mercredi 29 août 2018

SAYER: A Different Side of Normal (2018)

“A Different Side of Normal is a big step in Sayer's career who now can structures his rhythms with the use of many new synths. It turns out to be a strong E-Rock album”

1 New Horizons 6:46
2 Emergence 6:50
3 Progressions 6:16
4 Berliner 8:32
5 Motions 7:37
6 Onward 6:49
7 Open Spaces 6:35
8 On the Road 7:39
9 Intricacies 5:59
10 Enchanted by Thunder 6:28
11 When It Rains 7:22
Sayer Music (CD/DDL 76:57)
              **Chronique en français plus bas**
A kind of snoring precedes a slight movement of the sequencer which draws the lines of a beautiful ballad, a little like a lullaby, which contort in the dense anesthetic layers in mode charm, with a big C. Bass sequences sculpt a more pulsating movement and the layers unfold their orchestrations which are in mode extreme charm. Always with a big C! Although there are few ballads in this last opus of Sayer, the others being "Open Spaces" and the superb "Intricacies", "New Horizons" graciously gives the tone to “A Different Side of Normal”. Available in DDL and CD and built on 11 tracks with an average duration of 7 minutes, this latest work by the American synthesist offers a series of titles, very disconnected from each other, with rhythms which are constantly in motion. Over the past few years, Sayer Seely has built a good and comfortable home studio and has also stored a plethora of synths that are featured in this album, giving thus a sound texture not only very assorted but also quite different in tones from the cosmic moods of his first albums. New textures that sound astonishingly familiar to my ears. Despite this new depth in his compositions, we are indeed in the universe of Sayer here with an album of electronic rock well coated of some cosmic substances, sometimes even organic, slightly different and whose cinematic vision is better defined here than elsewhere in his other albums. And if I'd like to compare, I would associate “A Different Side of Normal” to the electronic rock side of Moonbooter as well as Nattefrost's first albums.
More representative of the next 70 minutes of “A Different Side of Normal”, "Emergence" offers a lot of movement within its 7 minutes. The sequencer activates nervously behind hoarse breaths which turn into huge synth caresses. These pads weave some very extraterrestrial harmonies with an air of apocalypse in the tones whereas the rhythm, febrile and atypical, mutates constantly in different races without obstacles. "Progressions" also proposes a cosmic environment but with a melodious approach more in the bucolic baroque kind. If the sequencer is juicy and dark, its rhythm is resonant and slow with good percussive effects, the synth melody salivates perfumes of distress well finalize between brightness and a more diaphanous filter.  The introduction of "Berliner" is striking. The synth lines are like those circular lights of a lighthouse with a strand of fatality in the tone on a furtive movement of the sequencer, amplifying even more this feeling of threat. The movement accelerates the pace, taking the shape of a good electronic rock with sequences which roll in madness. The layers floating with vampiric harmonies and the elusive rhythm which plays constantly on its speed, this "Berliner" has a little something very attractive and which constantly reminds me of something that I just can't identify. By the way, I had this perception in a few places in this Sayer album. But in the end, "Berliner" is a title that hooks the senses on its first listen, like some others in this “A Different Side of Normal”. I wouldn't say the same thing of "Motions" which lands with another moving structure where the sequencer uses its tones and colors to confuse our listening. The synths always launch monstrous melodious layers and veils with this zest of intensity and apprehension which marks the distance between this last album of Sayer compared to his others.
"Onward" offers a stationary rhythm that our fingers struggle to imitate, so much the velocity is fierce. The scenery is still very much like in a disaster movie with battles between humans and Aliens. Always on the move, the rhythm comes off in order to embrace a convulsive phase whose charm and daring don't escape the ear. "Open Spaces" is a good lunar ballad not too complicated with a very harmonious movement of the sequencer and whose infinite seraphic rise takes place under some good layers of a soft synth nebulous of its texture. In a more ambient rhythm, "On the Road" comes to us with percussion elements perfumed of Jean-Michel Jarre's Révolutions era. These effects remain vaporous and are pretexts for a seductive line of sequences which unfolds a fascinating spheroidal structure. The structure evolves within its parameters, offering a diversity in the colors of a synth still as creative as the sequencer. These elements flirt with an organic vision that will be more present in the evolution of "Intricacies", a little gem which reflects quite well the depth of its meaning. This strange electronic ballad breathes through a pulsating and circular rhythm that is rooted in an organic texture. The sound fauna is seductive and probably would not be so attractive without these tears and lines of synth which inject sound effects (at times I would believe to be in the bottom of an ocean), anesthetic layers and nebulous melodies. We hang on at the first listen of this title, while "Enchanted by Thunder" will seduce more by the richness of its melodious and apocalyptic synth pads. The sequencer feeds this perception very well with a line of sequences which resonates by its threatening hue, whereas another one traces a zigzagging course that has nothing to do with the ambiances of the title, giving this atypical depth to multiple developments in the rhythms of “A Different Side of Normal”. And how to finish an opus of this scale? By a title that stands out! "When It Rains" offers a seductive approach of a military genre with a strange parade unified by synth lines whose seraphic approach infiltrates the harmonies of a victorious Goblin army. At ease in its convoluted structures, the sequencer picks up these percussions that have shaken a little the universe of "Enchanted by Thunder" in order to create a more compact than complex structure which is at the origin of the many charms of “A Different Side of Normal”. Charms with a big C!
Sylvain Lupari (August 29th, 2018) *****
Available on Sayer Bandcamp

                                   CHRONIQUE en FRANÇAIS

Un genre de ronflement précède un léger mouvement du séquenceur qui trace les lignes d'une superbe ballade, un peu comme une berceuse, qui se contorsionne dans les denses nappes anesthésiantes en mode charmes avec un gros C. Des basses séquences sculptent un mouvement plus pulsatoire et les nappes déploient leurs orchestrations qui sont en mode charme extrême. Toujours avec un gros C! Bien qu'il y ait peu de ballades dans ce dernier opus de Sayer, les autres étant "Open Spaces" et le superbe "Intricacies", "New Horizons" donne gracieusement le ton à “A Different Side of Normal”. Disponible en DDL et en CD et monté sur 11 titres d'une durée moyenne de 7 minutes, ce dernier ouvrage du synthésiste Américain propose une série de titres, très disconnectés les uns des autres, avec des rythmes qui sont constamment en mouvements. Au fil des dernières années, Sayer Seely s'est construit un très beau et confortable studio et a aussi emmagasiné une pléthore de synthés qui sont en vedette dans cet album, donnant ainsi une texture sonore non seulement très diversifiée mais aussi assez différente des ambiances cosmiques de ses premiers albums. Des textures nouvelles qui sonnent étonnement familier à mes oreilles. Malgré cette nouvelle profondeur dans ses compositions, nous sommes bel et bien dans l'univers du synthésiste Américain avec un album de rock électronique bien enrobé d'une substance cosmique, parfois même organique, légèrement différente et dont la vision cinématographique est mieux définie ici qu'ailleurs dans ses autres albums. Et si je voudrais faire dans du comparatif, j'associerais “A Different Side of Normal” au côté rock électronique de Moonbooter ainsi qu’au début de carrière de Nattefrost.
Plus représentatif des 70 prochaines minutes de “A Different Side of Normal”, "Emergence" propose beaucoup de mouvements à l'intérieur de ses 7 minutes. Le séquenceur s'active nerveusement derrière des souffles rauques qui se transforment en immense nappes synthé. Ces nappes tissent des harmonies très extra-terrestres avec un air d'apocalypse alors que le rythme, fébrile et atypique, mute constamment en différentes courses sans obstacles. "Progressions" propose aussi un décor cosmique mais avec une approche mélodieuse plus dans le genre baroque bucolique. Si le séquenceur est juteux et noir, son rythme est résonnant et lent avec de bons effets percussifs, la mélodie du synthé écume des parfums de détresse bien fignolés entre la luminosité et un filtre plus diaphane. L'introduction de "Berliner" est fumante. Des lignes de synthé ondoient comme les lueurs circulaires d’un phare avec un brin de fatalité dans le ton sur un mouvement furtif du séquenceur, amplifiant encore plus cette sensation de menace. Le mouvement accélère la cadence, épousant un bon rock électronique avec des séquences qui roulent en folie. Les nappes flottant avec des harmonies vampiriques et le rythme insaisissable qui joue constamment sur sa vitesse, ce "Berliner" a un petit quelque chose de bien séduisant et me rappelle constamment un truc que je n'arrive pas à identifier. D'ailleurs, j'ai eu cette perception à quelques endroits dans cet album de Sayer. Mais au final, "Berliner" est un titre qui accroche dès sa première écoute, comme quelques autres dans ce “A Different Side of Normal”. Je ne dirais pas la même chose avec "Motions" qui débarque avec une autre structure en mouvement où le séquenceur utilise ses tons et ses couleurs afin de bien confondre notre écoute. Les synthés lancent toujours de monstrueuses nappes mélodieuses avec ce zest d'intensité et d'appréhension qui marque la distance entre ce dernier album de Sayer par rapport à ses autres.
"Onward" propose un rythme stationnaire que nos doigts peinent à imiter, tant la vélocité est féroce. Le décor fait encore très film de catastrophe avec des combats entre humains et Aliens. Toujours en mouvement, le rythme se détache pour embrasser une phase convulsive dont le charme et l'audace n'échappent pas à l'oreille. "Open Spaces" est une belle ballade lunaire pas trop compliquée avec un mouvement très harmonieux du séquenceur et dont l'infinie ascension séraphique se déroule sous de belles nappes d'un synthé tendre et nébuleux de sa texture. Dans un rythme plus ambiant, "On the Road" nous arrive avec des éléments de percussions parfumés de l'ère Revolutions de Jean-Michel Jarre. Ces effets restent vaporeux et sont prétextes pour qu'une séduisante ligne de séquences déroule une fascinante structure sphéroïdale. La structure évolue à l'intérieur de ses paramètres, offrant une diversité dans les couleurs d'un synthé toujours aussi créatif que le séquenceur. Ces éléments flirtent avec une vision organique qui sera plus présente dans l'évolution de "Intricacies", un petit bijou qui reflète assez bien la profondeur de son sens. Cette étrange ballade électronique respire par un rythme pulsatoire et circulaire qui est enraciné dans une texture organique. La faune sonore est séduisante et ne serait sans doute pas si attrayante sans ces larmes et ces lignes de synthé qui injectent effets sonores (par moments je me croirais dans le fond d'un océan), nappes anesthésiantes et mélodies nébuleuses. On accroche tout de go à la première écoute de ce titre, alors que "Enchanted by Thunder" séduira plus par la richesse de ses nappes de synthé à la fois mélodieuses et apocalyptiques. Le séquenceur alimente très bien cette perception avec une ligne de séquences qui résonnent de sa teinte menaçante, alors qu'une autre trace un parcours zigzagant qui n'a rien à voir avec les ambiances du titre, donnant ainsi cette profondeur atypique aux multiples évolutions dans les rythmes de “A Different Side of Normal”. Et comment terminer un opus de cette envergure? Par un titre qui s'en démarque! "When It Rains" propose une séduisante approche d'un genre militaire avec une étrange parade unifiée par des lignes de synthé dont l'approche séraphique infiltre les harmonies d'une armée de Gobelins victorieux. À l'aise dans ses structures alambiquées, le séquenceur ramasse ces percussions qui secouaient un peu l'univers de "Enchanted by Thunder" afin de créer une structure plus compacte que complexe qui est à l'origine des nombreux charmes de “A Different Side of Normal”. Charmes avec un gros C!

Sylvain Lupari 29/08/18

lundi 27 août 2018

DAVID WRIGHT: Stranger Days (2018)

“Stranger Days presents David Wright's nearly 30-year of career in a strong double album where all styles and years coexist inside the same artwork”
CD 1 75:50
1 A Moment’s Contemplation 3:04
2 Re-Connected 7:34
3 Beyond Glass Mountains 5:20
4 Walking with Ghosts Fantasy 6:59
5 Krystal Halls 6:24
6 Always Tomorrow 4:35
7 Once Upon a Dream 6:16
8 Stranger Days (Parts 1-7) 35:10
CD 2 77:47
9 Rysheara (2018 version) 8:40
10 Call to Me (2018 remix) 8:43
11 Walking with Ghosts (Chilled remix) 5:10
12 Melt Away 6:16
13 Harmonic Heaven (Parts 1 & 2) 13:50
14 Light Source (Parts 1 & 2) 10:51
15 Colours of the Night 4:40
16 The Forgotten Symphony (Movements 1-4) 19:24
AD Music | AD188CD (CD/DDL 153:37)
(Berlin & England Schools, New Age)
  **Chronique en français plus bas**
What makes a new David Wright album a highly anticipated event in EM circles? However, the friendly English musician has nothing to do with the Berlin School style for a long time. Moreover, his very melodious and symphonic approach, which I consider equal to that of Vangelis since the album Direct published in 1988, led him to flirt with the borders of a New Age worthy of the voracity of the media and the public American. Yet despite this approach, his albums follow each other and show much more depth than New Age. Expected for a long time, and repeatedly postponed, “Stranger Days” is still the umpteenth proof. Behind a flawless production driven by arrangements as intricate as highly stigmatized in the crystal of emotions, this imposing double album is in fact an improbable overview of the career of the greatest melodist in EM. Through some new pieces of music and long concept tracks that will amaze on a first listen and will seduce on each new one, also are hiding old titles and some recent ones that have been reworked to the full satisfaction of this artist who is behind this wave of the England School style in the mid-80's.
This new adventure begins with the slow astral flight of tender layers full of seraphic violins of "A Moments' Contemplation". Composed specifically like the desired opening of “Stranger Days”, the music reflects the spirit of its title with a contemplative vision composed with the idea of igniting the flame of our emotions from the first moments of this double album. It's almost successful. Otherwise, it's an excellent prelude to the superb and very catchy "Re-Connected" that was on the EP Walking with Ghosts (The Remixes), made in early June 2018. The titles "Walking with Ghosts Fantasy" and "Walking with Ghosts (Chilled remix)" were also part of this 40-minute auditory adventure. I wasn't really sure, I don't have the artwork beneath my eyes, but it seemed to me that I had already heard "Beyond Glass Mountains". And that's true since it's a reworked version of Glass Mountains appeared on Ocean Watch. The version proposed here is more orchestral with new electronic effects and the sweet voice of Carys gives a depth to this title became more heavenly. A very New Age lunar ballad! "Krystal Halls" is a title composed with Klaus Hoffmann-Hoock which was interpreted by Code Indigo on the album E-Scape 2018. Now, let's talk about the new music! "Always Tomorrow" is a sweet electronic ballad typical of David Wright's signature. Beautiful and catchy, we can't just not like its simplicity. Probably inspired by the Miramar years of Tangerine Dream, with its effects of sweet and distant voices and its bongos, "Once Upon a Dream" is also in the well-known David's register with a nervous rhythm encircled by multiple synth textures including one with saxophone aromas which is charmer of senses. From the top of its 35 minutes and its 7 parts, the title-piece is a real monument of modern EM where rhythm, atmosphere and melody flirt in an environment where multiple sound effects are as synonymous of researches and as well dosed. A cosmic breeze lands on a sequencer which sculpts a slow and ominous pulsating rhythm. Sonic filaments whirl around this opening, drifting into a black hole where sound beings are formed. Intense, the slow procession is covered with a layer of tones that a synth pierces with its melodious approach. This synth goes on with its solos and harmonies in a second part whose rhythm takes more shape and turns into a mini Silver Scale of Tangerine Dream. Guitar riffs whip this very Berlin School rhythmic invasion that rolls like a train going up a hill. Tinkling and seductive percussive effects give tonus to this structure well decorated by solos that roll in loops and in effects that give it a slightly spicy velvet texture. We arrive at Part 4 and the rhythm is always hypnotic in a sonic uproar that keeps us awake and keeps our ears on the alert. Coated of orchestral layers a little more melodious, the part 5 keeps its rhythmic instinct which will gradually fade out in the ambiances of the 7th part. An epic title which shows that David Wright can be at ease as much as in the melodic structures easy to commercialize than in a very good Berlin School visited with a creative approach. We get a grip on ourselves and put the CD 2 in the player.
That's with a revamped version of an old David Wright's classic that awaits our ears. Performed in concert, "Rysheara (2018 version)" evolves in electronic rock mode well played and where the synth of David Wright and the guitar of Lee Morant exchange very good solos. The identity of the original title, which appears on the Dissimilar Views album, is almost intact, even in its more rock approach and stretched out of more than 3 minutes. "Call to Me (2018 remix)" is already in its third remix since it was released on Beyond the Airwaves Volume 2. It's still a light track, Carys' voice goes very well with David Wright's ethereal harmonies, very close to the borders of Enigma, just like "Melt Away", and which also has some Lounge or Chill Out essences. "Harmonic Heaven (Parts 1 & 2)" bears the colors of its title with a slow exploration in an astral universe. Voices of nymphs from the heavens adorn a landscape of celestial ambiences that reach back to our ears with slow movements of violins, leading a semi-nervous and semi-controlled rhythm with a good mesh of sequences and percussions in the 2nd part. That remains a symphonic music that befits well in the territories of an ambient New Age. "Light Source (Parts 1 & 2)" is on the other hand more animated and loaded with good synth solos whose signature of David Wright is undeniable. The music switches to a good rock with an amazing play of percussions. The harmonies are woven by the continuous presence of solos and David puts down here and there effects that constantly charm the listening, including one where the movement of percussion stumbles. It's very close to David Wright's first albums. The second part exposes a violin texture in the solos and the rhythm breathes more of its heaviness with a good presence of the bass. Taken out, in order to have a sonic surgery, from the Marylinmba album back in 1998, "Colors of the Night" is another good electronic ballad with a synth whose violins and flute harmonies are very poignant. A unique ballad in the very romantic style of David Wright. Arranged with Robert Fox, "The Forgotten Symphony (Movements 1-4)" completes this massive work with a music gently animated by an ambient vision. The rhythm barely breathes with a bass sequences' pattern and a bass line behind the barrage of violins where some fragile piano notes are preludes to harmonious passages, including this nice peasant flute with the bucolic charms of The Keep. Provided with beautiful winks to the great masters of EM, the music is based on intense orchestrations lying by a very emotional play of the Mellotron. And when it's not this Mellotron flute that assails our emotions, it's the piano that triturates them with excellent passages just as poignant. Original sound effects, such as the laughing laughter of a strange bird or the clatter of a deregulated clock, adorn this fascinating procession which ends with a clannish dance approach and a strong oriental fragrance.
Monumental in all aspects, this “Stranger Days” presents David Wright's nearly 30-year of career in a solid double album where all styles and years coexist inside the same artwork. Around 16 tracks and more than 2:30hrs of music, David Wright displays his immense melodic talent in a music which flirts bluntly between the borders of Easy Listening, New Age, England School and Berlin School with a little more creative zest in long structures, especially in "Stranger Days (Parts 1-7)". Without being essential, the remixes are quite delicious to the ears. But aren't those small details that make of a new album of David Wright a highly anticipated event in the circles of the EM?
Sylvain Lupari (August 27th, 2018) ****½*
Available on AD Music web store

                              CHRONIQUE en FRANÇAIS

Qu'est-ce qui fait qu'un nouvel opus de David Wright soit un évènement très attendu dans les cercles de la MÉ? Pourtant, le sympathique musicien Anglais n'a rien à voir avec le style Berlin School depuis longtemps. D'ailleurs son approche très mélodieuse et symphonique, que je considère égale à celle de Vangelis depuis l'album Direct paru en 1988, l'a amené à flirter avec les frontières d'un New Age digne de la voracité des médias et du public américain. Pourtant et malgré cette approche, ses albums se suivent et démontrent nettement plus de profondeur que le New Age. Attendu depuis fort longtemps, et maintes fois reporté, “Stranger Days” en est encore l'ixième preuve. Derrière une production sans failles conduite par des arrangements aussi alambiqués que très stigmatisés dans du cristal d'émotions, cet imposant album double est en fait un improbable survol de la carrière de celui qui a fondé le label AD Music. Au travers quelques nouveautés et de longs titre-concepts qui étonneront à la 1ière écoute et séduiront à chaque nouvelle, se cachent aussi de vieux titre et d'autres plus récents qui ont été retravaillé jusqu'à l'entière satisfaction de cet artiste qui est derrière la vague de la England School du milieu des années 80.
Cette nouvelle aventure débute avec la lente envolée astrale des tendres nappes de violons séraphiques de "A Moments' Contemplation". Composée spécifiquement comme l'ouverture souhaitée de “Stranger Days” la musique reflète l'esprit de son titre avec une vision contemplative composée avec l'idée d'allumer la flamme de nos émotions dès les premiers instants de ce double album. C'est quasiment réussi. Sinon, c'est un excellent prélude au superbe et très accrocheur "Re-Connected" qui était sur le E.P. Walking with Ghosts (The Remixes), réalisé en début Juin 2018. Les titres "Walking with Ghosts Fantasy" et "Walking with Ghosts (Chilled remix)" faisaient aussi parti de cette aventure auditive de 40 minutes. Je n'étais pas vraiment certain, je n'ai pas la pochette sous les yeux, mais il me semblait que j'avais déjà entendu "Beyond Glass Mountains". Et c'est vrai puisqu'il s'agit d'une version retravaillée de Glass Mountains qui figure sur Ocean Watch. La version proposée ici est plus orchestrale avec des nouveaux effets électroniques et la suave voix de Carys qui donne toute une profondeur à ce titre devenu plus céleste. Une ballade lunaire très New Age! "Krystal Halls" est un titre composé avec Klaus Hoffmann-Hoock qui fut interprété par Code Indigo sur l'album E-Scape 2018. Maintenant, place au nouveau matériel! "Always Tomorrow" est une douce ballade électronique typique à la signature de David Wright. Belle et accrocheuse, on ne peut ne pas aimer sa simplicité. Sans doute inspiré des années Miramar de Tangerine Dream, avec ses effets de voix suaves et lointaines et ses bongos, "Once Upon a Dream" est aussi dans le registre très connu du musicien Britannique avec un rythme nerveux encerclé par de multiples textures de synthé dont une aux arômes de saxophone charmeur de sens. Du haut de ses 35 minutes et de ses 7 parties, la pièce-titre est un véritable monument de MÉ moderne où rythme, ambiance et mélodie flirtent dans un environnement où les multiples effets sonores sont autant synonymes de recherche que bien dosés. Une brise cosmique atterrit sur un séquenceur qui sculpte un rythme pulsatoire lent et sinistre. Des filaments soniques tournoient autour de cette ouverture, dérivant dans un trou noir où se forment des êtres de sons. Intense, la lente procession se recouvre d'une nappe de tons qu'un synthé perce de son approche mélodieuse. Ce synthé poursuit sa route avec ses solos et ses harmonies dans une 2ième partie dont le rythme prend plus sa forme et se transforme en un mini Silver Scale de Tangerine Dream. L'intensité est encore plus cinématographique avec une légère accélération du rythme qui grimpe par secousses dans l'ombre de cognements insistants et dans ces effets qui cisaillent une texture minimaliste et hypnotique tout au long de son processus introductif. Des riffs de guitare flagelle cette invasion rythmique très Berlin School qui roule comme un train montant une colline. Des tintements et de séduisants effets percussifs donnent du tonus à cette structure bien décorée par des solos qui tournent en boucles et des effets qui lui donnent une texture de velours légèrement piquant. On arrive à la partie 4 et le rythme reste toujours hypnotique dans un tintamarre sonique qui nous tient éveillé et qui garde nos oreilles sur le qui-vive. Enduit de nappes orchestrales un peu plus mélodieuses, la partie 5 garde son instinct rythmique qui se fanera graduellement dans les ambiances de la 7ième partie. Un titre épique qui démontre que David Wright peut faire autant de structures mélodiques faciles à commercialiser comme du très bon Berlin School visité avec une approche créative. On reprend nos esprits et on met le CD 2 dans le lecteur.
C'est une version revampé d'un vieux succès de David Wright qui attend nos oreilles. Interprété en concert, "Rysheara (2018 version)" évolue en mode rock électronique bien joué où le synthé et la guitare de Lee Morant s'échangent de très bon solos. L'identité du titre original, qui figure sur l'album Dissimilar Views, est quasi intacte, même dans son approche plus rock et étirée de plus de 3 minutes. "Call to Me (2018 remix)" en est déjà à son 3ième remix depuis sa parution sur Beyond The Airwaves Volume 2. Ça reste un titre léger, la voix de Carys va à merveille avec les harmonies teintées d'éther de David Wright, qui est aussi très près des frontières d'Enigma, tout comme "Melt Away", et qui possède aussi des essences de Lounge ou de Chill Out. "Harmonic Heaven (Parts 1 & 2)" porte les couleurs de son titre avec une lente exploration dans un univers astral. Des voix de nymphes des cieux ornent un paysage d'ambiances célestes qui remontent jusqu'à nos oreilles avec de lents mouvements de violons, conduisant un rythme semi-nerveux, semi-contrôlé par un bon maillage de séquences et de percussions dans la 2ième partie. Ça reste une musique symphonique qui sied bien dans les territoires d’un New Age ambiant. "Light Source (Parts 1 & 2)" est en revanche plus animé et pourvu de bons solos de synthé dont la signature de David Wright est indéniable. La musique permute en un bon rock avec un étonnant jeu de percussions. Les harmonies sont tissées par la présence continue des solos et David pose ici et là des effets qui charment constamment l'écoute, dont celui où le mouvement des percussions trébuche. C'est très proche des premiers albums de David Wright. La 2ième partie expose une texture de violon dans les solos et le rythme respire plus sa lourdeur avec une bonne présence de la basse. Soutiré, afin d'avoir une chirurgie sonique, de l'album Marilynmba, sorti en 1998,"Colours of the Night" est une autre belle ballade électronique avec un synthé dont les nappes de violons et les harmonies flûtées sont très poignantes. Une ballade unique au style très romancé de David Wright. Arrangé avec Robert Fox, "The Forgotten Symphony (Movements 1-4)" termine cette œuvre massive avec une musique doucement animée par une vision ambiante. Le rythme respire à peine avec une séquence basse et une ligne de basse derrière ce barrage de violons où se posent de fragiles notes de piano qui sont les préludes à des passages harmonieux, dont cette superbe flûte paysanne aux charmes bucoliques à The Keep. Parsemée de superbes clins d'œil aux grands maîtres de la MÉ, la musique repose sur d'intenses orchestrations couchées par un jeu très émotif du Mellotron. Et lorsque ce n'est pas cette flûte de Mellotron qui assaille nos émotions, c'est le piano qui les triture avec d'excellents passages tout aussi poignants. Des effets sonores originaux, comme des rires moqueurs d'un étrange oiseau ou des cliquetis d'une horloge dérèglée, ornent cette fascinante procession qui se termine avec une approche de danse clanique et un fort parfum oriental.
Monumental dans tous les aspects, “Stranger Days” nous présente les presque 30 ans de carrière de David Wright dans un solide double album où tous les styles et les ans cohabitent à la même enseigne. Autour de 16 titres et plus de 2:30hres de musique, David Wright fait un étalage de son immense talent de mélodiste dans une musique qui flirte sans ambages entre les frontières du Easy Listening, du New Age, de l'England School et du Berlin School avec un petit zest de créativité plus poussé dans de longues structures, notamment dans "Stranger Days (Parts 1-7)". Sans être essentiels, les remixes sont tout à fait délicieuses aux oreilles. Mais n'est-ce pas ces petits détails qui font qu'un nouvel opus de David Wright soit un évènement très attendu dans les cercles de la MÉ?
Sylvain Lupari 27/03/18 

dimanche 26 août 2018

NORD: Black Tears (2018)

“Sad in all aspects, Black Tears is nonetheless the most beautiful album of pure EM from Sztakics István Attila since Pendulum”

1 Grief 10:30
2 Sorrow 7:05
3 Deprivation 7:46
4 Daze 7:03
5 Resignation 10:16
6 Memories Left Behind 14:15
7 Life goes on and on... 13:07
Nord Music (DDL 70:04)
(Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
Music begins where words are powerless to express. Music is made for the inexpressible. I want music to seem to rise from the shadows and indeed sometimes to return to them” It's around these words from Claude Debussy that Nord has built his last album “Black Tears”. This very personal album marks a return to more electronic bases for the Romanian musician who composed it with emotions that he could express in a different way but in music.
It's therefore with an introduction chiseled into his deepest emotions that opens "Grief". Chords fall with a distressing heaviness. And from their resonances get escape some pads that widen the filter of an apparent pain. The music is as sober as it is dark and the synth pads stream the threads of a nostalgic melody while the procession of "Grief" evolves in a setting where the esoteric aspect of death gravitates with celestial elements. Percussive noises lurk behind a heavy sonic procession from which emerges a movement of the sequencer. The following rhythms follow the usual standard of the Berlin School with a zigzag line which goes up and down, goes away from the auditory field and gets back, with a small swarm of percussion elements still attractive to the ears. The synth adorns this new rhythmic acceleration of anesthetic mists which follow fairly well a rhythm structure that receives a great ally with some sober and effective percussions. From its ambient embryo, "Grief" evolves towards a good electronic rock by passing through a more Berliner approach. This evolving principle, with varied emotional textures, applies for the next 6 titles of “Black Tears”. "Sorrow" begins with a more striking ambiospheric landscape. Tears from a very Vangelis synth cry in a lunar scenery which accurately renders the feeling of loneliness that rocks us when a rough passage makes our world tips over. Alone in this universe, Nord seems to cry by his very expressive synth full of sobers which wear out our supply of oxygen. A pulsating movement emerges around the 4th minute, imitating a circadian flutter which calms down with the drying of our lacrimal glands.
"Deprivation" stands out by its lively sequencer movement that makes its keys jump as soon as the music breathes. These balls of beat are hopping into the fog of synth pads too quiet for this hyperactive phase of stationary rhythm. "Daze" gets tied up to this structure, by the vivacity of the sequences and by some very penetrating solos. The sequencer releases a mass of beat's balls which jump like a dozen balls on a conveyor, structuring a very static electronic rhythm which relies on solid percussions in order to ignite a bass line that goes up and down, dragging thus "Daze" in a solid ending of electronic prog rock. Nord is in great shape behind his synths, shaping solos as angry as tender which chisel huge banks of meditative mists. It's in a decor of supernatural ambiences elements that "Resignation" gets fixed to my ears. Keyboard chords twinkle, violin lines expire and masses of white noises purr in this passage filled by synth pads whose color and tone remain to be defined. A movement of the sequencer raises a line of nervous rhythm which plays with these keyboard chords, structuring an approach as evasive as these drifting synths and keyboard riffs that crumble like a series of drops fleeing the tap. The structure and its tension remind me vaguely Tangerine Dream's Silver Scale. "Memories Left Behind" puts to profile its 14 minutes to patiently spread out an electronic structure born of sounds' graffiti and strangeness, as well as white noises which sizzle in a landscape of ambiences flirting with the border of psychedelia. The title evolves by kaleidoscopic phases, among which a good one animated by a line of rhythm and of ambiences, before reaching a last one of big progressive and electronic symphonic rock. Built around the same mold, "Life goes on and on ..." is the biggest title of “Black Tears”. After a short and very orchestral opening, a phase of pure electronic madness excites the ambiences as the sequencer draws the arcs of a rotary rhythm. Guided by this sequencer and supported by a still creative synth, the music oscillates between the ears with a rich texture and a lively rhythm structure but retained by a dense veil of sound effects and orchestrations that gives way under percussion attacks, guiding "Life goes on and on ..." in a solid and lively electronic rock structure, like in the universe of Let Them Float by the Polish musician Przemyslaw Rudź.
Sad in all aspects, “Black Tears” is nonetheless the most beautiful album of pure EM from Sztakics István Attila since Pendulum. There are beautiful pearls in this album where the emotions of Nord roll thin-skinned.
Sylvain Lupari (August 25th, 2018) *****
Available on Nord Bandcamp

                                                    CHRONIQUE en FRANÇAIS

La musique commence là où la parole est impuissante à exprimer ; elle est écrite pour l'inexprimable. Je voudrais qu'elle eût l'air de sortir de l'ombre et que, par instants, elle y rentrât, et que toujours elle fût discrète personne.” C'est sur ces paroles de Claude Debussy que Nord a construit son dernier album “Black Tears”. Cet album très personnel marque un retour vers des bases plus électronique pour le musicien Roumain qui l'a composé avec des émotions qu’il ne pouvait exprimer d’une autre façon qu’en musique.
C'est donc avec une introduction ciselée dans ses plus profondes émotions que s'ouvre "Grief". Des accords tombent avec une lourdeur affligeante. Et de leurs résonnances s'évadent des nappes qui élargissent l'écran d’une douleur apparente. Le musique est aussi sobre que sombre et les nappes étendent des filets d'une mélodie nostalgique alors que la procession de "Grief" évolue dans un décor où l'aspect ésotérique de la mort gravite avec des éléments célestes. Des bruits percussifs rôdent derrière un lourd cortège sonique d'où émerge un mouvement du séquenceur. Le rythme qui suit épouse les usuels standards de la Berlin School avec une ligne zigzagante qui monte et descend, s'éloigne du champ auditif et revient, avec un petit essaim d'éléments de percussions toujours aussi séduisants aux oreilles. Le synthé orne cette nouvelle accélération rythmique de brumes anesthésiantes qui suivent assez bien une structure de rythme qui reçoit un allié de taille avec des percussions sobres et efficaces. De son embryon ambiant, "Grief" évolue vers un bon rock électronique en passant par une approche plus Berliner. Ce principe évolutif, avec des textures émotives variées s'appliquent pour les 6 prochains titres de “Black Tears”. "Sorrow" débute avec un paysage ambiosphérique plus saisissant. Des larmes de synthé très Vangelis pleurent dans un décor lunaire qui rend avec justesse ce sentiment de solitude qui nous berce lorsqu'une épreuve fait basculer notre monde. Seul dans cet univers, Nord pleure par son synthé très expressif avec des sanglots qui épuisent notre réserve d'oxygène. Un mouvement pulsatif émerge autour de la 4ième minute, imitant un battement circadien qui se tranquillise avec l'assèchement de nos glandes lacrymales.
"Deprivation" fait bande à part avec son vif mouvement du séquenceur qui fait bondir ses ions dès que la musique respire. Ces balles de rythme sautent dans le brouillard dans des nappes de synthé trop tranquilles pour cette phase hyperactive de rythme stationnaire. Le mouvement prend une autre teinte dans les tonalités du séquenceur, donnant ainsi une approche qui semble plus virile mais qui reste toujours sur la même cadence. De très beaux solos bien aiguisés étendent art et harmonies sur une musique qui se réfugie par moments dans des phases d'ambiances mélancoliques et d'autres moments où le cosmos embrasse les larmes, mais plus souvent dans des figures de rythmes évolutifs qui deviennent plus lourd et incisifs avec le labourage de sobres percussions. "Daze" s'arrime à cette structure, par la vivacité des séquences et les solos très pénétrants. Le séquenceur libère une masse d'ions qui sautillent comme une dizaine de billes sur un convoyeur, structurant un rythme électronique très statique qui s'appuie sur de solides percussions enfin d'embraser une ligne de basse qui monte et descend, entraînant ainsi "Daze" dans un rock progressif électronique. Nord est en grande forme derrière son synthé, créant des solos aussi colériques que tendres qui cisaillent de gros bancs de brumes méditatives. C'est avec un décor d'éléments d'ambiances surnaturelles que "Resignation" s'amarre à mes oreilles. Des accords de clavier scintillent, des lignes de violon expirent et des masses de bruits blancs ronronnent dans ce passage rempli de nappes de synthé dont la couleur et la tonalité restent à définir. Un mouvement du séquenceur fait monter une ligne de rythme nerveuse qui joue avec ces accords de clavier, structurant une approche aussi évasive que ces nappes de synthés à la dérive et ces riffs de claviers qui s'émiettent comme une série de gouttes fuyant le robinet. La structure et sa tension rappellent vaguement Silver Scale de Tangerine Dream. "Memories Left Behind" met à profil ses 14 minutes pour étendre patiemment une structure électronique née de graffitis et d'étrangetés sonores, ainsi que des bruits blancs qui grésillent dans un paysage d'ambiances flirtant avec la frontière du psychédélisme. Le titre évolue par phases, dont une belle animée par une ligne de rythme et d'ambiances, kaléidoscopique avant d'atteindre une dernière de rock progressif symphonique et électronique. Construit autour du même moule, "Life goes on and on..." est le plus gros titre de “Black Tears”. Après une courte ouverture très orchestrale, une phase de pure folie électronique excite les ambiances alors que le séquenceur dessine les arcs d'un rythme rotatoire. Guidée par ce séquenceur et appuyé par un synthé toujours aussi créatif, la musique oscille entre les oreilles avec une texture riche et une structure de rythme vivante mais retenue par un dense écrin d'effets sonores et d'orchestrations qui cède sous les attaques de percussions, guidant "Life goes on and on..." dans une solide structure de rock électronique vivant et entraînant, comme dans l'univers de Let Them Float du musicien Polonais Przemyslaw Rudz.
Triste sous tous les rapports, “Black Tears” est néanmoins le plus bel album de MÉ pure de Sztakics István Attila depuis Pendulum. Il y a de belles perles dans cet album où les émotions de Nord roulent à fleur de peau.
Sylvain Lupari 25/08/18

samedi 25 août 2018

LENSFLARE: Sonic Architecture (2018)

"The landscapes here are constantly changing while stimulating a listening that will reveal beautiful things if we have this penchant for an electronic music more exploratory"

1 Cycling 12:31
2 Through 13:42
3 Infected 11:00
4 Waves 11:08
Lensflare Music (DDL 48:23)
(Vintage Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
A synth pad with unfinished harmonies rise to infiltrate our ears with an equatorial tone. Other layers fuse with the same warmth and idleness, giving "Cycling" an opening of ambiences where the fine granular side of the mist adds an esoteric touch. Built around 4 tracks that explore the ambient character of electronic music, “Sonic Architecture” represents quite well the meaning and depth of Lensflare's 3rd opus to be released in 2018. A sequencer movement sculpts a galloping rhythm. A rhythm that flies behind a heavy mass of layers and some decorative lines drawn by a synth that flirts with a psychedelic approach. Nervous and yet fiery, this rhythm drawn from the coat of arms of Tangerine Dream unfolds a jerky pattern that hops on the spot behind the effects of gurgling water before breaking and thus to release a brighter line that whirls with a choir coming from nowhere. The velocity of the rhythm is still stifled in the background while the effects and the sound mass negate the seraphic chants to guide "Cycling" towards its last beats. "Through", as well as "Infected", are built on the same bases, either be long introductions of ambient phases coated of a more psychedelic approach of synths. Delicious with its layers floating in a pool of breaths, breezes and tears of a synth in mode; making cry sheets of twisted metals, the opening of "Through" projects me into the world of Chronos, strange tones in less. I hear mocking whispers behind this sonic placenta from which will emerge a nice oscillating line that will add more brightness to the second part of "Cycling".
Cosmic ambiances that extends a heavy cloak of sounds in a celestial corridor, "Infected" isn't really far from the vision of its title. Its introduction does very Klaus Schulze of analog years with good effects which come and go like waves in an ocean without bottom nor structure. The movement of the sequencer awakens around the 5th minute by making gallop its keys which are running in all directions, while structuring a probable mainline of an atypical rhythm. Here again, the effects and the sluggish tablecloths that whirl around like a tornado to be born stifle a structure of rhythm while espousing its form. These effects grow with a clear intensity that reaches its climax in a final where the rhythm was lost somewhere. The arcs of sounds that float with a slight movement of surf or reverberations in the curves are at the heart of the peaceful journey of "Waves". The sequencer's movement sculpts a rhythm jumping with a harmonious stroboscopic thin line in a setting where the sound effects of sci-fi and of aurora borealis intersect their elements in a geo-sonic storm. The sky clears up by good moments, revealing a more harmonic sequencer movement flowing in a more ethereal phase. And like the other 3 structures in “Sonic Architecture”, the landscapes are constantly changing with their differences, light or enormous, while stimulating a listening that will reveal beautiful things if we have this penchant for an electronic music more exploratory, even more experimental, with some good fragrances of Klaus Schulze, for the ambiences, and Tangerine Dream, for the evolutions of the sequenced rhythms. The psychedelic side comes from the different shades and sonic architectures of Andrea Lensflare Debbi who seems inspired by the Ohr period of the 70's.
Sylvain Lupari (August 25th, 2018) ***½**
Available on Lensflare's Bandcamp

                                               CHRONIQUE en FRANÇAIS

Une nappe de synthé aux harmonies inachevées se lèvent pour infiltrer nos oreilles d'une tonalité équatoriale. D'autres nappes fusent avec la même chaleur et la même oisiveté, donnant à "Cycling" une ouverture d'ambiances où le fin côté granuleux de la brume ajoute une touche ésotérique. Construit autour de 4 titres qui explorent plus le caractère ambiant de la musique électronique, “Sonic Architecture” représente assez bien le sens et la profondeur de ce 3ième opus de Lensflare à paraître en 2018. Un mouvement du séquenceur sculpte un rythme galopant. Un rythme qui cavale derrière une lourde masse de nappes et de quelques lignes décoratives dessinés par un synthé qui flirte avec une approche psychédélique. Nerveux et pourtant fougueux, ce rythme puisé dans les armoiries de Tangerine Dream déploie une figure saccadée qui sautille sur place derrière des effets de gargouillements aquatiques avant de se fracturer et ainsi libérer une ligne plus lumineuse qui tournoie avec une chorale venue de nulle part. La vélocité du rythme reste néanmoins étouffée en arrière-plan alors que les effets et la masse sonore réduisent à néant les chants séraphiques afin de guider "Cycling" vers ses derniers battements. "Through", de même que "Infected", sont construit sur les mêmes bases, soit de longues introductions d'ambiances nappées d'une approche plus psychédélique des synthés. Délicieuse avec ses nappes flottant dans un bassin de souffles, de brises et de larmes d'un synthé en mode; faisons pleurer des feuilles de métaux tordues, l'ouverture de "Through" me projette dans l'univers de Chronos, bruits étranges en plus. J'entends des murmures moqueurs derrière ce placenta sonore d'où sortira une belle ligne oscillatrice qui ajoutera plus de luminosité à la 2ième partie de "Cycling".
Ambiances cosmiques qui étend un lourd manteau de sons dans un corridor céleste, "Infected" n'est pas vraiment loin de la vision de son titre. Son introduction fait très Klaus Schulze des années analogues avec de bons effets qui vont et viennent comme des vagues dans un océan sans fond, ni structure. Le mouvement du séquenceur s'éveille autour de la 5ième minute en faisant galoper ses ions qui courent en tous sens, tout en structurant une probable ligne directrice d'un rythme atypique. Encore ici, les effets et les lentes nappes qui tournoient comme une tornade à naître étouffent une structure de rythme tout en épousant sa forme. Ces effets croissent avec une nette intensité qui atteint son paroxysme dans une finale où le rythme s'est perdu quelque part. Les arcs de sons qui flottent avec un léger mouvement de ressac ou de réverbérations dans les courbes sont au cœur du pacifique voyage de "Waves". Le mouvement du séquenceur sculpte un rythme bondissant avec un filet stroboscopique harmonieux dans un décor où les effets sonores de science-fiction et de tempêtes d'aurores boréales entrecroisent leurs éléments dans une tempête géo-sonique. Le ciel s'éclaircit sur de bonnes périodes, révélant un mouvement du séquenceur plus harmonique dans une phase plus éthérée. Et comme les 3 autres structures dans “Sonic Architecture”, les paysages changent constamment avec leurs différences, légères ou énormes, tout en stimulant une écoute qui dévoilera de belles choses si on a ce penchant pour une musique électronique plus exploratrice, voire plus expérimentale avec de fines fragrances de Klaus Schulze, pour les ambiances, et Tangerine Dream, pour les évolutions des rythmes séquencés. Le côté psychédélique quant à lui provient des différentes teintes et architectures soniques d'Andrea Lensflare Debbi qui s'inspire de la période Ohr des années 70.
Sylvain Lupari 24/08/18

vendredi 24 août 2018

CHRIS RUSSELL: Echo (2018)

“From the void, came the sound. This music is an experience with the intention to take the listener on a Journey”

1 Echoes 2:57
2 Radium 6:05
3 Orix 4:46
4 Varuna 6:40
5 Nilium 3:24
6 Sparse 10:56
7 Odjek 8:31
8 Transverter 4:32
9 Abandoned 13:20
(Experimental Ambient Music)
  **Chronique en français plus bas**
From the void, came the sound. This music is an experience with the intention to take the listener on a journey” These words come from Chris Russell when he talks about his latest album, “Echo”. And we can't that the man is off the track! But which journey exactly? Carved around unlikely and barely recognizable sounds, “Echo” is indeed a journey into the land of tones where the colorful sounds, created from A to Z by the imagination of the American musician, merge into an astonishing symphony of experimental ambient music. The ears are put to the test for at least the half of this album with titles created in a cinematic vision that would go quite well with the science-fiction world of Ridley Scott, if not horror or fantasy as in the film scenes such as Legend, Prometheus and Alien. An imagination in good shape that hears the corridors of spaceships rumbling of mystery through a clever mix of tones and atmospheres stuffed with sonic granules from another dimension. An openness and understanding of Chris Russell's artistic approach is therefore essential if one wants to travel comfortably in the depths of “Echo”. And it doesn't start easily!
A beating slumps, like a heavy step of a giant, and a sound fauna, torn between the sibylline approach of the synth waves and the melting of tonal metals, broadens its horizons with a strange experience of a suspense or science-fiction movie. The thematic is intense with these big blows well scheduled in the 3 minutes of ''Echoes'' where my ears hear the whispers and the brouhahas from the lair of Drakness, the Beast in the Legend movie. From this kind of cinematic ambience, we dive into a storm on Mars with the introduction of "Radium" which becomes more musical with its two phases of concertos for chimes. "Orix" extends its bed of industrial buzzes filled by tones of discrete cracklings and of the echo effects in the multiplication of drone lines. The softness of "Varuna", whose jingles of various gongs and Tibetan percussions remind me of the good moments of Ray Lynch in Deep Breakfast, tempers a little this climate of tension that emanates from the first titles of “Echo”. The tone is always straddling metal screeches, aquatic murmurs and synth waves that you have to imagine. The texture of percussive effects and of anesthetic mists gives it this fascinating morphic softness. I enjoyed this title to his third listening, so everything is possible along the discoveries of this second album of Chris Russell on Spotted Peccary. After a "Nilium" made of cavernous breezes and dramatic effects in the thrust of stratified lines of iodine dust, "Sparse" will reconcile lovers of music more ... let say more musical with a nice structure reminiscence of Robert Rich where the rhythm, always ambient, is animated by good percussions whereas the atmospheres transit between the worlds of Robert Rich, Steve Roach for the stars in the night and Erik Wollo for the coldness in the intensity. A very good title that sways the rest of “Echo” in a second part where the ambient music is more accessible. And even if "Odjek" and its strata stigmatized in the mooing of the blue steel can make the ears squeak. "Transverter" is carved a little in the mold of "Nilium", but it's just the cavernous breezes and edible sound granules that fill the ambiences slightly variegated of unique sound effects. "Abandoned" ends “Echo” with an approach aimed to the most fertile imaginations. Very edible to the ears, the music breathes these waves of serenity driven by desert winds. On the other hand, the moods are tinted with a vision of an abandoned society. A ghost town where drag wandering dogs and roar the ghosts of the past whose worn-out murmurs are lost in the movement of the winds. Sometimes sibylline and at times very dreamlike, "Abandoned" shows how comfortable Chris Russell can be at ease in superb movements that have nothing to envy to master Steve Roach. In the end, and all things considered, “Echo” is worth discovering in full because its best moments can also spring in its darkest and most experimental textures.
Sylvain Lupari (August 24th, 2018) ***½**
Available on Spotted Peccary Webshop and Bandcamp

                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Du vide, est venu le son. Cette musique est une expérience destinée à emmener l'auditeur dans un voyage” Ces propos viennent de Chris Russell lorsqu'il parle de son dernier opus, “Echo”. Et on ne peut pas dire qu'il est à côté de la track! Mais de quel voyage au juste? Sculpté autour de sons improbables et à peine reconnaissables, “Echo” est effectivement un voyage dans le pays des tons où les sons bigarrés, créés de toutes pièces par l'imaginaire du musicien américain, finissent par se fusionner en une étonnante symphonie de musique ambiante expérimentale. Les oreilles sont mises à l'épreuve pour au moins la moitié de cet album avec des titres créés dans une vision cinématographique qui iraient assez bien avec l'univers de science-fiction de Ridley Scott, sinon d'horreur ou de fantaisie comme dans les ambiances de films tel que Legend, Prometheus et Alien. Une imagination en bonne forme qui entend les couloirs des vaisseaux spatiaux grondés de mystère par un habile mélange de tons et d'atmosphères bourrés de granules sonores d'une autre dimension. Une ouverture d'esprit et une compréhension de l'approche artistique de Chris Russell est donc essentielle si on veut voyager confortablement dans les profondeurs de “Echo”. Et ça ne démarre pas facilement!
Un battement s'affaisse comme un pas lourd et une faune sonore, partagée entre l'approche sibylline des ondes et la fonte de métaux tonals, élargie ses horizons avec une étrange expérience de cinéma de suspense ou de science-fiction. La thématique est intense avec ces gros cognements bien cédulés dans les 3 minutes de "Echoes" où mes oreilles entendent les murmures et les brouhahas des ambiances du repaire de Darkness, la Bête dans le film Legend. De ce genre d'ambiances cinématographiques, nous plongeons dans une tempête sur Mars avec l'introduction de "Radium" qui devient plus musical avec ses deux phases de concertos pour carillons. "Orix" étend son lit de bourdonnements industriels remplis de tonalités de discrets grésillements et d'effets d'écho dans la multiplication des lignes de drones. La douceur de "Varuna", dont les tintements de divers gongs et de percussions Tibétaines me rappellent les bons moments de Ray Lynch dans Deep Breakfast, tempère un peu ce climat de tension qui émane des premiers titres de “Echo”. La tonalité est toujours à cheval entre des crissements de métaux, des murmures aquatiques et des ondes de synthé qu'il faut imaginer. La texture des effets percussifs et des brumes anesthésiantes lui donne cette fascinante douceur morphique. J'ai apprécié ce titre vers sa 3ième écoute, donc tout est possible au long des découvertes de ce 2ième album de Chris Russell sur Spotted Peccary. Après un "Nilium" fait de brises caverneuses et d'effets dramatiques dans la poussée des lignes stratifiées de poussière d'iode, "Sparse" saura réconcilier les amateurs d'une musique plus...disons plus musicale avec une belle structure à la Robert Rich où le rythme, toujours ambiant, est animé par de belles percussions alors que les ambiances transitent entre les univers de Robert Rich, Steve Roach pour les étoiles dans la nuit et Erik Wollo pour la froideur dans l'intensité. Un très bon titre qui fait balancer le reste de “Echo” dans une 2ième partie où la musique ambiante est plus accessible. Et ce même si "Odjek" et ses strates stigmatisées dans le bleu acier meuglant peut faire grincer des oreilles. "Transverter" est sculpté un peu dans le moule de "Nilium", mais ce sont juste les brises caverneuses et les granules de sons comestibles qui remplissent des ambiances un peu bariolées d'effets sonores uniques. "Abandoned" termine “Echo” par une approche destinée aux imaginations les plus fertiles. Très comestible pour les oreilles, la musique respire ces flots de sérénité poussés par des vents du désert. Par contre, les ambiances sont teintées par une vision d'une société abandonnée. Une ville fantôme où trainent des chiens errants et mugissent les fantômes du passé dont les murmures usés se perdent dans les mouvements des vents. Tantôt sibyllin et par moments très onirique, "Abandoned" démontre à quel point Chris Russell peut être à l'aise dans de superbes mouvements qui n'ont rien à envier au maître Steve Roach. Au final, et tout bien considéré, “Echo” vaut la peine d'être découvert au complet puisque ses meilleurs moments jaillissent aussi dans ses textures les plus sombres et les plus expérimentales.

Sylvain Lupari 23/08/18