lundi 19 mars 2018

DIGITAL HORIZONS: Ghost Station (2018)

“I had one heck of a good time discovering this Ghost Station! Good beats, great ambiences and a vision that suits very well that of those abandoned old railway stations”

1 Decaying Platforms 6:08
2 Ghost Station 11:41
3 Croix-Rouge (Paris) 6:24
4 Gaudi (Barcelona) 6:43
5 Valkyrie (Oslo) 7:33
6 Dachnoye (St.Petersberg) 15:10
7 183rd Street (New York) 9:26
8 Eureka (San Francisco) 9:59

Digital Horizons Music (DDL 73:07)

(Theme music, E-Rock and England School)
Digital Horizons is a new name for me in the field of contemporary EM of an Electronic Rock style or still the Berlin School and its derived. As here, where the flavor of rock incubated in Jean-Michel Jarre's influences and of England School are compatible. New name for me, but not on the scene of English EM, Digital Horizons germinated in Justin Ludford's mind after having discovered the music of Tangerine Dream and having bought a Casio keyboard at the end of the 80's. And little by little, Digital Horizons realized its albums in the form of cassettes 4 tracks, of CD-r with A Face in the Crowd in 2002 and then in CD with Consequence in 2010. We can also find its music on Spotify and on Apple Music, as well as some of its albums on CD Baby. Digital Horizons possesses also its Bandcamp page where I was able to find its last album, “Ghost Station”.
Ringings of big ghost bells as well as souvenirs of diverse noises surrounding a train station which has stopped to exist fill the introduction of "Decaying Platforms". Blades of synth which float and others which fall like curtains of tears, the music and the effects deployed in this opening is as much rich as very enigmatic, even mysterious. These ambiences' effects keep silent when a big bell makes its ringings resound in a more perceptible way at the third minute's point. Some very juicy sequences skip then, annexing their resonances with the ringings of the bell tower. This fascinating union awakens many pulsations which run like hundreds of small pulsating steps, and a little fewer of jingles, in a motionless structure where fall synth layers with abrasive colors. Isolated, the sequences sculpt an embryonic melody which drowns itself below an avalanche of synth layers and of bells' ringings which now melt themselves in the décor of the synths. Lot of tones in so few time! Layers with thin lines of spectral voices and sequences filled of white noises metamorphose a melodious approach whereas the ambiences always flirt with this little spectral side of “Ghost Station”. Many movements, lot of changing ambiences, changes of rhythmic orientation in the same track and nostalgic perfumes beneath a spectral form; you have here the main elements which structure the ambiences, the harmonies and the rhythms of this last opus of Digital Horizons which draws its inspiration from abandoned train stations worldwide. The atmospheres are developed well in this sense, as well as the rhythmic elements of the album, while the harmonious side is defended by compact mists and their hidden voices which sometimes team-up with the melodic sequences. What a nice cocktail for an album which turns out to be a nice discovery! The title-track follows with a structure as animated as the running of a train through electronic landscapes. Perfumes of Kraftwerk can rise up to our ears, but the music doesn't flirt for one ounce with the Düsseldorf School style, aiming rather at the rhythmic and harmonious efficiency of the England School. Let's say that it's after having heard "Ghost Station" that the click was made.
Especially that "Croix-Rouge (Paris)" is rather delicious with its introduction decorated with lugubrious and resonant layers which have a hint of accordion in the tone. The rhythm doesn't make us wait with a series of repetitive knockings, one would say a race with two uneven legs, where the sequencer drops some very fat keys. This structure of sequences is more harmonious and drives us to a feminine choir which throws a cloudy film aura to these ambiences which wrap up a rhythm interrupted by ambiospherical phases with variable intensity but not as much as the one of the rhythm which breaks through with solid percussions towards the finale of "Croix-Rouge (Paris)". Very good! "Gaudi (Barcelona)" proposes a more stellar structure with diverse ringings of sequences in crystal clear and glass tones. The echoes of the ringing sculpt a choreographic arabesque full of graceful movements which resound on a swarm of muted and pulsating sequences, a little in the genre of "Decaying Platforms". Cosmic synth layers are covering here and there, especially in its 2nd part, this wonderful ballet of carillons of which the ringings never stop to amaze my ears. This is a great track which became entrenched behind my eardrums. After many clouds of mists and flutes "Valkyrie (Oslo)" starts up with the pace of a metronome which scatter its amplified motorik knockings such as a one-legged person skipping between two universes. Two universes, as two strata of banged noises and of electronic effects, where a compact and an opaque fog, of which the beauty is stigmatized by these breaths of flutes and the dreamy notes of a piano, which fills our ears of charms by the means of irresistibly attractive sonic accomplices. "Dachnoye (St.Petersberg)" is a long more experimental title which contains nevertheless two very beautiful structures of rhythms in a universe of Free-Jazz. The sonic panorama asks for a little more love and attention if we want to take advantage completely of its evolution. "183rd Street (New York)" propose an introduction full of these mists which hum in the universe of “Ghost Station” before reaching a phase of rhythm. A kind of mid-tempo broken by places and of which the intensity couples with these layers of mists where are hiding voices. At times, this beat could of charm some zombies marinated in THC. "Eureka (San Francisco)" ends this very good album from Digital Horizons with glass tone sequences singing in an ambience that give shivers. Its evolution is a little like a more than once coitus interruptus before it unblocked in a pretty solid final where the intensity espouses an enthusiasm in this macabre chant, and nevertheless enchanter, of these sequences hammered as with a hammer on a crystal anvil.
I spent a great time to discover an album which distinguishes itself in this blazing universe of sounds and of their colors that is the one of synths and sequencers. The effects of mist here, and their layers of hidden voices, play constantly on the nuances, as rhythmic as melodic, of this “Ghost Station”. I have to hear more of Digital Horizons for sure, but what I heard here is a strong kick off.

Sylvain Lupari (March 19th, 2018) *****
You will find this album on Digital Horizons' Bandcamp page

Digital Horizons est un nouveau nom pour moi dans le domaine de la MÉ contemporaine de style Rock Électronique ou encore Berlin School et ses dérivés. Comme ici, où la saveur de rock incubé dans les influences de Jean-Michel Jarre et la England School font bon ménage. Nouveau nom pour moi, mais pas sur la scène de la MÉ Anglaise, Digital Horizons a germé dans la tête de Justin Ludford après avoir découvert Tangerine Dream et s'être acheté un clavier Casio à la fin des années 80. Et peu à peu, Digital Horizons réalisait ses albums sous forme de cassettes 4 pistes, de CD-r avec A Face in the Crowd en 2002 et puis en CD avec ConSequence en 2010. On peut aussi trouver sa musique sur Spotify et sur Apple Music, de même que certains de ses albums sur CD Baby. Digital Horizons possède aussi sa page Bandcamp où j'ai pu trouver son dernier album, “Ghost Station”.
Des tintements de grosses cloches fantômes ainsi que des souvenirs de divers bruits entourant une gare de train qui a cessé d'exister meublent l'introduction de "Decaying Platforms". Des lames de synthé qui flottent et d'autres qui tombent comme des rideaux de pleurs, la musique et les effets déployés dans cette ouverture est aussi riche que très énigmatique, voire mystérieuse. Ces effets d'ambiances se taisent lorsqu'une grosse cloche fait résonner ses coups de façon plus perceptible à l'entrée des 3 minutes. Des séquences bien juteuses sautillent alors, annexant leurs résonnances avec les tintements du clocher. Cette fascinante union éveille moult pulsations qui courent comme des centaines de petits pas pulsatifs, et un peu moins de cliquetis, dans une structure stationnaire où tombent des nappes de synthé aux couleurs abrasives. Isolées, les séquences sculptent une mélodie embryonnaire qui se noie sous une avalanche de nappes de synthés et des tintements de cloches qui maintenant se fondent dans le décor du synthé. Beaucoup de tons en si peu de temps! Des nappes avec des filets de voix spectrales et des séquences gorgée de bruits blancs métamorphosent une approche mélodieuse alors que les ambiances flirtent toujours avec ce petit côté spectrale de “Ghost Station”. Beaucoup de mouvements, beaucoup d'ambiances changeantes, des changements d'orientation rythmique dans la même piste et des parfums nostalgiques sous une forme spectrale; vous avez ici les principaux éléments qui structurent les ambiances, les harmonies et les rythmes de ce dernier opus de Digital Horizons qui puise son inspiration dans des gares abandonnées à travers le monde. Les ambiances sont bien développées en ce sens, de même que les éléments rythmiques de l'album, alors que le côté harmonique est défendu par des brumes et leurs voix cachées qui se joignent parfois à des séquences mélodiques. Un beau cocktail pour un album qui fait du bien de découvrir! La pièce-titre suit avec une structure aussi animée que la course d'un train à travers des paysages électroniques. Des parfums de Kraftwerk peuvent nous monter aux oreilles, mais la musique ne flirte pas pour une once avec le style Düsseldorf School, visant plutôt l'efficacité rythmique et harmonique de la England School. Disons que c'est après avoir entendu "Ghost Station" que le déclic s'est fait.
Surtout que "Croix-Rouge (Paris)" est plutôt appétissant avec son introduction ornée de nappes lugubres et résonnantes qui ont un soupçon d'accordéon dans le ton. Le rythme ne se fait pas attendre avec série de cognements répétitifs, on dirait une course avec deux jambes inégales, où le séquenceur échappe des ions bien gras. Cette structure de séquences est plus harmonique et nous conduit vers une chorale féminine qui jette une aura cinématographique trouble à ces ambiances qui enveloppent un rythme entrecoupé de phases d'ambiances aux intensité variable mais pas tant que le rythme qui défonce de vélocité avec de solides percussions vers la finale de "Croix-Rouge (Paris)". Très bon! "Gaudi (Barcelona)" propose une structure plus stellaire avec divers tintements de séquences aux tonalités limpides et cristallines. Les échos des tintements sculptent une chorégraphie arabesque plein de gracieux mouvements qui résonnent sur un essaim de séquences sourdes et pulsatiles, un peu du genre de "Decaying Platforms". Des nappes de synthé cosmiques recouvrent par endroits, surtout en 2ième partie, ce splendide ballet de carillons dont les tintements ne cessent d'émerveiller mes oreilles. C'est un très beau titre qui est devenu indélogeable sur mes tympans. Après bien des nuages de brumes et de flûtes "Valkyrie (Oslo)" se met en marche avec la cadence d'un métronome qui éparpillent ses cognements motoriques amplifiés tel un unijambiste sautillant entre deux univers. Deux univers, comme deux strates de bruits cognés et d'effets électroniques, où un dense brouillard opaque et compacte, dont la beauté est stigmatisée par ces souffles de flûtes et des accords de piano rêveurs, emplit nos oreilles de charmes avec l'aide de complices soniques irrésistiblement attirants. "Dachnoye (St.Petersberg)" est un long titre plus expérimental qui contient néanmoins deux très belles structures de rythmes dans un univers de Free-Jazz avec un panorama sonique qui demande un peu plus d'amour et d'attention si on veut profiter pleinement de son évolution. "183rd Street (New York)" propose une introduction gorgée de ces brumes qui fredonnent dans l'univers de “Ghost Station” avant d'atteindre une phase de rythme d'un genre mid-tempo fracturé par endroits et dont l'intensité se jumelle aux nappes de voix cachées dans les brumes. Par moments, le rythme pourrait charmer des zombies marinés au THC. "Eureka (San Francisco)" termine ce très bon album de Digital Horizons avec des séquences aux timbres de verre chantant dans une ambiance à donner des frissons. Son évolution est un peu comme un coït interrompu plus d'une fois avant de débloquer dans une belle finale où l'intensité épouse une ardeur dans ce chant macabre, et pourtant enchanteur, de ces séquences martelées comme avec un marteau sur une enclume de cristal.
J'ai passé un très bon moment à découvrir un album qui se démarque dans ce flamboyant univers des sons et de leurs couleurs qu'est celui des synthés et des séquenceurs. Les effets de brume ici, et leurs nappes de voix dissimulées, jouent constamment sur les contrastes tant rythmiques que mélodiques de “Ghost Station”. Il faudrait sans doute que j'en entende plus de Digital Horizons, mais ce que j'ai entendu ici est un très bon départ.

Sylvain Lupari 18/03/2018

dimanche 18 mars 2018

COMMON GROUND: Common Ground (2015)

“Between the magical world of Hollan Holmes and a dark form of ambient music of Resonant Drift, Common Ground will let you spent good moments of listening ambient music”

1 Many Voices 10:07
2 Finding our Way 5:52
3 Spirited Encounter 6:36
4 Ancient Whispers 4:50
5 The Apollo Frequency 6:06
6 Edge of Tranquility 5:54
7 Tempest Rising 8:31
8 Long Voyage Home 5:53
9 The Ties that Bind 6:58

Common Ground Music (CD/DDL 60:42)

(Pacific School Ambient Music)
After the album Incandescent, Hollan Holmes has joined Bill Olien (synths, samples and drones) and the guitarist Gary Johnson, to form the project Common Ground. For the story, Bill Olien and Gary Johnson are the duet Resonant Drift which realized 7 albums of ambient music since 2004. This union for the less promising gives an album where the very poetic touch of Hollan Holmes on synths and sequencer is linking at the symphonies of the hollow breezes and drones in tints contrasted of the American duet. And this first album left me a beautiful imprint in my ears which had to tame at first this abrasive color of the multi-lines from the synths and the guitars of Resonant Drift.
It's with avian singing exercises that begins the immersive adventure of “Common Ground”. These chants, shouts and dialogues of paradisiac birds are pecking at one dense veil of heavy mist where waits a first hatching of the sequencer. Already, the wealth of the ambiances in "Many Voices" floods my ears ready to confront this new project of Hollan Holmes and of the members of Resonant Drift. The sequencer loosens a circular line which makes its wide circles with fine oscillating nuances, while a line of bass gives us shivers with its harmonious and rhythmic perfumes of Patrick O'Hearn beneath a sonic sky which gets fill of luminous streaks and of another layer of mist a little more seraphic. "Finding our Way" follows with an ascent of warm layers which crack out and let leak out streaks, then strata full of opaline squealing. One has to get used to it, because the cradle of the enigmatic vibes of this album takes shape here. The ample undulations of the more or less hollow breezes meet a thick cloud of jingles which tinkle and resound as in a sort of spasmodic electronic dance before the symphony of breezes means taking its rights. There is a lot of intensity in this track and behind the bulwarks of ambiences of this eponym album to the Common Ground band. In fact, these ambiences would rather serve a title like "Spirited Encounter"! Except that here a guitar crumbles its notes which resound on the ice floes of mists and its vertical waving lines which dance slightly and sparkle in their curtains of contrasting tones as in the most inexplicable auroras borealis. The mass of sound is very good, as well as this song whistled by sharp breezes which by moments is giving me shivers to my soul. And at times, I imagine a solitary wolf howling under a Scandinavian full moon. Is it normal that I think of Richard Burmer here?
"Ancient Whispers" is a title with a tribal spirit born of an intense dance of percussions. Still here, this shrill chant which has pierced the mists of "Finding our Way" is as much effective as these percussions of which we have difficulty in discerning those more tribal of those more rock. This duel between these synth scarlet lines and others darker and/or warmer is overflowing on this enormous fall of lines and waves of synths which darkens the introduction of "The Apollo Frequency"; a linear track which develops slowly with a compact tone of minimalist ambiences. Then "Edge of Tranquility" follows with a movement always linear to where is agglutinating a carpet of hummings and more radiant synth lines, cutting out at cold the solitude of both sound entities. "Tempest Rising" proposes a crossing of warmer vibes where from emerge these lively and jerky structures of rhythm, like these movements of spasmodic sequences on Steve Roach's first albums. The tones are changing with continuous squealing, but the rhythm is always hooked to it with the coming of percussions and of bass pulsations which add to the wealth nevertheless sowed well by a music which arrives just in time here. "Long Voyage Home" is like a long odyssey of a desert taken by diverse storms which put some sand in the linear breaths and which are translated by diverse tones. And arrived here, I have to admit that "The Ties that Bind" comes just in time. Its sonic envelope is clearly warmer, thus ended these sibylline airs and breezes where I heard this thick cloud of crystals frozen while it was whistling these lances of spar. The synth waves are warm and charismatic in the ear and the diverse tinkling which adorn this décor of the Pacific are stolen in the beauties of "Finding our Way". There where these dusts of crystals took exactly root and which give to “Common Ground” this cachet which distinguishes it from other albums of the same genre.

Sylvain Lupari (March 17th 2018)
You will find this album on Common Ground's Bandcamp page
Après l'album Incandescent, Hollan Holmes se joignait à Bill Olien (synthés, échantillonnages et drones) et au guitariste Gary Johnson, afin de former le projet Common Ground. Pour la petite histoire, Bill Olien et Gary Johnson forment le duo Resonant Drift qui a réalisé 7 albums de musique d'ambiances depuis 2004. Cette union pour le moins prometteuse donne un album où la touche très poétique d'Hollan Holmes au séquenceur et au synthé rejoint les symphonies de brises caverneuses et de drones aux teintes contrastés du duo américain. Et ce premier album m'a laissé une belle empreinte dans mes oreilles qui ont dû apprivoiser cette couleur abrasive des multi lignes des synthés et des guitares de Resonant Drift.
C'est avec des vocalises aviaires que débute l'aventure immersive de “Common Ground”. Ces cris, ces chants et ces dialogues d'oiseaux paradisiaques picorent une dense voile de brume lourde où attend une première éclosion du séquenceur. Déjà, la richesse des ambiances de "Many Voices" inonde mes oreilles prêtes à se mesurer à ce nouveau projet d'Hollan Holmes et des membres de Resonant Drift. Le séquenceur délie une ligne circulaire qui effectue ses larges ronds avec de fines nuances oscillantes, alors qu'une ligne de basse nous donne des frissons avec son parfum harmonique et rythmique de Patrick O'Hearn sous un ciel sonore qui s'emplit de stries lumineuses et d'une autre nappe de brume un peu plus séraphique. "Finding our Way" suit avec une montée de nappes chaleureuses qui se fissurent et laissent filtrer des stries, puis de strates aux crissements opalins. Va falloir s'y faire car le berceau des ambiances énigmatiques de cet album prend forme ici. Les amples ondulations des brises plus ou moins caverneuses rencontrent une nuée de cliquetis qui tintent et résonnent comme dans une forme de danse électronique spasmodique avant que la symphonie des brises revienne prendre ses droits. Il y a beaucoup d'intensité dans ce titre et derrière les murailles d'ambiances de cet album éponyme au groupe Common Ground. En fait, ces ambiances serviraient plutôt un titre comme "Spirited Encounter"! Sauf qu'ici une guitare émiette ses notes qui résonnent sur des banquises de brumes et de ses vagues verticales qui dansottent et scintillent dans leurs rideaux de tonalités contrastantes comme dans les plus inexplicables des aurores boréales. La masse de son est très bonne, de même que ce chant siffloté par des brises aigues qui par moments donnent des frissons à mon âme. Et par moments, j'imagine un loup solitaire ululer sous une pleine lune nordique. Est-ce normal que je pense à Richard Burmer ici?
"Ancient Whispers" est un titre à saveur tribale né d'une intense danse de percussions. Encore ici, ce chant strident qui a percé les brumes de "Finding our Way" est aussi efficace que ces percussions dont on peine à discerner celles plus tribales de celles rock. Ce duel entre ces lignes de synthé écarlates et d'autres plus ténébreuses et/ou chaleureuses déborde sur cette énorme chute de lignes et d'ondes de synthés qui noircie l'introduction de "The Apollo Frequency"; un autre titre linéaire qui se développe lentement avec une compacte sonorité d'ambiances minimalistes. "Edge of Tranquility" suit avec un mouvement toujours linéaire où s'agglutinent une carpette de bourdonnements et des lignes de synthé plus radiantes, découpant à froid la solitude des deux entités sonores. "Tempest Rising" propose une traversée d'ambiances plus chaleureuses d'où émerge ces structures de rythme vives et saccadées, comme ces mouvements de séquences spasmodiques des premiers albums de Steve Roach. Les tons changent avec des crissements continus, mais le rythme s'accroche toujours avec l'ajout de percussions et de basses pulsations qui ajoutent à la richesse pourtant bien ensemencée d'une musique qui arrive à point dans cet album. "Long Voyage Home" est comme une traversée d'un désert au prise avec diverses tempêtes qui mettent du sable dans les souffles linéaires et qui se traduisent par diverses tonalités. Et rendu ici, je dois admettre que "The Ties that Bind" arrive à point. Son enveloppe sonique est nettement plus chaleureuse, donc terminé ces chants sibyllins où j'entendais une nuée de cristaux se figer dans des sifflements de lances de spath. Les ondes synthétisées sont chaleureuses et charismatiques à l'oreille et les divers tintements qui ornent ce décor du Pacifique sont dérobés dans les beautés de "Finding our Way". Là où prenaient justement racine ces poussières de cristaux qui donnent à “Common Ground” ce cachet qui le distingue des autres albums du même genre.

Sylvain Lupari 17/03/2018

vendredi 16 mars 2018

HOLLAND HOLMES: Incandescent (2015)

“Here's the perfect mixture of ambient and sequence structures loaded of multiple sound effects and soundshines which oversize incredibles soundscapes”

1 First Light 7:59
2 The Year's First Rain 7:39
3 Letting Go 7:35
4 Valley of the Rocks 7:08
5 Earth Song 8:05
6 Interstellar Lullaby 5:35
7 The Inevitability of Change 8:09
8 Ancient Atmosphere 7:54
9 Incandescent 7:25

Hollan Holmes Music (CD/DDL 67:47)
(Sequenced and ambient Pacific School)
2018 is literally underway with an avalanche of musical productions which does not stop accumulating on my desk. But there is always of these pearls which date from 2 to 3 years, sometimes even more, and that we sent me to charm even more my ears. And these ears, which are constantly soaked with music, are indeed amazed and question my brain to know where was I when this album landed on the Net or in tubs. “Incandescent” is among this list of albums which have escaped my attention in 2015. And nevertheless, I had been totally conquered by the brilliant The Spirits of Starlight which was realized one year earlier. First of all, let's greet this complete artist that is Hollan Holmes. In the era of the digital technology and albums in downloadable format, the Texan sculptor of soundscapes feels at ease as well in the visual arts as with musical instruments. Wrapped in a nice eco-cartoon artwork of 6 panels embellished with great paints and pictures that he designed by itself, this 5th album of Hollan Holmes is dedicated to the late Richard Burmer, an American artist and a musician who is the vein of Steve Roach, Robert Rich and others. Artists who influenced the music of Hollan Holmes.
"First Light" begins this album mainly desirable for meditation with a music which goes reverse of my last words. The rhythm is animated in a state of static with sequences which quickly alternate. These keen oscillations sculpt a volley of scissors' blows which cut out about ten crumbs of notes by minute. These fragments fall in a random way to be transformed into electronic effects which are at the diapason of an astral luminosity. Musical and lyrical, "First Light" is delicately propelled by the impulses of a bass line and\or by an accumulation of the static effects which repulses the rhythmic crumbs of fascinating phantom impulses. A music which joins with dignity in Steve Roach's influences and his chronic Now/Traveller. The music of “Incandescent” seems to describe a journey. A journey in the Monument Valley from where is pulled the artwork of the album. Taking away the threat of thunders, "The Year's First Rain" is a little jewel where pearls a swarm of sequences and carillons which run on the same pace. Lines of synth wave with the same appetite of the motionless beat which aims to be extremely musical and poetic. Bells, sequences and undulating lines form a strong hypnotic symbiosis where hang onto some ferocious bass pulsations and layers of seraphic voices. The sound aestheticism here is at its high with this pleiad of elements which converge on the same destination without having the same artifices. Another solid title! I wrote higher about the influences of Steve Roach on the music of Hollan Holmes, "Letting Go" does nothing to dilute this perception. The sequencer is more alert, more incisive than on "First Light" whereas impulses of bass sequences dominate this perception that the music travels like a race of clouds. Let's say that I spent a great 23 minutes of Pacific School style EM as I love them. "Valley of the Rocks" starts the ambient ascent of “Incandescent”. A bank of mist filled with sound particles moves forward as a threat between my ears. Ambient but intense! It's the most honest description to describe well the ambient music of the Texan musician. Helped by effects of cymbals, the music progresses by fattening its structure with a multitude of lines in tones and in ill-assorted forms. And its climb is knotted up and propelled by other effects of sound backwashes, so creating a poignant and intense climate of ascension. A strange whistling decorates even more our fascination at the very end. It's a piece of piccolo composed and played by Richard Burmer a few years ago. A delight!
"Earth Song" sinks between our ears with an anesthetic heaviness. Wide layers of tones wrap us in a meditative state while the intensity of the music, and of its parallel effects, nails us literally on the spot, open-mouthed. I like these sound elements which decorate the music of Hollan Holmes of scarlet streaks and of lunar effects which are without doubts the nightly reflections beneath the stars in the immense plains of the American deserts where cactus, and other botanical elements, are as specters congealed in the night-coldness. "Interstellar Lullaby" is a jewel of tenderness that I prescribed you without hesitation. It's one of the most beautiful sound poems than I heard. Simply wonderful and impossible to describe. "The Inevitability of Change" is more in the linear, in the minimalist kind with its strong advance of mist packed by striations which filter lines illuminated of incarnate elements. "Ancient Atmosphere" is more peaceful with its carpet of tonal winds which floats against an armada of more warlike breezes. The meeting between two vast fields of winds creates a big stir in the sky which bubbles like a hurricane without appetite. The title-track exploits themes already exploited in this album with another gravitational structure which moves forward without wanting to make of concession, except that to conclude an impressive journey of Hollan Holmes in the lands in colors of “Incandescent”. I would have reorganized the order of the titles but for the rest, it's a wonderful album which gives the taste to discover the music of this brilliant sculptor of musical panoramas who comes to us from a region where this kind came resolutely from somewhere else. Now that's an exploit my dear Hollan!
Sylvain Lupari (March 15th, 2018) ****½*
You will find this album on Hollan Holmes' Bandcamp page

2018 est littéralement en marche avec une avalanche de productions musicales qui ne cesse de s'accumuler sur mon bureau. Mais il y a toujours de ces perles qui datent de 2 à 3 ans, des fois plus, et que l'on m’a fait parvenir afin de charmer encore plus mes oreilles. Et ces oreilles, qui sont continuellement imbibées de musique, s'émerveillent effectivement et questionne mon cerveau à savoir où j'étais lorsque cet album atterrissait sur le Net ou dans les bacs. “Incandescent” fait partie de ces albums qui ont échappé à mon attention en 2015. Et pourtant, j'avais été totalement conquis par le brillant The Spirits of Starlight qui fut réalisé un an plus tôt. Tout d'abord, saluons cet artiste complet qu'est Hollan Holmes. À l'ère du numérique et des albums en format téléchargeable, le sculpteur d'ambiances Texan est aussi à l'aise dans les arts visuels qu'avec des instruments de musique. Enveloppé dans une belle pochette avec 6 panels bien imagés et conçu par lui-même, ce 5ième album d'Hollan Holmes est dédié à Richard Burmer, un artiste et musicien américain qui est de la trempe de Steve Roach, Robert Rich et autres. Des artistes qui ont influencé la musique d'Hollan Holmes.
"First Light" débute cet album majoritairement souhaitable pour la méditation avec une musique qui va à contresens de mes derniers propos. Le rythme est animé dans un état statique avec des séquences qui alternent vivement. Ces vives oscillations sculptent une volée de coups de ciseaux qui découpent une dizaine miettes de notes à la minute. Ces fragments chutent d'une façon aléatoire pour se transformer en effets électronique qui sont au diapason d'une luminosité astrale. Musical et lyrique, "First Light" est délicatement propulsé par des impulsions d'une ligne de basse et/ou par une accumulation de l'effet statique qui refoule les miettes rythmiques des fascinants élans fantôme. Une musique qui s'inscrit dignement dans les influences de Steve Roach et sa chronique sonique Now/Traveller. La musique de “Incandescent” semble décrire un voyage. Un voyage dans le Monument Valley d'où est tiré la pochette de l'album. Éloignant la menace des tonnerres, "The Year's First Rain" est un petit bijou où perle un essaim de séquences et de carillons qui roulent sur la même cadence. Des lignes de synthé ondulent avec le même appétit pour du rythme casanier qui se veut extrêmement musical et poétique. Clochettes, séquences et ondulations forment une forte symbiose hypnotique où s'accrochent de féroces pulsations de basse et des nappes de voix séraphique. L'esthétisme sonore ici est à son comble ici avec cette pléiade d'éléments qui convergent vers la même destination sans avoir les mêmes artifices. Un autre titre solide! Je vous parlais de l'influence de Steve Roach sur la musique d'Hollan Holmes, "Letting Go" ne fait rien pour diluer cette perception. Le séquenceur est plus alerte, plus incisif que sur "First Light" tandis que des impulsions de basses séquences dominent cette perception que la musique voyage comme une course des nuages. Disons que je viens de me farcir près de 23 minutes de MÉ du style Pacific School comme je les aime. "Valley of the Rocks" entame l'ascension ambiante de “Incandescent”. Un banc de brume rempli de particules soniques avance comme une menace entre mes oreilles. Ambiant mais intense! C'est le descriptif le plus honnête afin de bien décrire la musique d'ambiances du musicien Texan. Aidée par des effets de cymbales, la musique progresse en engraissant sa structure avec une multitude de lignes aux tonalités et aux formes disparates. Et sa montée est nouée et propulsée par d'autres effets de ressac sonores, créant ainsi un climat d'ascension intense et poignant. Un étrange sifflement orne encore plus notre fascination à la toute fin. Il s'agit d'un morceau de piccolo composé et joué par Richard Burmer il y a quelques années. Un délice!
"Earth Song" s'enfonce entre nos oreilles avec une lourdeur anesthésiante. De larges nappes de tons nous enveloppe dans un état méditatif alors que l'intensité de la musique, et de ses effets parallèles, nous cloue littéralement sur place, bouche bée. J'aime ces éléments soniques qui décorent la musique d'Hollan Holmes de stries écarlates et d'effets lunaires qui sont sans doutes les reflets d'une nuit sous les étoiles dans les immenses plaines des déserts américains où les cactus, et autres éléments botaniques, sont comme des spectres figés dans les froideurs nocturnes. "Interstellar Lullaby" est un bijou de tendresse que je vous prescrits sans hésitation. C'est un des plus beaux poèmes soniques que j'ai entendu. Tout simplement superbe et impossible à décrire. "The Inevitability of Change" est plus dans le genre linéaire, minimaliste avec sa forte avancée de brume paquetée de striures qui filtrent des raies illuminées de matières incarnates. "Ancient Atmosphere" est plus paisible avec sa carpette de vents tonals qui flotte contre une armada de brises plus belliqueuses. La rencontre entre les deux vastes champs de vents crée un grand remous dans le ciel qui bouillonne comme un ouragan sans appétit. La pièce-titre exploite les thèmes déjà exploités dans cet album avec une autre structure gravitationnelle qui avance sans vouloir faire de concession, sinon que de conclure un impressionnant voyage d'Hollan Holmes sur des terres aux couleurs de “Incandescent”. J'aurais réaménagé l'ordre des titres mais pour le reste, c'est un magnifique album qui donne le goût de découvrir la musique de ce brillant sculpteur de panoramas musicaux qui nous vient d'un endroit où ce genre venait résolument d'ailleurs. Ça c'est un exploit mon cher Hollan!

Sylvain Lupari 15/03/2018 

mercredi 14 mars 2018

HARALD NIES: Axial (2018)

“Axial is a strong comeback for Harald Nies who combines successfully good melodic themes on beats of rock and dance covered well by synth layers, solos and effects. Ah yes, there is a guitar too...”
1 Inorganic 8:29
2 Islands Nights 6:20
3 Roadshop 14:47
4 Escape from Earth 7:11
5 View from The Hill 7:06
6 Let´s Jam 8:10
7 Dark Fever 8:55
8 Axial 5:33

MellowJet Records|cdr-hn1801 (CD/DDL 66:35)
(Rock & Dance EM)
   **Chronique en français plus bas**
Harald Nies is one of the rare artists in the field of electronic rock music who succeeds to combine catchy melodic themes in short structures. After a break of 2 years, the German synthesist and guitarist makes a strong comeback with a powerful album which mixes marvelously the cosmic style to big rock while touching the important signature of MellowJet Records label, a heavy animated and danseable music. “Axial” proposes a continuous musical mosaic of 67 minutes where the rock, the blues and the disco styles live without skinning the ears of those who prefer a style to another one.
"Inorganic" begins this album with a slightly lively circular structure. We stamp of the foot and we roll delicately of the neck in a sound decoration rich in its layers of synths soaked with fluty melodies and with its sonic elements which go and come such as lights of gyrating sounds. Set apart its lively tempos, "Axial" soaks in a multitude of synth layers. There is influx on "Inorganic", among which orchestral layers and mists of the Mellotron years. The electronic effects are thought well with lines of chirpings which go and come in forms of stroboscopic strands, being bound at times to a jerky structure. The tempo re orientates its fluidity in middle-route with rather melodic spasmodic elements which swirl in a heavy mass of orchestral mist. A good opening which brings us to "Islands Nights" which oscillates between a more rock kind, because of its heaviness, and of dance, because of its lightness in its rotating spirals. The music and its momentum hooks a little pleasure on my ears. The orchestral layers fall like disrupted silhouettes while others fly with grace and velocity in a very musical environment. Even the tiny voice sounds good in this electronic deco soaked of good synth solos and which brings us back in the Disco time and these plated balls of glitter and mirrors. The dusts of its finale are flowing towards the monstrous "Roadshop". The rhythm is of lead with good electronic percussions which hammer the dynamism under a carousel of synth solos, some of organic tones and others with more vintage tones. The oasis of sounds which surrounds this very creative electronic rock at the level of its sequences, at the level of its stroboscopic effects and at the level of the harmonies of a synth which never lacks imagination, in particular at the level of solos, is simply breathtaking. The guitar rages and takes away the 2nd part which becomes pure rock essence. And while we believe that the track is ending, a vein of sequences escapes and structures a very good phase of electronic rock that we would want endless.
With its swarm of sequences which flutters on the same spot, "Escape from Earth" is a passage of ambient and motionless elements. Flourishing on a dense cloud of slightly wave-like mist, the rhythm escapes with this meshing of percussions and sequences which bang and skip without really looking for a rhythmic dynamic. The harmonies are sculpted between the big tears of a synth from where escape fluty strands as well as chords which try to imprint a musical itch between our ears. It's working rather well I may add! "View from The Hill" couples to the finale with these synth layers always rich in effects of lunar violins to propose a slow rhythm which is lasciviously hammered by heavy percussions. A splendid oriental melody strolls in this décor packed of effects of voices, let's say murmurs, and dusts of stars which add a real dimension of cosmic blues to the music. The percussions are heavy and handled well such as a drummer of Rock and Blues music and they drive the music in cosmic interludes and to attract them again in this beautiful cosmic slow dance where always strolls this wonderful oriental melody. This has to be the highlight of “Axial”. "Let's Jam" follows with a rhythm of dance. Lively and heavy with its structure of bass sequences which steals the show to the percussions, this rhythm of dance remains very electronic with good synth solos which are more harmonious than in a kind of free style. "Dark Fever" is a big furious electronic rock. Percussions and a fluid bass line bring the rhythm towards a soaring heavy rock. The synth drops cosmic melodies while weaving other melodic themes in mode staccato which resist to the riffs of a guitar which is also starving for good solos. This is another catchy and lively electronic rock! The title-track ends this blistering album with a more meditative approach which is always rich in synth elements. At every levels, “Axial” is a pretty strong comeback album from Harald Nies who presents us here his most beautiful, the most constant album of his career. Dynamite and as it's writing in the press info, listen and enjoy.
Sylvain Lupari (March 14th, 2018) ****¼*
You will find this album on the MellowJet Records

Harald Nies est un des rares artistes dans le domaine du rock électronique qui réussit à combiner des thèmes mélodiques accrocheurs dans de courtes structures. Après un retrait de 2 ans, le synthésiste et guitariste Allemand revient en force avec un album puissant qui mélange à merveille le style cosmique à du gros rock pesant tout en passant par la signature de label MellowJet Records, une musique lourde et danseable. “Axial” propose une mosaïque musicale de 67 minutes sans interruption où le rock, le blues et le style disco cohabitent sans écorcher les oreilles de ceux qui préfèrent un style à un autre.
"Inorganic" amorce cet album avec une structure circulaire légèrement entraînante. On tape du pied et on roule délicatement du cou dans un décor sonique riche de ses nappes de synthés imbibées de mélodies flûtées et de ses éléments soniques qui vont et viennent comme des lueurs de sons giratoires. Mis à part ses tempos vivants, “Axial” baigne dans une multitude de nappes de synthé. Il y a affluence sur "Inorganic", dont des nappes orchestrales et des brumes des années Mellotron. Les effets électroniques sont bien pensés avec des lignes de gazouillis qui vont et viennent sous formes de filaments stroboscopiques, se liant par moments à une structure saccadée. Le tempo réoriente sa fluidité en mi-parcours avec des éléments spasmodiques assez mélodiques qui tournoient dans une lourde masse de brume orchestrale. Une bonne ouverture qui nous amène à "Islands Nights" qui tangue entre un genre plus rock, à cause de sa lourdeur, et de danse, à cause de la légèreté dans sa spirale rotative. La musique et son élan accroche tout de suite un petit plaisir à nos oreilles. Les nappes orchestrales tombent comme des silhouettes disloquées alors que d'autres volent avec grâce et vélocité dans un environnement très musical. Même la voix fluette paraît bien dans ce décor électronique trempé de bons solos de synthé et qui nous ramène dans le temps du disco et de ces boules plaquées de paillettes et de miroirs. Les poussières de la finale se jettent dans le monstrueux "Roadshop". Le rythme est de plomb avec de bonnes percussions électroniques qui martèlent le dynamisme sous un carrousel de solos aux tonalités organiques et d'autres aux tonalités plus vintage. L'oasis de sons qui entoure ce rock électronique très créatif au niveau de ses séquences, de ses effets stroboscopiques et des harmonies d'un synthé qui ne manque pas d'imagination, notamment au niveau des solos, est d'une richesse à couper le souffle. La guitare rage et emporte la 2ième partie qui devient du rock pur essence. Et alors que l'on croit le morceau terminé, un filon de séquences s'échappe et structure une très belle phase de rock électronique que l'on voudrait sans fin.
Avec son essaim de séquences qui font du surplace, "Escape from Earth" est un passage du genre ambiant et stationnaire. Florissant sur un dense nuage de brume légèrement ondulante, le rythme s'échappe avec ce maillage de percussions et de séquences qui tapent et sautillent sans vraiment chercher une dynamique rythmique. Les harmonies sont sculptées entre les grosses larmes d'un synthé d'où s'échappent des filaments flûtés ainsi que des accords qui cherchent à estampiller une démangeaison musicale entre nos oreilles. C'est plutôt réussi! "View from The Hill" s'accouple à la finale avec ces nappes de synthé toujours riches en effets de violons lunaires afin de proposer un rythme lent qui est martelé lascivement par des percussions lourdes. Une splendide mélodie orientale flâne dans ce décor avec des effets de voix, disons des murmures, et des poussières d'étoiles qui ajoutent une véritable dimension de blues cosmique. Les percussions sont lourdes et bien maitrisées comme un batteur de Rock & Blues et elles font chavirer la musique dans des intermèdes cosmiques pour les attirer à nouveau dans ce beau slow cosmique où flâne toujours cette superbe mélodie orientale. Un gros titre dans “Axial”. "Let's Jam" suit avec un rythme de danse. Vivant et lourd avec sa structure de basse séquence qui volent la vedette aux percussions, ce rythme de danse reste très électronique avec de bons solos de synthé plus harmoniques que du genre style libre. "Dark Fever" est un gros rock électronique fougueux. Les percussions et une ligne de basse fluide entrainent le rythme dans une envolée très rock lourd. Le synthé échappe des mélodies cosmiques tout en tissant d'autres thèmes mélodiques en mode staccato qui résistent à des riffs d'une guitare qui est aussi affamée pour de bons solos. Du gros rock électronique super enlevant! La pièce-titre termine ce bouillant album avec une approche plus méditative qui est toujours riche en éléments synthétisés. Un gros retour en force réussi à tous les points de vue par Harald Nies qui présente en “Axial” le plus bel album, l'album le plus constant de sa carrière.

Sylvain Lupari 14/03/18

lundi 12 mars 2018

JUTA TAKAHASHI: Light and Shadows (2017)

“Light and Shadows is an album of ambient music which accompanies your reveries while maintaining a level of curiosity for music”
CD 1
1 Heat Haze 16:56
2 Tangerine Blue 12:28
3 Escape Velocity 16:40
CD 2
1 Sun Shower 16:38
2 Deeper Skies 16:00
3 Autumn Bringer 17:10

Lunisolar Records ‎– LR015 (CD 96:28)
(Ambient music)
   **Chronique en français plus bas**
I'm always fascinated by these tonal painters who present year after year the fruit of their anagogic visions in sounds. The colors of their landscapes are particularly inspired by their environments, especially the lovers of the Zen culture, but often by a more or less gloomy perception of their circles of acquaintances. Always haloed with contrasting colors, the music of Juta Takahashi is situated between these roads. Here, the carmine red of a Japanese autumn bewitches the 6 essences of “Light and Shadows”. This 12th album of the Japanese synthesist regroups a series of titles which have appeared in 2017 on diverse compilations of the English label dedicated to the ambient and/or experimental music, txt Recordings. "Tangerine Blue" and "Deeper Skies" are new titles which fit very well in these transitional textures where the colors of summer move towards those of autumn. With its colors, its contrasting effects and its poetry of sounds, the music offered on this double album of Juta Takahashi respects literally the meaning of its title.
And this first duel of the colors of tones gets organized around the introduction of "Heat Haze". Dark and foggy waves flow like its dark sonic bed while some delicate lines more refulgence are whistling peacefully. Strange noises, a little like guitar loops badly tied up, stand out from this anesthetic contrast, teasing an attentive hearing to these small details which revolve around the soundscapes of this album. Without any rhythmic life, here as in the 5 other long titles of “Light and Shadows”, an intensity is taking shape inside the seraphic impulses of "Heat Haze", bringing a small bit of morphic intensity. "Tangerine Blue" is all the opposite. Here the essences of sounds are haloed with limpidity and the darker waves stay quite at the bottom in order to put down this sound cradle which forces the contrasts in the music of this last Mr. Takahashi's opus. The movement progresses with serenity, dropping some thin strands more crystalline which dance weakly around these waves of celestial hums in order to illuminate all the tenderness of "Tangerine Blue". Between the light and the twilights, the draftsman of idle layers from of Japan strolls our ears in the depths a bit darker of his last album with "Escape Velocity". The distance between both titles propels the listener towards a slow and perpetual fall which slips in a horizontal tunnel. Dark but not too much, the music here breathes of this introspective immersion from the series of the same name by Steve Roach, but with a light more sibylline touch that we owe to a strident line, like claws which squeal well in the walls of the descent.
Energized by an oblong wall of hummings, "Sun Shower" is a long journey on back of a drone where we discover a tonal universe of the most charming. Carillons ring as well as waves full of crystal tones retain our perception of well-being and drive it towards seraphic places which are preserved well by less sieved lines from where leak out soft rays from the sun. A very good, powerful and lyric title which is a surprise for an ambient music. Stealing the solar energy from "Sun Shower", "Deeper Skies" is all the opposite of "Escape Velocity" at the sound level, but not at the level of the shape. This long resounding tunnel travels between the slow implosions of its sound waves to the colors of steel blue and others more shadowy. It's like the fusion of two entities which keep their tonal instincts. The same goes for "Autumn Bringer" and its clearly shriller colors. The transition between the acuteness of some synth layers versus those which are darker can make us jump.
The power of the synth's multiple layers which don't stop coupling in order to spread out contrasting shadows and colors which are a challenge to the imagination make of “Light and Shadows” an album of ambient music which accompanies our reveries while maintaining a level of curiosity for music.

Sylvain Lupari (March 12th, 2018) *****
You will find this album on Juta's own web
Je reste toujours fasciné par ces peintres tonals qui présentent année après année le fruit de leurs visions anagogique en sons. Les couleurs de leurs paysages musicaux sont particulièrement inspirés par leurs environnements, surtout les amants de la culture zen, mais souvent par une perception plus ou moins morose de leurs entourages. Toujours nimbée de couleurs contrastantes, la musique de Juta Takahashi se situe à la croisée de ces routes. Ici, le rouge carminé d'un automne nippon ensorcèle les 6 essences de “Light and Shadows”. Ce 12ième album du synthésiste Japonais regroupe une série de titres qui sont parus en 2017 sur diverses compilations du label Anglais dédié à la musique ambiante et/ou expérimentale txt Recordings. "Tangerine Blue" et "Deeper Skies" sont des nouveaux titres qui se moulent très bien à cette texture transitoire où les couleurs de l'été se poussent vers celles de l'automne. Avec ses couleurs, ses effets contrastants et sa poésie des sons, la musique offerte sur ce double album de Juta Takahashi respecte à la lettre la définition de son titre.
Et ce premier duel des couleurs des tons s'organise autour de l'introduction de "Heat Haze". Des ondes obscures et brumeuses coulent comme son sombre lit sonique alors que quelques délicates lignes plus nitescences sifflotent paisiblement. D'étranges bruits, un peu comme des boucles de guitares mal ficelées, ressortent de ce contraste anesthésiant, aguichant une ouïe attentive à ces petits détails qui gravitent autour des paysages sonores de cet album. Sans aucune vie rythmique, ici comme dans les 5 autres longs titres de “Light and Shadows”, une intensité se dessine à l'intérieur des élans séraphiques de "Heat Haze", amenant un petit brin d'intensité morphique. "Tangerine Blue" est tout le contraire. Ici, les essences soniques sont nimbées de limpidité et les ondes plus sombres restent tout au fond afin d'étendre ce berceau sonore qui force les contrastes dans la musique de ce dernier opus de Mr. Takahashi. Le mouvement progresse avec sérénité, échappant de minimes filaments plus cristallins qui dansent mollement autour de ces vagues de chants célestes et illuminent la tendresse de "Tangerine Blue". Entre la lumière et les pénombres, le dessinateur de couches oisives du Japon promène nos oreilles dans les entrailles un peu plus ténébreuses de “Light and Shadows” avec "Escape Velocity". La distance entre les deux titres propulse l'auditeur vers une lente et sempiternelle chute qui dérape dans un tunnel horizontal. Sombre mais pas trop, la musique ici respire de cette immersion introspective de la série du même nom par Steve Roach, mais avec une légère touche plus sibylline que l'on doit à une ligne acuité, comme des griffes qui pleurent bien plantés dans les parois de la descente. 
Énergisée par une oblongue muraille de bourdonnements, "Sun Shower" est un long voyage à dos de drone où l'on découvre un univers tonal des plus enchanteur. Des carillons tintent de même que des vagues pleines de cristallins refoulent notre perception de bien-être vers des lieux séraphiques qui sont bien entretenus par des lignes moins tamisées où filtrent les doux rayons du soleil. Un très beau titre puissant et étonnement lyrique pour une musique d'ambiances. Dérobant l'énergie solaire de "Sun Shower","Deeper Skies" est tout le contraire de "Escape Velocity" au niveau sonore, mais pas au niveau de la forme. Ce long tunnel claironnant voyage entre les lentes implosions de ses ondes sonores aux couleurs de bleu acier et d'autres plus ombreuses. C'est comme la fusion de deux entités qui conservent leurs instincts tonals. Idem pour "Autumn Bringer" et ses couleurs nettement plus criardes. La transition entre l'acuité de certaines couches de synthé et celles plus ombrageuses peut nous faire sursauter.
La puissance des multi nappes de synthé qui ne cessent de s'accoupler afin de diffuser des ombres contrastantes et des couleurs qui défient l'imaginaire fait de “Light and Shadows” un album de musique d’ambiances qui accompagne nos rêveries tout en maintenant un niveau de curiosité et d'éveil pour la musique.

Sylvain Lupari 12/03/18

dimanche 11 mars 2018

P'FAUN: sp'roque (2018)

“sp'roque is what I call a breath of freshness with a musical vision a bit apart but well anchored in the roots of Berlin School of the 70's”

1 sp'roque - part 2 10:16
2 only one life 11:01
3 sp'roque - part 1 12:41
4 at first sight 6:54
5 sequencer improvisation (bonus track) 18:39

P'Faun Music (CD/DDL 59:33)
(Cosmic Prog Rock)
Chronique en français plus bas**

During the last years, I learnt that when Michael Brückner's name was affixed on a project, it catches instantly my attention. This new band, P'Faun, doesn't make an exception. P'Faun is the new name of Betzler & Brückner, whereas initially the first name of Betzler & Brückner on stage was P'Faun. Strange story isn't it? Co-founder of the legendary German rock band P'Cock, Tommy Betzler always seems to have a spiritual link of attraction, of affection for this name. And we have to admit that phonetically P' Faun is not that far from P'Cock. “sp'roque”, for space rock, is in the continuity of the album Triplet where the German duet recorded this album with Sammy David and Fryderyk Jona. Except that this time, the musical vision is more into rock with Sammy David on guitar and bass.
Tommy Betzler's drum hits our loudspeakers solidly by not missing to make us jump with raw and incisive strikes. "sp'roque - part 2" starts things up with keen oscillations before being snatched up by curt and hatched riffs. These riffs bite as much than the percussions these oscillating lines which the background structure of this crazy progressive rock hymn. Progressive rock? Absolutely! And I would add even rather experimental. Krautrock maybe, because of the electronic effects and the some phases of ambiences, I like this layer of chthonian voices around the 6 minutes, but the rock side of "sp'roque - part 2" is resolutely anchored with this dynamic trio which delivers here a whole impressive piece of heavy cosmic rock. The music is heavy and lively. I think of a mixture between MorPheuSz, Deep Purple, E.L.P. and Van Halen with some great soloes of synth and guitar a la Frank Dorittke which make dual over an intensive bludgeoning of the percussions, exception made of the short ambient phases. Absolutely the wildest title in the sphere of EM this year, and 2018 is more than juicy at this level. I am one of those who thinks that a drummer and a guitarist multiply the charms and open new horizons to EM. They serve very well the cause in the Country Cosmic opening of "only one life". The tones of the clogs from Tommy Betzler's percussions are candy for my ears. Here, it's totally the opposite of "sp'roque - part 2" while the phases of rhythm, rather intense all the same, are also brief than those phases of atmospheres on the opening track. An ambient ballad with Arabic perfumes, "only one life" evolves between its electronic fineries, among which some good circular stroboscopic strands and nice harmonies murmured by foggy voices, and its theatrical den sewn by a guitar as much vaporous than misty as well as percussions in mode tribal.
A little slower, and just as much wild than its part 2, "sp'roque - part 1" is really in the spirit of a more experimental cosmic rock a la Ozric Tentacles. The percussions are sustained and animated while the duels between synth and guitar are going over a bed of bass which refuses the anonymity. The idea to insert a quieter title between these two parts is very judicious. After a brief introduction weaved in the art of astral nebulosity, Sammy David lays down slow and long laments on a structure which has all the looks of Pink Floyd's Wish You Were Here reinvented. A line of sequences begins skipping with more swiftness in a very electronic decor. Little by little, "at first sight" gives itself ammunitions to explode in a heavy mixture of cosmic rock and blues. Sammy David fills our ears up to the top with great solos which remain very attached to harmonious bases while the duet Betzler and Brückner hangs onto a good semi-slow, ideal structure for a dance of underfed Zombies, forged in a good complicity between the percussions and the sequencer. Michael Brückner meets Sammy David's challenges with synth solos which are a little less harmonious but charmingly daring. "sequencer improvisation (bonus track)" is a little delight to any fan of sequencer creator of motionless and always enticing rhythms.
Offered both in downloadable format and in manufacture pressed CD mixed by Michael Brückner and masterised by none other than Hans-Dieter Schmidt, “sp'roque” is what I call a breath of freshness which circulates rather well between the beautiful discoveries that I heard and reviewed recently (Beyond Berlin, Banks&Smith, Mutagenese and Galactic Underground). This is rock cosmic at its best with an experimental touch which remains profoundly anchored in the roots of Berlin School, of the 70's with an Ashra in full expanding artistic. A must!

Sylvain Lupari (March 10th, 2018) *****
You will find this album on P'Faun Bandcamp page
Au cours des dernières années, j'ai appris que lorsque le nom de Michael Brückner est apposé sur un projet, cela mérite notre attention. Cet autre groupe, P'Faun, ne fait pas exception. Pour la petite histoire, P'Faun est le nouveau nom de Betzler & Brückner, alors qu'initialement le premier nom de scène de Betzler & Brückner était P'Faun. Drôle d'histoire n'est-ce pas? Co-fondateur du légendaire groupe de rock Allemand P'Cock, Tommy Betzler semble avoir toujours eu un genre d'attrait, d'affection spirituel pour ce nom. Et il faut avouer que phonétiquement, P'Faun n'est pas si loin de P'Cock. “sp'roque”, pour Space Rock, est dans la continuité de l'album Triplet où le duo Allemand recrutait les services de Sammy David à la guitare et Fryderyk Jona aux synthés. Sauf que cette fois-ci la vision musicale est plus dans le rock avec Sammy David aux guitares et à la basse.
La batterie de Tommy Betzler percute nos haut-parleurs en ne manquant pas de nous faire sursauter avec des frappes brutes et incisives. "sp'roque - part 2" démarre avec de vives oscillations avant d'être happé par des riffs secs et hachurés. Ces riffs mordent autant que les percussions ces lignes oscillantes qui meublent la structure de fond de cet hymne de rock progressif déjanté. Rock progressif? Absolument! Et j'ajouterais même assez expérimental. Du Krautrock peut-être, à cause des effets électroniques et des quelques phases d'ambiances, j'aime bien cette nappe de voix chtoniennes autour des 6 minutes, mais le côté rock de "sp'roque - part 2" est résolument ancré avec ce trio dynamique qui livre ici tout un impressionnant morceau de heavy rock cosmique. La musique est lourde et vive. Je pense à un mélange entre MorPheuSz, Deep Purple, E.L.P. et Van Halen avec de très bons solos de synthé et de guitare à la Frank Dorittke qui se font duel sur un intensif matraquage des percussions, sauf pour quelques phases, très courtes, plus ambiantes. Absolument le titre le plus sauvage dans la sphère de la MÉ cette année, et 2018 est plus que juteuse à ce niveau. Je suis l'un de ceux qui pense qu'un batteur et un guitariste multiplie les charmes et ouvrent de nouveaux horizons à la MÉ. Ils servent très bien la cause dans l'ouverture d'un genre country cosmique de "only one life". Les tonalités de sabots des percussions de Tommy Betzler sont du bonbon pour mes oreilles. Ici, c'est tout à fait le contraire de "sp'roque - part 2" alors que les phases de rythme, assez intenses tout de même, sont aussi brèves et rarissimes que les phases d'ambiances. Une ballade ambiante avec des parfums Arabes, "only one life" évolue entre ses parures électroniques, dont de beaux filaments stroboscopiques circulaires et de belles harmonies murmurés par des voix brumeuses, et son repaire théâtral cousu par une guitare aussi vaporeuse et nébuleuse ainsi que des percussions en mode tribales.
Un peu plus lent, et tout autant féroce que sa partie 2, "sp'roque - part 1" est véritablement dans l'esprit de rock cosmique plus expérimentale à la Ozric Tentacles. Les percussions sont soutenues et enlevantes alors que les duels entre synthé et guitare se font sur un lit de basse qui refuse l'anonymat. L'idée d'insérer un titre plus tranquille entre ces deux parties est très judicieuse. Après une brève introduction tissée dans l'art de la nébulosité astrale, Sammy David étend de lentes et longues complaintes sur une structure ayant les apparences d'un Wish You Were Here, de Pink Floyd, réinventé. Une ligne de séquences se met à sautiller avec plus de vélocité dans un décor très électronique. Peu à peu, "at first sight" se donne des munitions pour exploser dans un lourd mélange de rock et de blues cosmique. Sammy David nous en met plein les oreilles avec de bons solos qui restent très attachés à des bases harmoniques alors que le duo Betzler & Brückner accroche une bonne structure semi-lente, idéale pour une danse de Zombies sous-alimentés, forgée dans une belle complicité entre les percussions et le séquenceur. Michael Brückner relève les défis de Sammy David avec des solos de synthé qui sont un peu moins harmonieux mais délicieusement osés. "sequencer improvisation (bonus track)" est un petit délice pour tout amateur de séquences tisseuses de rythme stationnaire et toujours magnétisant.
Offert tant en format téléchargeable qu'en CD mixé par Michael Brückner et masterisé par nul autre que Hans-Dieter Schmidtsp'roque” est ce que j'appelle un vent de fraîcheur qui circule assez bien entre les belles découvertes que j'ai entendu et chroniqué récemment (Beyond Berlin, Banks&Smith, Mutagenese et Galactic Underground). C'est du rock cosmique à son meilleur avec une touche expérimentale qui reste profondément ancrée dans les racines de la Berlin School, de la MÉ des années 70 avec un Ashra en pleine croissance artistique. Un incontournable!

Sylvain Lupari 10/03/2018

vendredi 9 mars 2018

BEYOND BERLIN: Fine Tunes (2017)

“That's a bomb with wild rhythms beating in dark and sibylline ambiences”

Primum 24:48
Andra 27:52
Tercera 20:07
Groove | GR-238  (CD/DDL 72:46)
(Berlin, England & Netherlands Schools)
We lost Beyond Berlin on the EM map since that the album Music for Cosmic Nights appeared shyly under the radars in 2013. Nevertheless, this album was warmly applauded by the critics as being an excellent surprise. More than 3 years later, and some 3 solo albums farther from Rene de Bakker and 1 from Martin Peters, the Dutch duet comes to visit us again shyly, this time on the Groove label, dazzling again our ears with a very good ode to Berlin School. “Fine Tunes” is a pretty solid album. A big album of EM as several of you love. There is rhythm. As big than intense. There are ambiences. Ambiences which search for the cracks on the ground from where leak out these chthonian choirs or these luciferian effects while the melodies tinkle in a surprising fragility for an album so heavy. Sat on 3 titles with very distinct dimensions, “Fine Tunes” is this kind of thing of which the only flaw is about time. There is too much on one title and not enough on the 2 other ones...
A plethora of electronic noises, some even disturbing ones, make the line in order to be identified. They form the introduction in two times of "Primum". Because if the noises abound and are strong, the synth layers with Floyd mists and others sibylline, like the purest essences of the Berlin School, are chasing these noisy effects by spreading wide bands of silky caresses. Momentums of synth waves are rushing, adding an esoteric depth to these first moments of "Primum" which always stays possessed by this noisy and luxuriant tonal fauna. The synth layers pile up by playing with their tones, I hear owls to hoot and even flutes which are not there, creating a dense sound magma too heavy to get purify in so little time. There are more than 9 minutes to the meter, and always no rhythm which livens up the instincts of "Primum". It's 30 seconds after this mark that the first pulsations are beating through. Behind petite whistles of flutes, a swarm of static sequences intensely sparkles while 2 bass hesitating pulsations, followed by a set of 3 more fluids' ones, structure the minimalist ambient rhythm of "Primum". Layers and lines of synth pile up in this maze of sequences, which sound very Franke at times, leading the moods to reach summits of intensity. Then a delicious line of melody forged on sequences skipping in cascade gives the shivers to the soul around the fifteen minutes. At this point, a kind of sound anarchy creates an ambient intensity where the whole thing gets to perfection in this great electronic adventure of “Fine Tunes” which will take a new sonic face with "Andra".
Here the rhythm is more fluid and the vibes are more Mephistophelian. The sequences skip in the way with a soberer movement, whereas is whistling a rush of electronic winds coming from the hells. The Tangerine Dream fragrance is still present at the level of sequences, while the melodies which are butt-welded with parts more or less connectable sound as of Mergener-Weisser, without the cosmic vision. The acrobatic choreography of the crystal clear serpentines of sequences is a little marvel for ears. At this level, the transparent sounds of the sequences equal those of a hammer hitting on a big xylophone of unbreakable crystal. Almost more a symphony for sequencer than a ballet for sequences, "Andra" evolves with its various lines of rhythms which criss-cross, intertwine and pill-up into a fascinating rhythmic mosaic which denies at no moment its ambient tones with banks of mist, layers of voices, breezes of synth and effects which place now and forever the portal of both EM universes. A little bit too long but still very good! Layers of voices, THX effects and curtains of lights and tones, "Tercera" jumps into our ears with a hopping and lively rhythm. A meshing of sequences lines and electronic percussions feeds a good structure of electronic rock with some delicious percussive effects, my guilty pleasure. Synth layers spread out floating oases whereas lines of synth throw melodies which glitter like tonal reflections. Harmonies suggest an approach in the shape of solos while these sequenced melodies always tinkle in the background. If the rhythmic fauna is rich, the one which manages the ambiences and the melodies overflow of sounds and colors with multiple lines and effects of synth which melt in a big e-rock became heavier. The rushes of percussions and sequences come by package of twelve, the synth solos get out of their hiding place and the arrangements weave dramatic and intense momentums in a structure which worn out its 20 minutes to put fire in our feet and to boil our energy in one of the wildest and most furious titles that I heard in the domain. A slap my friends! In fact, everything of “Fine Tunes” from Beyond Berlin is a bomb.
Sylvain Lupari (March 9th, 2018) **** ¾*
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Groove NL
On a perdu Beyond Berlin sur la carte MÉ depuis que Music for Cosmic Nights soit apparu timidement sous les radars en 2013. Pourtant, cet album fut chaleureusement acclamé par les critiques comme étant une excellente surprise. Plus de 3 ans plus tard, et quelques 3 albums solos plus loin de Rene de Bakker et 1 de Martin Peters, le duo Hollandais revient encore tout timidement, cette fois-ci sur l'étiquette Groove, éblouir à nouveau nos oreilles avec une très belle ode à la Berlin School. “Fine Tunes” est un solide album. Un gros album d'une MÉ comme plusieurs d’entre vous aimez. Il y a du rythme. Du gros comme de l'intense. Les ambiances fouillent les interstices des caniveaux d'où filtrent ces chorales chtoniennes ou ces effets lucifériens alors que les mélodies tintent dans une étonnante fragilité pour un album aussi lourd. Reparti sur 3 titres aux dimensions très distinctes, “Fine Tunes” est ce genre de truc dont la faille est le temps. Il y en a trop sur un titre et pas assez pour les 2 autres...
Une pléthore de bruits électroniques, certains même inquiétants, font la ligne afin d'être identifiés. Ils forment l'introduction en 2 temps de "Primum". Car si les bruits abondent et sont forts, des nappes de synthé aux brumes Floydiennes et d'autres sibyllines, comme la plus pure des essences de la Berlin School, font la chasse à ces effets bruiteux en étendant de larges bandes de caresses ouateuses. Des élans de vagues synthétisées afflux, ajoutant une profondeur ésotérique à ces premiers moments de "Primum" qui reste toujours possédé par cette bruyante et luxuriante faune tonale. Les couches de synthé s'empilent en jouant avec leurs tonalités, j'entends des hiboux ululer et même des flûtes qui n'en sont pas, créant un dense magma sonore trop lourd pour s'épurer en si peu de temps. Il y a plus de 9 minutes au compteur, et toujours pas de rythme qui anime les instincts de "Primum". C'est 30 secondes après cette marque que des premières pulsations se font ressentir. Derrière des petits siffles de flûtes, un essaim de séquences stationnaires scintillent vivement alors que 2 basses pulsations hésitantes, suivies de 3 plus fluides, structurent le rythme ambiant minimaliste de "Primum". Des nappes et des lignes de synthé s'empilent dans ce dédale de séquences, qui font très Franke par instants, amenant les ambiances à atteindre des sommets d'intensité. Une savoureuse ligne de mélodie forgée sur des séquences en cascade procurent des frissons autour de la 15ième minute. Là où un genre d'anarchie sonique institue une intensité ambiante où le tout se fignole dans cette belle aventure électronique qui prend un nouveau visage avec "Andra".
Ici le rythme est plus fluide et les ambiances plus méphistophéliques. Les séquences sautillent dans le chemin avec un mouvement plus sobre tandis que persifle une ruée de vents électroniques venue des enfers. Le parfum Tangerine Dream est encore présent au niveau des séquences alors que les mélodies qui sont raboutées avec des parties plus ou moins connectables sonnent comme du Mergener-Weisser, sans la vision cosmique. La chorégraphie acrobatique des serpentins de séquences limpides est une petite merveille pour les oreilles. À ce niveau, la limpidité des séquences équivaut à des coups de marteau sur un gros xylophone de cristal incassable. Quasiment plus une symphonie pour séquenceur qu'un ballet pour séquences, "Andra" évolue avec ses différentes lignes de rythmes qui se croisent, s'entrecroisent et s'empilent dans une fascinante mosaïque rythmique qui ne nie en aucun moment ses ambiances électroniques avec des bancs de brume, des nappes de voix, des souffles de synthé et des effets qui situent toujours et encore le portail de la MÉ entre 2 univers. Un peu long mais très bon! Nappes de voix, effets THX et rideaux en lumières et en tons, "Tercera" saute dans nos oreilles avec un rythme sautillant et vif. Un maillage de lignes de séquences et de percussions électroniques alimente une bonne structure de rock électronique avec de savoureux effets percussifs, mon péché mignon. Des nappes de synthé étendent des oasis flottantes alors que des lignes de synthé balancent des mélodies qui miroitent comme des reflets tonals. Des harmonies suggèrent une approche sous forme de solos alors que tintent toujours ces mélodies séquencées. Si la faune rythmique est riche, celle qui gère les ambiances et les mélodies déborde de sons avec des multi-lignes et effets de synthé plus que multiples qui fondent dans un gros rock devenu plus lourd. Les percussions viennent par paquet de douze élans, les solos de synthé sortent de leur cachette et les arrangements tissent des élans dramatiques et intenses à une structure qui épuise ses 20 minutes à faire chauffer la plante de nos pieds et à faire bouillir notre énergie dans un des titres les plus sauvages et endiablés que j'ai entendu dans le domaine. Une claque mes amis! En fait, tout “Fine Tunes” de Beyond Berlin est une claque.
Sylvain Lupari 08/03/2018