lundi 30 avril 2018

WAVESTAR II: Nightwinds (2018)

“There is a lot of intensity and emotionalism in this album which in the end is a good one of a rather accessible EM and which will give you shivers”

1 Dragon 8:32
2 Eldritch 10:20
3 Majesty 4:03
4 Track of Time 10:00
5 Velocity of Dark 14:18
6 Reprise {For Jack} 7:32
7 Nightwinds 21:51

Groove | GR-246 (CD 76:36)
(England School)
  **Chronique en français plus bas**

Wavestar was a big name of the England School EM style in the 80's. Consisted of John Dyson and Dave Ward-Hunt, the duet realized 3 albums following this emergence of English artists who were interested more and more in the immense possibilities of a music composed and performed by synthesizers and sequencers. After the mega Moonwind, the duet stopped its activities, John Dyson going solo while Dave Ward-Hunt was more discreet. He changed of cosmic address in 1999. Flanked now by Paul Ward and by Stephen Whitlan, John Dyson resuscitates Wavestar by taking care of sticking II on the famous name who got very good reviews for the Moonwind album, an inescapable in all discography of EM of the Berlin School style and of its derivatives. I savored and adored Moonwind! It's thus enthusiastically that I waited for this “Nightwinds”.
"Dragon" begins as if we are opening a big donjon. Hinges squeaking, the rattling noises of chains and then huge steps which resound. They lift moreover many clouds of dust as prisms and synth layers which float with tenderness. Below those, there is a seraphic choir and some sharpened tears of synth which accompany a procession of solemn keys and of which the harmonious approach seems to us familiar. The sound density and intensity are very compact in this opening and we have difficulty in seizing this rivulet of sequences which glitters on the spot. But it doesn't really matter because all this cinematic ambience stumbles in a phase of almost serenity with jets of drones which snore beneath undulating synth lines where we cannot separate this imprint of Tangerine Dream on the signature of Wavestar II. And it was the same thing in Wavestar without the II! A lively movement of the sequencer sculpts an ostinato jerky rhythm where the keys skip as this skillful Japanese chef cutting his meat. If this rhythm is too lively for our fingers, he seems to be the ideal companion for those synth solos soloes which coo with as much fluidity as musicality with its electronic tints and of flutes under a rhythmic pattern stimulated by good electronic percussions. From its very electronic introduction, "Eldritch" gets out of the sonic limbos with a fluid movement of the sequencer. The sequences are riding under a plethora of effects, of voices and of noises of bell which turn into chords covered by frost in order to offer a nicely oscillating structure. The flow wins in intensity as the atmospheres become more tragic. The percussions which fall at around the 5th minute bring a more rock touch and the liveliness of their strikes is in contrast with the magnitude of the layers which are clearly more floating. There are good percussive effects, a bit discreet but we hear them, in this title which proposes one finale quite clouded with its mysteries. The carillon of sequences which livens up the introduction of "Majesty" is simply too cute and heartbreaking! But not as much as the salvo of violins which spreads a soft and poignant slow movement and of this synth which lays down a delicious anesthetic lullaby. Difficult not to love this one!
"Track of Time" is a title with a melancholic flavor. Its opening is made of foggy violins, throwing a dark atmosphere landscape. A line of bass gets in and its crawling movements give a slow, almost dying structure, on where settle beautiful more melodious synth layers. A sequencer emerges out of these mists after 3 minutes to forge a structure of rhythm a la Tyger. That is used as basis so that John Dyson's guitar release some pretty nostalgic solos. The movement gets more lively after 6 minutes, plunging "Track of Time" into a not complicated rock where the guitar sounds very David Gilmour. "Velocity of Dark" proposes also an opening all in mystery with pads of mists and synth layers of which the rippling pastel colors weave a sibylline mood. A line of choir adds more depth to the multiple synth effects. It's from these voices that arises a line of sequences which pound with its crystalline tones. If these sequences stir vividly, the line of bass pulsations which get grafted makes counterweight by sculpturing a more furtive approach. Like a stealthily dance! The music becomes more lively at the dawn of its 8 minutes. The percussions throw a good dose of electronic rock which is serves the cause to beautiful and very, but very, harmonious duels of solos between two synths. The finale of this title is going to blow away! The arrangements are powerful and the sound texture which invades our ears is incredibly well orchestrated. I had shivers! I don't know who is this Jack, but the music which is dedicated to him in "Reprise {For Jack}" is of a dose of emotionalism to make cry a wall. First of all, the orchestrations! It looks like Wavestar II drinks of the arrangements which gave me the gooseflesh in Canzone, a title which appears in the mysterious The Keep album by Tangerine Dream. Built on poignant arrangements, the music flows with its multilayers of orchestrations, throwing its touching passages by hanging onto little by little at to bucolic perfumes where we recognize this Scottish hymn; Auld Lang Syne of the poet Robert Burns. Dramatic and touching! The long title-track aims to be the cornerstone of this comeback album from Wavestar. Built following the artistic standards of these long evolving titles, the introduction is make of orchestrations and of mystic effects. And the orchestrations in this album are conceived to test well our threshold of emotionalism. Mine being rather fragile, I have again shivers to the soul. And it became worse when that an electric piano draws a circular melody, a hypnotic ritornello which is of use as harmonious bed to the vapors of a wandering guitar and of its soft and nice vaporous solos. Not too long as a passage, "Nightwinds" adopts the shape of a lascivious down-tempo nearing the 10 minutes. A slow dance for romantic and dreamers! The guitar tosses sharp-edge jets in order to move well the pond of our emotions. The whole thing stops two seconds before 12 minutes. This is when that orchestrations, kind of those which had open "Reprise {For Jack}"change the structure orientation and plunge us into a phase of movie music on a theme for upset feelings with abrupt and dense orchestrations as well as with layers of Gregorian voices. This brief passage throws a jet of cacophony which remains to explain and which makes me a little bit perplexed. Why so much violence after such an opening and especially with the sweetness which precedes and which leads this long title towards one quite electronic finale? But for a viewpoint strictly musical and orchestral, my Totem loudspeakers have feasted!
There are a lot of intensity and emotionalism in this “Nightwinds” which in the end is a good album of a rather accessible EM and which will give you shivers to the soul because of its impressive orchestrations, giving at times a depth of symphonic electronic rock to this comeback album of John Dyson. In fact, the music here is more in JD vein than Wavestar. I found that there is a good gap between this “Nightwinds” and Moonwind. And I think it's ok, because that's an album of Wavestar II and because John Dyson intends to give it a more contemporary direction while immortalizing the name of his deceased friend, Dave Ward-Hunt. Some good and nice England School.
Sylvain Lupari (April 30th, 2018) *****
You will find this album on
Groove NL

Wavestar était un gros nom de la MÉ du style England School dans les années 80. Composé de John Dyson et de Dave Ward-Hunt, le duo réalisait 3 albums dans la foulée de cette émergence d'artistes Anglais qui s'intéressaient de plus en plus aux immenses possibilités de la musique composée et performée par des synthétiseurs et séquenceurs. Après le méga Moonwind, le duo cessait ses activités, John Dyson y allant d’une carrière en solo alors que Dave Ward-Hunt se faisait plus discret. Il a changé d’adresse cosmique en 1999. Flanqué maintenant de Paul Ward et de Stephen Whitlan, John Dyson réanime Wavestar en prenant soin de coller II au célèbre nom qui avait obtenu de très bonnes critiques avec l'album Moonwind, un incontournable dans toute discographie de MÉ de style Berlin School et de ses dérivés. J'ai dégusté et adoré Moonwind! C'est donc avec enthousiasme que j'attendais ce “Nightwinds”.
"Dragon" débute comme si on ouvrait un gros donjon. Les gonds grinchant des bruits chaines et puis des pas qui résonnent! Ils soulèvent d'ailleurs autant de nuages de poussières que de prismes et des nappes de synthé qui flottent avec tendresse. Sous ces nappes, il y a une chorale séraphique et des larmes de synthé aiguisées qui accompagnent un cortège d'accords solennels et dont l'approche harmonique nous semble familière. La densité et l'intensité sonores sont très compacte dans cette ouverture et on peine à saisir ce ruisselet de séquences qui miroite sur place. Mais ce n'est pas vraiment important, car toute cette ambiance filmique trébuche dans une phase de quasi sérénité avec des jets de drones qui ronflent sous des lignes vacillantes de synthé où l'on ne peut dissocier cette empreinte de Tangerine Dream sur la signature de Wavestar II. Et c'était la même chose dans Wavestar sans le II! Un mouvement vif du séquenceur sculpte un rythme ostinato et saccadé où les ions sautillent comme cet habile chef japonais en train de découper sa viande. Si ce rythme est trop vif pour nos doigts, il semble le compagnon idéal pour des solos de synthé qui roucoulent avec autant de fluidité que de musicalité avec ses teintes électroniques et de flûtes sous une rythmique stimulée par de bonnes percussions électroniques. De son introduction très électronique, "Eldritch" sort des limbes sonores avec un mouvement fluide du séquenceur. Les séquences chevauchent sous une pléthore d'effets, de nappes de voix et de bruits de cloche qui se changent en accords givrés, pour offrir une structure suavement oscillatoire. Le débit gagne en intensité à mesure que les ambiances deviennent plus tragiques. Les percussions qui tombent autour de la 5ième minute amènent une touche plus rock et la vivacité fait contraste avec l'étendue des nappes qui sont nettement plus flottantes. Il y a de bons effets percussifs, discrets mais on les entend, dans ce titre qui propose une finale toute embrumée de ses mystères. Le carillon de séquences qui anime l'introduction de "Majesty" est tout simplement accroche-cœur! Mais pas autant que la salve de violons qui étend un doux et poignant mouvement lent et ce synthé qui couche une délicieuse berceuse anesthésiante. Difficile de ne pas aimer.
"Track of Time" est un titre à saveur mélancolique. Son ouverture est faite de violons brumeux, jetant une ambiance sombre. Une ligne de basse s'ajoute et ses mouvements rampant donnent une structure lente, quasiment agonisante, où se déposent de belles nappes plus mélodieuses. Un séquenceur sort de ces brumes après les 3 minutes pour forger une structure de rythme à la Tyger, servant de base à la guitare de John Dyson et à ses solos nostalgiques. Le mouvement prend de l'ampleur après les 6 minutes, plongeant "Track of Time" dans un rock pas compliqué où la guitare sonne très David Gilmour. "Velocity of Dark" propose aussi une ouverture tout en mystère avec des nappes de brumes et des couches de synthé dont les couleurs pastels ondoyantes tissent une ambiance sibylline. Une ligne de chœur ajoute plus de profondeur aux multiples effets de synthé. C'est de ces voix qu'émerge une ligne de séquences qui palpitent de ses tonalités cristallines. Si ces séquences s'agitent avec vivacité, la ligne de basses pulsations qui se greffent fait contrepoids en sculptant une approche plus furtive. Comme une danse de pas-de-loup! "Velocity of Dark" devient plus vivant à l'aube de ses 8 minutes. Les percussions jettent une bonne dose de rock électronique qui sert la cause à de beaux duels très, mais très, harmonieux de solos entre deux synthés. La finale de ce titre va vous jeter par terre! Les arrangements sont puissants et la texture sonore qui envahit nos oreilles est incroyablement bien orchestré. J'ai eu des frissons! Je ne sais pas qui est Jack, mais la musique qui lui ai dédié dans "Reprise {For Jack}" est d'une dose d'émotivité à faire pleurer un mur. Tout d'abord, les orchestrations! On dirait que Wavestar II s'abreuve des arrangements qui donnaient la chair de poule dans Canzone, un titre qui figure dans le mystérieux album The Keep par Tangerine Dream. Construite sur des arrangements poignants, la musique coule avec ses multicouches d'orchestrations, jetant ses passages attendrissants en s'accrochant peu à peu à des parfums bucoliques où l'on reconnaît cet hymne Écossais; Auld Lang Syne du poète Robert Burns (Ce n'est qu'un Au Revoir). Dramatique et poignant! La longue pièce-titre se veut être la pierre d'assise de cet album retour de Wavestar. Construite selon les normes artistiques de ces longs titres, l'introduction est d'orchestrations et d'effets mystiques. Et les orchestrations dans cet album sont conçues afin de bien sonder notre seuil d'émotivité. Le mien étant assez fragile, j'ai encore eu des frissons à l'âme. Et c'est devenu pire lorsque qu'un piano électrique dessine une mélodie circulaire, une ritournelle hypnotique qui sert de lit harmonique aux vapeurs d'une guitare errante de ses tendres et beaux solos vaporeux. Pas trop long comme passage, "Nightwinds" adopte la forme d'un down-tempo lascif aux portes des 10 minutes. Un slow pour romantiques et rêveurs! La guitare lance des jets acuités afin de bien remuer le bassin de nos émotions. Le tout s'arrête deux secondes avant les 12 minutes. C'est alors que des orchestrations, genre celles qui ont ouvert "Reprise {For Jack}" réorientent la structure afin de la plonger dans une phase musique de films pour émotions chamboulées avec des orchestrations abruptes et denses ainsi que des nappes de voix grégoriennes. Ce bref passage lance un jet de cacophonie qui reste à expliquer et qui me rend un peu perplexe. Pourquoi tant de violence après une telle ouverture et surtout avec les douceurs qui précèdent et qui conduisent ce long titre vers une finale toute électronique? Mais d'un point vue musique et orchestrations, mes Totem se sont régalés!
Il y a beaucoup d'intensité et d'émotions dans ce “Nightwinds” qui au final est un bel album de MÉ assez accessible et qui vous donnera des frissons dans l’âme en raison de ses imposantes orchestrations, donnant par moments une profondeur de rock électronique symphonique à cet album retour de John Dyson. En fait, c'est un album qui ressemble plus à JD que Wavestar. J'ai trouvé qu'il y a un profond écart entre ce “Nightwinds” et Moonwind. Et c'est bien correct puisqu’il s'agit d’un album de Wavestar II et que John Dyson entend donner une direction plus contemporaine à son projet tout en immortalisant le nom de son défunt comparse, Dave Ward-Hunt. Du bon et beau England School.

Sylvain Lupari (30/04/18)

dimanche 29 avril 2018

NOTHING BUT NOISE: Existence Oscillation (possible) Future (2018)

“Audacious and melodious, hypnotic and attractive, this last opus of Nothing But Noise already leads my list for the most beautiful album of 2018”

1 NO wave Suite 19:31
2 745 Sekunden 12:25
3 Gott Der Götter 25:37
4 Der Himmel über ... 14:02

NBN Music (CD/DDL 71:35)
(Psybient, Dark Ambient, Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**

I got to say that the name can intimidate the most adventurous ears! Nothing But Noise! This musical project gathers 2 companions from Front 242, a band of Belgian industrial music which knew its moments of glory in the course of the New Wave movement in the 80's and the 90's and which stopped its activities at the dawn of 2000's. Daniel Bressanutti and Dirk Bergen, who had left the ship shortly after the making of the first album Geography in 1982, formed NBN in 2012 with a first album which surprises the music milieu with a form of ambient music of which the origin of industrial music floats with its thousands of noisy prisms. All the opposite of the energetic music Front 242! “Existence Oscillation (possible) Future” is the 3rd album of a possible trilogy begun in 2016 with eXistence Oscilla+ion. The title moreover sets the tone to the stylistic device of the music where multiple oscillating lines forge a sound panorama which allows to welcome a music of ambiences as well meditative as frisky and where the ears are constantly on the alert. NBN tells to draw its influences as far as in the textures of the ex-bass player of Can, Holger Czukay, one of the pioneers of the samplings technique, and Jean-Michel Jarre, while being very hooked on the Library Music of the BBC and of Klaus Schulze's iodized atmospheres. It's mainly these influences which extend over an album which gets more and more attractive and more and more hard-hitting in the course of its discovery.
"NO wave Suite" brings us straight out in the particular universe of NBN with muted beatings among which the organic vibrations and the effects of echoes structure the clanic rhythm of a tribe isolated in a universe of psychedelia. The percussions add to the heaviness while reverberating lines roar like elephants who run in the plains of the same universe. Pressed by the pulsating signals of a heavy bass, a rhythm is testing marvelously your subwoofer while flooding your listening room of dark and fascinating reverberating strands. That's how goes the first moments of “Existence Oscillation (possible) Future”. NBN squeezes the lemon by extirpating an avalanche of sounds where hide layers of anesthetizing voices and very juicy arpeggios which shiver in front of the power of the percussions and the reverberating effects. Apparently exhausted, the introduction limits its sound eruption by borrowing an ambient passage where the white noises and other electronic effects crumble their tones in effects of resounding lassoes which whistle such as if a giant is trying to capture the void. Loaded of noises and of psychedelic voltage, the 3rd part of the title emerges at around the 11th minute with a line of bass pulsations less strong than the introduction and synth waves which float with alternative movements. Jean-Michel Jarre's influences can be heard here with these oscillating waves which waltz in a contiguous way in symbiosis with the bass beatings and which also attach the first melodic movement of this album. NBN uses all the seconds to the meter of the CD in order to exploit well the limits of 4 the long titles which fill its storage capacity.
The introduction of "745 Sekunden" is like these twinkling reflections of a crystal clear water which shine in the sun. The current brings these sound prisms, which sparkle with a clear swiftness, towards a line of bass sequences of which the oscillatory arcs skip restlessly under spectral chants and a drizzle patch. The approach is almost harmonious. Various lines and layers of multiple colors get grafted to this waltz of fluids oscillations, as rhythmical as melodious. These 7 minutes of intensities and of boiling run madly into a phase of atmospheric elements where live confined pulsations and scattered beatings. The echo of these beatings plays moreover tricks on our hearing. The first time, I thought that there was really somebody who was walking in the house … I was alone! Sound hoops form throughout these percussive elements, bringing "745 Sekunden" towards one finale even more resounding than the wildest moments of this album. Set apart the craziest ones of "Der Himmel über ..."
Daniel Bressanutti and Dirk Bergen admit too Kraftwerk and Tangerine Dream as engines of inspirations and it's more than clear on the monumental "Gott Der Götter". Constructed no more and no less on the same principle as the famous Autobhan from Kraftwerk, the 25 minutes of this title borrow a minimalist bend with a rhythmic which runs and oscillates in Motorik loops, allowing the duo to add splendid floating layers very Jarre, a stream of electronic effects which make very Pink Floyd and Klaus Schulze, noises which are in accordance with the kind of tranquility of the music and riffs of synth which sculpt fragments of a Düsseldorf School style melody. The synth riffs which pour like some water through dozens of rocks and the subtleties in the flow of sequences, rolling like crazy balls on a conveyor in the front of this rhythm spread on some threadlike of oscillating loops, are giving the sublimity to this long minimalist title which at no moment brushes past a state of hypnosis. Wonderful and grandiose! Playing on the same principle of dynamistic Motorik rhythm, "Der Himmel über ..." flirts dangerously between the tolerable and its opposite. Armed of fat sequences which resound by bouncing, the title moves forward with the same stubbornness as in "Gott Der Götter", but in another form. When the riffs fall and that a voracious sound passion follows an avalanche of percussions by a massive injection of jerky effects, the music becomes less subtle and more aggressive. A little as a theme music of horror which covers ungraceful scenes, the music follows its passions and its madnesses, giving a more biting cachet to this emotive accentuation which eats downright a music surfing on two waters until its rather chthonian finale. I found that very intense but all the same rather acceptable. But a thing remains for sure; my ears have made the discovery of a magnificent album which demonstrates without any doubts that EM shines of its thousand lights in the kingdom of Syndromeda.
Solid in all the aspects, and there is a lot, “Existence Oscillation (possible) Future” is a crush and undoubtedly the most beautiful album to ally the foundations of the old EM and the movement of the German progressive rock of the years 60 and 70. Audacious and melodious, hypnotic and attractive, this last opus of Nothing But Noise already leads my list for the most beautiful album of 2018! Go for it and treat your ears!
Sylvain Lupari (April 27th, 2018) *****
You will find this album on Nothing But Noise Bandcamp

Faut admettre que le nom peut intimider les oreilles les plus aventureuses! Nothing But Noise! Ce projet musical rassemble 2 compagnons de Front 242, un groupe de musique industrielle Belge qui a connu ses moments de gloire dans le courant de New Wave des années 80 et 90 et qui a cessé ses activités à l'aube des années 2000. Daniel Bressanutti et Dirk Bergen, qui avait quitté le navire peu après la parution du premier album Geography en 1982, forment NBN en 2012 avec un premier album qui surprend le milieu artistique avec une forme de musique ambiante dont la souche de musique industrielle flotte avec ses milliers de prismes bruiteux. Tout le contraire de la musique énergique de Front 242! “Existence Oscillation (possible) Future” est le 3ième album d'une possible trilogie amorcée en 2016 avec eXistence Oscilla+ion. Le titre donne d'ailleurs le ton à la figure de style où de multiples lignes oscillatrices forgent un panorama sonore qui permet d'accueillir ainsi une musique d'ambiances tant méditatives que fougueuse où les oreilles sont constamment sur le qui-vive. NBN dit puiser ses influences aussi loin que dans les textures de l'ex bassiste de Can Holger Czukay, un des pionniers de la technique d'échantillonnages, et Jean-Michel Jarre, tout en étant très collé sur les banques de sons de la BBC (la Library Music) et les atmosphères iodées de Klaus Schulze. Ce sont principalement ces influences qui s'étendent sur un album qui est de plus en plus séduisant et de plus en plus percutant au fil de sa découverte. 
"NO wave Suite" nous amène tout de go dans l'univers particulier de NBN avec des battements sourds dont les vibrations organiques et les effets d'échos structurent le rythme clanique d'une tribu isolée dans un univers de psychédélisme. Les percussions ajoutent à la lourdeur alors que des lignes réverbérantes rugissent comme des éléphants qui courent dans les plaines de ce même univers. Appuyée par des signaux pulsatifs d'une lourde basse, le rythme teste à merveille votre caisson des graves tout en inondant votre salle d'écoute de filaments réverbérants sombres et fascinants. C'est ainsi que se passe les premiers moments de “Existence Oscillation (possible) Future”. NBN presse le citron en extirpant une avalanche de sons où se cachent des nappes de voix anesthésiantes et des arpèges bien juteux qui grelottent devant la puissance des percussions et des effets réverbérants. Visiblement épuisée, l'introduction atténue son éruption sonique en empruntant un passage ambiant où les bruits blancs et autres effets électroniques émiettent leurs tonalités dans des effets de lassos réverbérants qui sifflent comme si un géant cherche à capturer le néant. Gorgé de bruits et de voltage psychédélique, la 3ième partie du titre émerge autour de la 11ième minute avec une ligne de basses pulsations moins vigoureuse que l'introduction et des ondes de synthés qui flottent avec des mouvements alternatifs. Les influences de Jean-Michel Jarre se font entendre ici avec ces ondes oscillatrices qui valsent de façon contiguë en symbiose avec les battements de basse et qui attachent aussi le premier mouvement mélodique de cet album. NBN se sert de toutes les secondes au cadran afin de bien exploiter les limites des 4 longs titres qui meublent sa capacité de stockage. L'introduction de "745 Sekunden" est comme ces reflets scintillants d'une eau limpide qui brillent au soleil. Le courant amène ces prismes sonores, qui miroitent avec une nette vélocité, vers une ligne de basses séquences dont les arcs oscillatoires sautillent fébrilement sous des chants spectraux et des bancs de bruines. L'approche est quasiment harmonique. Différentes lignes et nappes de différentes couleurs se greffent à cette valse de fluides oscillations aussi rythmées que mélodieuses. Ces 7 minutes d'intensités et de bouillonnements se jettent dans une phase d'ambiances où vivent des pulsations recluses et des battements épars. L'écho de ces battements joue d'ailleurs des tours à notre ouïe. La première fois, je pensais qu'il y avait vraiment quelqu'un qui marchait dans la maison…Des cerceaux sonores se forment au travers ces éléments percussifs, amenant "745 Sekunden" vers une finale encore plus tonitruante que les moments les plus féroces de cet album. Mis à part les plus fous de "Der Himmel über ..."
Daniel Bressanutti et Dirk Bergen admettent aussi Kraftwerk et Tangerine Dream comme moteurs d'inspirations et cela s'entend dans le monumental "Gott Der Götter". Construites ni plus ni moins sur le même principe que le célèbre Autobhan de Kraftwerk, les 25 minutes de ce titre emprunte un virage minimaliste avec un débit rythmique qui roule et oscille en boucles motoriques, permettant au duo d'ajouter de superbes nappes flottantes très Jarre, un flot d'effets électroniques qui font très Pink Floyd et Klaus Schulze, des bruits qui sont en harmonie avec la forme de quiétude de la musique et des riffs de synthé qui sculptent des bribes d'une mélodie de la Düsseldorf School. Les riffs de synthé qui coulent comme de l'eau à travers des dizaines de roches et les subtilités dans le débit des séquences, roulant comme des billes folles sur un convoyeur face à ce rythme étalé sur de filiformes boucles oscillatrices, donnent de la sublimité à ce long titre minimaliste qui en aucun moment ne frôle un état d'hypnose. Splendide et grandiose! Jouant sur le même principe de dynamiste motorique rythmique, "Der Himmel über ..." flirte dangereusement entre le supportable et son contraire. Armé de séquences grasses qui résonnent en rebondissant, le titre avance avec le même entêtement que "Gott Der Götter", mais dans une autre forme. Lorsque les riffs tombent et qu'une dévorante passion sonore suit une avalanche de percussions par une injection massive d'effets saccadés, la musique devient moins subtile et plus agressive. Un peu comme une musique de film d'horreur qui maquille des scènes disgracieuses, la musique suit ses passions et ses folies, donnant un timbre plus caustique à cette accentuation émotive qui mange carrément une musique qui surfe sur deux eaux jusqu'à sa finale assez chtonienne. J'ai trouvé ça très intense mais tout de même assez acceptable. Mais une chose demeure certaine; mes oreilles ont fait la découverte d'un superbe album qui démontre hors de tous doutes que la MÉ rayonne de mille feux au royaume de Syndromeda. Solide dans tous ses aspects, et il y en a beaucoup, “Existence Oscillation (possible) Future” est un coup de cœur et sans nul doute le plus bel album à allier les fondements de la vieille MÉ et le mouvement du rock progressif Allemand des années 60-70. Audacieux et mélodieux, hypnotique et séduisant, ce dernier opus de Nothing But Noise est déjà en tête de liste pour le plus bel album de 2018! Allez-y et régalez vos oreilles!

Sylvain Lupari (27/04/18)

samedi 28 avril 2018

ALBA ECSTASY: Bergenon (2018)

“Nothing ever goes wrong in the universe of Alba Ecstasy with this other fair album still impregnates of Mirage's universe”
1 Caffeine Reaction 8:00
2 Phenols 17:20
3 Bergenon 14:24

Alba Ecstasy Music (DDL 39:44)
(Berlin School of the 80's)
  **Chronique en français plus bas**

Ouf!!! Let's say that the music of "Caffeine Reaction" is just like its title. Cracklings and sound effects show up in the silence, while a line of sequences, in the tones as much crystalline as these frozen flakes in Klaus Schulze's Mirage, waddle with a vision of aggressiveness in its crystal clear tone. There are 40 seconds in the meter and already a line of bass pulsations is hammering an ostinato beat which synth solos cover of a melodious approach unique to the world of EM. Lively, this introduction is also beat by bass drums, entailing then "Caffeine Reaction" in an infernal structure which reminds enormously all of the potential of Klaus Schulze at the time of Mirage. There are a lot of references to Klaus Schulze and his Mirage album here, and with good reason! This last album is the core of this 3rd album of new music from Alba Ecstasy in 2018. "Phenols" is a good example with a structure which allies intensity and gravity, a little as if Crystal Lake's opening was truncated of its crystalline minimalist attract. But the resultant is attractive just as much, otherwise more poignant. After a short intro of sound drizzle and jerky keyboard riffs, the movement of pearled sequences of "Phenols" spreads its oscillating waves which undulate beneath the spasms of the bass pulsations. The structure adds additional lines, both at the level of rhythm and harmony, to fatten well the music in tones and beats. "Phenols" evolve with these elements while showing a latent accelerating tangent fed by jerks and spasms in its rhythm, a little as in "Caffeine Reaction" but in a slower mode, while the ambiences and the décor get stuffed of electronic noises and of cosmic effects. We are in the kingdom of Schulze with the Alba Ecstasy's contemporary vision. The title-track proposes a very different vision with a film structure, a kind of darker intense suspense. The rhythm is linear and skips relentlessly with an impression of friction, like the wheels on a rail which is dirtied of hissing vapors. Minimalist, the movement offers nevertheless some subtle variances, giving to "Bergenon" a kind of double-life while it remains stubborn and always coated by these mists filled with tonal drizzle.
And like a train without destination running with pain and suffering through some hostile plains, the vapors of rhythm decrease without stopping the pace. And in the end, that takes all of its sense. A fair album where we take out "Caffeine Reaction" to put it in the iPod, section best moments in Alba Ecstasy's music in 2018.

Sylvain Lupari (April 27th, 2018) ***¼**
You will find this album on Alba Ecstasy's Bandcamp

Ouf!!! Disons que la musique de "Caffeine Reaction" est à l'image de son titre. Des pétillements et des effets sonores se pointent dans le silence, alors qu'une ligne de séquences, aux tonalités aussi cristallines que ces flocons gelés dans Mirage de Klaus Schulze, se dandinent avec une vision d'agressivité dans son ton cristallin. Il y a 40 secondes au compteur et déjà une ligne de basses pulsations martèlent un rythme ostinato que des solos de synthé recouvrent d'une approche mélodieuse unique à la MÉ. Entrainante, cette introduction est martelée par des basses percussions, entrainant alors "Caffeine Reaction" dans une structure infernale qui rappelle énormément le potentiel de Klaus Schulze à l'époque de Mirage. Il y a beaucoup de références à cet album ici, et pour cause. Il est au cœur de ce 3ième album de musique nouvelle d'Alba Ecstasy en 2018. "Phenols" est un bon exemple avec une structure qui allie intensité et pesanteur, un peu comme si l'ouverture de Crystal Lake était tronquée de son attrait minimaliste cristallin. Mais le résultant est tout autant séduisant, sinon plus poignant. Après une courte intro de bruine sonique et de riffs de clavier saccadés, le mouvement de séquences perlées de "Phenols" déploie ses ondes oscillantes qui ondulent sous les spasmes de basses pulsations. La structure ajoute d'autres lignes complémentaires, tant au niveau rythmique qu'harmonique, afin de bien engraisser la musique en tons et en rythmes. "Phenols" évolue avec ces éléments tout en affichant une latente tangente accélératrice nourrie de saccades et de spasmes dans son rythme, un peu comme dans "Caffeine Reaction" mais en plus lent, alors que les ambiances et le décor se gorgent de bruits électroniques et d'effets cosmiques. Nous sommes dans le royaume de Schulze avec la vision contemporaine d'Alba Ecstasy. La pièce-titre propose une vision très différente avec une structure cinématographique, genre suspense intense, plus sombre. Le rythme est linéaire et sautille sans relâche avec une impression de frottement, comme des roues sur un rail encrassé de vapeurs sifflantes. Minimaliste, le mouvement offre néanmoins de subtiles variances, donnant à "Bergenon" un sentiment de double-vie alors qu'il reste entêté et toujours nappé par ces brumes remplies de bruines tonales. Et comme un train sans destination roulant de peine et de misère à travers des plaines hostiles, les vapeurs de rythme diminuent sans arrêter une course qui au final prend tout son sens. Un album sobre où on extirpe "Caffeine Reaction" pour mettre dans mon iPod, section meilleurs moments en musique d'Alba Ecstasy en 2018.
Sylvain Lupari 25/04/18

jeudi 26 avril 2018

BROEKHUIS, KELLER & SCHONWALDER: Repelen Revisited (2018)

“If people will find something to say against Repelen Revisited it will be that it's too easy to tame, to like the music on it…”
1 Ready for Lounge 11:19
2 Walking Under the Moon 8:35
3 Repelen Groove 10:11
4 Electric Chess 10:49
5 A New Day 8:31
6 Song of Life 11:28
7 Rush Hour 6:30

MRCD 7107 (CD/DDL 67:28)
(Mix of New Age & Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**

I'm always divided when I start to dig into a new album of the Repelen Series from Broekhuis, Keller & Schönwälder along with their musical journeymen on this project; Raughi Ebert on guitars and Thomas Kagermann on violin and flutes. Not because it's not good, nor interesting! The quintet explores a musical avenue which struggles between New Age, or a kind of a very pleasant Easy Listening, and an EM which flirts with a clearly more accessible Berlin School style. But always, I get seduced so easily by a production without smudge among which the mastering and the mixing allows every instrument to seduce the most timid eardrums. Contrary to what the title can indicate, “Repelen Revisited” is not a compilation nor an album of remixes. It's rather a collection of titles that the quintet played or rehearsed during the performances and/or the sessions of 2011 and 2016. Thus, it's original material which respects in every aspect the music without borders of Broekhuis, Keller, Schönwälder, Ebert & Kagermann.
It's with Raughi Ebert's that begins "Ready for Lounge". The notes travel from a loudspeaker to another one with a hint of Mediterranean romance. A pulsation seizes the last breath of this first acoustic melody, awakening the tears of a dreamy violin while riffs of keyboard slumbers in suspension. The jingles of the percussions peck at a structure which increases its pace while staying in its limits of cosmic Funk and Groove so peculiar to Broekhuis, Keller & Schönwälder. Stimulating tinklings of xylophone add a surreal touch while the violin always cries so much. In my opinion, "Ready for Lounge" seems to be offer to the sound journeymen BK& S so that they sharpen their talents. "Walking Under the Moon" is more interesting with its very Berlin School structure. The sequencer, and its very nervous keys, skip on a Halloween theme, or yet Tubular Bells, to form these Berlin School rhythms lively for the neurons, and the for fingers. Instead of drawing solos, the synths stimulate good effects and ambient riffs to deepen the soundscapes and the field of Thomas Kagermann's violin laments. This is a very good title and I suspect that "Repelen Groove" is inspired by it by offering a slower, a dreamier structure of Groove as we say, to submit to our ears a bigger diversity in instruments and other synth effects. One can hear an acoustic guitar, percussions bongo drums, lines of flute and piano here. The solos are hearing-illusion with a synth which shows tones of saxophone besides forging ethereal layers where we can even hear voices with a tribal essence as a seraphic one. Ideal for on a Sunday morning.
In fact, all of “Repelen Revisited” is even more beautiful on a morning when the senses are amazed in front of the beauties of life and its natures. "The Electric Chess" sounds familiar? Well, it's a kind of tribute to the cult title of Manuel Göttsching's album E2-E4. We jump over its psychedelic introduction to dance immediately on a kind of cosmic Groove and its clothes of ambient Funk. Raughi Ebert is in nice shape with his guitars, as acoustic as electric, which scatter appropriate riffs and also vapors of blues, as well as romances, while more discreet, even more retiring than the violin, the synth is in mode very cool saxophone. "A New Day" is a small serenade structured on a beautiful momentum of rhythmic growth. The music is very soft and floats through the harmonies of clarinets forged skillfully by a synth. Discreet, the guitar is of use as melodic bed to a duel between this clarinet, as with the lines of seraphic voices and the tears of violins. The percussions raise the romantic intensity of this title which livens up slowly by crumbling its seconds. Impossible to not like this one! "Song of Life" is another title of the Berlin School genre with a floating movement dipped into gases of ether. The ambiences liven up gradually, binding even themselves with a rhythm sculpted by percussions always of the Bongo kind, while the ambiospherical décor is split between good synth solos which include perfumes of the 70's and solos of a violin at times too present. Set apart the synth riffs, the ambiences are decorated with the electronic effects of the Klaus Schulze repertoire and with pretty nice Mellotron layers. That's a title that I would have like a bit more in its purely electronic envelope of the good analog years. At this level, "Rush Hour" answers more my waits. Even if Thomas Kagermann's violin tries to bring in it a folkloric touch, the rhythm shows a good swiftness under lively percussions and riffs of hiccupping sequences. The synth solos are what we expect of EM with their aerial pirouettes which spin in and out in an ear-catchy electronic décor filled with sounds and with mists which are familiar to our ears.
Always carefully presented in a six panels digipack artwork, “Repelen Revisited” wears proudly the Manikin signature. In this sense that the music is polished up well with an incredible precision in the tones and where each title possesses a little something catchy. The music is nice and very accessible with a light and lively melodious side. It's this kind of album of which the biggest defect is that it's too easy to like…

Sylvain Lupari (April 25th, 2018) ***½**
You will find this album on Manikin Bandcamp

Je suis toujours partagé lorsque je pars à la découverte d'un nouvel album de la série Repelen de Broekhuis, Keller & Schönwälder et de leurs compagnons soniques sur ce projet; Raughi Ebert aux guitare et Thomas Kagermann au violon et flûtes. Pas parce que ce n'est pas bon, ni intéressant! Le quintet explore une avenue musicale qui se démène entre du New Age, ou un genre de Easy Listening très convivial, et une MÉ qui flirte avec le style Berlin School nettement plus abordable à découvrir. Mais toujours, je me laisse aussi aisément séduire par une production sans bavure dont le mastering et le mixage permet à chaque instrument de séduire les tympans les plus frileux. Contrairement à ce que le titre peut indiquer, “Repelen Revisited” n'est pas une compilation ni un album de remixes. Il s'agit plutôt d'une collection de titres que le quintet a joué ou pratiqué lors des performances et/ou des sessions des années 2011 et 2016. Donc, c'est du matériel original qui respecte en tous points la musique sans frontières de Broekhuis, Keller, Schönwälder, Ebert & Kagermann.
C'est avec la guitare acoustique de Raughi Ebert que débute "Ready for Lounge". Les notes voyagent d'un haut-parleur à l'autre avec un soupçon de romance méditerranéenne. Une pulsation s'empare du dernier souffle de cette première mélodie acoustique, éveillant les larmes d'un violon rêveur alors que des riffs de clavier sommeillent en suspension. Les cliquetis des percussions picorent une structure qui augmente sa cadence tout en restant dans ses limites du Funk et Groove cosmique propre à Broekhuis, Keller & Schönwälder. Des tintements stimulants de xylophone ajoutent une touche surréelle alors que le violon pleure toujours autant. À mon sens, "Ready for Lounge" est offert aux compagnons soniques de BK&S afin qu'ils aiguisent leurs talents. "Walking Under the Moon" est plus intéressant avec sa structure très Berlin School. Le séquenceur, et ses ions très nerveux, sautillent dans une thématique à la Halloween, ou encore Tubular Bells, afin de former ces rythmes entraînants pour les neurones, et les doigts, de la Berlin School. Au lieu de dessiner des solos, les synthés stimulent de bons effets et des riffs ambiants afin d'approfondir le champ sonore des lamentations du violon de Thomas Kagermann. Un très bon titre et je soupçonne que "Repelen Groove" s'en soit inspiré en offrant une structure plus lente, plus rêveuse à la Groove comme on dit, afin de soumettre à nos oreilles une plus grande diversité dans les instruments et autres effets de synthé. On peut y entendre une guitare acoustique, des percussions bongos, des lignes de flûte et de piano. Les solos sont trompe-oreille avec un synthé qui affiche des tonalités de saxophone en plus de forger des nappes éthérées où l'on peut même entendre des voix aux influences tant tribales que séraphiques. Idéal pour un dimanche matin.
En fait, tout de “Repelen Revisited” est encore plus beau par un matin où les sens s'émerveillent devant les beautés de la vie et de ses natures. "The Electric Chess" vous dit quelque chose? Eh bien, il s'agit d'un genre d'hommage au titre culte de l'album E2-E4 de Manuel Göttsching. On saute son introduction psychédélique pour danser immédiatement sur un genre de Groove cosmique et de ses habits de Funk ambiant. Raughi Ebert est en belle forme avec ses guitares, tant acoustique qu'électrique, qui éparpillent les riffs de convenances et des vapeurs de blues, ainsi que de romances, alors que plus discret, même plus effacé que le violon, le synthé est en mode saxophone très cool. "A New Day" est une petite sérénade structurée sur un bel élan de croissance rythmique. La musique est très douce et flotte au travers les harmonies de clarinettes forgées habilement par un synthé. Discrète, la guitare sert de lit mélodique à un duel entre les clarinettes, des lignes de voix séraphiques et des larmes de violons. Les percussions élèvent l'intensité romantique de ce titre qui s'anime doucement en émiettant ses secondes. Impossible de ne pas aimer! "Song of Life" est un autre titre du genre Berlin School avec un mouvement flottant trempé dans des gaz d'éther. Les ambiances s'animent graduellement, s'arrimant même à un rythme sculpté par des percussions toujours du genre Bongos, alors que le décor ambiosphérique est partagé entre de bons solos d'un synthé qui pige dans les parfums des années 70 et des solos d'un violon par moments trop présent. Mis à part les riffs de synthé, les ambiances sont ornées des effets électroniques du répertoire Klaus Schulze et de belles nappes de Mellotron. Un titre que j'aurais aimé davantage dans son enveloppe purement électronique des belles années analogues. À ce niveau, "Rush Hour" répond plus à mes attentes. Même si le violon de Thomas Kagermann tente d'y imprégner un décor folklorique, le rythme affiche une belle vélocité sous des percussions entraînantes et des riffs de séquences hoquetantes. Les solos de synthé sont superbes avec leurs girouettes aériennes qui virevoltent dans un séduisant décor électronique rempli de sons et de brumes qui sont familiers à nos oreilles.
Toujours présenté avec soin dans une pochette digipack à 6 côtés, “Repelen Revisited” porte fièrement la signature Manikin. En ce sens que la musique est bien fignolée avec une précision inouïe dans les tons où chaque titre possède un petit quelque chose d'attrayant. La musique est belle et très accessible avec un côté mélodieux léger et entraînant. C'est ce genre d'album dont le plus gros défaut est qu'il est trop facile à aimer…

Sylvain Lupari (25/04/18)

mardi 24 avril 2018


“That's got to be one of the best album from start to end of BK&S since a pretty long time”

1 Yellow Stone 18:52
2 Yellow Sun 14:26
3 Yellow Train 12:53
4 Yellow Cab 14:21
5 Yellow and Purple 10:56

Manikin ‎– MRCD 7106 (CD/DDL 71:30)
(Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**

For “Yellow”, the famous trio gets back to base. Thus it's without Raughi Ebert and Thomas Kagerman that Bas Broekhuis, Detlef Keller & Mario Schönwälder presents us a 25th album (with or without Bas Broekhuis) and a 6th one on the theme of the colors which began with Noir in 2003. About 15 years farther, we can say that the sound of the Berlin trio has constantly evolve, for the pleasure of our ears and also to follow the evolution of the instruments of MÉ developed by Manikin, while the compositions always remain wrapped in this hopping and spasmodic minimalist cocoon which serves to decorate an EM with the most beautiful sound assets from the Manikin house. Wrapped well in a 6 panel digipack artwork, “Yellow” is undoubtedly the album which has the most impact to date in this series about colors. BK&S doesn't deny at all the essence of their inspirations by offering to his fans a great palette of synths' colors which awaken Tangerine Dream's memories of the 74-77 years and way beyond. It's with an absolute charm that I savored the 71 minutes of this album, as in the nice time where I discovered the wonderful The Annazaal Tapes.
It's in the vapors of an orchestra which tunes its strings behind a foggy pond that begins "Yellow Stone". Covered with intriguing motives, the introduction gets free of its glaucous atmospheres influence to jump into the train of a sequencer which skips together with a line of bass. The twinning of its two elements structures a delicious chaotic rhythm of which the minimalist approach will gather all the rhythmic fineries on its passage. This rhythm, which seems to me like a train without passion, skips by tuning the harmonious motives which get free from the synths with its pace. This is the way the color palette throws jets of iodized mist and poignant layers while the jingles of Bas Broekhuis remind us that he is not too far in the decor. The pulsations of bass become more intense, they will make vibrate your walls as the rhythm of "Yellow Stone" will reach its full power, while the synth layers throw chloroformed jets. Our senses in state of hypnosis notice this line of mislaid sequences which flicker without desire while the layers intensify their hold on our senses. The percussions got to get more and more active. And "Yellow Stone" gets more and more intense with synth layers and chthonian choirs which make a call to time with its flavors of another famous German trio; the one of Franke, Froese & Baumann. The velocity reaches, the movement is more powerful than lively with an arsenal of tones and effects which are doing rodeo on a structure which kept all its minimalist envelope for its last 12 minutes. This pattern of minimalist evolution, including the overture and the finale, is the backbone of the 5 tracks of this very good contemporary Berlin School album which espouses marvelously its new elements with those of yesterday. After a multicolored introduction of ambient effects, "Yellow Sun" develops in a structure which sticks to the clanic and especially ethereal rhythms of the Repelen series. The work of Bas Broekhuis is simply delicious on a structure where the Music of the World exploits marvelously the many languishing synth solos.
Many noises, a nice palette of tonal colors and beaming synths perfume the hopping structure of "Yellow Train". Set up on a structure which is similar to an astral train hidden in the subtlety, the title releases itself from its introduction filled of electronic noises which are near the tones of arcade games with a line of sequences running like millipedes frightened by arpeggios which stretch their musicality with big footsteps which try to crush them. The strange noises, the liveliness of the millipedes' jingles and the slow motion of the strides draw a sound contrast which fills our ears with delight. Three minutes farther, the hopping rhythm unique to the signature BK&S swiftly gambols in a sound plain where solos stream like clouds over a turbulence of tonal elements. A piano weaves a melody stolen from these elements, while the minimalist envelope of the quiet rhythm spreads its capers and its cascades under some always languishing synth solos. Now, I wrote above about the Tangerine Dream's influences in this “Yellow”! And "Yellow Cab" is not ashamed of spreading them. A pure remake and remix of Betrayal (Sorcerer Theme), "Yellow Cab" is also a pure delight for the ears of those fans of this soundtrack with a musical vision which doesn't distort at all the original version. It's the very opposite. The music, the harmonies, the vibes and especially the sequences and the percussions are more in-depth here. BK&S exploits totally the essences of this key title of TD's repertoire with the same vision in the solos and the harmonies of the synths which are longer and also more elaborate, a little as if the trio possessed and shared the secrets of Franke, Froese & Baumann during the recording sessions of Sorcerer. Sequences and mostly the percussions are exploited with more of mordant and demonstrate the more contemporary approach at the level of the equipment of the Manikin house. This is pure candy for the ears. In any case, mines! "Yellow and Purple" announces doubtless the next step of this series on colors from the German trio. After an introduction of ambience elements which is in the tone, the rhythm borrows a surprising tangent of dance music with an always hopping, and more spasmodic pace, surrounded with solos as much tortuous as a knot of snakes which get untie in the chthonian vapors of the synths. There is a good mixture of old Berlin School here in more contemporary essences where always roam these fragrances of Tangerine Dream. Yes! The best to date of the sound rainbow with colors as improbable as very ear-catchy from Broekhuis, Keller & Schönwälder.

Sylvain Lupari (April 24th, 2018) ****½*
You will find this album on Manikin Bandcamp

Pour “Yellow”, le célèbre trio revient à la base. C'est donc sans Raughi Ebert et Thomas Kagerman que Bas Broekhuis, Detlef Keller & Mario Schönwälder nous présente un 25ième album (avec ou sans Bas Broekhuis) et un 6ième sur la thématique des couleurs qui débutait avec Noir en 2003. Près de 15 ans plus loin, on peut dire que le son du trio Berlinois a constamment évoluer, pour le plaisir de nos oreilles et aussi afin de suivre l'évolution des instruments de MÉ développés par Manikin, alors que les compositions restent toujours enveloppées dans ce cocon minimaliste sautillant et spasmodique qui sert à orner une MÉ des plus beaux atouts soniques de la maison Manikin. Bien enveloppé dans une pochette digipack à 6 côtés, “Yellow” est sans aucun doute l'album le plus tranchant de cette série sur les couleurs. BK&S ne renie en rien l'essence de leurs inspirations en offrant à ses fans une belle palette de couleurs de synthés qui éveillent des souvenirs de Tangerine Dream des années 74 à 77. C'est avec un charme absolu que j'ai dégusté les 71 minutes de “Yellow”, comme à la belle époque où j'ai découvert le superbe The Annazaal Tapes.
C'est dans des vapeurs d'un orchestre qui accorde ses cordes derrière un étang brumeux que débute "Yellow Stone". Recouverte de motifs intrigants, l'introduction se dégage de son emprise d'ambiances glauques afin de sauter dans le train d'un séquenceur qui sautille en compagnie d'une ligne de basse. Le jumelage de ses deux éléments structure un délicieux rythme chaotique dont l'approche minimaliste colligera toutes les fineries rythmiques sur son passage. Ce rythme, qui me fait l'effet d'un train sans passion, sautille en accordant les motifs harmoniques qui se dégagent des synthés avec sa cadence. C'est ainsi que la palette de couleur jette des jets de brume iodée et des nappes poignantes alors que les cliquetis de Bas Broekhuis nous rappellent qu'il n’est pas trop loin dans le décor. Les pulsations de basse deviennent plus intenses, elles feront vibrer vos murs à mesure que le rythme de "Yellow Stone" atteindra sa pleine puissance, alors que les nappes de synthé lancent des jets chloroformés. Nos sens en état d'hypnose remarquent cette ligne de séquences égarées qui papillonnent sans envie alors que les nappes intensifient leurs emprises sur nos sens. Les percussions deviennent de plus en plus actives. Et "Yellow Stone" devient de plus en plus intense avec des nappes de synthé et de chœurs chtoniens qui logent un appel au temps avec ses parfums d'un autre célèbre trio Allemand; celui de Franke, Froese & Baumann. La vélocité atteint, la structure est plus puissante que vive avec un arsenal de tons et d'effets qui font du rodéo sur une structure qui a gardé toute son enveloppe minimaliste depuis ses 12 dernières minutes. Ce pattern d'évolution minimaliste, incluant ouverture et finale, est l'ossature des 5 titres de cet album de bon Berlin School contemporain qui marie à merveille ses nouveaux éléments avec ceux d'hier. Après une introduction bariolée d'effets d'ambiances, "Yellow Sun" se développe dans une structure qui se colle aux rythmes claniques et surtout éthérés de la série Repelen. Le travail de Bas Broekhuis est tout simplement exquis sur une structure où la Musique du Monde exploite à merveille les langoureux solos de synthé.
Beaucoup de bruits, une belle palette de couleurs tonales et des synthés illuminés parfument la structure sautillante de "Yellow Train". Érigé sur une structure qui s'apparente à un train astral camouflé dans la subtilité, le titre se libère de son introduction bourrée de bruits électroniques qui sont près des tonalités de jeux d'arcades avec une ligne de séquences courant comme des iules effrayés par des arpèges qui étirent leur musicalité avec des grandes enjambées qui cherchent à les écraser. Les bruits bizarres, la vivacité des cliquetis des iules et le ralenti des foulées dessinent un contraste sonore qui remplit nos oreilles de charme. Trois minutes plus loin, le rythme sautillant unique à la signature BK&S gambade vivement dans une plaine sonique où les solos affluent comme des nuages sur une turbulence d'éléments tonals. Un piano tisse une mélodie dérobée à ces éléments, alors que l'enveloppe minimaliste du rythme tranquille étend ses cabrioles et ses cascades sous des solos toujours langoureux. Je vous parlais des influences de Tangerine Dream dans ce “Yellow” et "Yellow Cab" ne se gêne pas pour les étaler. Un pur remake et remix de Betrayal (Sorcerer Theme), "Yellow Cab" est aussi un pur délice pour les oreilles des amateurs de cette trame sonore avec une approche qui ne dénature en rien la version originale. C'est tout le contraire. La musique, les harmonies, les ambiances et surtout les séquences et les percussions sont ici plus approfondies. BK&S exploite à fond les essences de ce titre phare du répertoire de Tangerine Dream avec une même vision dans les solos et les harmonies des synthés qui sont plus longs et aussi plus élaborés, un peu comme s'il possédaient et partageaient les secrets de Franke, Froese & Baumann lors des sessions d'enregistrements de Sorcerer. Les séquences et surtout les percussions sont exploitées avec plus de mordant et démontrent l'approche plus contemporaine au niveau des équipements de la maison Manikin. Du bonbon pour les oreilles. En tout cas, les miennes! "Yellow and Purple" annonce sans doute la prochaine étape de cette série sur les couleurs du trio Allemand. Après une introduction d'ambiances dans le ton, le rythme emprunte une surprenante tangente de musique de danse avec un débit toujours sautillant, et plus spasmodique, entouré de solos aussi tortueux qu'un nœud de serpents qui se dévrillent dans des vapeurs de synthé chtoniennes. Il y a un bon mélange de vieux Berlin School à des essences plus contemporaines où rôdent toujours ces parfums de Tangerine Dream. Oui! Le meilleur à date de l'arc-en-ciel sonique aux couleurs aussi improbables que très séduisantes de Broekhuis, Keller & Schönwälder.

Sylvain Lupari (23/04/18)

lundi 23 avril 2018

JESPER SORENSEN: Zero Gravity (2018)

“Clubbed by heavy and mad percussions, Zero Gravity is an inescapable for those who like a heavy and very lively electronic cosmic rock”
1 Dark Matter 4:02
2 Ascending 11:26
3 Navigating 6:05
4 Into Space 6:48
5 Breaking Through 7:54
6 Zero Gravity 9:46
7 Finally Falling 9:20
8 Beyond Time 9:53

Bonus Track
9 Dark Matter Breaking Through 11:03
10 Ascending (Short Edition) 6:24

Jesper Sorensen Music (DDL 82:42)
(Melodious and very lively EM)

   **Chronique en français plus bas**

I have to say that it's pretty hard not to fall in love with this last opus of Jesper Sorensen. The demolishing of our eardrums activated by heavy, incisive and wild percussions is as much effective at the level of the hearing pleasure as these synth solos which travel between Jean-Michel Jarre's harmonies in the land of Michael Garisson. Heavy, slow, lively and floating, the multiple patterns of rhythm in “Zero Gravity” entail us in an electronic fable of more than 80 minutes of which the incredible violence of the percussions redefined the genre.
"Dark Matter" opens in ambiences this 2nd opus of the Danish musician who lives now in York, England. A shrill sound signal and waves of white noises switch on these ambiences while a synth line spreads a foggy shadow. A delicate movement of the sequencer frees a harmonious line which pods its keys in a good circular hypnotic structure. Other sequences join this musical rhythm. Their greasy tones wrap them with a crunchy wool which will make resound another rhythmic aspect of “Zero Gravity” throughout its 10 titles, among which two in bonus. The opening of "Ascending" follows the noisy curve of "Dark Matter". But for the rest, it's another story. Heavy percussions knock out these atmospheres, sculpting a rhythm of lead which bangs into us charmingly. Sequences and percussions, as well as percussive effects, reveal a rhythmic fauna which will amaze, by the violence, and will charm, for the precision, throughout this album. The feeling to float between the universes of Zoolook and Révolutions is insurmountable in my mind. Set apart the percussions and the sequences, Jesper Sorensen takes all the latitude to insert very good harmonious solos, that we can whistle easily, and electronic effects very in the tone of an album without gravity. "Navigating" proposes a waving rotary motion which derives with a stroboscopic effect in the series of sequences. The percussions hammer heavy lead in this attractive structure of sequences which waddle in a spheroidal way. They are incisive and their strikes divide the rhythmic reach which pitches between a usual electronic movement and a big jerky up-beat. The synth weaves good areal solos while blowing nice melodious layers which grip onto our eardrums. These melodies return with more swiftness into the furious rhythm of "Finally Falling". Another strong title which is blasted by monstrous percussions.

"Into Space" follows with a structure of rhythm, always clubbed well by violent percussions, which goes adrift with these sequences of which the tones full of juices and of gurglings charm our ears since "Dark Matter". The synth multiplies good solos, abandoning any imprint of melodies in this structure of floating beat. The percussions collide again the movement of the sequencer languishingly circular of "Breaking Through" and its floating and charming solos for the eardrums. Divided between the rondnesses of sequences starved for good cosmic Groove and the bombardment of the percussions, the rhythm evolves with its fluids variations while remaining constantly lively in its cosmic envelope. An envelope fed by lines of celestial voices which add a not too intrusive seraphic flavor, leaving an imprint charming to this approach very Jean-Michel Jarre, in particular at the level of harmonies in the synth solos. The title-track throws us in a very extraterrestrial universe with an effect of gigantic loops decorated with sound effects from another world. Certainly, the flavors of cosmic rock in the best years of Jarre can be found here and they soften a little this a bit unusual introduction. The step of the sequencer resounds piercingly. Destabilizing the opening of "Zero Gravity", it calls the percussions for help in order to forge another ear-catchy cosmic rhythm as heavy than as slow. This rotary and spasmodic movement of the sequencer is of use as bases to very good cosmic solos on a structure which evolves with a form of contracted velocity in its second half. The undulatory and parallel movements of the sequencer which feeds the opening "Beyond Time" are sprayed by an excessive heaviness fed by another load of the percussions and by very round sequences which dab an ostinato coated with sound effects which incite to the stridency. In this overloaded sound noise, Jesper Sorensen managed to keep a harmonious control with other good catchy solos. Phew … my ears are thirsty of peace after 65 minutes of rhythmic storm. But there is more! Two bonus tracks come with the download of “Zero Gravity”. "Dark Matter Breaking Through" are both tracks in one, which is very logical, whereas "Ascending (Short Edition)" says it all. But there is even more when you buy this title on the site Bandcamp de Jesper Sorensen. The latter has edited 2 long titles which melt all the music here in two long parts without intermissions between them. An excellent initiative which gives to those who buys this album more for their money. But whatever, this album, without bonuses, is an inescapable for those who like a heavy and very lively electronic cosmic rock. My ears ate it with delight from beginning to end!
Sylvain Lupari (April 23rd, 2018) *****
You will find this album on Jesper Sorensen Bandcamp

Je dois admettre que c'est assez difficile de ne pas tomber en amour avec ce dernier opus de Jesper Sorensen. Le démolissage de nos tympans activés par des percussions lourdes, incisives et féroces est aussi efficace au niveau du plaisir auditif que ces solos de synthé qui voyagent entre les harmonies de Jean-Michel Jarre au pays de Michael Garisson. Lourds, lents, vivants et flottants, les multiples figures de rythme sur “Zero Gravity” nous entraînent dans une fable électronique de plus de 80 minutes dont la violence inouïe des percussions redéfinie le genre.
"Dark Matter" ouvre en ambiances ce 2ième opus du musicien Danois qui habite maintenant à York, en Angleterre. Un signal sonore strident et des vagues de bruits blancs allument ces ambiances alors qu'une nappe de synthé étend une ombre brumeuse. Un délicat mouvement du séquenceur libère une ligne harmonique qui écosse ses ions dans une belle structure hypnotique circulaire. D'autres séquences se joignent à ce rythme musical. Leurs tonalités graisseuses les enveloppent d'une couche croustillante qui fera résonner un autre aspect rythmique de “Zero Gravity” tout au long de ses 10 titres, dont 2 en boni. L'ouverture de "Ascending" suit la courbe bruiteuse de "Dark Matter". Mais pour le reste, c'est une autre histoire. Des percussions lourdes assomment ces ambiances, sculptant un rythme de plomb qui nous rentre délicieusement dedans. Les séquences et les percussions, de même que les effets percussifs, révèlent une faune rythmique qui étonnera, par la violence, et charmera, pour la précision, tout au long de cet album. L'impression de flotter entre les univers de Zoolook et de Revolutions est indélogeable à mes sens. Mis à part les percussions et séquences, Jesper Sorensen prend toute la latitude pour insérer des très bons solos harmonieux, que l'on peut siffloter aisément, et des effets électroniques très dans le ton d'un album sans gravité. "Navigating" propose un mouvement ondulatoire qui dérive avec un effet stroboscopique dans la série de séquences. Les percussions martèlent du plomb dans cette séduisante structure des séquences qui se dandinent d'une façon sphéroïdale. Elles sont incisives et leurs frappes divisent la portée rythmique qui tangue entre un mouvement électronique coutumier et du gros up-beat saccadé. Le synthé tisse de bons solos aériens tout en soufflant de belles nappes mélodieuses qui s'accrochent aux tympans. Ces mélodies sont reprises avec plus de vélocité dans le rythme endiablé de "Finally Falling". Un autre solide titre qui est dynamisé par de monstrueuses percussions.
"Into Space" suit avec une structure de rythme, toujours bien matraquée par de violentes percussions, qui dérive avec ces séquences dont les tonalités pleines de jus et de gargouillis charment nos oreilles depuis "Dark Matter". Le synthé multiplie de bons solos, délaissant toute empreinte de mélodies dans cette structure de rythme flottant. Les percussions percutent à nouveau le mouvement du séquenceur langoureusement circulaire de "Breaking Through" et de ses solos flottants et charmeurs de tympans. Divisé entre les rondeurs des séquences affamées pour un bon Groove cosmique et le pilonnage des percussions, le rythme évolue avec ses fluides variations tout en restant constamment entraînant dans son enveloppe cosmique. Une enveloppe alimentée par des nappes de voix célestes qui ajoutent un parfum séraphique pas trop envahissant, laissant une empreinte charmante à cette approche très Jean-Michel Jarre, notamment au niveau des harmonies dans les solos du synthé. La pièce-titre nous projette dans un univers très extra-terrestre avec un effet de gigantesques boucles ornées d’effets sonores d’un autre monde. Certes, des parfums du rock cosmique des belles années Jarre sont trouvés et adoucissent un peu cette introduction pour le moins inaccoutumée. Le pas du séquenceur résonne âprement. Déstabilisant l'ouverture de "Zero Gravity", il appelle les percussions au rendez-vous afin de forger un séduisant rythme cosmique aussi lourd que lent. Ce mouvement rotatif et saccadé du séquenceur sert de bases à de très bons solos cosmiques sur une structure qui évolue avec une forme de vélocité contractée en seconde moitié. Les mouvements ondulatoires et parallèles du séquenceur qui alimente l'ouverture "Beyond Time" sont pulvérisés par une lourdeur excessive alimentée par une autre charge des percussions et des séquences bien rondes qui tamponnent un ostinato enrobé d'effets sonores qui incitent à la stridence. Dans ce tapage sonore surchargé, Jesper Sorensen réussi à garder un contrôle harmonique avec d’autres bons solos accrocheurs. Ouf…mes oreilles ont soif de quiétude après 65 minutes de tempête rythmique. Mais il y a plus! Deux titres en bonis viennent avec le téléchargement de “Zero Gravity”." Dark Matter Breaking Through" est une suite des 2 titres qui est très logique alors que "Ascending (Short Edition)" est vraiment ce que ça annonce. Mais il y a encore plus lorsque vous achetez ce titre sur le site Bandcamp de Jesper Sorensen. Ce dernier a édité 2 longs titres où chacun des titres de l'album se suivent sans interruption, créant deux long morceaux comme dans le temps des albums vinyles. Une excellente initiative qui en donne pour son argent à ceux qui achète “Zero Gravity”. Mais déjà cet album, sans les bonis, est un incontournable pour ceux qui aiment un rock électronique et cosmique lourd et très vivant. J'ai adoré du début à la fin!

Sylvain Lupari (22/04/2018)