dimanche 24 juin 2018

SEQUENTIA LEGENDA: Renaissance (2018)

“Renaissance is a great opus where the French synthesist proposes 3 long musical rivers with a grandiose sonic decor”
1 Out of the Silence 21:55
2 Ici et Maintenant 25:40
3 Valentins Traum 17:24

Sequentia Legenda Music (CD/DDL 64:59)
(Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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Since the Blue Dream album, Laurent Schieber always tries to find the right tone to bring his musical philosophy to that of the great thinkers of the minimalist movements of the modern EM. And when I say modern, I think of Klaus Schulze as well as the first works of such important artists like Kraftwerk, Manuel Göttsching and Robert Schroeder. Blue Dream had a strong impact with its Klaus Schulze's crystal-centered approach of Mirage when it was released in 2015. Sequentia Legenda's 2 subsequent albums kind of failed to achieve this level of excellence with being more predictable. In this sense that we knew where the music of Extended and Ethereal would go! It's completely different with “Renaissance”! Built around three long minimalist acts, this latest work of Sequentia Legenda reaches our level of expectation by moving away from the standards of the French musician whose collaboration with Kurtz Mindfields, for the title "Out of the Silence", finally joins the delicacies of vintage EM with today's technologies. A superb album where Laurent's visions flirts with the perfumes of Klaus Schulze, period 85-90, and Robert Schroeder at the cradle of his illusions, from 80 to 85.
It's from a wave coming from the West that "Out of the Silence" rises to our ears. Harmonic loops and oscillations tint the approach of a kind of intergalactic Western which enriches this perception with the addition of percussive effects stuffed with gas. They sound like light trots of hooves. As an engineer, with a doctorate in decoration, Sequentia Legenda builds his linear roads with a sound vegetation which grows richer over the course of his conquests with his audience. Here, the movement and its opening are pecked by clatter of wood while the sound waves float undulating with a little additional zest of vigor. Subtly, everything is accelerating. The loops roll faster, the oscillations struggle to hold back those threads of voices which hum while the percussion and its rattling effects go faster that the slow evolution of the movement. Title originally offered in a context of 9 minutes with Kurtz Mindfields, "Out of the Silence" stretches its charms with a magnetism that has been proven since Blue Dream, but with more punch in the beat when the percussions add a dimension of cosmic rock a little before the 7 minutes. Subsequently, the music evolves by prolonging this state of hypnosis in the listener while nuancing its movement with a rhythmic deflection in the bass line. Drums, melody loops and the constant shades which destabilize its minimalist road make "Out of the Silence" a superb title which is richer and obsessing in headphones.
Built on the same evolving minimalist mold, "Ici et Maintenant" is the title closest to this fusion Schulze/Schroeder with a jerky ambient rhythm filled with a very strong sonic ornament. Composed for his son, "Valentins Traum" is a splendid hypnotic movement which amazes during the course of its discovery. Layers of mist, where are wandering mechanical moans, envelop the sonic shroud of its introduction. Orchestral with a good dose of emotion, these layers seem to hum a seraphic song with some slow winged movements which always seem to want to exceed the limits of heavens. Another oscillating wave is grafted to the movement. Its appearance seems sudden, so much the charismatic amplitude of the first movement is more than enthralling. Our ears perceive behind these layers this river of pearls whose clarity of shimmer blows the cold magic of Mirage, this album of Klaus Schulze which is a great influence in the world of Sequentia Legenda. Here again, the minimalist movement takes all its seconds to maximize the immense possibilities of a sound stage where already a crackling shadow brings us to the dream world of Valentin. Laurent Schieber has developed for his last album a very refined taste with regard to the sound envelope which doesn't let a second of silence pass. No hole without sounds! This is how the synth lines, some as ethereal as they are very sulphurous, get engage in a constant battle with songs and effects which tenderly envelop the advance of "Ici et Maintenant". A breakthrough which reach its culminate point with the arrival of percussion around the 11 minutes, giving an emotional heaviness to the music which spills on all sides of our headphones.
Intense and ... doubly intense, “Renaissance” is a great opus, available as CD and as download, coming from Sequentia Legenda. The French synthesist proposes here 3 long musical rivers with a grandiose sonic decor which goes beyond the boundaries of the conventional charms of the Berlin School EM style. The atmospheres are striking with the sound effects known of his repertoire and other very discreet effects of reverberations which constantly add emotional dimensions to evolutionary approaches that have totally surprised me as the subtleties in the structural changes arrive by good doses of emotions. It's the best album of Sequentia Legenda and sincerely I wonder how Laurent Schieber will come to surpass the dimensions of “Renaissance” one day…

Sylvain Lupari (June 23rd, 2018) *****
synth&sequences.com

Available on Sequentia Legenda Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Depuis l'album Blue Dream, Laurent Schieber tente toujours de trouver le ton juste afin de rapprocher sa philosophie musicale à celle des grands penseurs des mouvements minimalistes de la MÉ moderne. Et quand je dis moderne, je pense à Klaus Schulze ainsi que les premières œuvres d'artistes aussi importants que Kraftwerk, Manuel Göttsching et Robert Schroeder. Blue Dream avait frappé fort avec son approche centrée sur l'œuvre de cristal de Klaus Schulze, Mirage, lors de sa sortie en 2015. Les 2 albums subséquents de Sequentia Legenda n'avaient pas réussi à atteindre ce niveau d'excellence avec des structures plus prévisibles. En ce sens que l'on savait où irait la musique de Extended et Ethereal! C'est tout autre avec “Renaissance”! Construit autour de trois longs actes minimalistes, ce dernier opus de Sequentia Legenda atteint notre niveau d'attente en s'éloignant des standards du musicien Français dont la collaboration avec Kurtz Mindfields, pour la pièce "Out of the Silence", joint finalement les délicatesses de la MÉ vintage avec les technologies d'aujourd’hui. Un superbe album où les visions de Laurent se frottent aux parfums de Klaus Schulze, période 85-90, et de Robert Schroeder au berceau de ses illusions, soit de 80 à 85.
C'est de par une onde venant de l'Ouest que "Out of the Silence" s'élève jusqu'à nos oreilles. Des boucles et des oscillations harmoniques teintent l'approche d'un genre de Western intergalactique qui enrichi cette perception avec l'ajout des effets de percussions bourrées de gaz. On dirait de légers trots de sabots. Comme un ingénieur, avec un doctorat en décoration, Sequentia Legenda construit ses routes linéaires avec une végétation sonore qui s'enrichie au fil de ses conquêtes avec son public. Ici, le mouvement et son ouverture sont picorés par des cliquetis de bois alors que les ondes sonores flottent en ondulant avec un petit zest additionnel de vigueur. Subtilement, tout s'accélère. Les boucles roulent plus vites, les oscillations peinent à retenir ces filets de voix qui chantonnent alors que les percussions et ses cliquetis dépassent la lenteur évolutive du mouvement. Titre initialement offert dans un contexte de 9 minutes avec Kurtz Mindfields, "Out of the Silence" étire ses charmes avec un magnétisme qui a fait ses preuves depuis Blue Dream, mais avec plus de punch en rythme lorsque les percussions ajoutent une dimension de rock cosmique un peu avant les 7 minutes. Par la suite, la musique évolue en prolongeant cet état d'hypnose chez l'auditeur tout en nuançant son mouvement avec un fléchissement rythmique dans la ligne de basse. Les percussions, les boucles de mélodies et les continuelles nuances qui déstabilisent son parcours minimaliste font de "Out of the Silence" un superbe titre qui est plus riche et obsédant dans des écouteurs.
Bâti sur le même moule minimaliste évolutif, "Ici et Maintenant" est le titre le plus près de cette fusion Schulze/Schroeder avec un rythme ambiant saccadé rempli d'un ornement sonique très relevé. Composé pour son fils, "Valentins Traum" est un splendide mouvement hypnotique qui désarçonne au fil de sa découverte. Des nappes de brume, où rôdent des gémissements mécaniques, enveloppent le linceul sonique de son introduction. Orchestrales avec un beau dosage d'émotivité, ces nappes semblent fredonner un chant séraphique avec de lents mouvements ailés qui semblent toujours vouloir dépasser les limites des cieux. Une autre onde oscillante se greffe au mouvement. Son apparition semble soudaine, tant l'amplitude charismatique du premier mouvement est plus qu'envoûtant. Nos oreilles perçoivent derrière ces nappes cette rivière de perles dont la limpidité du chatoiement souffle la magie froide de Mirage, cet album de Klaus Schulze qui est une grande influence dans l'univers de Sequentia Legenda. Encore ici, le mouvement minimaliste prend toutes ses secondes afin de maximiser les immenses possibilités d'un décor sonore où déjà une ombre de grésillement nous amène à l'univers rêvé de Valentin. Laurent Schieber a développé pour son dernier album un goût très raffiné en égard de l'enveloppe sonore qui ne laisse passer aucune seconde de silence. Aucun trou sans sons! C'est ainsi que des nappes de synthés, dont certaines aussi éthérées que très sulfureuses, se livrent une bataille de tous les instants avec des chants et des effets qui enveloppent avec tendresse l'avancée de "Ici et Maintenant". Une avancée qui atteint son point culminant avec l'arrivée des percussions autour des 11 minutes, donnant ainsi une lourdeur émotive à une musique qui déborde de tous les côtés de nos écouteurs.
Intense et …doublement intense, “Renaissance” est une grande œuvre de Sequentia Legenda qui est disponible tant en CD qu'en format téléchargeable. Le synthésiste Français propose ici 3 longues rivières musicales avec un grandiose décor sonique qui dépasse les frontières des charmes conventionnels de la MÉ du style Berlin School. Les ambiances sont percutantes avec les effets sonores connus de son répertoire et d'autres effets de réverbérations très discrets qui ne cessent d'ajouter des dimensions émotives à des approches évolutives qui m'ont totalement déculottées tant les subtilités dans les modifications structurales arrivent par bonnes doses d'émotions. C'est du Sequentia Legenda de grand cru et sincèrement je me demande comment Laurent Schieber va s’y prendre pour surpasser les dimensions de “Renaissance”…

Sylvain Lupari 23/06/18

vendredi 22 juin 2018

ALLUSTE: Alien Worlds (2018)

“Again, another good EM album from Alluste with his sequencing patterns which have now the company of good synth harmonies and solos”
1 Red Clouds 6:31
2 Mystery Cluster 13:22
3 Distant Voices 7:42
4 Space Lagoon 6:40
5 The Dark Place 7:32
6 Endless Mystery III 6:29
7 Alien Rain 4:57
8 Wormhole 8:01

Alluste Music (DDL 61:18)
(Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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It's with a shroud of sadness that "Red Clouds" crosses the silence to reach our ears. The first arpeggios are dark and they dance in the void with a veil of melancholy. A slight scented mist of humming embellishes the scene of an astral vision. And when the synth espouses the funeral march of the arpeggios, the music becomes more playful. Drum jingles lingers without thinking of a form of rhythm, leaving Alluste's magic fingers drawn harmoniously beautiful solos and engineer a movement of the sequencer which lays down these floating rhythms. Circular rhythms where the keys come and go and bounce meekly in the footprint of the melody. The layers of voice become more abundant and create a wall of atmospheres that a more accentuated movement of the sequencer tames, while it remains less than 2 minutes to "Red Clouds". The first thing that strikes me in this last opus of Alluste is this atmosphere very close to the first works of EM that the Italian synthesist manages to inject to “Alien Worlds”. Since a few albums, Piero Monachello is doing well by daring more and more synth solos. And on this album, they became as melodious as his ritornellos of minimalist sequences which have embroidered the dimensions of his first albums. Hence these influences that I related with the music of Software. Now, Alluste has become a complete musician and this is reflected in his compositions, as in the beautiful "Endless Mystery III" and his nostalgic piano which melts its emotions on a splendid ballet of rotating sequences. Mist slicks of the 70's and seraphic voices have become the passports of a world still in motion, but definitely more musical. Even dreamlike.

"Mystery Cluster" is a long title which evolves in 3 phases. Alluste develops it with a delicate line of sequence which oscillates with a harmonious fluidity. The mysterious haze which has preceded this sluggish rhythm extends its hold with an even more opaque density coming from cavernous breezes as the arpeggios emerge to make tinkle a melody which flows faster than the rhythm but remains stationary. This first movement runs out of steam in an envelope of ambiances which has become more chthonic. Yet, a first ear worm is released. A mesh of bass pulsations, which go up and down, with sequences which hiccup while hopping in layers of mists and voices feed a second phase without a story which stops abrupt around the 10th minute. And it's after a brief appearance of a radiations' mass that "Mystery Cluster" will finish its long journey in elements of sequences and of ambiences very Franke and Tangerine Dream. "Distant Voices" navigates between the atmospheres of its heavy layers of fog and voices and its ambient rhythm built on small sequences with urgent palpitations. The electronic orchestrations are well drawn in this title which is closer to a lunar ballad with melodic sequences which shake the tranquility of those more rhythmic but which are still too frail to shake the atmosphere. There are a lot of emotions to the square thumb in this title which is still quite musical. Under these elephantine layers, "Space Lagoon" frees a skeletal structure of a fluid rhythm which is mounted on a bed of sequences with very tight woven oscillations. Sails of seraphic voices embrace this fragile approach which is swallowed up after 2 minutes by a gargantuan bass veil, giving the necessary impetus so that the title reaches the bases of a good catchy ballad. The atmospheres of "The Dark Place" are imaged in a black hole where a horde of electronic sparrow roams. The chirps are also as enchanting as imaginable in a setting that does not reflect the ambiances of the title. But whatever! Alluste succeeds in bringing back TD elements of the Jive years again on this shimmering bed of sequences which sparkles like a river and its stationary waters. Too little too late, another rhythm structure is born a few seconds before the final. After the very good "Endless Mystery III", "Alien Rain" accosts our earlobes with a rhythmic structure which goes from neutral to light speed in a movement that fans of the Italian synthesist will recognize as his sonic signature. Movement whose slowness, and especially its decor of ambiences, will seduce more than one with the imposing "Wormhole". Slowly oscillating between beautiful layers of lunar orchestrations, the rhythm gradually reaches its cruising speed without too much to do or put too much, bringing just some very good EM to our ears.
Sylvain Lupari (June 21st, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Alluste Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est avec une enveloppe de tristesse que "Red Clouds" traverse le silence pour atteindre nos oreilles. Les premiers arpèges sont sombres et ils dansent dans le néant avec un voile de mélancolie. Une légère brume parfumée de fredonnements embaume le décor avec une vision astrale. Et lorsque le synthé épouse la funèbre marche des arpèges, la musique devient plus enjouée. Des cliquetis de percussions traînent sans penser à une forme de rythme, laissant les doigts magiques d'Alluste dessinés de beaux solos harmonieux et machiner un mouvement du séquenceur qui étend ces rythmes flottants. Des rythmes circulaires où les ions vont et viennent et sautillent docilement dans l'empreinte de la mélodie. Les nappes de voix deviennent plus abondantes et créent une muraille d'ambiances qu'un mouvement plus accentué du séquenceur dompte alors qu'il reste moins de 2 minutes à "Red Clouds". La 1ière chose qui me frappe dans ce dernier opus d'Alluste est cette ambiance très près des premières œuvres de MÉ que le synthésiste Italien réussit à injecter à “Alien Worlds”. Depuis quelques albums, Piero Monachello tire son épingle du jeu en osant de plus en plus de solos de synthé. Et sur cet album, ils sont devenus aussi mélodieux que ses ritournelles de séquences minimalistes qui brodaient les dimensions de ses premiers albums. D'où ces influences que je liais avec la MÉ de Software. Maintenant, Alluste est devenu un musicien complet et cela se transpose dans ses compositions, comme dans le très beau "Endless Mystery III" et son piano nostalgique qui fond ses émotions sur un splendide ballet de séquences rotatives. Les nappes de brumes des années 70 et celles de voix séraphiques sont devenues les passeports d'un univers toujours en mouvement, mais nettement plus musical. Voire onirique. 
"Mystery Cluster" est un long titre qui évolue en 3 phases. Alluste le développe avec une délicate ligne de séquence qui oscille avec une fluidité harmonieuse. La brume mystérieuse qui précédait ce rythme fluet étend son emprise avec une densité encore plus opaque provenant de brises caverneuses alors que des arpèges émergent pour faire tinter une mélodie qui coule plus vite que le rythme mais tout en restant stationnaire. Ce premier mouvement s'essouffle dans une enveloppe d'ambiances devenue plus chthoniennes. Pourtant, un premier ver d'oreille est libéré. Un maillage de basses pulsations, qui montent et descendent, à des séquences qui hoquètent tout en sautillant dans des nappes de brumes et de voix alimentent une 2ième phase sans histoire qui s'arrête sec autour de la 10ième minute. Et c'est après une brève apparition d'une masse de radiations que "Mystery Cluster" terminera sa longue route dans des éléments de séquences et d'ambiances très Franke et Tangerine Dream. "Distant Voices" navigue entre les ambiances de ses lourdes nappes de brouillard et de voix et son rythme ambiant construit sur de petites séquences aux palpitations urgentes. Les orchestrations électroniques sont bien dessinées dans ce titre qui est plus près d'une ballade lunaire avec des séquences mélodieuses qui secouent la quiétude de celles plus rythmiques mais qui sont toujours trop frêles pour secouer les ambiances. Il y a beaucoup d'émotions au pouce carré dans ce titre qui est tout de même assez musical. Sous ces nappes éléphantesques, "Space Lagoon" libère une structure quasiment un squelettique d'un rythme fluide qui est montée sur un lit de séquences aux oscillations tissées très serrées. Des voiles de voix séraphiques embrassent cette fragile approche qui se fait engloutir après les 2 minutes par une nappe de basse gargantuesque, donnant l'élan nécessaire afin que le titre atteigne les bases d'une bonne ballade entraînante. Les ambiances de "The Dark Place" sont imagées dans un trou noir où rôde une horde de moineaux électroniques. Les pépiements sont d'ailleurs aussi enchanteurs qu'inimaginables dans un décor qui ne reflète d'ailleurs pas les ambiances du titre.  Mais peu importe! Alluste réussit à faire encore ressurgir des éléments TD des années Jive sur ce lit miroitant des séquences qui scintillent comme une rivière et ses eaux stationnaires. Trop peu trop tard, une structure de rythme naît quelques secondes avant la finale. Après le très bon "Endless Mystery III", "Alien Rain" accoste nos lobes d'oreilles avec une structure de rythme qui passe du neutre à vitesse légère dans un mouvement que les fans du synthésiste Italien reconnaîtront comme sa signature sonique. Mouvement dont la lenteur, et surtout son décor d'ambiances, en séduira plus d'un avec l'imposant "Wormhole". Oscillant lentement entre de belles nappes d'orchestrations lunaires, le rythme atteint graduellement sa vitesse de croisière sans trop en faire ni trop en mettre, amenant juste de la bonne MÉ à nos oreilles.
Sylvain Lupari 21/06/18

mercredi 20 juin 2018

MOONSATELLITE: Strange Music (2018)

“Evolving beats and moods with a unique pattern of melodious sequencing, Strange Music is another strike of magic from MoonSatellite”
1 Strange Music #1 13:42
2 Strange Music #2 7:32
3 Strange Music #3 9:36
4 Strange Music #4 13:17
5 Strange Music #5 5:48
6 Strange Music #6 8:50
7 Strange Music #7 7:04

MoonSatellite Music (DDL 65:52)
(Vintage French School's Cosmic Rock)
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  **Chronique en français plus bas**
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Strange Music” is another strike of magic from MoonSatellite. Album after album, the musician from Nancy in France raises the bar of his art by revivifying this magic which continues to grow since he thrown us his Sequenzer - Volume 1 between the ears in 2009. For Wolf Lone, this album is also the culmination of Dark Summer. And according to its melancholy precepts, “Strange Music” initiates another lyrical and dreamlike journey where melancholic tears and sighs from synths get mingle to melodic sequences where blow synth pads which make us drift into a cosmos whose energy stars warm the tones rather analog of the synths. Another nice album where our senses are invaded by the magic of MoonSatellite, and it doesn't take too much time!
After the usual electronic noises, a symphony of layers with an analog sweetness gets in our ears. The movement is drifting and is embellished of monastic voices. More than 3 minutes later, the sequencer goes into harmonic mode. And one of the riches, because there are several, of Wolf Lone's repertoire is his ability to sculpt harmonic rhythms which always remain in a hovering state, even if the sequences are kicking for a pulsating rhythm which buzzes of several other sequences. There are two lines of rhythms on "Strange Music # 1". An oscillating one with a melody weaver of earworm clinging to its loops, and another pulsatory line which is trying to assert its dominance. And through it, twinkle and skip a swarm of sequences with interstellar tones. Attached to our ears, this harmonic rhythmic structure unfolds its ample oscillating loops which float between anesthetic layers and seraphic thin lines of voices. The nuances in the comfort of the layers and the rhythmic oscillations are sweet for our ears which hear the music spun between our senses as fast as its seconds. "Strange Music # 2" clings to the last ambiospheric breaths of "Strange Music # 1" with a more pronounced sequencer movement which extends an ambient and slowly strobing structure in a splendid cosmic setting. Even if the rhythm is much more alive and accentuates its presence over the seconds, the music remains always at the doors of the melancholy. "Strange Music # 3" is the rhythmic heart, the pinnacle of the beat of “Strange Music”. The rhythm is lively with sequenced keys jumping in this swarm of sequences which follows the rhythmic romances of MoonSatellite's latest album. Stationary, the rhythm jumps from one chord to another while organic sequences crumble their distortions and other sequences bubble up to thicken the rhythmic sauce. Tears of synths moan with a melancholy vision while cosmic arrangements impose a sound decor which let entering no air bubble.
Divided into 2 parts, "Strange Music # 4" offers an opening woven of ambiences' elements where float a mass of cosmic mist. A recital for wandering souls stands out and the stars twinkle to make even more touching this lunar melody which hums in the core of this magma of ambiences. A movement of the sequencer gets out to untie a binary rhythm. One in harmony and the other all in rhythm! This structure is decorated of percussive effects and interstellar chirps which follow its captivating oscillating bend. Much like the 2nd title, "Strange Music # 5" is another good cosmic rock which revolves around the oscillating loops of a structure always revitalized by native sequences which come and go across the spaces of “Strange Music”. After a theatrical introduction fed by cosmic and electronic orchestrations, "Strange Music # 6" explodes with a lively rhythm guided by lines of contiguous sequences. If a line is harmonic, the layers which enfold it are just as much with contrasting effects. The nuances here fill the spaces and especially feed these oscillating loops which go up and down since the first rhythmic steps of the album, thus giving this richness in its decoration as well as all the latitude necessary for MoonSatellite to deepen its rhythms more ambient than driver of frenzy on a dance floor. "Strange Music # 7" offers a finale to the greatness of this album. A lively rhythm which is both melodious and stationary rich in contrasts, both in tones and their impulses tenderly submerged of restraint. The synth pads are equal to these ambivalent structures. Most are enveloping and carved to float in cosmos, while others stand out to form small lines of harmonies which fit well enough philosophy and vision that both romantic and poetic of
Wolf Lone who remains one of the most beautiful EM artists made in France.

Strange Music” is quite an album of this 70's music which flows in my headphones as well as in my speakers. The sound is rich and very enveloping. The sharpness of the sequences is dazzling for the ears. And remember that if you missed those musical-cosmic frescoes from Jean-Michel Jarre and the musical poems of artists such as AGE, Thierry Fervant, Frédéric Mercier and I forget so many, MoonSatellite is the antidote to your needs with a more contemporary vision. Powerful and intimidating!
Sylvain Lupari (June 20th, 2018) ****½*
synth&sequences.com
Available on MoonSatellite's and by PWM DISTRIB

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Strange Music” est un autre coup de magie de MoonSatellite. Album après album, le musicien de Nancy en France hausse la barre de son art en revivifiant cette magie qui ne cesse de croître depuis qu'il nous a balancé son Sequenzer - Volume 1 entre les oreilles en 2009. Pour Wolf Lone,  cet album est aussi l'aboutissement de Dark Summer. Et suivant ses préceptes mélancoliques, “Strange Music” initie un autre voyage lyrique et onirique où s'entremêlent des larmes et soupirs de synthé mélancoliques à des séquences mélodiques où soufflent des nappes de synthés qui nous font dériver dans un cosmos dont l'énergie des étoiles réchauffent les tonalités assez analogues des synthés. Un autre très bel album où nos sens se laissent envahir par la magie de MoonSatellite, et ça ne prend pas de temps!Après les bruits électroniques d'usage, une symphonie de nappes avec une douceur analogue infiltre nos oreilles. Le mouvement est planant et s'embellit de voix monastiques. Plus de 3 minutes plus tard, le séquenceur se met en mode harmonique. Et une des richesses, parce qu'il y en a plusieurs, du répertoire de Wolf Lone est sa capacité à sculpter des rythmes harmoniques qui restent toujours dans un état planant, même si les séquences estampillent un rythme pulsatoire qui bourdonne de plusieurs autres séquences. On dénombre deux lignes de rythmes sur "Strange Music #1". Une qui oscille avec une mélodie tisseuse de ver-d'oreille plaquée dans ses boucles, et une autre pulsatrice qui tente d'assoir sa dominance. Et au travers cela, scintillent et sautillent un essaim de séquences aux tonalités intersidérales. Fixée à nos oreilles, cette structure rythmique harmonique déploie ses amples boucles oscillatrices qui flottent entre des nappes anesthésiantes et des filets de voix séraphiques. Les nuances dans le confort des nappes et les oscillations rythmiques sont du bonbon pour nos oreilles qui entend la musique filée entre nos sens aussi vite que ses secondes. "Strange Music #2" s’accroche aux derniers souffles ambiosphériques de "Strange Music #1" avec un mouvement plus accentué du séquenceur qui étend une structure ambiante et lentement stroboscopique dans un splendide décor cosmique. Même si le rythme est nettement plus vivant et accentue sa présence au fil des secondes, la musique demeure toujours aux portes de la mélancolie. "Strange Music #3" est le cœur rythmique, le pinacle du beat de “Strange Music”. Le rythme est vif avec des ions séquencés qui sautillent dans cet essaim de séquences qui suit les romances rythmiques du dernier album de MoonSatellite. Stationnaire, le rythme sautille d'un accord à l'autre alors que des séquences organiques émiettent leurs distorsions et d'autres séquences bouillonnent afin d'épaissir la sauce rythmique. Des larmes de synthés gémissent avec une vision mélancolique tandis que les arrangements cosmiques imposent un décor sonore qui ne laisse filtrer aucune bulle d'air.
Divisé en 2 parties, "Strange Music #4" propose une ouverture tissée d'éléments d’ambiances où flottent une masse de brume cosmique. Un récital pour âmes vagabondes se détache et les étoiles scintillent afin de rendre encore plus touchante cette mélodie lunaire qui fredonne dans le cœur de ce magma d'ambiances. Un mouvement du séquenceur s'extirpe afin de délier un rythme binaire. Un tout en harmonie et l'autre tout en rythme! Cette structure est décorée d'effets percussifs et de pépiements interstellaires qui suivent son envoutante courbe oscillatrice. Un peu comme le 2ième titre, "Strange Music #5" est un autre bon rock cosmique qui tourne autour des boucles oscillatrices d'une structure toujours vivifiée par des séquences indigènes qui vont et viennent à la grandeur des espaces de “Strange Music”. Après une introduction théâtrale nourrie d'orchestrations cosmiques et électroniques, "Strange Music #6" explose d'un rythme vif guidé par des lignes de séquences contiguës. Si une ligne est harmonique, les nappes qui l'enserrent le sont tout autant avec des effets contrastants. Les nuances ici emplissent les espaces et nourrissent surtout ces boucles oscillatrices qui montent et descendent depuis les premiers pas rythmiques de l'album, donnant ainsi cette richesse dans son décor ainsi que toute la latitude nécessaire à MoonSatellite pour approfondir ses rythmes plus ambiants que conducteur de frénésie sur un plancher de danse. "Strange Music #7" offre une finale à la grandeur de cet album. Rythme vif à la fois mélodieux et stationnaire riche en contrastes, tant dans les tons que leurs élans tendrement submergés de retenue. Les nappes de synthé sont à l'égales de ces structures ambivalentes. La plupart sont enveloppantes et sculptées pour planer dans le cosmos, alors que d'autres se détachent afin de former des petites lignes d'harmonies qui épousent assez bien la philosophie et cette vision autant romanesque que poétique de
Wolf Lone qui reste un des plus beaux artistes de la MÉ faite en France.
Strange Music” est tout un album de cette musique planante des années 70 qui coule aussi bien dans mes écouteurs que dans mes haut-parleurs. Le son est riche et très enveloppant. La netteté des séquences est éblouissante pour les oreilles. Et rappelez-vous que si vous vous ennuyez des fresques musico-cosmiques de Jean-Michel Jarre et des poésies musicales d'artistes tel que AGE, Thierry Fervant, Frédéric Mercier et j'en oublie, avec une vision plus contemporaine, MoonSatellite est l'antidote à vos besoins. Puissant et intimidant!

Sylvain Lupari 20/06/18

lundi 18 juin 2018

MATTHEW STRINGER: Changing Landscapes (2018)

 “This is a splendid album where the many Berlin School tracks go along with the very harmonic touch of Matthew. An album where we have the best of Perge's both worlds”
CD1 (63:56)
1 A Man with a Van 2:04
2 Sundrip 7:09

3 Ten Thousand Days 5:55
4 I Feel Laserium 14:38
5 Crystal 3:45
6 Zed Won 6:05
7 Little Novas 3:31
8 Retrospect 7:50
9 Albedo: Zero Point One Five 4:34
10 Mars 8:26
CD2 (54:10)
1 Mesentoa 8:22
2 Hypatia 11:09
3 Out of the Woodwork 14:16
4 Haumea 10:22

Perge Music (CD/DDL 118:06)
(Berlin School & Harmonic E-Rock)
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  **Chronique en français plus bas**
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Is it the end of Perge? There are rumors ... But with this latest solo album from Matthew Stringer, where the signature of Graham Getty is present in a few places, one can say that the succession of the mythical duo is in good hands in this period where Perge is just on a break . And it's while wanting to make a compilation of the band that the English musician notes that there is still good original material of Perge, in addition to find a good amount of his own compositions that he wrote through the sessions of the duet. Gradually, “Changing Landscapes” took shape. First considered as a simple album, Matthew Stringer sees the possibility of adding his music for a second album on which also appear some titles of a totally new Perge which seems to get away from the claws of Tangerine Dream. The result is an extremely attractive and complete album with short titles and longer ones in a form of these Berlin School monuments as well as atmospheric titles. And always the harmonic signature, sometimes melancholy and sometimes joyous, of Matthew Stringer who revealed his capacities in the very good The Second Sun, one of the best albums published in 2015. The perfect recipe to give a big album of EM.
"A Man with a Van" comes into our ears without subtleties. It's direct and musical with synth pads which push songs in a cathedral atmosphere. The arrangements seem to be a kind of nod to the opening of the album Turn of the Tides, in a less classic version by cons. "Sundrip" changes the game with a light rhythm and a beautiful melody structure that cannot deny the influences of the Dream on the music of Matthew Stringer, period Logos. If the sequencer is as lively as musical with its removable fluidity, the synth is not bad either with beautiful solos enchanting. It's a very Johannes Schmoelling title. What would you do with "Ten Thousand Days" to live? It's a little the questioning, and the echo of his thoughts, of a synthesized voice. The following rhythm is semi slow with a beautiful Mellotron in mode singing under starry prisms. The intensity is progressing with finesse. The Mellotron becomes synth, the sequences more accentuated and some play in symbiosis with the harmonic projection in a very Peter Baumann structure, Romance 76 period. "I Feel Laserium" is a title written by Graham Getty and performed by Perge. And this is probably the most original title of the band, in that we hardly feel the influences of the Dream. This is a good Berlin School with a rhythmic structure supported by a tandem sequences and percussion and which takes unexpected turns under a rain of synth riffs. The synths are in melody mode with beautiful solos and just what is needed as a bed of sound effects. A very good title! "Crystal" is very representative of its title with a symphony for chimes forged in ice. The flow is fluid with a beautiful harmonious approach that is lost in a very eventful finale. "Zed Won" is an ambient ballad modeled in the sessions of Turn of the Tides or Tyranny of Beauty. The orchestrations are dense and the melody as inspired than very inspiring. "Little Novas" is a short title animated by a lively movement of the sequencer that Matthew Stringer decorates with effects and arpeggios as crystalline as the solos. "Retrospect" is this beautiful melodious electronic ballad which was the bonus title of the album The Second Sun, while "Albedo: Zero Point One Five" is the vision of Matthew of this composition from Vangelis. "Mars" ends this first CD of “Changing Landscapes” a little on the same tone as "A Man with a Van" but in less ceremonial. It's a title of very musical atmospheres with big strata of screaming synth which get pile up in a dark sonic sky. A sky which get clears by the insistence of a beautiful melody plays on piano and which hatches with panache in beautiful orchestrations. The influences of Schmoelling are also very present in this title.
The CD2 contains 4 long titles that are all related to the Berlin School style. After an opening filled with layers of synths which intertwine their visions of moods and defeat their songs filled of angelic trumpets, "Mesentoa" explodes with an infernal rhythm. An ostinato rhythm that is as lively as it is fluid and well supported by equally nervous percussions. Here, the programming of the sequencer, ditto for "Out of the Woodwork", is the business of Graham Getty. The moods are actually very TD for synths and the harmonic solos. The structure is quite personal to the new sound of Perge, as in "I Feel Laserium". Adorned of splendid solos, the stubborn rhythm gradually fades, attracting "Mesentoa" in a final as much very ethereal as TD with nice solos which sing on sequences still hot and ready to explode. "Hypatia" is more ambient and is born of the mysteries and the nebulous tones of EM. Synthetic graffiti adorn an acrylic mist where fragments of very evasive melodies and a bass pulsation without ambition are heard. A keyboard weaves hopping notes in order to build a more melodic opening when a sequencer emerges from this sonic fog to sculpt the sharp leaps of a motionless rhythm. The added percussions bring more strength to "Hypatia", joining the harmonious portion of the title. But it's too little too late, since the rhythm becomes cocoon again and the harmonies are melting in a decor now richer of its emotive ambiences and of its solos which are more emotive than musical. "Out of the Woodwork" is my favorite title of the 2nd CD, and possibly of “Changing Landscapes”. Here, Perge, as on "I Feel Laserium" and "Mesentoa", surpasses itself with an envelope, a musical imprint, of its own. This makes some catchy rhythms for the neurons and the cravings of a Berlin School fan. And the sequencer here is in mode; run after me so that I'll make you damn. Two lines of rhythmic sequences, and a more harmonic one, as well as electronic percussions leave a living imprint which perfectly supports the weight of lost narrations in its structure. The nature of the tones varies with some organic spikes and some more limpid balls which add up nervously on a rhythmic conveyor. The solos are simply splendid and fly like spectrums of melodies which charm in these 15 minutes simply majestic. Composed by Matthew Stringer, the structure of "Haumea" shows that the latter is as comfortable behind a sequencer as his piano or his synths. Emerging gently from its atmospheres, the title clings to a good electronic rock and its tempo which makes us easily stamp foot and where nestles a beautiful melody in a very TD style of the Virgin years. The sharp oscillations of a sequencer push "Haumea" to a more furious rhythm, thus setting the table to Graham Charman for heavy and incisive guitar solos which make very Frank Dorittke, otherwise Zlatko Perica. The violence of "Haumea" melts in a foggy finale and a morphic atmosphere, as if the music was going to enjoy again its change of sonic landscapes.

This excellent album of Matthew Stringer comes with a 3rd CD if we buy the album in download format. There is nearly 40 more minutes on this CD which hides 5 tracks ranging from 3 to 13 minutes. The music is good with more moments of ambience. "Bip" is a good and very catchy electronic rock with a good synthesized guitar solo. "The Fluidity of Memory" is a title of rather meditative moods with a nice touch of emotion which reaches its limit with the arrival of a nice dreamy acoustic guitar. "Emodius" is a long title of ambiences dotted with samplings of nature and which ends with a piano in nostalgia mode. The intensity of the atmospherical fog buries the presence of the piano. "Tock" is a good ballad which is very New Age. And "Makemake" vibrates too much in my speakers with its structure as heavy and intense as in "Emodius". Unless you absolutely want to dance on "Bip", this 3rd CD is not essential. This is bonus material which doesn't alter the richness and the depth of this splendid album from Matthew Stringer. In the end, “Changing Landscapes” is an impressive tour-de-force of an incredible depth and which makes me say from the tip of my lips; Perge is dead, long live Matthew Stringer! But I don't want to. We can easily live with the 2 and I miss Perge. Especially if its orientations are redefined by the titles present in “Changing Landscapes” where we have the best of both worlds from Perge.
Sylvain Lupari (June 18th, 2018) ****½*
synth&sequences.com
Available on CD and DDL on Perge Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Est-ce la fin de Perge? Il y a des rumeurs…Mais avec ce dernier album solo de Matthew Stringer, où la signature de Graham Getty est présente à quelques endroits, on peut dire que la succession du mythique duo est entre bonne main dans cette période où Perge est justement en pause. Et c'est voulant faire une compilation du groupe que le musicien Anglais constate qu'il existe encore du bon matériel original de Perge, en plus de trouver bonne quantité de ses propres compositions qu'il a composé au travers les sessions du duo. Peu à peu, “Changing Landscapes” prenait forme. D'abord considéré comme un album simple, Matthew Stringer voit la possibilité d'ajouter de sa musique pour un 2ième album sur lequel paraîtrait aussi quelques titres d'un Perge totalement nouveau qui se détache des griffes de Tangerine Dream. Il en résulte en un album extrêmement séduisant et complet avec de courts titres et d'autres plus longs dans une forme de ces monuments du Berlin School ainsi que des titres d'ambiances. Et toujours la signature harmonique, tantôt mélancolique et parfois joyeuse, de Matthew Stringer qui a révélé ses capacités dans le très beau The Second Sun, paru en 2015. La recette parfaite pour donner un grand album de MÉ.
"A Man with a Van" rentre dans nos oreilles sans subtilités. C'est direct et musical avec des nappes de synthé qui poussent des chants dans une ambiance de cathédrale. Les arrangements semblent être un genre de clin d'œil à l'ouverture de l’album Turn of the Tides, dans une version moins classique par contre. "Sundrip" change la donne avec un rythme léger et une belle structure de mélodie qui ne peut renier les influences du Dream sur la musique de Matthew Stringer, période Logos. Si le séquenceur est aussi entraînant que musical avec sa fluidité amovible, le synthé n'est pas en reste avec de beaux solos enchanteurs. C'est un titre qui fait très Johannes Schmoelling. Que feriez-vous avec "Ten Thousand Days" à vivre? C'est un peu le questionnement, et l'écho de ses songes, d'une voix synthétisée. Le rythme qui suit est semi lent avec un beau Mellotron chantant sous des prismes étoilés. L'intensité progresse avec finesse. Le Mellotron devient synthé, les séquences plus accentuées et certaines jouent en symbiose avec la projection harmonique dans une structure très Peter Baumann, période Romance 76. "I Feel Laserium" est un titre écrit par Graham Getty et performé par Perge. Et c'est sans doute le titre le plus original du groupe, en ce sens que l'on sent à peine les influences du Dream. C'est un bon Berlin School avec une structure rythmique soutenue par un tandem séquences et percussions et qui prend des petits virages inattendus sous une pluie de riffs de synthés. Les synthés sont en mode mélodie avec de beaux solos et juste ce qu'il faut comme lit d'effets sonores. Un très bon titre! "Crystal" est très représentatif de son titre avec une symphonie pour carillons forgés dans la glace. Le débit est fluide avec une belle approche harmonieuse qui se perd dans une finale très mouvementée. "Zed Won" est une ballade ambiante modelée dans les sessions de Turn of the Tides ou encore Tyranny of Beauty. Les orchestrations sont denses et la mélodie aussi inspirée que très inspirante. "Little Novas" est un court titre animé par un mouvement vif du séquenceur que Matthew Stringer décore avec des effets et des arpèges aussi cristallins que les solos. "Retrospect" est cette superbe ballade mélodieuse électronique qui était le titre en prime de The Second Sun, alors que "Albedo: Zero Point One Five" est la vision de Matthew de cette composition de Vangelis. "Mars" termine ce premier CD de “Changing Landscapes” un peu sur le même ton que "A Man with a Van" mais en moins cérémonial. C'est un titre d'ambiances très musicales avec de grosses strates de synthé criantes qui s'amoncellent dans un ciel sonique sombre. Un ciel qui s'éclaircit par l'insistance d'une belle mélodie pianotée qui éclot avec panache dans de belles orchestrations. Les influences de Schmoelling sont aussi très présentes dans ce titre.
Le CD2 contient 4 longs titres qui sont tous liés au style Berlin School. Après une ouverture remplie de strates de synthés qui entrelacent leurs visions d'ambiances et défusionnent leurs chants bourrés de trompettes angéliques, "Mesentoa" explose avec un rythme infernal. Un rythme ostinato aussi vif que fluide et bien appuyé par des percussions tout autant nerveuses. Ici, la programmation du séquenceur, idem pour "Out of the Woodwork", est l'affaire de Graham Getty. Les ambiances sont effectivement très TD pour les synthés et les solos harmonique. La structure par contre est tout à fait personnelle, comme dans "I Feel Laserium". Orné de splendides solos, le rythme entêté s'essouffle peu à peu, attirant "Mesentoa" dans une finale aussi très TD qu'éthérée avec des beaux solos qui chantent sur des séquences encore toutes chaudes et toutes prêtes à exploser. "Hypatia" est plus ambient et naît des mystères et nébulosités sonores de la MÉ. Des graffitis de synthé ornent une brume d'acrylique où rôdent des fragments de mélodies très évasives et une basse pulsation sans ambition. Un clavier tisse des notes qui s'attachent en sautillant afin de construire une ouverture plus mélodique lorsqu'un séquenceur émerge de ce brouillard sonique afin de sculpter les vifs bondissements d'un rythme stationnaire. Les percussions qui s'ajoutent apportent plus de vigueur à "Hypatia", rejoignant ainsi la portion harmonieuse du titre. Mais c'est trop peu trop tard, puisque le rythme redevient cocon et les harmonies se fondent dans un décor maintenant plus riche de ses ambiances émotives et de ses solos plus émotifs que musicaux. "Out of the Woodwork" est mon titre préféré du 2ième CD, et possiblement de “Changing Landscapes”. Ici, Perge, comme sur "I Feel Laserium" et "Mesentoa", se surpasse avec une enveloppe, une empreinte musicale qui lui est propre. Cela fait des rythmes vifs et entraînants pour les neurones et les envies d'un fan de Berlin School. Et le séquenceur ici est en mode court après moi que je te fasse damner. Deux lignes de séquences rythmiques, et une plus harmonique, ainsi que des percussions électroniques laissent une empreinte vivante qui supporte à merveille le poids de narrations égarées dans sa structure. La nature des tonalités varie avec quelques pointes organiques et des billes plus limpides qui s'ajoutent nerveusement sur un convoyeur rythmique. Les solos sont tout simplement splendides et volent comme des spectres de mélodies qui charment dans ces 15 minutes tout simplement majestueuses. Composé par Matthew Stringer, la structure de "Haumea" démontre que ce dernier est aussi à l'aise derrière un séquenceur que son piano ou ses synthés. Émergeant doucement de ses ambiances, le titre s'accroche à un bon rock électronique et son tempo qui nous fait taper aisément du pied et où niche une belle mélodie dans un style très TD des années Virgin. Les vives oscillations d'un séquenceur poussent "Haumea" vers un rythme plus furieux, mettant ainsi la table à Graham Charman pour de lourds et incisifs solos de guitare qui font très Frank Dorittke, sinon Zlatko Perica. La violence de "Haumea" fond dans une finale imprégnée de brume et d'une ambiance morphique, un peu comme si la musique se couchait pour bien profiter à nouveau de son changement de paysages soniques.
Cet excellent album de Matthew Stringer vient avec un 3ième CD si on achète l'album en format téléchargement. Il y a près de 40 minutes supplémentaires sur ce CD qui cache 5 titres allant de 3 à 13 minutes. La musique est bonne avec plus de moments d'ambiances. "Bip" est un bon rock électronique très accrocheur avec un bon solo de guitare synthétisé. "The Fluidity of Memory" est un titre d'ambiances assez méditatives avec une belle pointe d'émotivité qui atteint sa limite avec l'apparition d'une belle guitare acoustique assez rêveuse. "Emodius" est un long titre d'ambiances parsemé d'échantillonnages de la nature et qui se termine par un piano en mode nostalgie. L'intensité du brouillard d'ambiances enterre par contre la présence du piano. "Tock" est une splendide ballade qui fait très New Age. Et "Makemake" vibre trop dans mes haut-parleurs avec sa structure ambiance aussi lourde et intense que dans "Emodius". À moins de vouloir absolument danser sur "Bip", ce 3ième CD n'est pas un indispensable. C'est du matériel en boni qui n'altère en rien la richesse et la profondeur de ce splendide album de Matthew Stringer. Au final, “Changing Landscapes” un impressionnant tour-de-force d'une profondeur inouïe et qui me fait dire du bout des lèvres, Perge est mort, vive Matthew Stringer! Mais je ne veux pas. On peut aisément vivre avec les 2 et je m'ennuie de Perge. Surtout si ses orientations sont redéfinies par les titres présents dans “Changing Landscapes” où nous avons le meilleur des deux univers de Perge.
Sylvain Lupari 18/06/18

dimanche 17 juin 2018

DASK & THANECO: Elemental (2018)

“Elemental has all it needs to satisfy the appetite of fans of sequencer-based EM, in particular of Tangerine Dream, era Virgin”
1 Earth 9:56
2 Water 13:28
3 Metal 11:42
4 Wood 8:11
5 Fire 8:44
6 Air 11:19
7 Void 7:08

SynGate Wave | DASKT01 (CD-r/DDL 70:29)
(Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**

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Riffs of orchestrations and muffled rumblings get "Earth" out of the silence. Ishhh, winds of dust and orchestrations, of which echoes form incomplete staccato impulses, adorn this introduction, for at least nebulous. Layers of voices get graft to these elements, filling an opening which grows with a dramatic approach while the first steps of the sequencer stutter a little before the point of 3 minutes. This first movement will seduce those who have lost in their memories this zigzagging approach of Edgar Froese in Drunken Mozart in the Desert. Influences which are also found on Electron Utopia, the first album of DASK. This movement of sequenced orchestrations describes large arcs on a weak bed of pulsations which slowly organize a riposte a little before the 5th minute whereas the second rhythmic skin of "Earth" hatches with a movement of bass sequences. These two movements synchronize their zigzagging ballads in a symphony for sequencers with keys which jump and frolic in conventional tones and others caramelized in a mixture of distortion and sizzle. David Marsh is part of this new generation of EM musicians who have made their mark with a series of compelling albums. At ease like a fish in the water behind an energetic sequencer, he succeeds in getting out of the bundle with a constant progression in his prototypes of rhythms which are played with additional lines of underlying rhythms. And this creative and sometimes daring approach is always very much glued to a harmonic vision. Co-written with EM Grec's musician, Thanasis (Thanos) Oikonomopoulos, “Elemental” is a seventh official album for DASK, including a fourth on the German label SynGate. Carved around the theme of sets of elements which explain the observations of life and nature, “Elemental” offers pure Berlin School structures which quietly emerge from limbo, and of its ambiances, to bite our eardrums with movements in progression which are also scented by the influences of Tangerine Dream, Chris Franke era.
"Water" proposes a more austere approach. A bank of layers of Gothic voices and of astral mists floats until reaching a dense veil of industrial organ where chthonic hummings are roaming there. A delicate melody mounted on arpeggios pinched like harp strings follows a minimalist circular ritornello played on piano. Perfumes of flutes are wandering here and there, while "Water" evolves with changes in its structure until it adopts the pulse of a sequencer which upsets the established order by structuring a new arrhythmic approach. A conveyor rolls balls which sparkle from everywhere, while the initial approach tries to keep its phlegm. This segment, and the sound effects that surround it, link the world of Chris Franke to that of Johannes Schmoelling in Wuivend Riet. The part 2 is strong and full of memories! The first 6 minutes of "Metal" reflect an almost post-apocalyptic phase with knockings which roll in their echoes through a haze nourished by voice effects. Phase by phase, these knocks join their distances to form a tasty, and quite unexpected, down-tempo under long sighs of a synth mode Vangelis' Blade Runner. The second part offers a more electronic approach with a felted and resonant movement of the sequencer to which is grafted good electronic percussions. "Metal" becomes a good electronic pop-rock driving under a virgin melody, like ELP's, hummed by a synth in mode charm. After the slightly abyssal atmospheres of "Wood", where chords and arpeggios are a little isolated, "Fire" spits a slow rhythm, at least its first half. Under pulses of powerful synth pads, the sequencer organizes a rhythm wrought on keys irradiated by distortion effects. The whole thing is very pleasant to the ear, even if the effect of déjà-heard in the structures is omnipresent, when this ambient rhythm, nicely decorated with sound and percussive effects, reaches its climax and sinks with a more fluid rhythm around the 5th minute. This second phase of "Fire" flows with a good pace in this same setting. A short interlude is also proposed to restructure another short phase of rhythm. If "Void" espouses the depths of its title, "Air" also plunges us into a pool of very ethereal atmospheres before giving itself to a delicate rhythm. The atmospheres in this title reach the dimension of its meaning with layers of sound effects radiating and convincing in their natures and minds.
Available in HQ CD-R format and downloadable from SynGate's Bandcamp website, “Elemental” has all it needs to satisfy the appetite of fans of sequencer-based EM, in particular of Tangerine Dream, era Virgin. This association with Thaneco adds a more classical depth to the ambivalent and progressive structures of DASK, even if these structures melt between our ears with an obvious sense of déjà-heard, the touch of the Greek musician adds subtleties that bring everything back into the moods that have inspired the sense and the spirit of “Elemental”.
Sylvain Lupari (16/06/18) ***¾**
synth&sequences.com

Available via SynGate Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des riffs d'orchestrations et des grondements sourds sortent "Earth" du silence. Des ishhh, des vents de poussières et des orchestrations, dont les échos forment des élans de staccato incomplets, ornent cette introduction pour le moins nébuleuse. Des nappes de voix se greffent à ces éléments, remplissant une ouverture qui croît avec une approche dramatique alors que les premiers balbutiements du séquenceur bégaient un peu avant la barre des 3 minutes. Ce premier mouvement séduira ceux qui ont perdu dans leurs souvenirs cette approche zigzagante d'Edgar Froese dans Drunken Mozart in the Desert. Influences que l'on retrouve aussi sur Electron Utopia, le premier album de DASK. Ce mouvement d'orchestrations séquencées décrit de grands arcs sur un faible lit de pulsations qui lentement organisent une riposte un peu avant la 5ième minute alors que la seconde peau rythmique de "Earth" éclot avec un mouvement de basses séquences. Ces deux mouvements synchronisent leurs ballades zigzagantes dans une symphonie pour séquenceurs avec des touches qui sautillent et gambadent dans des tonalités conventionnelles et d'autres caramélisées dans un mélange de distorsion et de grésillement. David Marsh fait partie de cette nouvelle génération de musiciens de MÉ qui ont fait leurs marques avec une série d'albums convaincants. À l'aise comme un poisson dans l'eau derrière un séquenceur énergique, il réussit à sortir son épingle du jeu avec une constante progression dans ses prototypes de rythmes qui se jouent avec des ajouts additionnels d'autres lignes de rythmes sous-jacents. Et cette approche créative et parfois audacieuse reste toujours très collé à une vision harmonique. Coécrit avec le musicien de MÉ Grec, Thanasis (Thanos) Oikonomopoulos, “Elemental” est un 7ième album officiel pour DASK, dont un 5ième sur le label Allemand SynGate. Sculpté autour du thème des ensembles d'éléments pour expliquer les observations de la vie et de la nature, “Elemental” propose des structures de pur Berlin School qui sortent tranquillement des limbes, et de ses ambiances, afin de mordre nos tympans avec des mouvements en progression qui sont aussi parfumés des influences de Tangerine Dream, période Franke.
"Water" propose une approche plus austère. Un banc de nappes de voix gothiques et de brumes astrales flotte jusqu'à atteindre un dense voile d'orgue industrielle où traînent des fredonnements chthoniens. Une délicate mélodie montée sur des arpèges pincés comme des cordes d'harpe suit une ritournelle circulaire minimaliste jouée sur piano. Des parfums de flûtes errent ici et là, alors que "Water" évolue avec des modifications dans sa structure jusqu'à ce qu'elle épouse le pouls d'un séquenceur qui bouscule l'ordre établit en structurant une nouvelle approche arythmique. Un convoyeur fait rouler des billes qui pétillent de partout, tandis que l'approche initiale tente de garder son flegme. Ce segment, et les effets sonores qui y baignent, lie l'univers de Chris Franke à celui de Johannes Schmoelling dans Wuivend Riet. La 2ième partie est coriace et pleine de souvenirs! Les 6 premières minutes de "Metal" reflètent une phase quasi post-apocalyptique avec des cognements qui roulent dans leurs échos à travers une brume nourrie d'effets de voix. Phase par phases, ces cognements rallient leurs distances afin de former un savoureux, et tout à fait inattendu, down-tempo sous de longs soupirs d'un synthé en mode Vangelis Blade Runner. La 2ième partie offre une approche plus électronique avec un mouvement feutré et résonnant du séquenceur auquel se greffe de bonnes percussions électroniques. "Metal" devient un bon pop-rock électronique entrainant sous une mélodie virginale, genre ELP, fredonnée par un synthé en mode charme. Après les ambiances légèrement abyssales de "Wood", où se cachent des accords et arpèges un peu isolés, "Fire" crache un rythme lent, à tout le moins sa première moitié. Sous des élans de nappes de synthé puissantes, le séquenceur organise un rythme forgé sur des ions irradiés par des effets de distorsions. Le tout est très agréable à l'oreille, même si l'effet de déjà entendu dans les structures est omniprésente lorsque ce rythme ambiant, joliment décoré d'effets sonores et percussifs, atteint son point culminant et fonce avec un rythme plus fluide autour de la 5ième minute. Cette seconde phase de "Fire" coule avec fluidité dans ce même un décor. Un court intermède est aussi proposé afin de restructurer une autre courte phase de rythme. Si "Void" épouse les profondeurs de son titre, "Air" nous plonge aussi dans un bassin d'ambiances très éthérées avant de se donner à un rythme délicat. Les ambiances dans ce titre atteignent la dimension de son sens avec des nappes d'effets sonores irradiants et convaincants dans leurs natures.
Disponible en format CD-R HQ et téléchargeable sur le site Bandcamp de SynGate, “Elemental” a tous les ingrédients pour assouvir la faim des amateurs de Tangerine Dream, période Virgin. Cette association avec Thaneco ajoute une profondeur plus classique aux structures ambivalentes et progressives de DASK. Et même si ces structures fondent entre nos oreilles avec un sentiment évident de déjà-entendu, la touche du musicien Grec ajoute ses subtilités qui ramènent le tout dans les ambiances inspirées pour l'esprit de “Elemental”.
Sylvain Lupari 16/06/18