lundi 24 septembre 2018

ALBA ECSTASY: Where are the Quiet Saturdays? Vol.2 (2018)

"To me, those EM gigs of Saturdays are  still one of the best way to get yourself introduced to the world of Berlin School's EM style"

1 Part 4 16:39
2 Part 5 18:39
3 Part 6 12:04
Alba Ecstasy Music (DDL 47:23)
(Berlin School)
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 **Chronique en français plus bas**
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After an absence of 3 years, Alba Ecxtasy seems to be resuming its series Where are the Quiet Saturdays? Three weeks separate this part from the last one and the music is still quite interesting. To me, it's still one of the best way to get yourself introduced to the world of Berlin School's EM style. "Part 4" offers a good romantic vision with a hopping movement of the sequencer. The keys gambol with a fluidity reminiscent of those delicate moments of dreamy rhythmic evasion of Klaus Schulze in the years 86 to 88 or yet Remy in his monumental Exhibition of Dreams. This procession of bouncy loops unfolds under a sonic sky scribbled with sound graffiti, intersideral whale songs and a synth whose solos intertwine their ethereal dances with high tones and rather musical bass lines. It flows very well! After an introduction specific to the universe of EM ambiences, "Part 5" brings us into the territories of a lively Berlin School with this motorik movement of ghost train and two lines of sequences which structure an exciting rhythm. Electronic percussions embellish rather well this network of convergent sequences of "Part 5" which offers a decor of ambiances more aggressive than that of "Part 4". Apart from these sequences which add up in saccades in a harmonic vision, the cosmic mists and breezes built a panorama tinted of nebulosity while the synth always throws these good refined solos while bringing "Part 5" to a more exploratory finale of ambiences elements. Again, it's impossible to feel a void in the creativity of Mihail Adrian Simion, whose ability to compose Berlin School is even praised by Indra. I bring the name of Indra, because "Part 6" can't be dissociable of him! Composed live on the same day of its release on Bandcamp with the use of a single synthesizer, the Access Virus Ti2, "Part 6" begins with a gentle floating introduction and a soft introduction to a beat which beats a hectic measure. Alba Ecxtasy only adds 3 additional patch, and sonic squiggles, on this structure that evolves within this range of 3 patch. We note here a rhythmic trance approach that we hear in the series Tantric Celebration, an approach that Mihail Adrian Simion initially realized when he worked on special sound bank for the Access Virus Ti2. And some of these complex patches have been used by Indra. In the end, and as usual, “Where are the Quiet Saturdays? Vol.2” is a good honest album with a beautiful EM to which is tasted with the ears in mode; I love to be charmed!
Sylvain Lupari (September 24th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
Available on Alba Ecstasy's Bandcamp

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                                     CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Après une absence de 3 ans, Alba Ecxtasy semble reprendre goût à sa série Where are the Quiet Saturdays?. Trois semaines séparent ce présent volet du dernier et la musique reste toujours aussi intéressante. Pour moi, c'est toujours l'un des meilleurs moyens de se familiariser avec le genre Berlin School. "Part 4" propose une belle vision moment romanesque avec un mouvement sautillant du séquenceur. Les ions gambadent avec une fluidité qui rappelle ces délicats moments de rythmes rêveurs des années 86-88 de Klaus Schulze ou encore Remy dans son monumental Exhibition of Dreams. Cette procession de boucles sautillantes se déroulent sous un ciel sonique gribouillé de graffitis sonores, de chants de baleines intersidérales et d'un synthé dont les solos entrelacent leurs danses éthérées avec des tonalités aigues et des lignes de basse plutôt musicales. Ça coule très bien! Après une introduction propre à l'univers d'ambiances de la MÉ, "Part 5" nous amène dans les territoires d'un Berlin School vif avec ce mouvement motorik de train fantôme et deux lignes de séquences qui structurent un rythme enlevant. Des percussions électroniques enjolivent plutôt bien ce réseau de séquences convergentes de "Part 5" qui s'offre un décor d'ambiances plus agressif que celui de "Part 4". Hormis ces séquences qui s'additionnent par saccades dans une vision harmonique, des brumes et des brises cosmiques accrochent un panorama teinté de nébulosité alors que le synthé lance toujours ces bons solos raffinés tout en amenant "Part 5" dans une finale plus exploratrice des ambiances électroniques. Encore là, impossible de sentir un vide dans la créativité de Mihail Adrian Simion dont les habiletés à composer du Berlin School sont même louangé par Indra. J'amène le nom d'Indra, car "Part 6" en est indissociable! Composé en direct le même jour de sa parution sur Bandcamp, 8 Septembre 18, avec l'utilisation d'un seul synthétiseur, le Access Virus Ti2, "Part 6" débute avec une douce introduction planante et une douce introduction à un rythme qui bat une mesure trépignante. Alba Ecxtasy ajoute seulement que 3 sons supplémentaires, et des gribouillis soniques, sur cette structure qui évolue à l'intérieur de cette portée de 3 patch. On remarque ici une approche rythmique trance que l'on entend dans la série Tantric Celebration, une approche que Mihail Adrian Simion a initialement réalisé lorsqu'il a travaillé sur banque de sons spéciale pour le Access Virus Ti2. Et certains de ces patch complexes ont été utilisés par Indra. Au final, et comme d'habitude, “Where are the Quiet Saturdays? Vol.2” est un bel album honnête avec une belle MÉ qui se déguste avec des oreilles en mode; j'adore me faire charmer! 
Sylvain Lupari 24/09/18

vendredi 21 septembre 2018

MAGNETRON: Hypnosis (2017)

“Even if one knows their schema, Magnetron knows how to develop minimalist EM patterns without falling in an easy to do it”
1 Long Distance 26:32
2 Hypnosis 24:20
3 Cyro Sleep 8:18

4 Silent Running 20:03
Magnetron Music (DDL 79:13)
(England & Berlin Schools)
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 **Chronique en français plus bas**
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The recipe of Magnetron is in the purest tradition of the England School style, like RMI or Airsculpture. Slow introductions filled of yellowish or bluish smoke where an armada of electronic sounds displays its finest adornment, even in going to explore the tonal borders of a 5th dimension. Subsequently, the structures of rhythms! Mostly ambient, they also offer phases where our fingers tap, foot wriggles or our neck rolls over our shoulders. Evolutionary phases with a polyrhythmic vision where the transmutations are as subtle as a strand of hair coming off its root. It's from these elements that “Hypnosis” insidiously infiltrates this desire to savor another EM album…even if we know the game!
Breezes blowing with iodized particles, tonal dusts, reverberant distortion effects and spatial sound effects, "Long Distance" deploys an introduction of cosmic ambiances with its drifting violin layers. A spasmodic line indicates that the sequencer is in jerky rhythmic mode, hatched vividly like a skeleton on a break-dancing. This minimalist pattern accommodates other elements of sequenced pulsations and a line of sequences that unties a rhythmic language a bit harmonic. The structure is well in place to receive some multiple synth effects, including evasive lines of harmonies. There is a multiplication of layers. And the addition of new electronic effects announces a subtle bifurcation of the rhythm whose convulsive drive deviates subtly towards an approach of Tangerine Dream's brilliant Poland track. The English duo must be ingenious in order to avoid a likely effect of annoying repetitions on this long structure that still evolves with new elements, both percussive and of ambience. This is how the solos unique to Steve Humphries' signature pierce the wall of "Long Distance" which is constantly adorned by the new rhythmic bursts of Xan Alexander. Born from the 4 minutes of atmospheres of its introduction, "Long Distance" quietly runs out in the 3 minutes of its final of ambiospherical elements which are on the other hand more intense, more enveloping if not penetrating. We have here the topo of the latest opus from the duo Steve Humphries and Xan Alexander which appeared on the Bandcamp website of Magnetron in late 2017; long minimalist tracks evolving constantly in new rhythmic or ambient surroundings.
The title-track offers a more musical opening with a synth that lays down some pretty good solitary songs on a textures of reverberant atmospheres. Pulsatory, a rhythmic structure insidiously infiltrates these atmospheres of ether at the edge of the 4 minutes. This line becomes the rhythmic arsenal of "Hypnosis". Another line, more hobbling, innocently gambols under a sound sky which becomes more and more streaked by multiple drifting lines and sound effects zigzagging like a petal blown by a warm wind. Riffs frozen in the reminiscences of the Hyperborea years explode here and there in a rhythmic texture whose backdrop makes me think of Magnetic Fields III from Jean-Michel Jarre. The sequencer brings small jewels with additional sequences which pile up and jump with cohesion, a little like in the opening of Poland, embellishing a rhythmic canvas made to measure for aficionados of magnetizing electronic rhythms. The layers and solos, less acid than in "Long Distance", increase the warmer approach of "Hypnosis" which has not finished yet to surprise and charm us with the arrival of good percussive elements in his last quarter. After these two solid titles, "Cyro Sleep" leads us towards a territory arid and dry of rhythms. Effects leak out a fascinating smell of tonal strangeness with a mixture of organic sounds and of rattlesnakes that envelop a melody scattering its elusive piano notes in a texture which didn't have to bring its chthonian choir in order to instill a mood nocturnal terror, even if some layers of velvet stuffed of ether caress the possible rise of worry. "Silent Running" ends “Hypnosis” with a rhythmic texture which is apparently ambient but controlled in the same way as "Long Distance" and "Hypnosis". The sequencer play is just as tasty with this structure that seems to run among this panoply of sequenced rhythms from the album that we find condensed here. Effects and solos from synths very active at the level of riffs and layers show this very Tangerine Dream influence, era Schmoelling, on the music of Magnetron which presents an album without surprises. If only despite its long musical structures, the music of the English duo always finds a way to nail our ears to our headphones.
Sylvain Lupari (September 21st, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Magnetron's Bandcamp

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                                            CHRONIQUE en FRANÇAIS
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La recette de Magnetron est dans la plus pure tradition de la England School, genre RMI ou encore Airsculpture. De lentes introductions bourrées de fumigène jaunâtre comme bleutée où les sons électroniques affichent leurs plus belles parures, allant même explorer des frontières tonales d'une 5ième dimension.  Par la suite, les structures de rythmes! Majoritairement ambiantes, elles offrent aussi des phases où nos doigts tapotent, le pied gigote ou notre cou roule. Des phases évolutives avec une vision polyrythmique où les transmutations sont aussi subtiles qu'un brin de cheveux se détachant de sa racine. C'est de ces éléments que “Hypnosis” infiltre insidieusement ce désir de savourer un autre album de MÉ…même si on connait la chanson! 
Brises aux textures iodées, poussières tonales, effets de distorsions réverbérantes et effets sonores spatiaux, "Long Distance" étire une introduction d'ambiances cosmiques avec ses nappes de violons dérivants. Une ligne spasmodique indique que le séquenceur est en mode rythme saccadé, hachuré vivement comme un squelette sur un break-dancing. Cette ossature minimaliste accueille d'autres éléments de pulsations séquencées et une ligne de séquences qui délie un langage rythmique un brin harmonique. La structure est bien en place afin d'accueillir les multiples effets des synthés, dont des lignes d'harmonies évasives. Il y a multiplication des nappes et l'ajout de nouveaux effets électroniques qui annoncent une subtile bifurcation du rythme dont l'entrain convulsif dévie subtilement vers une approche à la Poland de Tangerine Dream. Le duo Anglais doit faire preuve d'ingéniosité afin d'éviter un probable effet de répétitions agaçants sur cette longue structure qui évolue tout de même avec de nouveaux éléments, tant percussifs que d'ambiances. C'est ainsi que les solos uniques à la signature de Steve Humphries percent la muraille de "Long Distance" qui se pare constamment des nouveaux éclats rythmiques de Xan Alexander. Naissant des 4 minutes d'ambiances de son introduction, "Long Distance" s'essouffle tranquillement dans les 3 minutes de sa finale d'ambiances qui sont par contre plus intenses, plus enveloppantes sinon pénétrantes. Nous avons ici le topo du dernier opus du duo Steve Humphries et Xan Alexander qui est apparu sur le site Bandcamp de Magnetron à la fin 2017; de longues plages minimalistes évoluant constamment dans un nouvel environnement rythmique ou ambiant.
La pièce-titre offre une ouverture plus musicale avec un synthé qui étend de bons chants solitaires sur une textures d'ambiances réverbérantes. Pulsatoire, la structure de rythme infiltre insidieusement ces ambiances d'éther à l'orée des 4 minutes. Cette ligne devient l'arsenal cadencée de "Hypnosis". Une autre ligne, plus boitillante, gambade innocemment sous un ciel d'ambiances qui devient de plus en plus strié par de multiples lignes à la dérive et d'effets sonores qui zigzaguent comme un pétale soufflé par un vent tiède. Des riffs figés dans les réminiscences des années Hyperborea explosent ici et là dans une texture rythmique dont la toile de fond me faut penser à Magnetic Fields III de Jean-Michel Jarre. Le séquenceur délivre des petits joyaux avec des séquences additionnelles qui s'entassent et sautillent avec cohésion, un peu comme dans l'ouverture de Poland, enjolivant un canevas rythmique fait sur mesure pour amateurs de rythmes électroniques magnétisants. Les nappes de voix et les solos, moins acides que dans "Long Distance", augmentent l'approche plus chaleureuse de "Hypnosis" qui n'a pas fini de surprendre et de charmer avec l'arrivée de bons éléments percussifs dans son dernier quart. Après ces 2 solides titres, "Cyro Sleep" nous amène dans un territoire aride et desséché de rythmes. Des effets transpirent une fascinante odeur d'étrangeté tonale avec un mélange de sonorités organiques et des effets de crotales qui enveloppent une mélodie éparpillant ses notes de piano dans une texture qui n'avait portant pas besoin de sa chorale chthonienne afin d'insuffler une ambiance de terreur nocturne, même si des nappes de velours bourrées d'éther caressent les possibles montées d'inquiétude. "Silent Running" termine “Hypnosis” avec une texture rythmique en apparence ambiante mais contrôlée de la même façon que "Long Distance" et "Hypnosis". Le jeu du séquenceur est tout autant savoureux avec une structure qui semble courir parmi cette panoplie de rythmes séquencés de l'album que l'on retrouve en condensé ici. Des effets et des solos de synthés très actifs au niveau des riffs et des nappes démontrent cette influence très Tangerine Dream, ère Schmoelling, sur la musique de Magnetron qui présente un album sans surprises. Si ce n'est que malgré ses longues structures musicales, la musique du duo Anglais trouve toujours le moyen de nous clouer les oreilles à nos écouteurs.

Sylvain Lupari 21\09\18

mercredi 19 septembre 2018

NOTHING BUT NOISE: Existence Oscillation Present (2017)

“A great follow-up to the 1st part, eXistence Oscillation prEsent offres huge patterns of harmonic and rhythmic oscillating loops that will find its way to your tastes of variable forms of EM”
1 diSchotomy 11:40
2 121212 10:16
3 Ostinato 7:54
4 Prophecy 9:36
5 Torch 8:43

Wool-E Discs ‎– WED009 (CD/DDL 48:06)
(Ambient, Dark and
Experimental Berlin-School)
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 **Chronique en français plus bas**
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Muted impulses kick off an album that will nail you up to your headphones, if not your speakers. They coo with an air that will make its way to the bottom of the eardrums by constantly adding various sonic elements that fatten the waltz of oscillating loops waltz of "diSchotomy". First, sequences! They are grafted little by little, adding nets of discord to oscillating lines that come and go in a rhythmic motorik scheme. The base remains harmonious and continues to roll its electronic refrain on a carpet of stubborn riffs. And the first sonorous filaments stand out. At first sight, one feels a division between two sequences of movements which reflect their oppositions. The effects of echo and reverberation sculpt a music without respite and which turns constantly on its oscillatory axis. This is the principle Manuel Göttsching on a Kraftwerk mathematical rhythmic approach. If one phase remains deliciously musical, the other pushes the nail of the deformation with shadows of distortions whereas gradually, "diSchotomy" goes towards a percussive intensity. Apart from the sequences that follow the melodious arc, others roll in loops or flutter while releasing rebellious keys that alter the perfect sequenced imperfections. Attractive, the game of sequencers invites percussions that gradually turn into a horde of Japanese percussionists. They hammer with lead in their arms an oscillating phase while the other still flows this chorus that takes an unsuspected freedom with tendrils as acrobatic as harmonics that demystify this game of rhythmic spirograph and its titanic algorithmic rotations. Second part of the Existence Oscillation trilogy from Nothing but Noise, “eXistence Oscillation prEsent” starts very strong! After the storm of "diSchotomy", "121212" follows with a swarm of pulsations and nervous sequences which evolves on the same principle of reverberations and echo. This stationary electronic rhythm basis takes the shape of a jerky structure with more spasmodic phases and other ones more in dance mode. The synths are in harmonic tendrils mode and launch lines that coo with tunes that come down from the speakers with this approach of Tomita in Snowflakes are Dancing. Less circumscribed in a minimalist setting, "121212" proposes changes in its development, keeping the listener constantly in alert mode. This is the biggest strength of this album which constantly takes unexpected turns.
In a context of exploration of the oscillations frontiers, "Ostinato" takes all of its meaning. A pulsation is at the origin of everything! It hops and its shadow finely attached to its echo makes it a stable structure on which is grafted a line of more musical sequences and experiments in the tones of the synths. The shorter title of “eXistence Oscillation prEsent” is also the one that caught my interest at the first listening. If the rhythm is also very headstrong, its ornaments are as stubborn as they are very seductive, thanks to a series of more fragile chords that jump with a more harmonic vision as well as enveloping synth layers which are sometimes tributary of spectral chants. "Prophecy" takes also a similar pattern but in a more dance version. The synth multiplies here various oscillating loops on a music whose charm comes around the 7th minute with a violoncello to which one martyrize the strings. The opening of "Torch" reminds me a bit of Plastikman's acoustic rhythms. Knocks of percussion, less powerful than in "diSchotomy", come and go on a structure whose flow of sequences gives an impression of a collection of continuous riffs, a little like in the structure of "Prophecy" by the way. In fact, the elements of ambiances and the discrete filaments of harmonies are distinguished with a vague similarity between "Torch" and "diSchotomy", because of the synth lushes which evaporate an ambient dimension, and "Ostinato", for its stubbornness rhythmic, while the scenery turns on various oscillating loops and nicely done effects of percussions. The whole thing gives the taste to re-hear this album which is located literally well in its place as a 2nd part of a fascinating and captivating series on the roles of oscillations in the evolution of modern EM. Stronger than Existence Oscillation Past and, rightly, slightly weaker than Existence Oscillation (possible) Future! But in the end, the Existence Oscillation's trilogy is worth all the weight of its gold!
Sylvain Lupari (September 17th, 2018) **** ¼*
synth&sequences.com
You will find this album on Wool-E Discs Bandcamp

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                                         CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des sourdes impulsions donnent le coup d'envoi à un album qui va vous river à vos écouteurs, sinon vos haut-parleurs. Elles roucoulent d'un air qui fera son chemin jusque dans le fond des tympans en ajoutant constamment divers éléments soniques qui engraissent la valse des boucles oscillatrices de "diSchotomy". En premier lieu, des séquences! Elles se greffent peu à peu, ajoutant des filets de discorde à des lignes oscillatrices qui vont et viennent dans un schéma rythmique motorique. La base reste harmonieuse et continue de rouler son refrain électronique sur un tapis de riffs entêtés. Et les premiers filaments sonores se détachent. À prime abord, on sent une défusion entre deux séquences de mouvements qui reflètent leurs oppositions. Les effets d'écho et de réverbérations sculptent une musique sans répit et qui tourne constamment sur son axe oscillatoire. C'est le principe Manuel Göttsching sur une approche rythmique mathématique à la Kraftwerk. Si une phase reste délicieusement musicale, l'autre enfonce le clou de la déformation avec des ombres de distorsions alors que graduellement, "diSchotomy" se dirige vers une intensité percussive. Hormis les séquences qui suivent l'arc mélodieux, d'autres roulent en boucles ou papillonnent vivement tout en libérant des touches rebelles qui altèrent les parfaites imperfections séquencées. Attrayant, le jeu des séquenceurs invite des percussions qui peu à peu se transforment en une horde de percussionnistes japonais. Ils matraquent avec du plomb dans leurs mains une phase oscillatrice alors que l'autre enfonce toujours ce refrain qui prend une liberté insoupçonnée avec des vrilles autant acrobatiques qu'harmoniques qui démystifient ce jeu de spirographe rythmique et ses titanesque rotations algorithmiques. Second volet de la trilogie Existence Oscillation par Nothing but Noise, “eXistence Oscillation prEsent” débute très fort! Après la tempête de "diSchotomy","121212" suit avec un essaim de pulsations et de séquences nerveuses qui évolue sur le même principe de réverbérations et d'écho. Cette base de rythme électronique stationnaire épouse une structure saccadée avec des phases plus spasmodiques et d'autres plus en mode danse. Les synthés sont en mode vrilles harmoniques et lancent des lignes qui roucoulent avec des airs qui descendent des haut-parleurs avec cette approche de Tomita dans Snowflakes are Dancing. Moins encarcané dans un cadre minimaliste, "121212" propose des modifications dans son développement, gardant l'auditeur constamment en mode alerte. C'est la très grande force de cet album qui prend constamment des tournures inattendues.
Dans un contexte d'exploration des barrières oscillatrices, "Ostinato" prend tout son sens. Une pulsation est à l'origine de tout! Elle sautille et son ombre finement rattachée à son écho en fait une structure stable où se greffent une ligne de séquences plus musicale et des expérimentations dans les tonalités des synthés. Plus court titre de “eXistence Oscillation prEsent”, c'est aussi celui qui a accroché mon intérêt à la première écoute. Si le rythme est très déterminé, ses ornements sont aussi entêtés que très séduisants, notamment grâce à des série d'accords plus fragilisés qui sautillent avec une vision plus harmonique ainsi que des nappes de synthé enveloppantes et parfois tributaires de chants spectraux. "Prophecy" épouse un même modèle mais dans une version plus danse. Le synthé multiplie ici différentes boucles oscillatrices sur une musique dont le charme vient autour de la 7ième minute avec un violoncelle dont on martyrise les cordes. L'ouverture de "Torch" me fait penser un peu aux rythmes acoustiques de Plastikman. Des cognements de percussions, moins puissantes que dans "diSchotomy", vont et viennent sur une structure dont l'écoulement des séquences donnent une impression d'une collection de riffs continuels, un peu comme dans la structure de "Prophecy" en passant. En fait, les éléments d'ambiances et les discrets filaments d'harmonies se distinguent avec une vague similitude entre "Torch" et "diSchotomy", à cause des nappes de synthé qui évaporent une dimension ambiante, et "Ostinato", pour son entêtement rythmique, alors que le décor tourne sur diverses boucles oscillatrices et de bons effets de percussions. Le tout donne inévitablement le goût de réentendre cet album qui se situe littéralement bien à sa place comme 2ième volet d'une fascinante et envoutante série sur le rôles des oscillations dans l'évolution de la MÉ moderne. Plus fort qu'Existence Oscillation Past et, à juste titre, légèrement moins fort qu'Existence Oscillation (possible) Future! Mais la trilogie Existence Oscillation vaut tout la pesanteur de son or!

Sylvain Lupari 19/09/18

lundi 17 septembre 2018

NOTHING BUT NOISE: Existence Oscillation Past (2016)

“Existence Oscillation Past offers an album that will please for sure to lovers of sounds, of sequences and of structures evolving in a din which is enjoyable to discover”

1 レプリカ 12:30
2 Manoeuvres Mécaniques 8:39
3 Monochrome Deux 5:43
4 eXistence Oscillation 15:34

5 Dust 6:32
Wool-E Discs ‎| WED003 (CD/DDL 49:00)
(Ambient, Berlin-School, Experimental)
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 **Chronique en français plus bas**
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I was blown out by my discovery of Nothing But Noise and their latest album Existence Oscillation (Possible) Future. The Belgian label Wool-O-Tapes had sent me the trilogy, but I had to first chronicle the last releases in EM before tackling the foundation of the dystonic music of Daniel Bressanutti and Dirk Bergen. “Existence Oscillation Past” is the second album of this duet resulting from the rupture of Front 242. It's also the gateway of a most creative sound trilogy where the Berlin School genre is exploited with a musical vision that exceeds the boundaries of experimental music.
A tide of keen pulsations doesn't waste time to put our ears in appetite, especially for the aficionados of sequences. The sequencer multiplies its lines of rhythms with adroitly inserted keys which end up to create a fascinating symbiosis. But we generally lose the rhythmic thread of "レ プ リ カ" with other additions of sequences. If a pulsating line guides an oscillating structure nourished mainly by bass sequences, other rhythmic filaments come and go with lively and jerky gusts that momentarily jostle a rhythm that is always vivid and limp slightly in it's heavy rhythmic cloak. Percussive effects, ingenious percussion effects by the way, and hail of sequences add to this mass of bounding sequences, giving a laboratory experimentation approach to this structure constantly nibbling by its multiple rhythmic tadpoles. Harmonies? There are few. Electronic effects of a developing video game act also like sequences and percussion. They fly over and peck "レ プ リ カ" while being more musical, especially with good orchestrations, when the music is of a relative tranquility which allows "レ プ リ カ" to have a more affordable approach. "Mechanical Maneuvers" is a dark title with stressful ambiences of a dark horror movie. The rhythm is repetitive with an ostentino action knotted by good orchestrations and deaf pulsations. These two elements plough a gloomy intensity and support a herd of electronic effects (I love this impression that a terrifying beast pretends to snore) that give even more depth to one of the most distressing structures that I've heard since a long time. A real horror movie music!
Take the bass line in the introduction of Pink Floyd's One of These Days and you have the rhythmic structure of "Monochrome Two". Muffled knockings are weighting down the rhythmic fluidity on what is the more musical structure in “Existence Oscillation Past”. In addition to the oscillating decorating loops, synth pads fly with violin wings while others adopt a more rhythmic ostentino form. The envelope shows a slightly dramatic presence with somewhat dark velvets that overflow the harmonic skirt of "Monochrome Two". We always stay in these glaucous moods with the introductive knocks in the opening of "eXistence Oscillation". These knocks come from various oscillatory effects that spin into hypnotic tendrils while gradually adding various rhythmic imperfections, always so attractive by the way. The movement gradually intensified with percussions whose progressive shelling ended up bludgeoning a rhythm and ambiances structured by these ascending sequences in Berlin School mode. An ambiospheric phase divides a rhythmic progression always overflowing with its oscillating effects around the 7th minute. Gyratory and Spirograph effects make up ambiences where the silence tries to take back some rights in a mini festival of sound effects. The rhythmic rebirth is in pain and cacophonous with very Jean-Michel Jarre percussive effects, noisy reverberant effects and synth lavas that break up into long misshapen filaments. This is the antechamber of noises. Nothing but noises! "Dust" finishes this rather attractive first chapter of Nothing But Noise's oscillating structures with a more ambient one knotted in gradations at the level of sound intensity. A music of ambiances for a film like the birth of Transformer!
Apart from the second half of "eXistence Oscillation", “Existence Oscillation Past” offers an album that will please to lovers of sounds, of sequences and of structures evolving in a din which is enjoyable to discover. There is as much frenzy in this album as sugar in a Coke! But I must admit that being charmed ay first by the boundless boundaries of Existence Oscillation (Possible) Future greatly facilitates the exploration of an album with some uncomfortable tints and whose early beginnings of conception find more their answers in the sequel and the third part of this trilogy which gets better with each album. I know to have experienced it!
Sylvain Lupari (September 17th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
You will find this album on Wool-E Discs Bandcamp

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                                      CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'ai été sparatagonflé (soufflé au pouce carré) par ma découverte de Nothing But Noise et leur dernier album Existence Oscillation (Possible) Future. La label Belge Wool-O-Tapes m'avait fait parvenir la trilogie, mais je devais d'abord chroniquer les dernières parutions avant de m'attaquer au fondement de la musique dystonique de Daniel Bressanutti et Dirk Bergen. “Existence Oscillation Past” est le 2ième album de ce duo issu de la rupture de Front 242. C'est aussi la porte d'entrée d'une trilogie sonore des plus créative où le genre Berlin School est exploité avec une vision musicale qui dépasse les frontières de la musique expérimentale.
Une marée de pulsations vives ne perd pas de temps à mettre nos oreilles en appétit, surtout pour les amateurs de séquences. Le séquenceur multiplie ses lignes de rythmes avec des ions adroitement insérés qui finissent par créer une fascinante symbiose. Mais on perd généralement le fil rythmique de "レプリカ" avec d'autres ajouts de séquences. Si une ligne pulsatrice guide une structure oscillante nourrie principalement de basses séquences, d'autres filaments rythmiques vont et viennent avec des rafales vives et saccadées qui bousculent de façons passagères un rythme toujours vif et qui claudique dans son lourd manteau rythmique. Des effets percussifs, d'ingénieux effets de percussions en passant, et des mitrailles de séquences s'ajoutent à cette masse de séquences bondissantes, donnant ainsi une approche d'expérimentation laboratoire à cette structure constamment grignoter par ses multiples de rythme. Des harmonies? Il y en a peu. Des effets électroniques d'un jeu en développement agissent aussi comme des séquences et des percussions, survolant et picorant "レプリカ" tout en étant plus musicaux, notamment avec de bonnes orchestrations, lorsque la musique est d'une relative tranquillité qui permet à "レプリカ" d'avoir une approche plus abordable. "Manoeuvres Mécaniques" est un titre sombre avec des ambiances stressantes d'un film d'épouvante noir. Le rythme est répétitif avec une action ostentino noués par de bonnes orchestrations et de sourdes pulsations. Ces deux éléments labourent une intensité patibulaire et supportent un cheptel d'effets électroniques (j'adore cette impression qu'une bête terrifiante fait semblant de ronfler) qui donnent encore plus de profondeur à une des structures les plus angoissantes que j'en entendu depuis un bail. Une vraie musique de film d'horreur!
Prenez la ligne de basse dans l'introduction de One of These Days (Pink Floyd), et vous avez la structure de rythme de "Monochrome Deux". Des cognements alourdissent la fluidité rythmique qui est la plus musicale sur “Existence Oscillation Past”. En plus des boucles oscillantes décoratrices, les nappes de synthé volent avec des ailes de violons alors que d'autres épousent une forme d'ostentino plus rythmique. L'enveloppe étend une prestance légèrement dramatique avec des velours un peu sombres qui débordent du jupon harmonique de "Monochrome Deux". Nous restons toujours dans ces ambiances glauques avec les cognements introductifs dans l'ouverture de "eXistence Oscillation". Ces cognements viennent des divers effets oscillatoires qui virevoltent en vrilles hypnotiques tout en ajoutant peu à peu diverses imperfections rythmiques, toujours aussi séduisantes d'ailleurs. Le mouvement s'intensifie graduellement avec des percussions dont le pilonnage progressif fini par matraquer un rythme et des ambiances structurés par ces séquences ascensionnelles en mode Berlin School. Une période ambiosphérique divise une progression rythmique toujours débordante de ses effets oscillants autour de la 7ième minute. Des effets giratoires et spirographes maquillent des ambiances où le silence tente de reprendre quelques droits dans un mini festival d'effets sonores. La renaissance rythmique se fait dans la douleur et la cacophonie avec des effets percussifs très Jean-Michel Jarre, des effets réverbérants tapageurs et des laves de synthé qui se désagrègent en longs filaments difformes. C'est l'antichambre de bruit. Juste du bruit! "Dust" termine ce premier opus plutôt séduisant de Nothing But Noise avec une structure plus ambiante nouée dans des gradations au niveau de l'intensité sonore. Une musique d'ambiances pour un film genre la nativité de Transformer!
Mise à part la seconde moitié de "eXistence Oscillation", “Existence Oscillation Past” propose un album pour amateurs de sons, de séquences et des structures évoluant dans un tapage agréable à découvrir. Il y a autant de frénésie dans cet album que de sucre dans un Coke! Mais je dois admettre que le fait d'avoir été charmé par les frontières sans limites de Existence Oscillation (Possible) Future facilite grandement l'exploration d'un album avec quelques teintes inconfortables et dont les premiers balbutiements de sa conception trouvent plus leurs réponses dans la suite et le 3ième volet de cette trilogie qui devient meilleur à chaque album. J'en ai fait l'expérience!

Sylvain Lupari 17/09/18

dimanche 16 septembre 2018

STEVE ROACH: Slow Heat 20th Anniversary Remastered Edition (98-18)

“With time, I realized that no work by Steve Roach is the same and  that his first works  are also the most dominant”

1 Slow Heat 71:16
Timeroom Editions TM01 (CD/DDL 71:16)
(Ambient music with organic soundscapes)
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 **Chronique en français plus bas**
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With time, I realized that no work by Steve Roach is the same, even in these long and repetitive forms. I also learned that his first works of the genre are also the most dominant. First album to appear on Steve Roach's label, Timeroom Edition, “Slow Heat” is molded following the principles of The Dream Circle. Or at little things near! The movement is slow and structured on slender synth pads that oscillate repeatedly in a weightlessness effect. These layers drop sonic gases which become discrete effects of floating drones, amplifying a musical cloth that drifts by drawing cosmic arches, just like a wandering shuttle in cosmos. But we are actually in the deserts of Arizona! And the friend Steve spent 2 years, so we are close enough to the time frame of The Dream Circle, to polish an album that would redefine the panoramic ambient style. We find this repetitive and quite hypnotic model of The Dream Circle with oscillating sound waves adorned of cavernous breezes and organic sounds. But the American musician wanted to push this immersive sound experience even further.
For two summers, 97 and 98, he set up microphones at a distance of 50 feet from his studios in Tucson to record the wildlife of the Sonoran Desert in Arizona. These noises were judiciously inserted in this long symphony of Roachian ambiances by mixing adroitly with the sounds of another more electronic fauna. It's repetitive, but not boring. In order to cement our attention and our sound illusions, Steve Roach adds sonic silks that take the forms of translucent filamentary blasts or fine implosions which remind me of Chronos, a Michael Stearns album published 10 years earlier. Combined with these drones that waltz like eagles around a crippled prey, the movement is rich and powerful enough to lift us from our chair and plunge us into an endless spiral. Unlike The Dream Circle, "Slow Heat" has no rhythmic ascent, evolving in more implosive phases that bring its intensity level into wake up mode.
Remastered by Howard Givens, “Slow Heat” reaches an even more exceptional sound dimension, especially in details, because of the technological advances in audio mastering. There is a sharpness here that makes even more attractive those nighttime delights trapped by Steve Roach and especially this strange physical presence of the nightly atmospheres. A little as if the night, and its faithful darkness, could embrace our emotions.
Sylvain Lupari (September 15th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available at Steve Roach Sound World

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                                      CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Avec le temps, j'ai compris qu'aucune œuvre de Steve Roach n'est identique, même dans ces longues formes répétitives. J'ai appris aussi que ses premières œuvres du genre sont aussi les plus dominantes. Premier album à paraître sur le label de Steve Roach, Timeroom Edition, “Slow Heat” est moulé suivant les principes de The Dream Circle. Ou à peu de choses près! Le mouvement est lent et structuré sur de longilignes nappes de synthé qui oscillent à répétitions dans un effet d'apesanteur. Ces nappes échappent des gaz soniques qui deviennent de discrets effets de drone flottant, amplifiant une étoffe musicale qui dérive en dessinant des arcs cosmiques, exactement comme une navette errant dans le cosmos. Mais nous sommes en réalité dans les déserts de l'Arizona. Et l'ami Steve a passé 2 années, donc nous sommes assez près de la plage de temps (time frame) de The Dream Circle, à peaufiner un album qui allait redéfinir le style ambiant panoramique. On retrouve ce modèle répétitif, et assez hypnotique, de The Dream Circle avec des vagues sonores oscillantes ornées de brises caverneuses et de bruits organiques. Mais le musicien américain voulait pousser cette expérience sonore immersive encore plus loin.
Pendant deux étés, 97 et 98, il a installé des micros à une distance de 50 pieds de ses studios, à Tucson, afin d'enregistrer la vie de la faune sauvage nocturne du désert de Sonoran en Arizona. Ces bruits ont été judicieusement insérés dans cette longue symphonie d'ambiances Roachiennes en se mélangeant habilement avec les bruits d'une autre faune plus électronique. On dit répétitif, mais pas ennuyant. Afin de bien cimenter notre attention et nos illusions sonores, Steve Roach ajoute des soieries soniques qui prennent la forme de de jet filamenteux translucides ou encore de fines implosions qui rappellent un peu les élans sourds de Chronos, un album de Michael Stearns paru 10 ans plus tôt. Combiné à ces drones qui valsent comme des aigles autour d'une proie éclopée, le mouvement est riche et assez puissant pour nous soulever de notre fauteuil afin de plonger dans une spirale sans fin. Contrairement à The Dream Circle, "Slow Heat" n'a aucune ascension rythmique, évoluant plutôt par phases plus implosives qui amènent son niveau d'intensité en mode réveil.
Remasterisé par Howard Givens, “Slow Heath” atteint une dimension sonore encore plus exceptionnelle, surtout au niveau des détails, à cause des avancées technologiques dans le mastering audio. Il y a une netteté ici qui rend encore plus attrayant les délices nocturnes piégés par Steve Roach et surtout cette étrange présence physique des ambiances crépusculaires. Un peu comme si la nuit, et sa fidèle noirceur, embrassait nos émotions. 

Sylvain Lupari 15/09/18

vendredi 14 septembre 2018

VARIOUS-The Sound of Syndae (2018)

“This very good compilation aimed at fans of an EM closer to the EDM than the Berlin School model, although its structures and moods remain its ramparts”
1 This is Syndae (Chris Gate)
2 Syndae's Theme (Moonbooter - Boot from Moon Mix)
3 Mystery Without Clues (Jim Ottaway)
4 Of things Impossible? (could Sleep do more?) (That Horologe Machinery Divine)
5 Syndae's Nightmare (Stan Dart)
6 Analogue Delight (Rudolf Heimann)
7 The Voice of Syndae (Sonic Chain)
8 Sunshade (y space)
9 Near Manchester (Reskimus)
10 Flight over Chryse Planitia (Dream Within)
11 Golden Mars (In Vitro)
12 GP (Stefan Erbe)
13 Golden Plain the Sound of Syndae (Stefan Schulz)
Syndae Music (CD 78:13)
(Electronic Dance Music)
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 **Chronique en français plus bas**
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A little secret? I didn't know Syndae at all! It's a completely independent website and radio podcast that has been promoting EM since that Stefan Schulz met another pioneer in the promotion of EM, Stefan Erbe. Syndae first appeared on the Web in 2008. Ten years later and nearly 450 podcasts farther, its creator has launched the idea of making of it a major event by inviting artists to submit a composition that revolves around the musical theme of the show. The idea was already attempted when Jim Kerr invited artists to compose music that revolved around the same theme in 1992 with the album The Seed. Stefan Schulz then selected a jury composed of various chroniclers on the planet, including your humble servant. I had to choose 8 titles over almost 20 ones. Without knowing anything about the Syndae universe and its musical theme, I was immersed in the adventure “The Sound of Syndae”.
Misty voice effects in an approach of nebulous ambiances, with a slight hint of psybient, the opening of "This is Syndae" extends its moods over a 2-minute journey. Chords and pulsations seek a harmonic and rhythmic direction which unblocks in an approach of EDM always stuck in layers of astral cloud. Violins wings caress this Techno still not sure of its orientation, guiding "This is Syndae" to a passage of ambient elements before the title reveals its rhythmic melody in an approach of Dance Music still not sure of its orientation. This title of Chris Gate is probably the closest to Golden Plain's, the musical theme of Podcast Syndae. It also describes this evolution of the 12 other titles that respect the rules of introduction and final of a music inspired by the old model of the Berlin School. With its more animated phases, Reskimus' "Near Manchester" builds on Chris Gate's model. Moonbooter follows with a good stroboscopic version nicely supported by great percussive effects. We are in the field of IDM here, just like with Stan Dart's "Syndae's Nightmare", which is more like Trance, and the more Dance version of Stefan Erbe, "GP". I have just discovered the world of Jim Ottaway that I find his participation in the project with "Mystery Without Clues". The music breathes the meaning of its title with a very extraterrestrial atmosphere. The ambient rhythm is set on a mesh of percussions sequenced in mode electronic tom-tom and where the stars whisper the melody of Golden Plain. It's a nice title which refines its approach in a beautiful tonal decoration with a more animated vision but which is nevertheless stifled in a web of cosmic ambiances.
The selection of the jury ensures that all areas of modern electronic music are very well represented on this compilation. "Of things Impossible? (could Sleep do more?)" by That Horologe Machinery Divine, offers the most ambiospherical view of “The Sound of Syndae”. "Analogue Delight" flies between New Berlin School a la Robert Schroeder and the usual electronic rock of Rudolf Heimann. The music is densely loaded with a variety of effects from various instruments, including slamming percussions and six-string riffs, in a fluid structure that escalates the imaginary Berliner-style mountains. The synth and the guitar throw some very harmonious solos. After its introduction filled with voice effects, "The Voice of Syndae" offers a first phase of rhythm contained in its stationary momentum by sequences that try to sound the rhythmic charge. Once again cut off from its tail, this rhythmic phase falls into a phase of atmospheres fed with solos and effects of worn out voices. Subsequently, the rhythm becomes more aggressive with a line of rhythmic sequences and another of rhythmic harmonies as well as percussions. The synth tosses some very good solos on this title from Sonic Chain. (y space) brings us into a world of Lounge Music with an approach that flirts with the known elements of Psybient. "Flight over Chryse Planitia" from Dream Within offers a completely crazy version. Sometimes ambient, like a boa digesting its prey, and sometimes alive, like a flock of disorganized rabbits, the rhythm bears its whims and the melody that swirls like a ritornello in a washing machine. Glitch, Hip-Hop and cosmic voice effects adorn a decor that also flirts with the Psybient side of new electronic music. The more it goes, the more the feet burn the ground. In Vitro relaxes the mood with "Golden Mars" which brings us into the spheres of House Ambient.
Here's the topo! There is all the information about the artists, the jurors and the approach that led to “The Sound of Syndae” on this link; The Sound of Syndae. A very good compilation that is mainly aimed at fans of an EM closer to the EDM than the Berlin School model, although its structures and moods remain the ramparts of the 78 minutes of an album that hovers honestly all genres that Berlin School engendered.
Sylvain Lupari (September 14th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
Available at erbemusic.com Shop

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                                                    CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Une petite confidence? Je ne connaissais pas Syndae! Un site web et une radio podcast tout à fait indépendant qui fait la promotion de la MÉ depuis que Stefan Schulz rencontrait un autre pionnier dans la promotion de la MÉ, Stefan Erbe. Syndae est ainsi apparu sur le Web en 2008. Dix ans plus tard et près de 450 podcasts plus loin, son concepteur lance l'idée d'en faire un événement d'envergure en invitant des artistes à soumettre une composition qui tourne autour de la thématique musicale de l'émission. L'idée a déjà été tentée lorsque Jim Kerr invitait des artistes à composer une musique qui tournait autour d’un même thème en 1992 avec l'album The Seed. Stefan Schulz sélectionnait par la suite un jury composé de divers chroniqueurs sur la planète, dont votre humble serviteur. Je devais choisir 8 titres sur près d'une 20taine. Sans rien connaître de l'univers Syndae et ni de son indicatif musical, je plongeais dans l'aventure “The Sound of Syndae”.
Des effets de voix brumeuses dans une approche d'ambiances nébuleuses, avec un léger soupçon de psybient, l'ouverture de "This is Syndae" étire ses ambiances sur un parcours de 2 minutes. Des notes et des pulsations cherchent une direction harmonique et rythmique qui débloque dans une approche d'EDM toujours en nappée de nébulosité astrale. Des ailes de violons caressent ce Techno toujours pas certain de son orientation, guidant "This is Syndae" vers un passage d'ambiances avant que le titre ne dévoile sa mélodie rythmique dans une approche de Dance Music toujours pas certain de son orientation. Ce titre de Chris Gate est sans doute celui qui se rapproche le plus de Golden Plain, la thématique musicale du Podcast Syndae. Elle décrit aussi cette évolution des 12 autres titres qui respectent ainsi les règles d'introduction et de finale d'une musique inspirée par le vieux modèle de la Berlin School. Avec ses phases plus animées, "Near Manchester" de Reskimus s'appuie sur le modèle de Chris Gate. Moonbooter suit avec une belle version stroboscopique joliment appuyée par de superbes effets percussifs. Nous sommes dans le domaine de l'IDM ici, tout comme avec "Syndae's Nightmare" de Stan Dart, qui est plus dans le genre Trance, et la version plus Dance de Stefan Erbe, "GP". Je viens à peine de découvrir l'univers de Jim Ottaway que je retrouve sa participation au projet avec "Mystery Without Clues". La musique respire le sens de son titre avec une ambiance très extraterrestre. Le rythme ambiant est dressé sur un maillage de séquences percussionnées en mode tam-tam électronique, où les étoiles murmurent la mélodie de Golden Plain. C'est un beau titre qui peaufine son approche dans un beau décor tonal avec une vision plus animée mais qui reste toutefois étouffée dans une toile d'ambiances cosmiques.
La sélection du jury fait en sorte que tous les domaines de la musique électronique moderne est très bien représentée sur cette compilation. "Of things Impossible? (could Sleep do more?)", par That Horologe Machinery Divine, offre la vision la plus ambiosphérique de “The Sound of Syndae”. "Analogue Delight" volète entre le New Berlin School à la Robert Schroeder et le rock électronique usuel de Rudolf Heimann. La musique est densément peuplée d'une panoplie d'effets de divers instruments, dont des percussions claquantes et des riffs de six-cordes électriques, dans une structure fluide qui escalade les imaginaires montagnes de style Berliner. Le synthé et la guitare diffusent des solos très harmonieux. Après son introduction remplie d'effets de voix brumeuses, "The Voice of Syndae" propose une 1ière phase de rythme contenu dans son élan stationnaire par des séquences qui tentent de sonner la charge rythmique. Encore une fois coupée de sa queue, cette phase rythmique tombe dans une phase d'ambiances nourries de solos et d'effets de voix cassées. Par la suite, le rythme devient plus agressif avec une ligne de séquences rythmique et une autre de tintements harmoniques ainsi que des percussions. Le synthé lance de beaux solos sur ce titre de Sonic Chain. (y space) nous amène dans un univers de Lounge Music avec une approche qui flirte avec les éléments connus de Psybient. "Flight over Chryse Planitia" de Dream Within propose une version totalement déjantée. Tantôt ambiant, comme un boa digérant sa proie, et tantôt vif, comme un troupeau de lapins désorganisés, le rythme supporte ses caprices et la mélodie qui tournoie comme une ritournelle dans une lessiveuse. Des effets de glitch, de Hip-Hop et de voix cosmiques ornent un décor qui flirte aussi avec le côté Psybient de la nouvelle musique électronique. Plus ça avance et plus les pieds brûlent le sol. In Vitro tranquillise un peu les ambiances avec "Golden Mars" qui nous amène dans les sphères de la House Ambient.
Voilà le topo! On trouve toutes les informations concernant les artistes, les jurés et l'approche qui a conduit à “The Sound of Syndae” sur ce lien; The Sound of Syndae. Une belle compilation qui s'adresse principalement aux fans d'une MÉ plus près de la EDM que du modèle Berlin School, quoique ses structures et ses ambiances restent les remparts des 78 minutes d'un album qui survole honnêtement tous les genres que la Berlin School a engendrée. 

Sylvain Lupari 14/09/18

mercredi 12 septembre 2018

BIOME: The Shores of Temenos (2018)

“In a context of meditative listening or to simply accompany us in the arms of Morpheus, this album is of an unequaled efficiency”
1 Ryuku 8:41
2 C Ov Bioluminescense 9:54
3 The Shores of Temenos (Bamboo Windsong Mix) 20:02
4 Chroma Sunset 5:55
5 Rain Temple 4:37
6 Elysium Portal 5:57
(Bonus Track CD only) 

Biome Music BM2018 (CD/DDL 55:08)
(Biologically Infused Ambient Music)
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 **Chronique en français plus bas**
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What would an esoteric music be without the winds that propel its vibes? Dominant celestial winds, heavenly chirps and chords that sound like in this dialogue between humans and extraterrestrials from the movie Encounter of the Third Kind; "Ryuku" sets the tone for “The Shores of Temenos”. These chords are metamorphosed in the spirit of a harp with notes as high as one feels to be in the sky, flying and observing a tropical forest. Between Kitaro, for a delicate enchanting rhythm, and Osamu Kitajima, the excellent The Source, the first moments of
The Shores of Temenos stroll with the word delight. The music is tenderly wrapping with those layers of voices painted by a veil of discrete buzzing, so she fails on a slightly jerky rhythmic river. Tom-tom percussions invite their selves to this spiritual dance where the sound fauna takes more and more shape and colors. Biome is the latest project by Gregory Kyryluk, the man behind Alpha Wave Movement and the Harmonic Resonance Recordings label. The Floridian musician is one who likes to explore new sonic textures while remaining in the realm of a meditative EM. More esoteric than the music in AWM, “The Shores of Temenos” is a first opus which adapts the diversity of the digital sounds to more acoustic instruments. Instruments animated by a vision of freedom in an environment where man remains an unknown threat. The phases of rhythm remain in the field of ambient rhythms and are laying down by manual percussions which are supported by a sequencer in mode; come that I hypnotize you. And when they are present, it's to support the homogeneous dimension of the ambient structures. "C Ov Bioluminescense" is the perfect example! Its introduction flows with clouds of layers which clump together like those waves whose return fails on the arrival of the next. This effect of backwash offers astral songs and flutes on where get grafted multiple effects of drones, which are quite dominant on this album, as well as songs of stars and from azure breezes. Very celestial, the movement of "C Ov Bioluminescense" drifts to awaken a sequencer, around the 7th minute, whose lively but discreet oscillations only serve to lighten the weight of its atmospheres.
"The Shores of Temenos (Bamboo Windsong Mix)" is a great title mounted on multiple harmonic textures which scroll through the various metamorphoses of this imposing musical structure. The harp dominates as much as these flutes forged in bamboo. The sound result is spellbinding while the structure draws a little in "Ryuku" to feed the evolution of its 20 minutes. Except that here everything is happy, like a huge floral feast under palm trees and stars. These stars sparkle and fizzle in this fresco with oriental scents. Layers of heavenly voices and of mists carry ponds of evanescent melodies that are reborn in other forms, if not other textures. Rhythms are also forged from this electronic-acoustic union and retain a dreamlike vision, even when they accentuate a presence easily tamed by the multitude of esoteric elements that embrace the different textures on "The Shores of Temenos (Bamboo Windsong Mix)". A great title! "Chroma Sunset" is the liveliest title of this first Biome album. The structure hops up and down on a pulsating line whose repetitive knocking gives this illusion of a beat on the edge of the explosion, especially when sequences start spinning around. The melody is nostalgic with textures that metamorphose like a chameleon hiding in a multicolored canvas. Chords of keyboards, sometimes piano or guitar, wander in a corridor charged with lazy orchestrations and flutes breezes which at times are carving its tunes in symbiosis with the rhythmic pulsations. "Rain Temple" completes the download version of “The Shores of Temenos” in a cinematographic vision. If sequences activate a stationary and very discreet rhythm, the musical decor is painted with orchestrations that come and go like the regular movement of this waltz which accompanies the fall of the leaves but with two textures, the one sober and the other one to lift the hairs of our box of emotions. It's a bit like a jam session between Philip Glass and Osamu Kitajima. "Elysium Portal" is a title that comes only with the purchase of the CD. It's a melody, in a small ballad mold for solitary soul, where the keyboard chords resonate with bell jingles in harmony with this celestial choir where several voices seem absent. This is a very beautiful title that makes me think a lot about these melodies black and melancholic Max Richter.
With these essences that go from Kitaro to Max Richter and some of Osamu Kitajima's works, “The Shores of Temenos” is that kind of album that once in the skin, it doesn't want to leave. In a context of meditative listening or music to accompany us in the arms of Morpheus, this album is of an unequaled efficiency. And the more we listen, the more we love! In the end, Biome is a nice project by Gregory Kyryluk (we doubted it?). And I can't wait to hear more, because this mix of electronics and acoustics in a pristine tropical environment can still have immense charms to hear…
Sylvain Lupari (September 12th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available at Biome Music's Bandcamp

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                                                    CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Que serait une musique ésotérique sans les vents qui propulsent ses ambiances? Des vents dominants célestes, des pépiements paradisiaques et quelques notes qui sonnent comme dans ce dialogue entre humains et extraterrestres du film Encounter of the Third Kind; "Ryuku" donne le ton à “The Shores of Temenos”. Ces notes se métamorphosent dans l'esprit d'une harpe aux notes aussi hautes que l'on se sent dans le ciel, volant et observant une forêt tropicale. Entre du Kitaro, pour un délicat rythme envoûtant, et du Osamu Kitajima, l'excellent The Source, les premiers instants de “The Shores of Temenos” flânent avec le mot délice. La musique est soyeusement enveloppante avec des nappes de voix fardées par un voile de discrets bourdonnements, elle échoue sur une rivière rythmique légèrement saccadée. Des percussions tam-tam s'invitent dans cette danse spirituelle où la faune sonore prend de plus en plus sa forme et ses teintes. Biome est le dernier projet de Gregory Kyryluk, l'homme derrière Alpha Wave Movement et du label Harmonic Resonance Recordings. Le musicien floridien en est un qui aime explorer de nouvelles textures sonores tout en restant dans le domaine d'une MÉ méditative. Plus ésotérique que se musique avec AWM, “The Shores of Temenos” est un premier opus qui adapte la diversité des sons numériques à des instruments plus acoustiques. Des instruments animés par une vision de liberté dans un milieu où l'homme reste toujours un menaçant inconnu. Les phases de rythme restent dans le domaine des rythmes ambiants et sont couchés par des percussions manuelles qui sont appuyées par un séquenceur en mode viens que je t'hypnotise. Et lorsqu'ils sont présents, c'est pour appuyer la dimension homogène des structures d'ambiances. "C Ov Bioluminescense" est l'exemple parfait! Son introduction coule avec des nuées de nappes qui s'agglutinent comme ces vagues dont le retour échoue sur l'arrivée de la suivante. Cet effet de ressac offre des chants astraux et de flûtes où se greffent de multiples effets de drones, qui sont assez dominants sur cet album, ainsi que des chants d'étoiles et des brises azurs. Très céleste, le mouvement de "C Ov Bioluminescense" dérive jusqu'à éveiller un séquenceur, autour de la 7ième minute, dont les vives mais discrètes oscillations ne servent qu'à alléger le poids de ses ambiances.
"The Shores of Temenos (Bamboo Windsong Mix)" est un très beau titre monté sur de multiples textures harmoniques qui défilent à travers les diverses métamorphoses de cette imposante structure musicale. La harpe domine autant que ces flûtes forgées dans le bambou. Le résultat sonore est envoûtant alors que la structure pige un peu dans "Ryuku" afin de bien nourrir l'évolution de ses 20 minutes. Sauf qu'ici tout est joyeux, comme une immense fête florale sous les palmiers et les étoiles. Les étoiles pétillent et scintillent dans cette fresque aux parfums d'Orient. Les nappes de voix et de brumes célestes transportent des bassins de mélodies évanescentes qui renaissent sous d'autres formes, sinon d'autres textures. Les rythmes sont aussi forgés de cette union électronique-acoustique et conservent une vision onirique, même lorsqu'ils accentuent une présence facilement domptée par la multitude d'éléments ésotériques qui épousent les différentes textures sur "The Shores of Temenos (Bamboo Windsong Mix)". Un très beau titre! "Chroma Sunset" est le titre le plus vivant de ce premier album de Biome. La structure trépigne sur une ligne pulsatrice dont les cognements répétitifs donnent cette illusion de rythme sur le bord de l'explosion, surtout lorsque des séquences se mettent à tournoyer autour. La mélodie est nostalgique avec des textures qui se métamorphosent comme un caméléon se cachant dans une toile multicolore. Accords de claviers, tantôt piano ou guitare, errent dans un corridor chargé d'orchestrations et de flûtes oisives qui, par moments, sculptent ses airs en symbiose avec les pulsations rythmiques. "Rain Temple" termine la version téléchargeable de “The Shores of Temenos” dans une vision cinématographique. Si des séquences activent un rythme stationnaire et très discret, le décor musical est peint avec des orchestrations qui vont et viennent comme le mouvement régulier de cette valse qui accompagne la chute des feuilles mais avec deux textures, l'une sobre et l'autre à faire lever les poils de notre boîte à émotions. C'est un peu comme un jam entre Philip Glass et Osamu Kitajima. "Elysium Portal" est un titre qui vient seulement avec l'achat du CD. C'est une mélodie, dans un petit moule de ballade pour âme solitaire, où les accords de clavier résonnent avec des tintements de cloche en harmonie avec cette chorale céleste où plusieurs voix semblent absentes. C'est un très beau titre qui me fait penser énormément à ces mélodies noires et mélancoliques de Max Richter.
Avec ces essences qui vont de Kitaro à Max Richter en passant par certaines œuvres d'Osamu Kitajima, “The Shores of Temenos” est ce genre d'album qui une fois bien dans la peau, il n'en décolle plus. Dans un contexte d'écoute méditative ou de musique pour nous accompagner dans les bras de Morphée, cet album est d'une efficacité sans égal. Et plus on écoute, et plus on aime! Au final, Biome est un beau projet de Gregory Kyryluk (on en doutait?). Et j'ai hâte d'entendre la suite, car ce mélange d'électronique et d'acoustique dans un environnement tropical vierge ne peut avoir encore d'immenses charmes à entendre…

Sylvain Lupari 12/09/18