5:08
4 Marianne, Please Get Help 3:56
5 Hawfrost 5:11
6 707 7:09
7 Brown 5:18
8 Romney Marsh 6:27
9 Lento Coda 5:44 N
10 Carbon Statues 11:24
11 The View from the Summerhouse 4:07
12 Astromenda (Bonus Track) 8:04
13 Rusty Trees (Bonus Track) 6:30
(Ambient Music)
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  **Chronique en français plus bas**
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Memories Foreknown” is a compilation album of The Glimmer Room which appeared on the Australian label Ultima Thule in early 2018. This label originates from the famous radio show Ultima Thule Ambient Music Show which plays on Australian public radio for more than 25 years. An impressive collection of 28 original titles by 28 artists was released in June 2016 to mark the 25th anniversary of this show, which promotes electronic music in a more ambient style. Although sometimes ... So, this compilation of Andy Condon's musical project is gathered in its simplest way, without remastering and without a continuous sound mosaic, showing this progression of The Glimmer Room towards a more ambient and especially a more lyrical musical approach. Although sometimes ... The interesting thing is that there are 5 completely new tracks on this compilation which goes from the album Now We Are Six (2007) to The Locked Book which was realized last year. And it's with a great pleasure that I rediscover some old titles and it's with the ears all wide open that I gulped up the new compositions of “Memories Foreknown”.
And it's with a title from Now We Are Six that this compilation starts. What catches my ears is the very bucolic philharmonic approach of "Fields Full of Poppies (original version)". I had already forgotten the fragrances of this title as well as the quite electronic rock approaches of titles such as "Hawfrost", "707" and "Brown" which also come from the third album of The Glimmer Room. And these three tracks which are going one after the other in the heart of this compilation lay down an evolutionary rhythmic curve, although "Hawfrost" is more ambient than rhythmic, which fits very well after the first 22 minutes of ambient music. "Mr Price Remembers" is a very good title that we find on The Locked Book and which precedes a first new track; "One Day Late May" is a nice track which breathes a little much that scent of tranquility related to this album and ends up with an ambience of carnival. "Marianne, Please Get Help", like "The View from the Summerhouse" both from A Diary of Occurrences, are throwing at us these delicious ambiences full of mystery and of romance which are floating around this masterpiece, totally ignored on this compilation, that is I Remain. These are great times which take us where we want to be! Speaking of abstruse atmospheres, "Carbon Statues" from Home Without the Journey is the latest known track in the discography of The Glimmer Room. It's a track full of mysteries with slow movements of orchestral layers which give us chills. A kind of rhythm with jingles is hanging onto our eardrums while being overwhelmed by these arrangements that have become the musical signature of Andy Condon. The new title "Lento Coda" is a little in the same spirit whereas "Romney Marsh" offers a slow waltz of layers, some of which are immersively poignant, with effects of oboe and flutes which quietly fading out near the banks of a stream. "Astromenda" and "Rusty Trees" were composed exclusively for this compilation. And they are amazing and refreshing surprises. The first is a very good down-tempo that sways in Andy Condon's unique esoteric moods, while "Rusty Trees" offers a catchier rhythm with jerk effects, in the tempo and in the voice effects, which give a particular stamp to an approach which resolutely needs a little more finite. But I liked it!
Nearly 70 minutes of a compilation which has totally ignored the jewel of The Glimmer Room and yet remains very tasty, this is the feat of “Memories Foreknown”. The unreleased tracks are all very good and the way the album is assembled takes us between ambient phases and to livelier structures, further supporting the interest of those who discover the music of The Glimmer Room. As far as I'm concerned, I have listening to “Memories Foreknown” my ears trapped in this enchantment that attaches us to the lyricism of a superb artist who has found a way to take root in my soul.
Sylvain Lupari (August 16th, 2018) *****
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                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Memories Foreknown” est un album compilation de The Glimmer Room qui est apparu sur le label Australien Ultima Thule au début 2018. Ce label tire son origine de la célèbre émission radiophonique Ultima Thule Ambient Music Show qui joue sur les ondes de la radio publique Australienne depuis plus de 25 ans. D'ailleurs une impressionnante collection de 28 titres originaux par 28 artistes a été lancée en Juin 2016 afin de souligner les 25 ans de cette émission qui fait la promotion de la musique électronique de style plus ambiant. Quoique parfois…Donc, cette compilation du projet musical d'Andy Condon est assemblée dans son élément le plus simple, soit sans remastering et sans mosaïque sonore continuelle, démontrant cette progression de The Glimmer Room vers une approche musicale plus ambiante et surtout plus lyrique. Quoique parfois…Le truc intéressant est qu'il y a 5 titres totalement inédits sur cette compilation qui voyage de l'album Now We Are Six (2007) à The Locked Book qui fut réalisé l'année dernière. Et c'est avec un grand plaisir que j'ai redécouvert des vieux titres et c'est avec les oreilles toutes grandes ouvertes pour les compositions inédites de “Memories Foreknown”.
Et c'est avec un titre tiré de Now We Are Six que débute cette compilation. Ce qui me saute aux oreilles est l'approche philarmonique très bucolique de "Fields Full of Poppies (original version)". J'avais déjà oublié les parfums de ce titre ainsi que des approches assez rock électronique de titres tel que "Hawfrost", "707" et "Brown" qui proviennent aussi du 3ième opus de The Glimmer Room. Et ces trois titres qui se suivent au cœur de cette compilation étendent une courbe rythmique évolutive, quoique "Hawfrost" est plus ambiant que rythmique, qui coule très bien après les 22 premières minutes de musique ambiante de cette compilation. "Mr Price Remembers" est un très beau titre qui niche sur The Locked Book et qui précède une première nouveauté; "One Day Late May" un beau titre qui respire un peu beaucoup ce parfum de tranquillité relié à cet album et qui se termine avec des ambiances de fête foraine. "Marianne, Please Get Help", tout comme "The View from the Summerhouse", nous balance ces délicieuses ambiances pleines de mystère et de romance qui planent tout autour de ce chef-d'œuvre, totalement ignoré sur cette compilation, qu'est I Remain. Ce sont de très bons moments qui nous amènent là où on veut aller! Parlant d'ambiances absconses, "Carbon Statues", de Home Without the Journey, est le dernier titre connu dans la discographie de The Glimmer Room. C'est un titre plein de mystères avec des lents mouvements de nappes orchestrales qui nous donnent des frissons. Un rythme sous forme de tintements accroche nos tympans tout en étant submergé par ces arrangements qui sont devenus la signature musicale d'Andy Condon. La nouveauté "Lento Coda" est un peu dans le même esprit que ces ambiances. Autre nouveauté, "Romney Marsh" propose une lente valse de nappes, dont certaines sont immersivement poignantes, avec des effets de hautbois et de flûtes qui se perdent près des berges d'un ruisseau. "Astromenda" et "Rusty Trees" ont été composé exclusivement pour “Memories Foreknown”. Et ce sont d'étonnantes et rafraichissantes surprises. Le premier est un superbe down-tempo qui se balance dans ces ambiances ésotériques unique à Andy Condon, alors que "Rusty Trees" propose un rythme plus entraînant avec des effets de saccades, et dans le tempo et les effets de voix, qui donnent un cachet particulier à une approche qui a résolument besoin d'un peu plus de fini. Mais j'ai bien aimé!
Près de 70 minutes d'une compilation qui a totalement ignoré le joyau de The Glimmer Room et qui reste pourtant très savoureuse, voilà le tour de force de “Memories Foreknown”. Les titres inédits sont tous très bons et la façon dont est assemblé l'album nous promène entre des phases ambiantes et des structures plus animées, soutenant encore plus l'intérêt de celui qui découvrira la musique de The Glimmer Room. En ce qui me concerne, “Memories Foreknown” s'écoute les oreilles prises au piège de cet enchantement qui nous attache au lyrisme d'un superbe artiste qui a trouvé le moyen de s'enraciner au fond de mon âme.
Sylvain Lupari 16/08/18

mercredi 15 août 2018

WAVESTAR: Live at Uke 1985 (2009)

“This is definitly an album to have if you want to get the best overview possible of the England School evolution”

1 Wavestar 7:00
2 Departure 3:35
3 Zenith 11:03
4 Osaka Hai 10:58
5 Melanie 8:47
6 Time Node 12:02

Wavestar Music (CD 53:38)
(Melodious EM in the TD's 80's style)
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  **Chronique en français plus bas**
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Recorded at the very first Wavestar gig in Sheffield UKE '85, “Live at Uke 1985” offers more than 50 minutes of an EM that is at the heart of the Tangerine Dream metamorphosis, either be the 86 tour which followed the album Le Parc. John Dyson and Dave Ward-Hunt have taken the music from Wavestar's first two albums, Mind Journey and especially Zenith, for this event where both musicians had butterflies in their stomachs. I don't really know these 2 albums! It is therefore with great pleasure that I discovered a very good music dominated by synths from this duo which seems to have stop by so quickly in this vast universe of EM. A video, which can is easily found on YouTube, exists of this concert. The quality is, let me think ...quite average! And I must add that it makes me scare when I started to listen to the first title. The sound quality is like a good bootleg which comes from an audience recording. But as we often hear, the best comes with the end. And here, the end lasts nearly 45 minutes where Wavestar brilliantly interprets the landmarks of the Zenith album.
That's with the title "Wavestar", from the Mind Journey album, that begins “Live at Uke 1985”. The introduction is familiar to the moods of the genre and of the progressive rhythms in EM. Two synth layers intersect their tonal differences with slow floating movements before a line of dynamic sequence knocks down this electronic tenderness with its quick rhythm. Harmonious solos float above "Wavestar", while in the background shimmering chords and keyboard riffs are felted by the quality of the recording. But the solos are pretty well captured and their surgical attacks caress an animated structure whose quivering oscillations of the sequencer get extinguished in an ambiospheric finale more musical than the introduction. The majority of the live albums in the world of the EM erases the reaction of the crowds and the exchanges between the artists and their spectators. But not here! In doing so, we see the progressive enthusiasm of the hundreds of spectators present for this very first concert of Wavestar. It lacks a lot of minutes to "Departure" since the duo interprets its most animated segment by a sequencer more active than in "Wavestar" and whose chords flow with the fluidity of a train crisscrossing the nebulous fog from the sonic plains. The quality of the recording reaches an excellent level with the recording of "Zenith". The decor, woven by layers of mists and of voices with some intriguing effects, envelops a static movement of the sequencer. There is a good effect of emotional gradation in these layers which become carriers of spectral melodies. The sequencer subtly subdivides the stationary movement of its approach with another line a little different, bringing a slight variation in the rhythm which reaches another degree of intensity, relatively quiet, with the arrival of electronic percussion well dosed. The solos and the complicity between the two synthesist becomes the strength of this track and the whole album.
"Osaka Hai" is built a little on the same principle. The sequencer is a little more fluid with variations in its moving rhythm which serves as bed for nice synth solos tinted with an approach as sinister as dramatic. The tonal décor is filled by good misty effects and by Mellotron songs, which add an esoteric touch to the ambiances, as well as glittering prisms. "Melanie" proposes a rhythm molded on an electronic walk with some snags here and there that bring seductive elements to these resonant keys. It's an ambient rhythm which hosts good solos of very harmonious synths which mix quite well their tonal differences. If one is more sober in its approach, the other synth harmonizes its solos with peaks of emotion in its more acute breezes. The contrasts are well measured. The rest of the decor is held by nebulous layers which let drop murmurs of voices embedded in an opaque wall of numbing mist. "Time Node" ends this recording by another duel between synths which compete on a Chris Franke's rhythmic pattern where the percussions and sequences are also in fight. The synths are dominant here and in this live album with good exchanges, both in the solos and the effects. And I have a soft spot for the one which is a little strident, but not too much, and whose whistling songs are as much poignant than catchy, while the other is much more wild with attacks well drawn in a finale which give chills and a desire to venture further into the small universe of Wavestar. And like the reaction of the audience proves, this “Live at Uke 1985” is worth the cost and becomes an album to discover in order to complete a little better your collection of EM.
Sylvain Lupari (August 15th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
Available on John Dyson web site

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                                     CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Enregistré lors du tout premier concert de Wavestar au Sheffield UKE '85, “Live at Uke 1985” propose plus de 50 minutes d'une MÉ qui se situe au cœur de la métamorphose de Tangerine Dream, soit la tournée 86 qui suivait l'album Le Parc. John Dyson et Dave Ward-Hunt ont pigé dans les 2 premiers album de Wavestar, Mind Journey et Zenith, pour cet évènement où les 2 musiciens avaient des papillons dans le ventre. Je ne connais pas vraiment ces 2 albums! C'est donc avec beaucoup de plaisir que j'ai découvert de la très bonne musique dominée par les synthés par un duo qui semble être passé en coup de vent dans le vaste univers de la MÉ. Une vidéo, que l'on trouve aisément sur YouTube, existe de ce concert. La qualité est disons…moyenne! Et c'est un peu ce qui m'a fait un peu peur lorsque j’ai commencé à écouter le premier titre. La qualité sonore est comme un bon bootleg qui provient d'une source d'enregistrement de l'audience. Mais comme on dit souvent, le meilleur est à la fin. Et ici, la fin dure près de 45 minutes où Wavestar interprète brillamment les points de repère de l'album Zenith.
C'est le titre "Wavestar", de l’album Mind Journey, qui débute “Live at Uke 1985”. L'introduction est familière aux ambiances pour le genre et les rythmes progressifs de la MÉ. Deux nappes entrecroisent leurs différences tonales avec de lents mouvements flottants avant qu'une ligne de séquence dynamique bouscule cette tendresse électronique avec son rythme vif. Des solos harmonieux flottent au-dessus de "Wavestar", alors qu'en arrière-scène chatoient des accords et des riffs de clavier feutrés par la qualité de l'enregistrement. Mais les solos sont assez bien captés et leurs attaques chirurgicales caressent une structure animée dont les frétillantes oscillations du séquenceur s'éteignent dans une finale ambiosphérique plus musicale que l'introduction. La majorité des albums en concert dans l'univers de la MÉ efface la réaction des foules et les échanges entre les artistes et leurs spectateurs, mais pas ici. Ce faisant, on constate l'engouement progressif des centaines de spectateurs présents pour ce tout premier concert de Wavestar. Il manque beaucoup de minutes à "Departure" puisque le duo interprète son segment le plus animé par un séquenceur plus actif que dans "Wavestar" et dont les accords coulent avec la fluidité d'un train sillonnant les nébuleuses brumes des plaines soniques. La qualité de l'enregistrement atteint un niveau excellent avec la prestation de "Zenith". Le décor, tissé par des nappes de brumes et de voix avec certains effets intrigants, enveloppe un mouvement statique du séquenceur. Il y a un bel effet de gradation émotif dans ces nappes qui deviennent ainsi porteuses de mélodies spectrales. Le séquenceur subdivise subtilement le mouvement stationnaire de son approche avec une autre ligne un peu différente, amenant une légère variation dans le rythme qui atteint un autre degré d'intensité, relativement tranquille, avec l'arrivée de percussions électroniques bien dosée. Les solos et la complicité entre les deux synthésistes devient la force de ce titre et de tout l'album.
"Osaka Hai" est construit un peu sur le même principe. Le séquenceur est un peu plus fluide avec des variantes dans son rythme mouvant qui sert de lit pour des solos de synthé teintés d'une approche autant sinistre que dramatique. Le décor tonal est garni de beaux effets brumeux et des chants de Mellotron qui ajoutent une touche ésotérique aux ambiances ainsi que des prismes scintillant. "Melanie" propose un rythme calqué sur une marche électronique avec quelques accrocs ici et là qui apportent des éléments séduisants à ces ions résonnants. Un rythme ambiant qui accueille de bons solos de synthés très harmonieux qui mélangent assez bien leurs différences tonales. Si un est plus sobre dans sa démarche, l'autre synthé harmonise ses solos avec des pointes d'émotivité dans ses brises plus aigües. Les contrastes sont bien dosés. Le reste du décor est assumé par des nappes nébuleuses qui échappent des murmures de voix encastrées dans une opaque muraille de brume anesthésiante. "Time Node" termine cet enregistrement avec un autre duel entre synthés qui s'affrontent sur un rythme vif à la Chris Franke où percussions et séquences sont aussi en lutte. Les synthés sont dominants avec de beaux échanges, tant dans les solos que les effets. Et j'ai un petit faible pour celui qui est strident, mais pas trop, et dont les chants sifflotant sont aussi poignants qu'accrocheurs, alors que l'autre est nettement plus déchainé avec des attaques bien dessinées dans une finale à donner des frissons et le goût de m'aventurer encore plus loin dans le court univers de Wavestar. Et comme la réaction de l'audience le prouve, ce “Live at Uke 1985” vaut le coût et devient un album à découvrir afin de compléter un peu mieux sa discographie de MÉ.
Sylvain Lupari 14/08/18

mardi 14 août 2018

JESPER SORENSEN: Synthology (Remastered 2018)

“Synthology is made of heaviness, of aggressiveness in the rhythms and seems to have been purely conceived for lovers of e-rock with strong essences of dance music and synth-pop”

1 Stardust 9:15
2 Faraway Places 6:47
3 Lone Voyager 7:41
4 Gateway 6:57
5 Forgotten Memories 5:42
6 The Other Side 9:14
7 Midnight Whispers 7:26
8 The Lost World of Time 10:57
9 Shadows 4:03
10 Outer Rim 7:34
11 Synthology 11:29
12 Transcension 6:59
13 The Search 6:45

Jesper Sørensen Music (DDL 100:51)
(E-Rock, Dance Music & Synth-Pop loud and proud)
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  **Chronique en français plus bas**
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Following the remastering of Skyrider, Jesper Sørensen offers us another sonic aesthetic surgery. This time, and as wrote a bit in my review of Skyrider, this is his 2nd opus, “Synthology”. This new reworked edition comes with over 13 minutes of additional music, be 2 bonus tracks ("Transcension" and "The Search") which really seem to have been written at the same time, pushing the time of “Synthology” to more than 100 minutes of unbridled EM with rhythmic structures to cut out your legs, so much it's heavy, energetic and without ambiospherical respite inside 11 titles that will scare your neighbors. I live in the countryside, so no neighbors, and I recommend listening to this album on speakers because in a pair of headphones, your ears will buzz for long after 90 minutes of an explosive EM.
It starts quietly. The first few minutes of "Stardust" are the only ones to make an incursion into the universe of quiet cosmos of this album. Intergalactic winds slowly descend from the cosmos to land on a soft bass line and a line of resonant sequences. The rhythm is already danceable, even lascivious when percussions with tones both rock and electronic give it a livelier tone. Jesper Sørensen doesn't waste a second to put his melodious signature that will haunt the other 12 structures of “Synthology”. Here it's the piano which is starring. Its approach is tinted of nostalgia and paves the way for a layer of heavenly voices and arrangements designed to give a little chill in the back. Sober and effective in its morphic down-tempo suit adorned of seductive cosmic and electronic effects, "Stardust" opens our ears to an album whose wall of sounds is quite impressive with distortion effects that create an incredible depth and an intensive bludgeoning of rhythms which flirt between dance music, lead-galvanized techno and big electronic rock which let no respite to our ears, except in two places. "Faraway Places" spreads a structure very close of the disco effects from the 70's. The rhythm gets warp with heavy oscillations and a load of distortion effects whereas the synth plays a Latin melodious approach, that you'll find elsewhere on this album, while the rhythm evolves in mode electronic rock with the coming of the percussions. Like several titles in “Synthology”, the rhythm perceptibly alters its cadence, without ever reaching an ambiospheric phase, while the arrangements and harmonies exchange their slight differences over rather long structures while preserving their attractions. "Lone Voyager" offers harmonies sculpted by a synth which has this vision of French cinema of the 70's. The undulating move of the sequences is harpooned by solid electronic percussions. "Gateway" follows with a huge e-rock and its meshing with the nervous structures of the English synth-pop from the 80's to 90's. It's heavy and noisy! On the other hand, the arrangements, and these refrains which come later in the form of solos hesitating between the fragrances of Jarre or Vangelis, are simply too beautiful and too good! "Forgotten Memories" comes right in time in this sea of rhythms that worn out our legs and took out the paint of the walls with a beautiful moment of relaxation invaded by the melancholy of a piano as much penetrating as the arrangements.
A moment of tenderness needed since the road of rhythms gets in again with this meshing of percussions and sequences, fluttering with resonances in the wings, is of use for the very dancing structure of "The Other Side". Futuristic disco effects adorn this approach with a solid bassline which vividly throbs and some stroboscopic strands which encircle a structure carried by a multitude of electronic riffs. The piano and the arrangements sculpt another striking melodious texture. The harmonies of the synth take on a different hue which can also be found in this another heavy and semi-slow beat of "Midnight Whispers". Its bass line wants to eat some big cosmic Funk while the percussion and sequences, some mutate with organic tones, are doing a sit-in for a very dancing e-rock approach. The arrangements are also very 70's disco (Barry White) with this piano which constantly launches airs of a cinematic romance. These ingredients are also present in "The Lost World of Time" which remains a very cool down-tempo with spectral effects in the harmonies of the synth. "Shadows" is another interlude provided by a piano and arrangements designed to lift the hairs of our arms, especially with this chorus of astral nymphets. More nervous and more in dance mode, "Outer Rim" justifies its presence as "The Other Side" did, while the title-track oscillates between the arrangements of "Midnight Whispers" and this heavy and slow rhythm which has clubbed our ears since "Gateway". I have no difficulty believing that "Transcension" was conceived at the same time as this album. Its rhythm is as highly energise as very catchy, whereas the more harmonious "The Search", is in the mold of this synth-pop from the 80's and the 90's.
This 2nd album of Jesper Sørensen is made of heaviness and of aggressiveness in the rhythms that to listen to it in a stretch of 100 consecutive minutes is a personal exploit for my 60 years old ears! The many arrangements and the melodious parts which are scattered with nuances on each title saves the bet, otherwise this album would soon become unbearable and soulless. The absence of ambiospherical cosmic essence (I never thought that I'd write this one day) is a bit lacking in “Synthology” which, I believe, was conceived in a spirit of pure and hard e-rock. In fact, we have here a party Rave album for lovers of e-rock spicy, on the other hand, of strong spirits of dance and synth-pop.
Sylvain Lupari (August 14th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
Available on Jesper Sørensen's Bandcamp

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                                CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Suivant le remastering de Skyrider, Jesper Sørensen nous offre une autre chirurgie esthétique sonore. Cette fois-ci, et tel qu'annoncé dans ma chronique sur Skyrider, il s'agit de son 2ième opus, “Synthology”. Cette nouvelle édition retravaillée vient avec plus de 13 minutes de musique additionnelle, soit 2 titres en bonus ("Transcension" et "The Search") qui semblent vraiment avoir été conçue à la même période, poussant le temps de “Synthology” à plus de 100 minutes d'une MÉ déchainée avec des structures de rythme à vous scier les jambes, tellement c'est lourd, énergique et sans répits ambiosphériques à l'intérieur de 11 titres à faire fuir vos voisins. J'habite à la campagne, donc pas de voisins, et je recommande l'écoute de cet album sur des haut-parleurs parce que dans une paire d'écouteurs, vos oreilles vont bourdonner pour longtemps après 90 minutes d'une MÉ explosive.
Ça débute tranquillement. Les premières minutes de "Stardust" sont les seules à faire une incursion dans l'univers de cosmos tranquille de cet album. Les vents intergalactiques descendent lentement du cosmos afin d'atterrir sur une ligne de basse molle et une ligne de séquences aux effets résonnants. Le rythme est déjà dansable, lascif lorsque des percussions aux tonalités autant rock qu'électronique lui donnent un tonus plus vivant. Jesper Sørensen ne perd pas une seconde afin d'apposer sa signature mélodieuse qui hantera les 12 autres structures de “Synthology”. Ici, c'est le piano qui est d'office. Son approche est teintée de nostalgie et dresse le chemin à une nappe de voix célestes et des arrangements pensés pour donner un peu de frisson dans le dos. Sobre et efficace dans son habit de down-tempo morphique orné de séduisants effets cosmiques et électroniques, "Stardust" ouvre nos oreilles à un album dont la muraille de sons est assez impressionnante avec des effets de distorsions qui maquillent une profondeur inouïe et un matraquage intensif de rythmes qui flirtent entre la musique de danse, du Techno galvanisé au plomb et du gros rock électronique qui laissent aucun répit à nos oreilles, sauf à deux endroits. "Faraway Places" étend une structure très près des effets disco des années 70. Le rythme est gondolant avec des oscillations lourdes et pleines d'effets de distorsions alors que le synthé étend une approche de mélodie latine, que l'on retrouve un peu partout dans cet album, tandis que le rythme évolue en mode rock électronique avec l'arrivée des percussions. Comme plusieurs titres dans “Synthology”, le rythme modifie perceptiblement sa cadence, sans jamais atteindre une phase ambiosphérique, alors que les arrangements et les harmonies s'échangent leurs légères différences sur d'assez longues structures tout en conservant leurs attraits. "Lone Voyager" propose des harmonies sculptées par un synthé qui possède cette vision du cinéma Français des années 70. Le rythme ondulant des séquences est harponné par de solides percussions électroniques. "Gateway" suit avec gros rock électronique et son croisement avec les structures nerveuses de la Synth-Pop Anglaise des années 80-90. C'est lourd et ça tapoche! En contrepartie les arrangements, et ces refrains qui se pointent plus tard sous formes de solos qui hésitent entre les fragrances de Jarre ou Vangelis, sont tout simplement trop beaux et bons! "Forgotten Memories" arrive à point dans cette mer de rythmes, à exténuer les jambes et décoller les peintures des murs, avec un beau moment de détente envahie de mélancolie avec un piano aussi pénétrant que les arrangements.
Un moment de tendresse nécessaire puisque la route des rythmes reprend avec ce maillage de percussions et de séquences qui papillonnent avec des résonnances dans les ailes pour accueillir la structure très dansable de "The Other Side". Des effets de disco futuriste ornent cette approche avec une solide ligne de basse qui vrombie avec aplomb et des filaments stroboscopiques qui ceinturent une structure portée par une multitude de riffs électroniques. Le piano et les arrangements sculptent une autre texture mélodieuse accrochante. Les harmonies du synthé prennent une teinte différente qui se retrouvent dans un autre rythme lourd et semi-lent avec "Midnight Whispers". Sa ligne de basse veut manger du gros Funk cosmique alors que les percussions et les séquences, certaines mutent avec des tonalités organiques, siègent pour une approche de rock électronique très danseable. Les arrangements font aussi très disco des années 70 (Barry White) avec ce piano qui lance constamment des airs de romance cinématographique. Ces ingrédients se retrouvent dans "The Lost World of Time" qui reste un down-tempo très allumé avec des effets spectraux dans les harmonies du synthé. "Shadows" est un autre intermède fourni par un piano et des arrangements dessinés pour faire lever les poils des bras, surtout avec cette chorale de nymphettes astrales. Plus nerveux et plus en mode danse, "Outer Rim" justifie sa présence comme celle de "The Other Side", alors que la pièce-titre oscille entre les arrangements de "Midnight Whispers" et ce rythme lourd et lent qui matraque nos oreilles depuis "Gateway". Je n'ai aucune difficulté à croire que "Transcension" a été conçu à la même époque. Son rythme est autant énergivore que très entraînant, alors que "The Search", plus harmonieux, est dans le moule des années 80-90 de la Synth-Pop.
Ce 2ième album de Jesper Sørensen est coulé dans la lourdeur et dans une agressivité dans les rythmes que se taper les 100 minutes consécutives relèvent d'un exploit personnel pour mes 60 ans! Les nombreux arrangements et les parties mélodieuses qui sont éparpillées avec des nuances sur chaque titre sauve la mise, sinon cet album deviendrait vite insupportable et sans âme. L'absence d'essence cosmique ambiosphérique (jamais j'aurais pensé écrire ça un jour) manque un peu à “Synthology” qui, je crois, a été conçu dans un esprit de rock électronique pur et dur. En fait, nous avons ici un album de party Rave pour amants de rock électronique pimenté, d'autre part, par de fortes essences de danse et de Synth-Pop.
Sylvain Lupari 13/08/18

dimanche 12 août 2018

JESPER SORENSEN: Skyrider (Remastered 2018)

“Nice EM easy to tame with good rhythms and nice melodies draped in a comfortable cushion of sounds and cosmic ambiances, Skyrider is within the reach of everyone”
1 StarFlight One 8:44
2 Fractions of Light 4:54
3 A Fading Star 3:38
4 Taros One 8:16
5 Return to Saurus 6:42
6 Skyrider 5:08
7 Echoes from a Distant Shore 3:37
8 The Ring of Saturn 4:21
9 Preparation 4:46
10 The Last Frontier 9:00
11 Intermezzo 4:04

Jesper Sørensen Music (DDL 63:12)
(Nice and catchy melodious EM)
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  **Chronique en français plus bas**
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If you like a rhythmic and melodious EM that is animated by electronic percussions and juicy sequences in a Jean-Michel Jarre's cosmic universe, Jesper Sørensen is certainly one of the emerging artists to put you in the ears. Growing in popularity with a wider fan base, this Swedish musician living now in York in the north of England wondered about the mastering quality of his first albums, Synthology and this “Skyrider”. Since the release of these albums, Jesper has spent a lot of time learning the mastering techniques. And not being completely satisfied with the result of these two albums, he decided to make a new mastering of both this summer. “Skyrider” is the first album to have had this sonic aesthetic surgery. 
A roaring wave rising from the West lights the introduction of "StarFlight One". As soon as this light cloud of moods is lifted, a line of bass pulsations bangs at the door of our eardrums. Another line of more active and luminous sequences twirls around this movement of which the weak ghostly harmonies resist a flurry of foggy cloud where hides thin lines of celestial voices. Gradually the pace intensifies its presence with more active sequences. The flow is semi slow with effects of hands slamming like shots of metallic percussions. The synth accentuates its presence with splendid, and very catchy, melodious solos whereas "StarFlight One" becomes a very good electronic rock impregnated by the influences of the French synthesist. "Fractions of Light" is more in electronic ballad mode with a good up-tempo which is not too fast. The sequencer game weaves a futuristic rhythm approach in a sometimes melancholy structure. "Return to Saurus", with its heavy, slow rhythm and its piano chords falling like a grave reproach, it's quite theatrical, as well as "Preparation", are two other sweet and catchy down-tempos which are encircled by stroboscopic filaments and by lunar elements are great tracks and never put aside the still very melodious signature of Jesper Sørensen.
"Taros One" is another splendid title with Berber songs which get blend in surprising chants from the synth. The rhythm is floppy, but catchy. A little less rock, but faster than a down-tempo, it loosens a spasmodic structure with elements of Arabic melodies which gave me the chills. And speaking of melancholy, "A Fading Star" is a very nice melancholic piece of music with its effects of acoustic guitar chords which intertwine in an acoustic ballad, even if star dusts are floating there, for lonely souls. If we like more melancholic electronic ballads, "Echoes from a Distant Shore" is a delight. The title-track is a nice electronic rock with good percussions which hammer a living rhythm. Here again, the piano takes care of a melodious portion a bit nostalgic while a harmonious sequence makes spinning its effects of hypnotic loops from the beginning of the title. "The Last Frontier" is another highlight in this album. An electronic ballad well installed on a soft rhythm and its celestial mist which at times sings. Slamming percussions and bouncy sequences with a harmonic filament in the rhythm are also effects of charms which add depth to this title which draws a bit of its fragrance in Enigma's influences. Very easy to tame, as well as the lively rhythm of "Intermezzo" which undeniably recalls the influences of Jarre in the structures of Jesper Sørensen.
Good rhythms and nice melodies draped in a comfortable cushion of sounds and cosmic ambiances, “Skyrider” is a good album that gets tame easily. There are many catchy moments in a sonic elegance which deserves its place on a real manufactured CD. In the meantime, it's available for download with 2 long titles, 1 to 5 for Face A and 6 to 11 for Face B, which offer 2 mosaic of EM without interruptions.
Sylvain Lupari (August 12th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
Available on Jesper Sørensen's

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                           CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Si on aime une MÉ rythmée et mélodieuse qui est animée par des percussions électroniques et des séquences juteuses dans un univers cosmique à la Jean-Michel Jarre, Jesper Sørensen est certainement un des artistes émergents à vous mettre entre les oreilles. Sa popularité croissante et le bassin de ses fans grossissant, ce musicien Suédois qui vit à York au nord de l'Angleterre s'est interrogé sur la qualité du mastering de ses premiers albums, Synthology et ce “Skyrider”. Car depuis la réalisation de ces albums, Jesper a passé beaucoup de temps à apprendre les techniques de mastering. Et n'étant pas entièrement satisfait du résultat de ces deux albums, il a décidé de faire un nouveau mastering cet été. “Skyrider” est le premier album à avoir eu cette chirurgie esthétique sonore.
Une onde ronflante qui se lève à l'Ouest allume l'introduction de "StarFlight One". Dès ce léger nuage d'ambiances levé, une ligne de basse pulsations cogne à la porte de nos tympans. Une autre ligne de séquences plus actives et plus lumineuses virevolte sur ce mouvement dont les faibles harmonies fantômes résistent à une flopée de nuage brumeux où se cachent des filets de voix célestes. Peu à peu le rythme intensifie sa présence avec des séquences plus actives. Le débit est semi lent avec des effets de mains qui claquent comme des coups de percussions métalliques. Le synthé accentue sa présence avec de splendides, et très accrocheurs, solos mélodieux alors que "StarFlight One" devient un très bon rock électronique imbibé par les influences du synthésiste Français. "Fractions of Light" est plus en mode ballade électronique avec un bon up-tempo qui n'est pas trop vite. Le jeu du séquenceur tisse une approche de rythme futuriste dans une structure parfois mélancolique. "Return to Saurus" et son rythme lourd et lent avec ses accords de piano qui tombent comme un grave reproche, ça fait assez théâtrale, ainsi que "Preparation" sont deux autres bon down-tempos suaves et entraînants qui sont ceinturés de filaments stroboscopiques et d'éléments lunaires et qui n'oublient en rien la signature toujours très mélodieuse de Jesper Sørensen.
"Taros One" est un autre splendide titre avec des chants berbères qui se fondent dans de surprenants chants de synthé. Le rythme est mou, mais entrainant. Un peu moins rock et plus vite qu'un down-tempo il délie une structure un brin spasmodique avec des éléments de mélodies Arabes qui donnent des frissons. Et parlant mélancolie, "A Fading Star" est tout un morceau de musique mélancolique avec ses effets accords de guitare acoustique qui s'entrecroisent dans une ballade acoustique, même si des poussières d'étoiles y flottent, pour âmes solitaires. Si on aime les ballades mélancoliques plus électroniques, "Echoes from a Distant Shore" en est une délicieuse. La pièce-titre est un bon rock électronique avec de bonnes percussions qui martèlent un rythme vivant. Encore ici, le piano s'occupe d'une portion mélodieuse un brin nostalgique alors qu'une séquence harmonieuse fait tournoyer ses effets de boucles hypnotiques dès l'amorce du titre. "The Last Frontier" est un autre moment fort. Une ballade électronique bien installée sur un rythme mou et sa brume céleste qui par moment chante. Percussions claquantes et séquences sautillantes avec un filament harmonique dans le rythme sont aussi des effets de charmes qui ajoutent de la profondeur à ce titre qui puise un peu ses parfums dans les influences d'Enigma. Très facile à apprivoiser, de même que le rythme vif de "Intermezzo" qui rappelle indéniablement les influences de Jarre dans les structures de Jesper Sørensen.
De bons rythmes et de belles mélodies drapés dans un confortable coussin de sons et d'ambiances cosmiques, “Skyrider” est un bel album qui s'apprivoise sans difficultés. Il y a beaucoup de moments accrocheurs dans une élégance sonore qui mérite sa place sur un véritable CD manufacturé. En attendant, c'est offert en téléchargement avec 2 longs titres, 1 à 5 pour la Face A et 6 à 11 pour la Face B, qui proposent 2 mosaïque sans interruptions.

Sylvain Lupari 12/08/18

samedi 11 août 2018

PRZEMYSLAW RUDZ: Hypnotized (2015)

“How can I say? Daring, creativity, E-Rock, Berlin School sequencing, electronic prog-rock and a bit of craziness equal Hypnotized”
1 Clever Ape and The Guitar / Cyber ​​Swamp Ambience 11:24
2 Language of Clouds / Split in the Prism of Emotions 15:57
3 Amorphous Time 5:09
4 Lost Among the Knobs 10:09
5 Tribal Essence in a High-Tech Society's Heart 10:05
6 Phantomology II (Ending Drone) 12:10
Przemysław Rudź Music (CD/DDL 64:56)
(Neo Electronic Prog)
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  **Chronique en français plus bas**
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Przemysław Rudź is this kind of innovative artist who is not afraid to surprise his audience and even his peers. In an album inspired by the paintings of Maciej Świeszewski, the Polish musician presents an eclectic album where the genre ... let's say accessible flirts with a more daring genre. And when I say daring, it's out of respect for Przemysław. But knowing the synthesist, I think he is very comfortable when we tattoo his music sometimes totally crazy. Set on 6 musical paintings that range from 5 to 16 minutes, and offered in both downloadable format and CD on Audio Cave, “Hypnotized” wears well its title. One listens to the music by imagining the avenues, the directions that Przemysław Rudź wants us to take in order to understand and follow the colors of a music which forces our imagination to discover new worlds.
"Clever Ape and The Guitar / Cyber Swamp Ambience" offers the colors of an album that requires some listenings, especially for this title, and always ends up seducing. It's basically very representative of the Rudź universe. The title is made of atmospheres with an introduction fed by rumblings and solos of a rebellious guitar which weave these ambiences along with sonic graffiti of a synth in mode essays and attempts. The amalgam of the both instruments carves an approach which becomes gradually edible to the ears, especially with the development of the loops of a guitar (the information on the sleeve specifies that it is Dominik Chmurski on the electric violin) in mode Acid Rock, and with the synth effects which breathe the Hyperborea universe from Tangerine Dream. "Language of Clouds / Split in the Prism of Emotions" is the longest title of
Hypnotized. His first part is very ambiospherical, in harmony with the meaning of the title. Synth layers, some soaked of voices, form a peaceful stellar bed where sparkle effects of glass beads which break up in crumbling suspended drops. Their echoes dance with the tranquility of the layers' movement up until about the 9th minute when we hear a mass of rumblings and monastic voices. A good groove is then playing with good percussion and a bass line that crawls with our sense of rhythm whereas the synth multiplies great solos, bringing a dose of progressive rock to a more than very attractive finale. The music behind "Amorphous Time" is at the image of its title with lines of reverberations where hide a sound language and metal knocks which remain connected to more celestial synth pads. That would be a good ambient music for a sci-fi movie.
"Lost Among the Knobs" offers a fascinating rhythmic structure with sequences that rise and fall in an organic universe. The gradation in the voracity of this ambient rhythm gives a strong effect of intensity that comes and goes as the time flees the dial. A more pronounced rhythm emerges around the 5th minute, bickering with a world of distortions and effects of interference as well as white noises without bringing the music to another level. For lovers of sound and paranormal moods! Light butterflies flutter among chirps of electronic nightingales, structuring an intro of ambiences with chords as light as those of Tomita in Snowflakes are Dancing. With this introduction, the rhythm of "Tribal Essence in a High Tech Society's Heart" starts around 90 seconds with a series of riffs and percussion, almost molded on the dance of the riffs, which is making its way under synth effects more and more dense. Already, the rhythm expires a kind of trance which reaches its full size 15 seconds before the 4 minutes, propelling the music towards a kind of futuristic Funk and at the end, cosmic. The bass line is hungry for our dancing feet while the percussions and riffs are beating on the same pace and the synth throws its jets of mists and filaments which play with a pleasant nuance in their stridency. This is a strong title which joins the depth of "Language of Clouds / Split in the Prism of Emotions". "Phantomology II (Ending Drone)" follows a little the same patterns, except that its introduction is darkened with more variegated tones. A bit like an organic fauna that rebels from its electronic effects. But the rhythm which follows is simply a strike of genius with a mesh of sequences and percussion which structures a very catchy approach of electronic rock. The neck rolls and the eyes are illuminated in front of this rock where organic bites get in and where are grafted splendid synth solos of. This is some great Przemysław Rudź who fills up our ears and emotions to the top with another great album which in the end is less difficult than that to tame.
Sylvain Lupari (August 11th, 2018) ****½*
synth&sequences.com
Available on Przemysław Rudź's Bandcamp

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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Przemysław Rudź est ce genre d'artiste innovateur qui n'a pas peur de surprendre son public et même ses pairs. Dans un album qui s'inspire des tableaux de Maciej Świeszewski, le musicien Polonais présente un album des plus éclectiques où le genre…disons accessible flirte carrément avec un genre plus audacieux. Et quand je dis audacieux, c'est par respect pour Przemysław. Mais connaissant le synthésiste, je crois qu'il est très à l'aise lorsque l'on tague sa musique de parfois totalement déjantée. Serti sur 6 tableaux musicaux qui vont de 5 à 16 minutes, et offert aussi bien en format téléchargeable qu'en CD sur Audio Cave, “Hypnotized” porte bien son titre. On écoute la musique en imaginant les avenues, les directions que Przemysław Rudź veut nous indiquer afin de comprendre et de suivre les couleurs d'une musique qui force notre imagination à découvrir de nouveaux univers.
"Clever Ape and The Guitar / Cyber Swamp Ambience" offre les couleurs d'un album qui demande quelques écoutes, notamment pour ce titre, et qui finit toujours par séduire. C'est en gros très représentatif de l'univers Rudź. Le titre est d'ambiances avec une introduction nourrie par des grondements et des solos d'une guitare insoumise qui tissent ces ambiances avec des graffitis soniques d'un synthé en mode essais et tentatives. L'amalgame des deux instruments sculpte une approche qui devient peu à peu comestible aux oreilles, notamment avec le développement des boucles d'une guitare (les informations sur la pochette spécifient qu'il s'agit de Dominik Chmurski au violon électrique) en mode Acid Rock, et les effets de synthé qui respirent l'univers Hyperborea de Tangerine Dream. "Language of Clouds / Split in the Prism of Emotions" est le plus long titre de “Hypnotized”. Sa première partie est très ambiosphérique, en harmonie avec le sens du titre. Des nappes de synthé, certaines sont imbibées de voix, forment un paisible lit stellaire où scintillent des effets de billes de verre qui se désagrègent en émiettant des gouttes suspendues. Leurs échos dansent avec la tranquillité du mouvement des nappes jusque vers la 9ième minute où nous attend une messe de grondements et de voix monastiques. Un bon groove s'installe alors avec de bonnes percussions et une ligne de basse qui rampe avec notre sens du rythme alors que le synthé multiplie de superbes solos, amenant une dose de rock progressif à une finale plus que très séduisante. La musique derrière "Amorphous Time" est à l'image de son titre avec des lignes de réverbérations où se cachent un langage sonore et des cognements métalliques qui restent reliés à des nappes de synthé plus célestes. Ça ferait une bonne musique d'ambiances pour un film de science-fiction.
"Lost Among the Knobs" propose une fascinante structure rythmique avec des séquences qui montent et descendent dans un univers organique. La gradation dans la voracité de ce rythme ambiant donne un fort effet d'intensité qui va et vient à mesure que le temps fuit le cadran. Un rythme plus accentué émerge autour de la 5ième minute, se chamaillant avec un univers de distorsions et d'effets d'interférences et de bruits blancs sans pour autant amener la musique à un autre niveau. Pour amateurs de son et d'ambiances paranormales! De légers papillons voltigent parmi des pépiements de rossignols électroniques, structurant une intro d'ambiances avec des accords aussi légers que ceux de Tomita dans Snowflakes are Dancing. Fort de cette introduction, le rythme de "Tribal Essence in a High-Tech Society's Heart" se met en branle autour des 90 secondes avec une série de riffs et de percussions, quasiment moulées sur la danse des riffs, qui se fraie un chemin sous des effets de synthé de plus en plus dense. Déjà, le rythme expire un genre de transe qui prend toute son ampleur 15 secondes avant les 4 minutes, propulsant la musique vers un genre de Funk futuriste et à la fin, cosmique. La ligne de basse est affamée de nos pieds trépignant alors que les percussions et les riffs deviennent sur la même fréquence et que le synthé lance ses jets de brumes et des filaments qui jouent avec une agréable nuance dans les stridences. C'est un solide titre qui rejoint la profondeur de "Language of Clouds / Split in the Prism of Emotions". "Phantomology II (Ending Drone)" suit un peu les mêmes patterns, sauf que son introduction est noircie de tonalités plus bigarrées. Un peu comme une faune organique qui se rebelle de ses effets électroniques. Mais le rythme qui suit est tout simplement tape-pied avec un maillage de séquences et de percussions qui structure une approche de rock électronique très accrocheur. Le cou roule et les yeux s'illuminent devant ce rock où s'invitent des morsures organiques et où se greffent de splendides solos de synthé. De grand Przemysław Rudź qui nous en met plein les oreilles avec un autre très bon album qui au final est moins difficile que cela à assimiler.
Sylvain Lupari 10/08/18