mercredi 29 novembre 2017

ROBERT LOGAN: Sculptor Galaxy (2017)

“A splendid unexpected surprise, Sculptor Galaxy is this kind of album without frontiers in a precise field that you have, at least for once, give it a try!”
1 Sovereign 7:36
2 Climber 4:23
3 Be Tall 3:16
4 Binary Star 5:59
5 The Weaver 6:12
6 Endless Sea 4:02
7 Senescence 2:27
8 Plantal Sequence 4:45
9 Metazoa 5:49
10 Voyager 6:26

Projekt | PRO 345 (CD/DDL 50:55)
(Psychedelic vibes, Tribal, Berliner and Zoolook styles)
I discovered Robert Logan with the pair of albums that he made with Steve Roach last year. If each album had a very different identity, Second Nature was very ambient while Biosonic was of tribal nature with psybient rhythms, the true nature of the English artist is rather in the kind of deep ambient landscapes with a propensity for tones sculptured around surrounding samplings. Walking between 2 aliases, Sense Project and Firehand, to widen his experimental pallet, Robert Logan delivered 6 music albums decorator of ambiences since 2007. And now taken out from nowhere arrives this brilliant “Sculptor Galaxy”. And the Press info didn't do into subtleties by underlining that it's doubtless this avenue that Jean-Michel Jarre should have chosen after his surprising Zoolook in 1984. What about it?!
Reverberating effects and others organic ones spice up the uncertain rhythm of "
Sovereign". Samplings of voices deformed as well as heavy riffs of keyboard give a psychedelic envelope to this structure of rhythm built in a kind of stop'n'go and of which the absence of nuances makes a whole contrast with the organic effects and the stroboscopic veils which are added to an unreal choir. Between its abrupt shocks and its respites of ambient phases, "Sovereign" gives an overview of the structures of rhythms which mark out this Robert Logan's surprising opus. The mixing is extremely well done by Steve Roach and gives justice to the wealth of the tones, as here and as everywhere in “Sculptor Galaxy”. "Climber" attacks our ears with powerful knockings which make raise lines of flickering sequences and attractive percussive effects. Still here, the structure of rhythm is hatched but clearly more lively with good arrangements and a pretty nice hint of Jean-Michel Jarre, in particular for this approach of synth-pop well controlled in its more progressive environment. The samplings of voice get back to charm our expectations in the smooth rhythm of "Be Tall", I would even believe to hear sing the title in various ways. The percussive effects are always that attractive and fit very well into other effects which brings the music in a zone of psybient. And if the bass traces a cosmic Groove with good lascivious movements, the percussions on the other hand bring the title towards a good rock brought out of another universe. "Binary Star" begins with a more electronic approach which is guided by fluid and lively movements of the sequencer. This structure melts afterward behind another cosmic Groove approach pattern with a bass and percussions more in the tone of a good mid-tempo. The collections of hoarse voices and cosmic effects always stay in the field of psychedelic Electronica. But one tames it quite easily.
On the other hand, "
The Weaver" asks for a bit of more listening. In fact, the evolution of the music follows marvelously the sense of its title with a weaving of sequences which little by little adopts a coherence but which comes up against a heap of sound and percussive effects. It swirls delicately and it's rather a kind of progressive ambient music. The samplings of voices, the organic as much as the percussive effects are in the heart of the charms of this album and "Endless Sea" which, actually, would fits very well with Jean-Michel Jarre's repertoire. But a more audacious Jarre, because everything is of boldness here! After this quite lively piece of music, "Senescence" sounds so out of room here with its delicate piano which puts its pearls of melancholy in the lamentations of what seems to be a sort of in-between violin and cello. "Plantal Sequence" will be your first crush in “Sculptor Galaxy”. Like a thing that we know without ever being capable of putting a name on it, the music is like a pack of people who look for themselves in a wonderful harmonious choreography. That does very Steve Roach and at the same time very Berlin School with a touch Alexander Desplats' mood. A delight! "Metazoa" is another title which seduces straightaway with a very Zoolook structure, we are even entitled to these knocks of percussive grapeshots, where the samplings of voice form a nice harmonious choir. A rather delirious title which finds its strength out of our earphones with a good stereo effect. "Voyager" ends this fascinating discovery of the audaciousness universe of Robert Logan with a cosmic journey where the ambient music is nicely decorated by a strand of musical sequences, by some very intense synth layers and by other percussive effects which are just as much. There is an effect of crescendo here, we notice that almost everywhere throughout the 51 minutes of “Sculptor Galaxy” which pushes an EM towards a nirvana of intensity which makes no concession for the Jean-Michel Jarre's shady world on the London dock.
A magnificent production from the duo Logan/Roach, “Sculptor Galaxy” has literally brought me to the skies of surprises, of astonishments. Besides its samplings of voice, which are not too intrusive but rather eccentrics, its percussive effects and these brilliant organic imprints, “Sculptor Galaxy” is of an intensity which competes its creativity. Every title is a box of sonic surprises where the boldness is not too situated that far from the accessibility. And to think of it well, this distant link with
Zoolook is not really so distant after all … Remarkable, essential and a pure delight for music lovers.
Sylvain Lupari (November 29th, 2017) *****
You will find this album on
Projekt Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'ai découvert Robert Logan avec le duo d'albums qu'il a composé avec Steve Roach l'année dernière. Si chaque album avait une identité très différente, Second Nature était très ambiant alors que Biosonic était de nature tribale avec des rythmes psybient, la vraie nature de l'artiste anglais est plutôt dans le genre ambient immersif avec un penchant pour des tonalités sculptées autour d'échantillonnages environnants. Se promenant entre 2 alias, Sense Project et Firehand, afin d'élargir sa palette expérimentale, Robert Logan a délivré 6 albums de musique décoratrice d'ambiances depuis 2007. Et voilà que sortie de nulle part arrive ce brillant “Sculptor Galaxy”. Et l'info presse ne fait pas dans la dentelle en soulignant que c'est sans doute cette avenue que Jean-Michel Jarre aurait dû choisir après son étonnant Zoolook en 1984. Quand est-il!?
Des effets réverbérants et d'autres organiques pimentent le rythme incertain de "
Sovereign". Des échantillonnages de voix déformées ainsi que de lourds riffs de clavier donnent une enveloppe psychédélique à cette structure de rythme édifiée en un genre de stop'n'go dont l'absence de nuances fait tout un contraste avec les effets organiques et les voiles stroboscopiques qui s'ajoutent à une chorale irréelle. Entre ses secousses abruptes et ses répits d'ambiances, "Sovereign" donne un aperçu des structures de rythmes qui jalonnent cet étonnant opus de Robert Logan. Le mixage est de toute beauté, effectué par Steve Roach, et donne justice à la richesse des tonalités, tant ici que partout dans “Sculptor Galaxy”. "Climber" attaque nos oreilles avec de puissants cognements qui font lever des lignes de séquences papillonnantes et de séduisants effets percussifs. Encore ici, la structure de rythme est hachurée mais nettement plus vivante avec de bons arrangements et un bon soupçon de Jean-Michel Jarre, notamment pour cette approche de synth-pop bien contrôlée dans son environnement plus progressif. Les échantillonnages de voix reviennent charmer nos attentes dans le rythme coulant de "Be Tall", je croirais même entendre chanter le titre de différentes façons. Les effets percussifs sont toujours aussi séduisants et se moulent très bien à d'autres effets qui amène la musique dans une zone de psybient. Et si la basse trace un Groove cosmique avec de bons mouvements lascifs, les percussions en revanche amènent le titre vers un bon rock sorti d'un autre univers. "Binary Star" débute avec une approche plus électronique qui est guidée par des mouvements fluides et vifs du séquenceur. Cette structure se fond par la suite derrière une autre approche de Groove cosmique avec basse et percussions en plus dans le ton d'un bon mid-tempo. Les collections de voix éraillées et d'effets cosmiques restent toujours dans le domaine d'un Électronica psychédélique. Mais cela se dompte assez bien.
Par contre, "
The Weaver" demande un peu plus d'écoute. En fait, l'évolution de la musique suit à merveille le sens de son titre avec un tissage de séquences qui peu à peu épousent une cohérence mais qui se heurte à un amas d'effets sonores et percussifs. Ça tournoie délicatement et c'est du genre plutôt ambiant progressif. Les échantillonnages de voix, les effets organiques de même que les effets percussifs sont au cœur des charmes de cet album et de "Endless Sea" qui, effectivement, irait très bien avec le répertoire de Jean-Michel Jarre. Mais un Jarre plus audacieux, car tout est audace ici! Après ce titre tout de même assez enlevant, "Senescence" détonne avec son délicat piano qui pose ses perles de mélancolie dans les lamentations de ce qui semble être un entre violon et violoncelle. "Plantal Sequence" sera votre premier coup de cœur dans “Sculptor Galaxy”. Comme un truc que l'on connait sans jamais être capable de mettre un nom dessus, la musique est comme une meute de gens qui se cherchent dans une superbe chorégraphie harmonique. Ça fait très Steve Roach et en même temps très Berlin School avec une touche d'Alexander Desplats. Un régal! "Metazoa" est un autre titre qui séduit d'emblée avec une structure très Zoolook, on a même droit à ces coups de mitrailles percussifs, où les échantillonnages de voix forment un bel ensemble harmonique. Un titre assez délirant qui trouve sa force en dehors de nos écouteurs avec un bel effet stéréo. "Voyager" termine cette fascinante découverte de l'univers d'audace de Robert Logan avec un voyage cosmique où la musique d'ambiances est joliment décorée par un filament de séquences musicales, par des nappes de synthé très intenses et d'autres effets percussifs qui le sont tout autant. Il y a un effet de crescendo ici, que l'on remarque un peu partout au travers les 51 minutes de “Sculptor Galaxy”, qui pousse une MÉ à un nirvana d'intensité qui ne fait aucune concession au monde interlope de Jean-Michel Jarre sur les quais londoniens.
Une superbe production du tandem
Logan/Roach, “Sculptor Galaxy” m'a littéralement porté aux nues de l'étonnement, de l'ébahissement. En plus de ses échantillonnages de voix, qui ne sont pas trop envahissantes mais plutôt originales, des effets percussifs et de ces géniales empreintes organiques, “Sculptor Galaxy” est d'une intensité qui rivalise avec sa créativité. Chaque titre est une boîte à surprises soniques où l'audace ne se situe pas trop loin de l'accessibilité. Et à bien y penser, le lointain lien avec Zoolook n'est pas vraiment si éloigné que ça… Remarquable, essentiel et un pur délice pour mélomanes.

Sylvain Lupari (29/11/2017)

lundi 27 novembre 2017

JEFFREY KOEPPER: Transmitter

“Polymorphic rhythms which melt in a load of analog synth waves, this Transmitter should be one of the best albums to have been played and recorded on the waves of WXPN-FM in Philadelphia”
1 Whirl 6:43
2 Ions 6:28
3 Tides 3:07
4 Quasar 11:13
5 Darkness 15:17
6 Halo 5:52
7 Clouds 9:34

Projekt ‎| PRO 348 (CD/DDL 58:19)
(Mix of Berlin and Pacific Schools)
Even in a night-mass, Jeffrey Koepper stays beyond his brothers of sounds with a fascinating obsession for analog synths and sequencers. Recorded within the framework of the mythical radio show Star's End, “Transmitter” is one of the very good albums of cosmic EM to have been played and recorded on the waves of WXPN-FM in Philadelphia. A radio program scheduled in the last hours of Sunday, the music which is usually performed is rather of a relaxing nature. But on this Sunday of June 18th 2017, Jeffrey Koepper had other plans and overpassed this tradition by imposing a quiet music for sure, but among which the numerous changes of forms in the structures of rhythms and the piles of layers in colors as sharpened as harrowing have merged into an impressive cosmic mosaic which is unique to the very stylized signature of Jeffrey Koepper.
It's with a torrid sweetness that "Whirl" spreads the sound field of the next 58 minutes of “Transmitter”. A piercing synth layer, (I have perfumes of bagpipe in my ears) throws its spot of tones which undulates and spreads out with a mute impulse in the movement, giving free rein to a bass line which stretches its pulsations and to a sequencer movement which aligns 7 or 8 jumping keys. These keys structure an ambient rhythm with agile harmonious capers which weave a first musical itch of this crepuscular electronic mass. If the rhythm disappears, it's not the same thing of this sinuous wave which penetrates into the spheres of "Ions". This dense resounding wave is shining now with its outlines decorated with a parasitic texture and fleet until exhilarate another stream of sequences fidgeting as benches of smelts on the surface of a water cooked by a penetrating sun. Here, the marriage of the rhythm and of the ambiences is more in symbiosis than the splendid imperfection of the minimalist movement of "Whirl" which was clearly early ahead of the floating and migratory layers. Frenzied and lively, this perfect balance is like the brilliance of scarlet rocks beneath a water excited by swirling winds. "Tides" follows then with a multitude of reverberations which twirl as in an effect of kaleidoscope, weaving lines in circles as much indomitable as the strands of a cotton candy making its perfect ball.
But time is missing and this circular cloud gets undone little by little when "Quasar" loosens the secrets of Jeffrey Koepper's sequencer. Here the sequences swirl and dance lightly in a horizontal spiral with more bright shadows and echoes. That gives a surprising fight between the shade and the light, between unstable movements of the sequencer and of its mini crossroads of rhythm always in reconstruction under a growing storm of the synth and of its sound reflections which sound so much like being stolen to the universe of Software. It's from there moreover that the impressive "Darkness" makes its entrance. At the beginning, the movement is shy. The sequences skip in the steps of others with a gyrating effect. A sensation of velocity doesn't take time to be felt. Since "Quasar", we are in the core of “Transmitter” with some starving evolutionary rhythms which exchange their tones, here it's organic, with the same fluidity as the permutations between the gravitation phases of the rhythms. In this "Quasar", the minimalist approach shows two contrasts in the ornamentation as rhythmic as harmonious of the sequencer with Robert Schroëder's cackling tones and with strands which little by little exchange the trifling skipping into a fine jerky movement. These stroboscopic jolts travel slowly over the differences in level of a soundscape sieved of dark lights, disquieting synth layers and other ones which will remind to some of you the delights and the solos perfumed of Tangerine Dream's fascinating melodies in the years pre White Eagle. Little by little "Quasar" weakens its rhythmic charms to plunge this night concert towards a more meditative phase with "Halo", which we find moreover on the MantraSequent album, and "Clouds" which adopts marvelously the slow curves of "Halo" but with more of mordant into the effects of loops and reverberations. The synth layers invade the atmospheres with a horde of tones which flirt a little with the effects of radioactivity and of white noises, and which have decorated pleasantly the soundscapes of “Transmitter” since "Whirl", pushing the awakening of the sequencer which traces the last stroboscopic stammering of one of Star End's most beautiful night concerts.
Sylvain Lupari (November 27th, 2017) ****¼*

You will find this album on Projekt Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Même dans une messe nocturne, Jeffrey Koepper reste au-delà de ses confrères de sons avec une fascinante obsession pour les équipements analogues. Enregistré dans le cadre du mythique show de radio Star's End Radio Broadcast, “Transmitter” est l'un des très beaux albums de MÉ cosmique à avoir été conçu sur les ondes du WXPN-FM à Philadelphie. Une émission de radio programmée aux dernières heures de la journée du dimanche, la musique qui y est habituellement performée est plutôt de nature relaxante. Mais en ce dimanche du 18 Juin 2017, Jeffrey Koepper a fait fi de cette tradition en imposant une musique certes apaisante, mais dont les nombreux changements de formes dans les structures de rythmes et les amoncellements de nappes aux couleurs autant acérées que mystifiantes se sont fondus en une impressionnante mosaïque cosmique qui est unique à la signature très stylisée de Jeffrey Koepper.  
C'est avec une douceur torride que "
Whirl" étend le champ sonique des 58 prochaines minutes de “Transmitter”. Une nappe de synthé perçante (j'ai des parfums de cornemuse dans les oreilles) lance sa tache de tons qui ondoie et s'étale avec une sourde impulsion dans le mouvement, donnant libre cours à une ligne de basse qui étire ses pulsations et à un mouvement de séquenceur qui aligne 7 ou 8 ions soniques. Ces ions structurent un rythme ambiant avec d'agiles cabrioles harmoniques qui tissent un premier ver d'oreille de cette messe électronique crépusculaire. Si le rythme disparaît, il n'en n'est rien de cette onde sinueuse qui pénètre les sphères de "Ions". Cette dense onde réverbérante rayonne maintenant de ses contours ornés d'une texture parasitaire et flotte jusqu'à émoustiller une autre kyrielle de séquences frétillant comme des bancs d'éperlans à la surface d'une eau cuite par un soleil pénétrant. Ici, le mariage du rythme et des ambiances est plus en symbiose que la superbe imperfection du mouvement minimaliste de "Whirl" qui était nettement en avance sur l'amas de nappes flottantes et migratrices. Frénétique et vivant, ce parfait équilibre est comme le miroitement de roches écarlates sous une eau excitée par des vents tourbillonnants. "Tides" suit avec une multitude de réverbérations qui tournoient comme dans un effet de kaléidoscope, tissant des lignes en cercles aussi indomptables que les filaments d'une barbe à papa en train de faire sa boule parfaite.
Mais le temps manque et ce nuage circulaire se défait peu à peu lorsque "
Quasar" délie les secrets du séquenceur de Jeffrey Koepper. Ici les séquences tournoient et dansottent dans une spirale horizontale avec des ombres plus lumineux. Cela donne un étonnant combat entre l'ombre et la lumière, entre des mouvements instables du séquenceur et de ses mini carrefours de rythme toujours en reconstruction sous une tempête grandissante du synthé et de ses reflets soniques qui sonnent comme dans l'univers de Software. C'est de là d'ailleurs que l'imposant "Darkness" fait son entrée. Au début, le mouvement est timide. Les séquences sautillent dans les pas des autres avec un effet giratoire. Une sensation de vélocité ne tarde pas à se faire sentir. Depuis "Quasar", nous sommes dans le cœur de “Transmitter” avec des rythmes évolutifs qui échangent leurs tonalités, ici elle est organique, avec la même fluidité que les permutations entre les phases de gravitation des rythmes. Dans ce "Quasar", l'approche minimaliste affiche deux contrastes dans l'ornementation tant rythmique qu'harmonique du séquenceur avec des caquètements à la Robert Schroeder et des filaments qui peu à peu échangent les sautillements anodins en un fin mouvement saccadé. Ces soubresauts stroboscopiques arpentent doucement les dénivellations d'un paysage sonique tamisé de lueurs sombres, de nappes de synthé angoissantes et d'autres qui rappelleront chez certains d'entre vous les délices et les solos parfumées de fascinantes mélodies de Tangerine Dream dans les années pré White Eagle. Peu à peu "Quasar" étiole ses charmes rythmiques afin de plonger ce concert nocturne vers une phase plus méditative avec "Halo", que l'on retrouve d'ailleurs sur l'album MantraSequent, et "Clouds" qui épouse à merveille les lentes courbes de "Halo" mais avec plus de mordant dans les effets de boucles et de réverbérations. Les nappes de synthé envahissent les ambiances avec une horde de tonalités qui flirtent un peu avec les effets de radioactivité et de bruits blancs, qui décoraient agréablement le paysage sonique de “Transmitter” depuis "Whirl", poussant le réveil du séquenceur qui trace les derniers balbutiements stroboscopiques d'un des plus beaux concerts nocturnes de Star's End.

Sylvain Lupari (27/11/2017)

samedi 25 novembre 2017

HOLLAN HOLMES: Prayer to the Energy (2017)

“Soft, exquisite and lyrical with the two sides of Hollan Holmes, this Prayer to the Energy is this perfect album to relax without falling asleep, although that cd2....”

CD1 (62:13)
1 Prayer to the Energy 6:04
2 Insulated 4:58

3 Darkness and Light 5:20
4 Great Expectations 5:03
5 Lucid Dreams 6:45
6 That Ephemeral Spark 7:27
7 We Can Never Go Back 6:58
8 A Midwinter Night's Dream 19:26

CD2 (59:46)
1 The Suspension of Time 7:59
2 Cloud World 7:04
3 Cover of Darkness 7:46
4 Sublime Stasis 9:13
5 Breathing 7:49
6 Cerro Torre 19:43

Hollan Holmes Music (CD/DDL 121:59)
(Light sequenced and ambient Pacific School)
I discovered the music of Hollan Holmes with his wonderful The Spirits of Starlight, appeared on summer 2014. Then came Incandescent in spring 2015 and this “Prayer to the Energy” which was released at the start of this year. And I just can't imagine that this brilliant American musician doesn't get more meditative attention than some comments on Facebook. It's how that I heard about these 2 albums. The Texan musician would say to us that the music of the first CD was thought and developed with a wintry spirit, where snowflakes swirl as dragonflies on coke, that I would not be really surprised. The movement of sequences, to say the least on the first CD, is as light as a crazy snow and trace very harmonious rhythmic patterns which stick to the eardrums. Offered as much in downloadable format as in manufactured CD, I heard that the artwork is very beautiful and is illustrated of Hollan Holmes' paintings, “Prayer to the Energy” is an album in two phases with a first package of 62 delicious minutes which are nibbled by a panoply of electronic rhythms sculptured with a very harmonious vision.
"Prayer to the Energy" sets the tone with a structure of polyphased rhythms where several lines of sequences meet in a rhythmic crossroads which turns in all directions. Even in its membrane of stellar poetry, the rhythm is frenzied and tumbles by abrupt jerks in a sound crossroads which favors the disorder. Catchy on the ear and lively for the fingers, the crowding in sequences leaves the latitude necessary for Holland Holmes so that he can trace beautiful moments of emotionalism and intensity with chords and divine arrangements which seize the listening. Shorter, "Insulated" raises the rhythmic bar higher with a movement lively and more jerky than the title-track. The effect of echo, or rhythmic canon, in the structure reminds me enormously those of Steve Roach in Now and Traveller. "Darkness and Light" is a very nice ballad. The movement is slower with good oscillations in the rhythm which is supported by sober electronic percussions. More iridescent sequences give a beautiful harmonious contrasting effect and allows us to smell the delicacy of Holmes in the design of his electronic landscapes. Layers of voices make the emotions more magical whereas sharper synth lines add a good shroud of intensity to this beautiful ballad jacked on a carousel of sequences stuffed with contrasting tones. We speak about intensity? "Great Expectations" doesn't give its place! It's a nice ambiospherical slow rhythm with a guitar which fools our sense of hearing by scattering its harmonious riffs, like the movement of the sequencer. The music is very intense and could fit marvelously with a music of a dramatic movie where the solitary hero is crying his soul out in the desert. "Lucid Dreams" brings us towards the more meditative territories of the 2nd CD. The main movement of twinkling sequences blacksmith of ambient rhythms is flooded in a somber soundscape which is tinted of slow morphic wings. "That Ephemeral Spark" is another good meditative slow beat with a brilliant movement of the sequencer where crystal clear chords, as shaded, swirl with attractive nuances in other sequences a bit organic. Here as everywhere in this album, sonic pearls sparkling like stars modify slightly the harmonious portion of the rhythm basis. We easily dream about angels with this title while the storm the which is "We Can Never Go Back" is forged around a livelier and a starver movement. The arrangements, as well as the race of the rhythm, give a momentum of suspense rather intense. The first CD sells its last minutes spot to the epic "A Midwinter Night's Dream". Recorded during the Star's End radio show hosted by the famous Chuck Van Zyl, the movement proposes a long sound journey through movements of sequences divided between rhythmic and meditative phases with good impulses, like some nice withdrawns, between rebel sequences and others submitted to the evolutionary temperaments of "A Midwinter Night's Dream". The first minutes are very intense with good implosions coming from a dramatic effect of a bass which pierces the rigor of a sober but insistent movement of a sequencer in mode; what goes up comes down. The music borrows another tangent around the 9th minute. The movement remains intense with a dark and intrusive sound shroud where the sequences skip in the jingling of wintry harmonies. That remains very striking, one would say stars of glass which burst on an opaque dome of sounds, and while the music invades its last den, Hollan Holmes adds some more of melancholy with a finale frozen in the pleasant harmonies of a celestial choir. This first CD of “Prayer to the Energy” is a monument comparable to The Spirits of Starlight that I had devoured the emotions in the ceiling.
I won't lie to you; the CD 2 is make for dodo! To help you sleep! And "
The Suspension of Time" indicates us the posology used by the Texan sculptor of ambiences with nice synth shadows which float as the caresses of Morpheus. Other layers, feed the touching vision of Hollan Holmes in respect of a fascinating compassionate communication between the author and those ears thirsty for this need of serenity to the Zen music lover. It's as much beautiful and meditative as the most beautiful music of Juta Takahashi. There is a lot of warmth in these winged caresses, as here and as in the astral journey of "Cloud World" with vibes and elements of ambiences which describe well the color of the title. "Cover of Darkness" is indeed darker. But always there are these opalescent lines which squeak like specters of glass scratching walls of concrete in a mass of hollow breezes. Adopting a rise of vibes which feigns a crescendo of emotions, "Sublime Stasis" is more ethereal, even with these snores of the oblivion, while "Breathing" blows the hot and the cold with a vision which caresses both opposite. Steve Roach's imprints resist the originality of Hollan Holmes in his creation of meditative music. There are few tribal elements, even if long drones are making oblong repetitive detours in the opening of "Cerro Torre". Also performed within the framework of Star's End, this time it was for a Halloween Special in 2016, this long sonic river binds itself in our senses with a mixture of slow movements filled with threatening hummings and with more irradiant shadows which unite their contrasts in some nice floating orchestrations. The breezes sound like a choir that we would hear by far underneath the ground while the music always stays of a sibylline nature with rises of adrenalin which wrap us such as sonic waves covering our peace of mind. And like real waves, there are always residues when they go back to the sea and come to cover us again of sounds. And it's there that Michael Stearns' cosmic waves spatter over those music washes. Intense, due to its slow and patient immersive movement, "Cerro Torre" reaches a pinnacle of emotionalism, which leaves little room to serenity, when the music crumbles its last breezes in a cloud of hummings which can annoy an ear on the edge to fall asleep. Introducing thus a battle so that "Cerro Torre" has not to end.
Sylvain Lupari (November 24th, 2017) *****

You will find this album on Hollan Holmes' Bandcamp page
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'ai découvert la musique d'Hollan Holmes avec son superbe The Spirits of Starlight, paru à l'été 2014. Puis virent Incandescent au printemps 2015 et ce “Prayer to the Energy” paru en tout début de 2017. Et je ne peux imaginer que ce brillant musicien américain n'ai pas plus d'attention méditative que quelques post sur Facebook. C'est de cette façon que j'ai entendu parler de ces 2 albums. Le musicien Texan nous avouerait que ce la musique du premier CD a été pensé et élaboré avec un esprit hivernal, où des flocons de neige tournoient comme des libellules sur la coke, que je ne serais pas vraiment surpris. Le mouvement des séquences, à tout le moins sur le premier CD, est aussi léger qu'une neige folle et trace des tracés autant rythmiques qu'harmoniques qui collent au tympan. Offert autant en format téléchargeable qu'en CD manufacturé, paraîtrait que la pochette est très belle et illustrée des peinture d'Hollan Holmes, “Prayer to the Energy” est un album en deux temps avec un premier paquet de 62 délicieuses minutes qui sont grignotées par une panoplie de rythmes sculptés avec une vision très harmonieuse.
"Prayer to the Energy" donne le ton avec une structure de rythme polyphasé où plusieurs lignes de séquences se rencontrent dans un carrefour rythmique qui vire en tous sens. Même dans sa membrane de poésie stellaire, le rythme est frénétique et déboule par saccades abruptes dans un carrefour sonique qui privilégie le désordre. Accrochant à l'oreille et entraînant pour les doigts, la promiscuité des séquences laisse la latitude nécessaire à Holland Holmes afin qu'il puisse tracer de beaux moments d'émotivité et d'intensité avec des accords qui saisissent l'écoute et des arrangements divins. Plus court, "Insulated" monte la barre rythmique plus haute avec un mouvement vif et plus saccadé que la pièce-titre. L'effet d'écho, ou de canon rythmique, dans la structure me fait penser énormément à ceux de Steve Roach dans Now & Traveller. "Darkness and Light" est une belle ballade. Le mouvement est plus lent avec de bonnes oscillations dans le rythme qui est soutenu par de sobres percussions électroniques. Des séquences plus moirées donnent un bel effet de contraste harmonique et nous permet de renifler la délicatesse d'Holmes dans la conception de ses paysages électroniques. Des nappes de voix rend les émotions plus féériques tandis que des lignes de synthé plus acérées ajoutent un bon tissu d'intensité à cette belle ballade montée sur un carrousel de séquences truffé de tonalités contrastantes. On parle d'intensité? "Great Expectations" ne donne pas sa place! C'est un beau slow ambiosphérique avec une guitare qui se moque de notre ouïe en éparpillant ses riffs harmoniques comme le mouvement du séquenceur. La musique est très intense et irait à merveille avec une musique d'un film dramatique où le héros solitaire pleurerait son âme en plein désert. "Lucid Dreams" nous amène plus vers les territoires méditatifs du 2ième CD. Le principal mouvement scintillant des séquences forgeuses de rythmes ambiants est noyé dans un sombre paysage sonique teinté de lentes ailes morphiques. "That Ephemeral Spark" est un autre beau slow méditatif avec un mouvement chatoyant du séquenceur où accords limpides comme ombragés tournoient avec d'attrayantes nuances dans des accords un brin organique. Ici comme partout dans cet album, des perles soniques scintillant comme des étoiles nuancent la portion harmonique de la base du rythme. On rêve facilement aux anges avec ce titre alors que la tempête qu'est "We Can Never Go Back" est forgé autour d'un mouvement plus vif et plus affamé. Les arrangements, ainsi que la course du rythme, donnent un élan de suspense assez intense. Le premier CD affiche complet avec le titre fleuve "A Midwinter Night's Dream". Enregistré lors de l'émission radiophonique Star's End, animé par le célèbre Chuck Van Zyl, le mouvement propose un long voyage sonique à travers des mouvements de séquences divisés entre phases rythmiques et méditatives avec de belles impulsions, comme de beaux replis, entre des séquences rebelles et d’autres soumises aux tempéraments évolutifs de "A Midwinter Night's Dream". Les premières minutes sont très intenses avec de belles implosions d'un effet de basse dramatique qui percent la rigueur d'un mouvement sobre mais insistant d'un séquenceur en mode monte et descends. La musique emprunte une autre tangente vers la 9ième minute. Le mouvement reste intense avec un tissu sonore sombre et envahissant où les séquences sautillent dans des tintements d'harmonies hivernales. Ça reste très saisissant, on dirait des étoiles en verre qui éclatent sur un opaque manteau de sons, et alors que la musique envahit son dernier repaire, Hollan Holmes ajoute encore plus de mélancolie avec une finale figée dans les suaves harmonies d'une chorale céleste. Ce premier CD de “Prayer to the Energy” est un monument comparable à The Spirits of Starlight que j'avais dévoré les émotions dans le plafond.
On ne se fera pas de cachettes, le CD 2 est pour le dodo! Et "The Suspension of Time" nous indique la posologie utilisée par le sculpteur d'ambiances Texan avec de belles ombres synthétisées qui flottent comme les caresses de Morphée. D'autre nappes, plus intrusives, alimentent l'attendrissante vision de Holland Holmes en égard d'une fascinante communication compassionnelle entre l'auteur et les oreilles qui assouvissent ce besoin de sérénité chez l'amateur de musique Zen. C'est aussi beau et méditatif que la plus belle des musiques de Juta Takahashi. Il y a beaucoup de chaleur dans ces caresses ailées, comme ici et dans le voyage astral de "Cloud World" avec des ambiances qui décrivent la couleur du titre. "Cover of Darkness" est effectivement plus ténébreux. Mais toujours il y a ces lignes opalescentes qui crissent comme des spectres de verre éraflant des murs de de béton dans une masse de brises caverneuses. Adoptant une montée d'ambiances qui simule des crescendos d'émotions, "Sublime Stasis" est plus éthéré, même avec ces ronflements du néant, alors que "Breathing" souffle le chaud et le froid avec une vision qui caresse les deux opposés. Les empreintes de Steve Roach résistent à l'originalité de Hollan Holmes dans sa création de musique méditative. Il y a peu d'éléments tribaux, même si de longs râles rauques font d'oblongs détours répétitifs dans l'ouverture de "Cerro Torre". Performé aussi dans le cadre du Star's End, cette fois-ci c'était pour le spécial Halloween 2016, ce long titre fleuve s'arrime à nos sens avec un mélange de lents mouvements gorgés de bourdonnements menaçants et d'ombres plus irradiantes qui unissent leurs contrastes dans de belles orchestrations valsantes. Les brises sonnent comme une chorale que l'on entendrait de loin sous la terre alors que la musique reste toujours de nature sibylline avec des montées d'adrénaline qui nous enveloppent comme des vagues sonores recouvrant notre quiétude. Et comme de véritables vagues, il reste toujours des résidus lorsqu'elles retournent chercher plus d'éléments pout nous recouvrir à nouveau. Et c'est là que les ondes cosmiques de Michael Stearns rejaillissent sur les splash de musique. Intense, de par son lent et patient mouvement immersif, "Cerro Torre" s'éteint dans un pinacle d'émotivité, qui laisse peu de place à la sérénité, lorsque la musique émiette ses dernières brises dans un nuage de bourdonnements qui peut agacer une oreille sur le bord de s'endormir, initiant une lutte féroce afin que "Cerro Torre" ne puisse à jamais s'éteindre.
Sylvain Lupari (24/11/2017)

mercredi 22 novembre 2017

FRATOROLER: Augen-Blicke (2017)

“Augen-Blicke is some pretty good Berlin School, a little more retro, with a delicious bend towards the ambiences of Krautrock from the 70's”
1 Einblick 11:20
2 Weitblick 10:17
3 Rückblick 14:20
4 Augenblick 10:29
5 Silberblick 12:04

SynGate | CD-r FR06 (CD-r/DDL 58:32)
(Retro Berlin School, Neo-Krautrock)
It was a question of time before that Thomas Köhler and Frank Rothe turn their paths of creativity to go towards another kind than the classical Berlin School. Already that What!, released last year, flirted with the essences of Krautrock, here's that “Augen-Blicke” confirms a little more the orientation of Fratoroler for an EM livened up by the roots of German progressive rock. The newness? Thomas Köhler adds guitar and percussions to his arsenal of musical instruments which are made, as well as those of Frank Rothe, by the engineers of Manikin. This permutation of the tones from the former days with the modernity of Manikin's range of instruments gives a unique flavor to this neo-Krautrock style where the psychedelic side of the ambiences always remains dominated by the nature of sequencers.
A note of piano diffuses reverberations and melancholic ambiences at the opening of "
Einblick". A percussive effect, having the regularity of a metronome which is pressed to take the piano melody out of its daydreamer base, increases a form of pressure to create a beat. A bass pulsation hears the call, as well as the guitar which throws solos rolling in loops beneath a musical design which reflects a sound drama. This passive intensity takes root between dark layers and meditative orchestral arrangements which, united to the guitar, brings us back a bit in the universe of Ashra and of Manuel Göttsching. The music widens a dense carpet perfumed by oriental essences whereas, a little as the ambiences, the rhythm remains passive and this even if the sequences hassle a presence which aims to be more harmonious in order to support the charms of a distant flute. The percussive effects of the introduction return haunting the finale of "Einblick" which drowns itself under these layers and these orchestrations but which breathes thanks to these guitar solos which come and go in harmonious loops. The play of electronic percussions which introduces us to "Weitblick" breathes that of Tangerine Dream in the opening of the magnificent Poland. Moreover, the 10 minutes which follow seem to be inspired of this model with a nice crossroad of sequence lines and by the percussive effects which beat and sparkle under the chords of a melodious keyboard and layers of synth in colors as much resounding as a blue azure. Streaming of twinkling sequences, keyboard chords as well as a little more colorful effects try to take us away from the inspirations of this legendary title from the trio Franke, Froese and Schmoelling but it's a waste of time because that all that turn around it, I even hear echoes of Logos, leads us irreparably to this impressive work of TD.
We are entitled to a small chthonian pause with the introduction of "
Rückblick". Lines of flutes, satanic choir and effects of neutralizing gas flood our ears which jump slightly with the unexpected arrival of harmonious ringings of small seraphic bells. We feel the rhythm waking up slowly, like an impatient horse which has just awaken, around the 4th minute. But like an effect of spell, the Memotron flute calms down this impulse which seems to be born only from my imagination. The rhythmic portion will wake up rather at about the 6th minute with a resonant sequence, as if it came from the big Moog of Redshift. The awakening takes its time and appears with a less dark line which skips and crosses the alternate movement of the sequencer such as scissors dancing in a music tissue. That gives these beautiful electronic rhythms which zigzag with a thousand small steps pressed in an environment as charming as the golden years of vintage EM. With percussions and guitars, "Augenblick" offers a good cosmic rock a bit psychedelic of the same years. The sound as well as the wall of effects and ambiences, and especially the jerky percussions, are stylizing a very vintage Ashra. If I quite enjoyed "Weitblick", I find "Silberblick" much better. The link which unites these two titles is the skeleton of the static rhythm. Except that here the synths, very in mode Tangerine Dream, are clearly more dominant and breathe laments of a scarlet blue that make the eardrums burst with sound effects and a veil of music which flirt with a dramatico-intense approach. Little by little, the title gets loose from its static membrane and offers a more fluid rhythm which reminds me Green Desert, as much for the percussions which sound so much like these old electronic beat-boxes than these lines and layers from a synth which at the end throws some really good solos as the end get nearer. The art of imitating Tangerine Dream without that nothing looks like!
I would say a little less in creative mode than
What!, except that “Augen-Blicke” stays in the continuity of the previous Fratoroler albums. It's some pretty good Berlin School, a little more retro, with a delicious bend towards the ambiences of Krautrock from the 70's. But not enough to frighten those who were always cooled by this musical genre consumed in the time by strong hallucinogenic drugs. And those who were unable to resist to Poland will be delighted to hear essences of it, in this way that Thomas Köhler and Frank Rothe have to reproduce the sound of Tangerine Dream without that nothing, or almost, sounds like it!

Sylvain Lupari (November 22nd, 2017) ***¾**
You will find this album on SynGate Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'était une question de temps avant que Thomas Köhler et Frank Rothe ne dévient de leurs routes de créativité afin d'embraser un autre genre que celui du Berlin School classique. Déjà que What!, paru l'année dernière, flirtait avec les essences du Krautrock, voilà que “Augen-Blicke” confirme un peu plus l'orientation de Fratoroler pour une MÉ animée par les racines du rock progressif Allemand. La nouveauté? Thomas Köhler ajoute la guitare et les percussions à son arsenal d'instruments de musique qui sont confectionnées, ainsi que ceux de Frank Rothe, par les ingénieurs de Manikin. Cette permutation des tonalités d'antan avec la modernité des instruments de Manikin donne une saveur unique à ce néo-Krautrock où le côté psychédélique des ambiances reste toujours dominé par la nature des séquenceurs.
Une note de piano étend réverbérations et ambiances mélancoliques en ouverture de "Einblick". Un effet percussif ayant la régularité d'un métronome qui est pressé de sortir la mélodie du piano de son socle rêvasseur augmente une forme de pression afin de créer du rythme. Une basse pulsation entend l'appel, de même qu'une guitare qui lance des solos roulant en boucles sous une trame musicale qui reflète un drame sonique. Cette intensité passive prend racine entre des nappes sombres et des arrangements orchestraux méditatifs qui, unies à la guitare, nous ramène un peu dans l'univers d'Ashra et de Manuel Göttsching. La musique déroule un dense tapis parfumé d'essences orientales et, un peu comme les ambiances, le rythme reste passif et ce même si des séquences accentuent une présence qui se veut plus harmonique afin de soutenir les charmes d'une flûte lointaine. Les effets percussifs de l'introduction reviennent hanter la finale de "Einblick" qui se noie sous ces nappes et ces orchestrations mais qui respire grâce à ces solos de guitare qui vont et viennent en boucles harmoniques. Le jeu des percussions électroniques qui nous introduit à "Weitblick" respire celui de Tangerine Dream dans l'ouverture du magnifique Poland. D'ailleurs, les 10 minutes qui suivent semblent s'inspirer du modèle avec un enchevêtrement de lignes de séquences et des effets percussifs qui battent et pétillent sous des accords d'un clavier mélodieux et des nappes de synthé aux couleurs tant réverbérantes que d'un bleu azuré. Quelques chapelets de séquences scintillantes, des accords de clavier ainsi que des effets un peu plus bigarrés tentent de nous éloigner des inspirations du légendaire titre du trio Franke, Froese et Schmoelling mais c'est peine perdue car tout ce qui cogite autour, j'entends même des échos de Logos, nous ramène irrémédiablement à cette imposante œuvre de TD.
Nous avons droit à une petite pause chtonienne avec l'introduction de "Rückblick". Lignes de flûtes, chorale satanique et effets de gaz neutralisant inondent nos oreilles qui sursautent légèrement avec l'arrivée inattendue de tintements harmoniques de petites clochettes séraphiques. On sent le rythme s'éveiller doucement, comme un cheval impatient, autour de la 4ième minute. Mais comme un effet sortilège, la flûte du Memotron calme cette impulsion qui semble naître que de mon imagination. La portion rythmique s'éveillera plutôt vers la 6ième minute avec une séquence résonnante, comme si elle venait du gros Moog de Redshift. L'éveil prend son temps et surgit avec une ligne moins ténébreuse qui sautille et entrecroise le mouvement alternatif du séquenceur comme des coups de ciseaux dans un tissu de musique. Ça donne ces beaux rythmes électroniques qui zigzaguent avec mille petits pas pressés dans un environnement aussi enchanteur que les années d'or de la MÉ vintage. Avec percussions et guitares, "Augenblick" offre un bons rock cosmique un brin psychédélique de ces mêmes années. Le son ainsi que la muraille d'effets et d'ambiances, et surtout les percussions saccadées font Ashra très vintage. Si j'ai bien aimé "Weitblick", je trouve "Silberblick" bien meilleur. Le lien qui unit ces deux titres est l'ossature du rythme statique. Sauf qu'ici les synthés, très en mode Tangerine Dream, sont nettement plus dominants et insufflent des complaintes d'un bleu écarlate à faire éclater les tympans avec des effets sonores et une voile de musique qui flirtent avec une approche dramatico-intense. Peu à peu, le titre se détache de sa membrane statique et offre un rythme plus fluide qui me fait penser à du Green Desert, autant pour les percussions qui sonnent tellement comme ces vieilles boîtes à rythme électronique que les lignes et nappes de synthés qui lancent finalement de bons solos à mesure que la finale approche. L'art d'imiter Tangerine Dream sans que rien ne paraisse!
Je dirais un peu moins en mode créatif que What!, sauf que “Augen-Blicke” reste dans la continuité des œuvres précédentes de Fratoroler. C'est du bon Berlin School, un peu plus rétro, avec un savoureux détour vers les ambiances du Krautrock des années 70. Mais pas assez pour effrayer ceux qui ont toujours été refroidi par ce genre musical consumé à l'époque par de fortes drogues hallucinogènes. Et ceux qui ont craqué pour Poland seront ravis d'y entendre des essences avec cette façon qu'ont Thomas Köhler et Frank Rothe d'imiter Tangerine Dream sans que rien ne paraisse!
Sylvain Lupari (12/11/2017)

lundi 20 novembre 2017

GERT EMMENS: Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years) (2017)

“Still here, Gert Emmens succeeds to charm us strongly with his unique synth tone and those moving rhythms which weave some splendid sonic painting”
1 Wandering Between Floating Worlds 12:00
2 Revolution 28:35
3 Why it was Better to Stay Inside Until Dawn... 18:36
4 Signs from the Underground 11:47

Groove Unlimited ‎– GR-241 (CD 71:40)
(Cosmic Berlin and Netherlands School)
Gert Emmens became a familiar face in the kingdom of EM. His name, as well as that of the Ron Boots, comes to our mind once when we speak about dominant figures in the field of Netherlands School. And his albums are loyally expected by the fans of Berlin School. The price of this glory is that the criticism became more demanding, of whom I, in the course of his numerous albums. The problem with Gert is that these albums display this tone so unique to his synths and in this sound air mass that he extirpates from his instruments with a fascinating electronic poetry since Wanderer of Time in 2003. The ambient rhythms, the floating rhythms are also a part of this signature. About 25 albums farther and 15 years later, this challenge that he has to raise constantly in order to maintain this status of EM's star may become heavy on his creativity. There were moments when I got lost in his sound constellations and when I questioned his direction of creativity so much each album takes roots in the precedent. But there was always a little something that bring me back to reason, to home. His very poetic solos, his arrangements drawn from the oil of nostalgia and especially his unstoppable movements in his algorithms of rhythms are so many factors of seduction which commanded me to listen a part of his huge discography each time, or almost, that I received a new album. As here where I threw an ear at The Nearest Faraway Place. And add to it the fact that he adds since a couple of years to his structures, always complex and convoluted, real percussions and electric guitar, we have a cocktail here which can only be explosive but also made in the unexpected. Inspired by Roger Dean's works, “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)” is at the image of its wonderful artwork painted by Liu Zishan and proposes 4 long titles with a music, as it is often the case in the Emmens universe, which makes float literally the rhythms and our senses.
"Wandering Between Floating Worlds" begins with an explosion which releases a mass of hollow breezes. Throughout these breezes and layers of a chthonian choir, a piano crumbles its meditation whereas that suspect noises, some even organic, invade the atmospheres. Percussive sounds, effects of rattlers and apocalyptic layers throw an aura of apprehension over the first 4 minutes of the title. And taken out of this nothingness where the sounds are born, a movement of sequences sculpts these lifeless and ambient rhythms so comfortable at Emmens signature. This rhythm surfs with fluid jumps in order to draw these zigzagging movements of ambient rhythms. The synths whistle celestial harmonies whereas this rhythm lets drop some nuances to modify slightly this structure which skips now with a more twinkling shadow. Soft and floating, "Wandering Between Floating Worlds" raises brilliantly the sense of his title while it moves forward towards its finale which is tinted by these solos which charm as those of Vangelis. Complex and convoluted? Absolutely! But not with this title. "Revolution" on the other hand will fill your ears much over their capacities! Throughout explosions and through their felted echoes, a first movement of the sequencer establishes a structure which waddles innocently. Effects of explosions and very lengthened tears of synth paint the soundscape. And Gert Emmens doesn't waste time! From the 2nd minute, he adds another line of rhythm which crawls with more heaviness than in that of "Wandering Between Floating Worlds". The soundscape repulses of mist and of gasifying effects whereas the pace accentuates the killing of the moods with keys which flutter and sparkle as well as great and harmonies of a synth which suits very well to the evolutionary velocity of the rhythm. Riffs of synth and other sequences decorates the ascent of "Revolution" towards layers of muted voices. Not even 6 minutes farther and heavier than lively, the music pulls us towards the so many electronic delights that our ears embrace with delight. After a brief ambiospherical break, rhythm passes in 2nd speed with an oscillatory movement loaded of small jerky fluctuations. It's at this moment, around the 11th minute, that the percussions land and machine-gun the pace to establish a dynamic and progressive electronic rock. There is not to say; Gert is very skillful on skins. Another ambiospherical phase, with sequences which sparkle and swirl in the velvet of the sung layers, and "Revolution" goes back to real life with a movement of stubborn sequencer which rushes towards another phase of rock with Gert who has a lot of fun to mistreat his drums. The riffs of keyboard, the voices and mists of a Mellotron and the movements of the sequencer place the music in the unfinished corridors of the 70's, near a TD zone let's say, where only the synth solos of stigmatize the hold of Gert Emmens on his music. The percussions vanished and out of breath, the sequencer decreases the fury in the oscillating of its lines to lead an ambient rhythm which, once again, suits very well to the melancholic approach to the synth. Very good! It's one of very good titles with complex evolutions that I heard this year and I find the effect even better without my headphone. Some big Emmens here!
"Why it was Better to Stay Inside Until Dawn ..." is not bad either. I would even say that it's more intense and emotive. Its rhythm derives with nice curvatures in its shapes between the floating islands on the back of a sequencer which is not afraid of multiplying its lines of rhythms while maintaining the cape on its main road. The opening is a little bit long, we speak here of about 6 minutes of mists and fogs filled of effects and very good orchestrations, and, in spite of a short ambiospherical phase, the pace maintains its power with a strong movement of the sequencer. On the other hand, the introduction of "Signs from the Underground" doesn't take time to set its rhythmic structure. Fourthly-two seconds after suspect noises trapped in hollow winds, a stream of sequences glitters and sings a sweet morphic lullaby. This fragile minimalist movement crosses a long pond of winds and effects long of 2 minutes that another stream of sequences gives a more vigor impulse to the rhythmic horde which harmonizes its pace with a just as much melodious vision. The rhythm is flying around with one wing and stagnates in a puddle of effects where piano notes which erode its landscape. Gert's melancholic soloes add a human touch to this landless civilization while these sequences which always ring in the background make sing and shine the stars. "Signs from the Underground" always derives without touching any land, a little like a story that we know incomplete and whose second volume we look forward. Because there will be well a volume 2, Gert informed to me that a trilogy is not in the schedule at the moment, to “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)”, a solid opus where the romance, the poetry and the melancholy of Gert Emmens flirt with the unreal as much as the tangible in this work where the rhythms multiply without corrupting the essence of an EM which sticks marvelously with the theme of his author.

Sylvain Lupari (November 20th, 2017) *****
You will find a way to buy this album on Groove NL.
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Gert Emmens est devenu un visage familier dans le royaume de la MÉ. Son nom, ainsi que celui de Ron Boots, nous vient tout de suite à l'esprit lorsque l'on parle de figures dominantes dans le domaine de la Netherlands School. Et ses albums sont loyalement attendus par les fans de la Berlin School. Le prix de cette gloire est que la critique est devenue plus exigeante, dont moi, au fil de ses nombreux albums. Le problème avec Gert est que ces albums affichent cette sonorité unique à ses synthés et à cette masse d'air sonique qu'il extirpe de ses instruments avec une fascinante poésie électronique depuis Wanderer of Time en 2003. Les rythmes ambiants, les rythmes flottants font parties aussi de cette signature. Près de 25 albums plus loin et 15 ans plus tard, ce défi qu'il a de continuellement lever la barre toujours un peu plus haute peut devenir pesant sur sa créativité. Il y a eu des moments où je me perdais dans ses constellations sonores et que mettais en doute son sens de la créativité tant chaque album soutire ses racines du précédent. Mais il y avait toujours un petit quelque chose que me ramenait à la raison, à la maison. Ses solos très poétiques, ses arrangements puisés dans l'huile de la nostalgie et surtout ses imparables mouvements dans ses algorithmes de rythmes sont autant de facteurs de séduction qui me commandaient d'entendre une partie de sa collection à chaque fois, ou presque, que je recevais un nouvel album. Comme ici où j'ai jeté une oreille The Nearest Faraway Place. Et ajouter à cela le fait qu'il ajoute depuis une couple d’années à ses structures, toujours complexes et alambiquées, des vraies percussions et une guitare électrique, nous avons là un cocktail qui ne peut qu'être explosif mais aussi fait dans l'inattendu. Inspiré des œuvres de Roger Dean, “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)” est à l'image de sa superbe pochette peinte par Liu Zishan et propose 4 longs titres avec une musique, comme c'est souvent le cas dans l'univers Emmens, qui fait flotter littéralement les rythmes et nos sens.
"Wandering Between Floating Worlds" débute par une explosion qui libère une masse de brises caverneuses. Au travers ces brises et des nappes d’une chorale chtonienne, un piano émiette sa méditation alors que des bruits suspects, certains organiques, envahissent les ambiances. Des bruits percussifs, des effets de crotales et des nappes apocalyptiques jettent une aura d'inquiétude sur les 4 premières minutes du titre. Et sorti de ce néant où les sons naissent, un mouvement de séquences sculpte ces rythmes mollasses et ambiants si confortables à la signature Emmens. Ce rythme ondule avec des sauts fluides afin de tracer ces mouvements zigzagants des rythmes ambiants. Les synthés sifflent des harmonies célestes alors que ce rythme lance quelques nuances afin de modifier légèrement cette structure qui sautille maintenant avec une ombre plus scintillante. Doux et flottant, "Wandering Between Floating Worlds" arbore avec brio le sens de son titre alors qu'il avance vers sa finale qui est teintée de ces solos qui charment comme ceux de Vangelis. Complexes et alambiquées? Absolument! Mais pas avec ce titre. "Revolution" pas contre nous en met plein les oreilles! Au travers d’explosions et de leurs échos feutrés, un premier mouvement du séquenceur établit une structure qui se dandine innocemment. Des effets d'explosions et des larmes de synthé très allongées peinturent le décor. Et Gert Emmens ne perd pas de temps! Dès la 2ième minute franchie, il ajoute une autre ligne de rythme qui rampe avec plus de lourdeur que dans celui de "Wandering Between Floating Worlds". Le paysage sonique refoule de brume et d'effets gazéifiant tandis que la cadence accentue la mise à mort des ambiances avec des ions qui volettent et clignotent et des harmonies d'un synthé qui cadre bien avec la vélocité évolutive du rythme. Des riffs de synthé et d'autres séquences ornent l'ascension de "Revolution" vers des nappes de voix muettes. Même pas 6 minutes plus loin et plus lourde que vive, la musique nous entraîne vers moult délices électroniques que nos oreilles étreignent avec délice. Après une brève pause ambiosphérique, le rythme passe en 2ème vitesse avec un mouvement oscillatoire avec de petites fluctuations saccadées. C'est à cet instant, autour de la 11ième minute, que les percussions débarquent et mitraillent la cadence pour instaurer un rock électronique dynamique et progressif. Il n'y a pas à dire; Gert est très habiles aux futs. Autre phase ambiosphérique avec des séquences qui scintillent et tournoient dans le velours des nappes chantées et "Revolution" revient à la charge avec un mouvement du séquenceur têtu qui fonce vers une autre phase de rock avec un Gert qui s'amuse comme un fou à maltraiter ses peaux. Les riffs de clavier, les voix et brumes du Mellotron et le mouvement du séquenceur situent la musique dans les corridors inachevés des années 70, un style assez TD mettons, où seuls les solos de synthé stigmatisent l'emprise de Gert Emmens sur sa musique. Les percussions éteintes et à bout de souffle, le séquenceur diminue la furie dans l'alternance de ses lignes afin de conduire un rythme ambiant qui, encore une fois, cadre très bien avec l'approche mélancolique du synthé. Très bon! C'est un des très bons titres à évolutions complexes que j'ai entendu cette année et je trouve l'effet encore meilleur sans mes écouteurs. Du grand Emmens!
"Why it was Better to Stay Inside Until Dawn..." n'est pas vilain non plus. Je dirais même qu'il est plus intense et émotif. Son rythme dérive avec de belles courbes entres les îles flottantes sur le dos d'un séquenceur qui n'a pas peur de multiplier ses lignes de rythmes tout en maintenant le cap sur sa route principale. L'ouverture est un peu longue, on parle ici de près de 6 minutes de brumes et de brouillards gonflés d'effets et de très belles orchestrations, et, malgré une courte phase ambiosphérique, la cadence maintient sa puissance avec un solide mouvement du séquenceur.  Par contre l'introduction de "Signs from the Underground" ne mets pas de temps à ériger sa structure rythmique. 42 secondes après des bruits suspects dans des vents creux, un chapelet de séquences miroite et chante une douce berceuse morphique. Ce fragile mouvement minimaliste traverse un bassin de vents et d'effets long de 2 minutes avec qu'un autre chapelet de séquences donne un plus bel élan à la horde rythmique qui harmonise sa cadence avec une vision tout autant mélodieuse. Le rythme bat de l'aile vivement et stagne dans une mare d'effets où des accords de piano érodent son paysage. Les solos mélancoliques de Gert ajoutent une touche humaine à cette civilisation sans terre alors que tintent toujours ces séquences qui font chanter les étoiles. "Signs from the Underground" dérive toujours sans toucher Terre, un peu comme une histoire que l'on sait incomplète et dont on attend le second volume avec impatience. Car il y aura bien un volume 2, Gert m'a signifié qu'une trilogie n'est pas à l'agenda, à “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)”; un solide opus où la romance, la poésie et la mélancolie de Gert Emmens flirtent avec l'irréel autant que le tangible dans cette œuvre où les rythmes se multiplient sans pervertir l'essence d'une MÉ qui colle à merveille avec le thème de son auteur.

Sylvain Lupari 20/11/2017