PERGE: Catharsis (The Secret Tapes Vol.3) (2017)

“Once again, Perge strikes at the right spot with their extended sound visions of Encore in Catharsis, another jewel in the official Perge Tree”

1 Okefenokee Lane 19:18
2 Monoglot 21:40
3 Drywater Ravine 15:55
4 Dessert Cream 21:00
Perge Music (CD/DDL 77:53) ****¼
(Berlin School)
How to interpret the title of the last album of the British duet Perge? Catharsis means, either the separation of the good from the bad or yet, in the field of the art, an emotional recollection. Taken from the legendary The Secret Tapes series, “Catharsis” is a live album recorded during the North American tour of Perge in the other side of our universe. A tour shortened because, according to the legend, Graham Getty broke an arm during a horse ride in the vast and sandy American Western territories.
And from the first mists of "Okefenokee Lane" mistral dust, the recollections of Cherokee Lane fill our ears and arouse our nostalgia. It's an astounding emotional reminder with a more intense opening which has a little darker perfumes. The movement of the sequencer and its legendary kicks are in accordance in every respect with this title which opened the shows of Tangerine Dream in our universe. To me, Perge is not of the plagiarism! It is rather the extension of TD in a parallel universe to ours. Thus, our friends of this zone which is judged at risk (few have returned alive from there) have the same as us: hear and see Tangerine Dream. The sound is harder, the rhythms are steadier and the synth solos are clearly more plentiful here with a light difference in the accentuation of the effects and the intense passages. The good stays always the good and the bad does not exist here. The introduction of "Monoglot" breathes that of Monolight. Except that instead of falling in a sort of sacrilege by playing with a shadowy difference this wonderful melody, Perge goes for a rough and furious electronic beat of the 70's for the most part of the 21 minutes of the title. The intro and the finale are rendered by Matthew Stringer's very beautiful piano. Is "Drywater Ravine" the sarcastic penchant of Coldwater Canyon? Not really! The rhythm is heavier, more supported with good percussive effects which made me come from both ears. It's a solid electronic rock where the synth solos replace those of a guitar with beautiful effects of reverberating in the loops. Built on the same principles of sonic strangeness with effects as much intriguing as frightening, "Dessert Cream" has little in common with Desert Dream. If the movement of the slow and metronomic rhythm is similar, the effects and the structure propose a more avant-gardist approach. The vibes are more glaucous with more effects of outer-world and the music proposes more melodic plans while the finale explodes with a very good movement of the sequencer. A curt and jerky movement which tears out the embraces of the Gothic voices layers.
In the end, “Catharsis” is a great emotional recollection where little by little Perge gets rid of Tangerine Dream's shadows of their album Encore in order to offer a concert of which the similarities coexist with more charms than annoyances. The absence of guitar can be explained by the very big mark of respect that Graham Getty and Matthew Stringer dedicate to the legendary Edgar Froese. And this doesn't affect at all the depth of this album which put in value some wonderful synth solos and a great sequencing pattern as much judicious that of Chris Franke. If you like the music of Perge you will devour “Catharsis”. As for those who don't know yet the music of the English duet or who still have prejudices in front of a kind of plagiarism which, in my opinion, is unfounded, I strongly invite you to discover a music which completes marvelously the splendid discoveries of Tangerine Tree. Available on the Bandcamp site of Perge as a download or in 2 colors Pro CD-r and in Pic Disc Vinyl Style Pro CD-rSylvain Lupari (September 30th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on Perge's Bandcamp shop here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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Comment interpréter le titre du dernier album du duo Britannique Perge? Catharsis signifie, soit la séparation du bon du mauvais ou encore, dans le domaine de l'art, une remémoration affective. Tiré de la légendaire série The Secret Tapes, “Catharsis” est un album en concert qui fut enregistré lors de la tournée Nord-Américaine de Perge dans l'autre côté de notre univers. Une tournée écourtée puisque la légende veut que Graham Getty se soit fracturé un bras lors d'une ballade en cheval dans les vastes territoires sablonneux de l'ouest Américain.
Et dès les premiers nuages de poussières mistrals de "Okefenokee Lane", les réminiscences de Cherokee Lane emplissent nos oreilles et attisent notre nostalgie. C'est un rappel émotionnel stupéfiant avec une ouverture plus intense qui possède aussi un peu plus de parfums ténébreux. Le mouvement du séquenceur et ses ruades légendaires sont en tout point conforme avec ce titre qui ouvrait les spectacles de Tangerine Dream dans notre univers. Selon moi, Perge n'est pas du plagiat! C'est plutôt l'extension de TD dans un univers parallèle au notre. Donc, nos amis de cette zone qui est jugée très à risque (peu en sont revenus vivants) ont eu la même chance que nous: entendre et voir Tangerine Dream. Le son est plus dur, le rythme plus soutenu et les solos de synthé y sont nettement plus nombreux avec une légère différence dans l'accentuation des effets et des passages intenses. Le bon reste toujours le bon et le mauvais n'existe pas. L'introduction de "Monoglot" respire celle de Monolight. Sauf qu'au lieu de tomber dans une forme de sacrilège et de reprendre cette superbe mélodie, Perge passe en mode rythme endiablé pour la plupart des 21 minutes du titre. L’'intro et la finale sont morcelées par le très beau piano de Matthew Stringer. Est-ce que "Drywater Ravine" est le penchant sarcastique de Coldwater Canyon? Pas vraiment! Le rythme est plus lourd, plus soutenu avec de bons effets percussifs qui m'ont fait jouir de l'oreille. C'est du bon rock électronique où les solos de synthé remplacent ceux d'une guitare avec des beaux effets de réverbérant dans les boucles. Construit sur les mêmes principes d'étrangéités sonores avec des effets aussi intrigants qu'épeurant, "Dessert Cream" a peu en commun avec Desert Dream. Si le mouvement du rythme lent et métronomique s'apparente, les effets et la structure proposent une approche plus avant-gardiste. Les ambiances sont plus glauques avec plus d'effets d'outre-monde et le titre propose plus de plans mélodiques alors que la finale explose avec un très bon mouvement du séquenceur. Un mouvement sec et saccadé qui évente les étreintes des nappes de voix gothiques.
Au final, “Catharsis” est une très belle remémoration affective où peu à peu Perge se défait des ombres de Tangerine Dream et de leur album Encore afin d'offrir un concert dont les similitudes coexistent avec plus de charmes que d'agacements. L'absence de guitare peut s'expliquer par la très grande marque de respect que Graham Getty et Matthew Stringer voué au légendaire Edgar Froese. Et cela n'affecte en rien la profondeur de cet album qui mise sur de superbes solos de synthé et un jeu du séquenceur aussi judicieux que celui de Chris Franke. Si vous aimez la musique de Perge, vous allez dévorer “Catharsis”. Quant à ceux qui ne connaissent pas encore la musique du duo Anglais, ou qui ont encore des préjugés face à une forme de plagiat qui à mon avis est non fondée, je vous invite fortement à découvrir une musique qui complète à merveille les superbes découvertes du Tangerine Tree. Disponible sur le site Bandcamp de Perge en format téléchargeable ou en CD d'un genre collection.
Sylvain Lupari (30/09/2017)

BOUVETOYA: Machines for Collective Living (2017)

“We have here a wonderful album that will make revive your flame for the old audacious Berlin School”

1 High Flying Jets 17:29
2 Machines for Collective Living 8:30
3 Colour the Blue Sky 11:18
4 Zenit 14:52
SynGate | MJ06 (DDL/CD-r 52:11) ****½
(Berlin School)
Michael Jones had left his imprints on an adventurous and progressive EM with the high wall of cracklings which surrounded the brief impulses of rhythms of the analog years on Super High Frequency; an album which asked for some listening before being fascinated by its strange attractive power. More accessible, “Machines for Collective Living” has all the elements to charm the fans of this time where Klaus Schulze, Tangerine Dream, Ashra and Jean Michel Jarre used their imagination to add these new sound textures which were going to change the way of creating atmospheres, rhythms and harmonies from sophisticated instruments. Now, the story doesn't say here if Bouvetøya shapes his music from the same instruments, except that the standard of creativity is reached well and truly. And my ears have clearly heard here a small jewel which will make us travel in time aboard a small drone, an instrument of modernity trapped in the vestiges of the past.
An explosion opens the rather glaucous ambiences of "High Flying Jets". There are residues of Super High Frequency on this opening which is judiciously covered with beautiful layers in tones of old organ which is not completely tuned fine. Michael Jones sculpts here an opening towards the corridors of suspense with these layers which subdivide lines and spectral harmonies with a staggering calm. In this maze of Mellotron breezes which flatter the drifting movements of Klaus Schulze, as well as the grave twisted harmonies of Pink Floyd, the opening of "High Flying Jets" evolves with intensity until a splendid and bewitching movement of the sequencer makes wave its keys at the door of the 10 minutes. The sequences fall down in supple and fluid kicks, forcing our foot to follow an electronic rhythm which saves itself from those ambient embraces. The title-track is a fascinating screen of industrial atmospheres where run and float numerous solos of a synth in mode: CHARM! A melancholic synth which stretches its harmonious solos with fragrances of Vangelis and Tangerine Dream in a cosmos sculpted by Jean Michel Jarre. It flows between the ears … You just have no idea how!
We fall immediately in the pot of charms of “Machines for Collective Living” with "Colour the Blue Sky". We dont have to wait that much before the rhythm gets in! It roams in in the ambiospherical lanes of an introduction dense of its eclectic mists staged by a sinister Mellotron. It breathes by some sequences mislaid before taking control around the 3 minutes' spot. It skips before running and zigzagging under the attacks of sound effects a la Michael Garrison, admire the wealth of the influences here. The movement is anarchic and our attention is so much attracted by this movement that it takes a few seconds before noticing this synth which frees harmonious fluids of a rare beauty throughout the title. And it's there that we notice the treasure of this album of Bouvetøya. The machines possess a soul. Whether it's the sequencer, the synths or the Mellotron; all that breathes around “Machines for Collective Living” possesses an analog soul worthy of a musician who went learnt the ropes, which has matured in the course of his albums. That's obvious on "Colour the Blue Sky" which in the end is a wonderful track. "Zenit" proposes a long introduction of ambient music effects forged by a thick cloud of breezes which are loaded of contrasting colors and effects. So much, that we have difficulty to separate the natural elements from the industrial breaths. In these dark moments of “Machines for Collective Living”, I feel an effect of threatening backwash which goes along very well with Aldous Huxley's quotation on the artwork: Maybe this world is another planet's hell! The rhythm emerges at the point of 6 minutes with a circular movement of the sequencer which swirls with very nice nuances in its spirals underneath those dense harmonious vapors from the Mellotron. But it's a short idyll between this rhythm and the effects, whereas "Zenit" dives into an intersidereal space which is filled by a seraphic choir and a delicate ethereal flute. A structure of sequences hums in the background, reminding us well and truly that this last Michael Jones' album breathes as much of its surreal atmospheres, from its lively rhythms and of its mesmerizing melodies that we seize in the late. And all in all my friends, we have here a wonderful album that will make revive your flame for the old audacious Berlin School. Available on a download form on SynGate Bandcamp shop, as well as a CD-r. The artwork is very beautiful by the way!
Sylvain Lupari (September 29th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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Michael Jones avait laissé ses empreintes sur une MÉ aventureuse et progressive avec la muraille de grésillements qui cernaient les brefs élans de rythmes des années analogues sur Super High Frequency; un album qui demandait quelques écoutes avant de se laisser fasciner par son étrange pouvoir attractif. Plus accessible, “Machines for Collective Living” a tous les éléments pour charmer les amateurs de cette époque où Klaus Schulze, Tangerine Dream, Ashra et Jean Michel Jarre usaient leur imagination afin d'ajouter ces nouvelles textures soniques qui allaient changer la façon de créer des ambiances, des rythmes et des harmonies à partir d'instruments sophistiqués. L'histoire ne dit pas ici si Bouvetøya façonne sa musique à partir des mêmes instruments, sauf que le standard de créativité est bel et bien atteint. Et mes oreilles ont bien entendu ici un petit bijou qui nous fait voyager dans le temps à bord d'un petit drone, un instrument de modernité trappé dans les vestiges du passé.
Une explosion ouvre les atmosphères plutôt glauques de "High Flying Jets". Il y a des résidus de Super High Frequency sur cette ouverture qui est judicieusement recouverte de belles nappes aux tonalités de vieil orgue qui n'est pas tout à fait au point. Michael Jones sculpte ici une ouverture vers les couloirs du suspense avec ces nappes qui subdivisent lignes et harmonies spectrales avec un calme sidérant. Dans ce dédale de brises d'un Mellotron qui courtise les mouvements planants de Klaus Schulze, ainsi que les graves harmonies torsadées de Pink Floyd, l'ouverture de "High Flying Jets" évolue avec intensité jusqu'à ce qu'un superbe et envoûtant mouvement du séquenceur fasse onduler ses ions à la porte des 10 minutes. Les séquences culbutent en ruades souples et fluides, forçant notre pied à suivre un rythme électronique qui se sauve des étreintes ambiantes. Et tout ce qui flotte autour est de la pure magie avec des parfums de vieux Tangerine Dream qui ensorcèlent même la danse des séquences. Un superbe morceau de MÉ avec un délirant parfum d'authenticité. La pièce-titre est un fascinant écran d'ambiances industrielles où roulent de nombreux solos d'un synthé en mode : CHARME! Un synthé mélancolique qui étire ses solos harmoniques avec des parfums de Vangelis et Tangerine Dream dans un cosmos sculpté par Jean-Michel Jarre. Ça coule entre les oreilles…Vous n'avez pas idée comment!
On tombe instantanément dans la marmite à charmes de “Machines for Collective Living” avec "Colour the Blue Sky". Ici le rythme ne se fait pas attendre! Il rôde dans les couloirs ambiosphériques d'une introduction dense de ses brumes éclectiques mise en scène par un Mellotron sinistre. Il expire par quelques séquences égarées avant de prendre le contrôle autour des 3 minutes. Il sautille avant de courir et de faire des zigzags sous les attaques d'effets sonores à la Michael Garrison, admirez la richesse des influences ici. Le mouvement est anarchique et notre attention est tellement portée sur ce mouvement qu'il faut quelques secondes avant de remarquer ce synthé qui libère des fluides harmoniques d'une rare beauté tout au long du titre. Et c'est là que nous remarquons la richesse de cet album de Bouvetøya. Les machines possèdent une âme. Que ce soit le séquenceur, les synthés ou le Mellotron. Tout ce qui respire autour de “Machines for Collective Living” possède une âme analogue digne d'un musicien qui a fait ses classes, qui a maturé au fil de ses albums. C'est évident sur "Colour the Blue Sky" qui au final est un superbe titre. "Zenit" propose une longue introduction d'ambiances forgée par une nuée de brises aux couleurs et aux effets contrastants. Tant que l'on peine à séparer les éléments naturels des souffles industriels. Dans ces moments sombres de “Machines for Collective Living”, je sens un effet de ressac menaçant qui se couche très bien avec la citation d'Aldous Huxley sur la pochette: Maybe this world is another planet’s hell! Le rythme émerge à la barre des 6 minutes avec un mouvement circulaire du séquenceur qui tournoie avec de belles nuances dans ses spirales sous les denses vapeurs harmoniques de Mellotron. Il s'agit d'une courte idylle entre rythme et effets, tandis que "Zenit" plonge dans un vide intersidéral qui est comblé par une chorale séraphique et une délicate flûte éthérée. Une structure de séquences ronronne en arrière-plan, nous rappelant bien que ce dernier album de Michael Jones respire autant de ses ambiances, ses rythmes et ses envoûtantes mélodies que l'on saisit sur le tard. Un splendide album mes amis qui ravivera votre flamme du vieux Berlin School audacieux. Disponible chez SynGate en mode téléchargement ou en CD-r. La pochette est très belle en passant.

Sylvain Lupari (28/09/2017)

IAN BODDY & MARKUS REUTER: Stay (2017)

“Stay is a very imposing ambient opus where Ian Boddy remains a musician for whom a challenge becomes a banality”

1 Waken 8:18
2 Haze 9:41
3 Vesper 10:02
4 Shore 9:05
5 Aeolian 9:30
6 Stay 9:09
DiN DDL19 (DDL 55:48) ****
(Dark ambient floating music)
A little bit as Derwish versus Unwound, “Stay” is the dark side of Momento. During the recording sessions of the 5th album of Boddy/Reuter, there was a huge bundle of recordings and tapes lost in the final selection of Momento's tracks. A package of lost ideas that Ian Boddy reworked and mixed in a clearly more ambient approach. Even if the album is totally stripped of rhythms, our senses travel with the slow impulses of the synth lines and of their frequencies of the twists which get intertwined like in a choreography where the dancers are carried by the cobwebs of the cosmos. And this, even if Momento has absolutely nothing to do with the intersidereal space. My ears have found here a very nice album of ambient music with a fascinating harmonious aspect and with some poignant passages which hide themselves behind a heap of synths lines and/or the wanderings of Markus Reuter's guitars who seems to me less present on this other side of Momento.
A murmur of synthesizer cries at the opening of "Waken", dragging in its nostalgic sound furrow a tiny quantity of lines among which the whimpering and the solos are more discreet and a little darker. This duality between the colors of the floating prayers of the synth assails our ears with the harmonious charms of the Ondes Martenot and plunge our senses into a profound astral meditation. We have now entered in the world of “Stay”. "Haze" also floats in a cosmic cocoon, but with more slowness and more intensity in its elongated movements. The effect of weightlessness and of floating in space is very striking. "Vesper" is also intimidating for the ears than the previous tracks with these slow movements of cosmic drift which leave a huger imprint, due to the presence of the of the Serge Modular swooshes. The movement reaches a summit of sound intensity unique to the grave tones of the Serge Modular, a synth which can offers two faces, two contrasting harmonies in the same furrow. "Shore" is just as much august with its perfumes of Roach and of Stearns in the same fight where the sibylline harmonies have some silvery reflects. It's a very beautiful title, my preferred one, where our subconscious can perceive layers of voices as much discreet than the murmurs of the fairies. In spite of its sweetness, "Aeolian" develops with an intensity which reaches new barometers here. Very full of imagery, the title takes off softly, collides violent breezes and closes as it has opened. "Stay" is the most disturbing title of “Sway” with its heavy hummings which cross the areas of quietude. A little like a black sky which threatens the tranquility of a meditation site.
I have found this “Stay” very imposing! Ian Boddy pursues here this adventure of meditative exploratory, with a very cosmic spirit, that he has developed in a more supported way with the coming of his Din DDL Bandcamp site. Always very skillful in the art to exploit the borders of the ambient music with a touch of musicality, due to the uncountable floating solos, and with a melodious side which suits becomes very well to this fascinating adventurous idea to dismantle and to amend a version and a vision of a previous work, Ian Boddy remains a musician full of resources for whom a challenge becomes a banality.
Sylvain Lupari (September 27th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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Un peu comme Derwish versus Unwound, “Stay” est la face cachée de Momento. Lors des sessions d'enregistrement du 5ième album du duo Boddy/Reuter, il restait encore du matériel qu'Ian Boddy a retravaillé et mixé dans une approche nettement plus ambiante. Même si l'album est totalement dénudé de rythmes, nos sens voyagent avec les lentes impulsions des lignes de synthé et de leurs longilignes tortillages qui s'entremêlent comme dans une chorégraphie où danseurs et danseuses sont portés par les toiles du cosmos. Et ce même si Momento n'a absolument rien à voir avec le vide intersidéral. Je trouve que c'est un très bel album de musique ambiante avec un fascinant aspect harmonique et même des passages poignants qui se dissimulent derrière un amas de lignes de synthés et/ou des guitares de Markus Reuter qui me semble moins présent sur cet autre côté de Momento.
Un murmure de synthétiseur pleure en ouverture de "Waken", entraînant dans son nostalgique sillon une infime quantité de lignes dont les larmoiements et solos sont plus discrets et un peu plus sombres. Cette dualité entre les couleurs des oraisons flottantes du synthé assaille nos oreilles avec les charmes harmoniques des Ondes Martenot et plongent nos sens dans une profonde méditation astrale. "Haze" flotte aussi dans un cocon cosmique, mais avec plus de lenteur et plus d'intensité dans ses oblongs mouvements. L'effet d’apesanteur et de flottement dans l'espace est très saisissant. "Vesper" est tout aussi intimidant pour les oreilles des autres avec ces lents mouvements de dérive cosmique qui laisse une empreinte plus géante à cause la présence des ondes du modulaire Serge. Le mouvement atteint des sommets d'intensité sonore unique aux graves tonalités du Serge Modular, un synthé qui peut offrir deux figures, deux harmonies contrastantes dans le même sillon. "Shore" est tout autant auguste avec ses parfums de Roach et Stearns dans un même combat où les harmonies sibyllines ont des reflets argentés. C'est un très beau titre, mon préféré, où notre subconscient peut percevoir des nappes voix aussi discrètes que les murmures des fées. Malgré sa douceur, "Aeolian" se développe avec une intensité qui atteint des nouveaux baromètres ici. Très imagé, le titre décolle avec douceur, percute des brises violentes et se referme tout en douceur. "Stay" est le titre le plus dérangeant de “Sway” avec ses lourds bourdonnements qui traversent des espaces de quiétude. Un peu comme un ciel noir qui menace la tranquillité d'un site de recueillement.
J'ai trouvé “Stay” très imposant! Ian Boddy poursuit ici cette aventure de MÉ méditative exploratoire, à essence très cosmique, qu'il a développé d’une façon plus soutenue avec la venue de son étiquette Din DDL. Toujours très habile dans l'art d’exploiter les frontières de la musique ambiante avec une touche de musicalité, de par les innombrables solos flottants, et avec un côté mélodieux qui sied très bien à cette fascinante idée aventureuse de démanteler et d'amender une version et une vision d'une œuvre antérieure, Ian Boddy reste un musicien plein de ressources pour qui un défi devient une banalité.
Sylvain Lupari (27/09/2017)

STEVE ROACH: Live in Tucson: Pinnacle Moments (2016)

“Honestly I don't know how the man does it, but yet Steve Roach released a wonderful live album in Live in Tucson: Pinnacle Moments. One of his best and yet he has so many”

1 Desert Eternal 17:31
2 Endorphin Dreamtime 8:09
3 Going Gone 20:33
4 Skeleton Passage 13:28
5 Spiral Passage 14:09
Timeroom Editions | TM37 (CD 78:28) *****
(Driven sequencer-based styles tribal music)
In February 2015, Steve Roach gave two performances at the Tucson's Galactic Center in Arizona. “Live in Tucson: Pinnacle Moments” proposes the best moments of these two performances which were described as being pure moments of magic. Played and recorded on the evening of 13th, "Desert Eternal" plunges us in the middle of in full nature with a concerto of stridulation. Layers of fairy voices and of synth breezes caress this chant of crickets while our senses perceive a gradation at the level of the ambience which reaches its meditative nirvana with the arrival of percussions a little bit after the 3 minutes' spot. From then on, the very mesmerizing rhythm of "Desert Eternal" rocks delicately, as in a sort of astral communion. The layers of voices become spectral breaths, even sibylline murmurs, whereas the music, the percussions helping, continues its gradation towards the tops of a contemplative dusty night. The night's depths wrap and immobilize this cerebral trance, plunging the music of "Desert Eternal" into a cover of desert and of hollow vibes which exhale at times these so remote perfumes of Desert Solitaire, but with a more contemporary touch and especially darker because of an avalanche of layers of which the contrasting colors still resound between my ears. "Endorphin Dreamtime" follows with a rhythmic structure as so splendid as unexpected. A fluid movement of the sequencer makes roll its keys which glitter in an organic sound cloth. Very regular pulsations push a minimalist structure which supports wonderfully the sinusoidal effects of the sequences. The layers are also rich and less crepuscular than in "Desert Eternal", irradiating even the intensities of the wind gushes that we find in Empetus. We are not at the end of our delight when "Going Gone" pulls us towards these tribal vibes unique to Steve's repertoire. Here, the rhythm is nuanced and its fury is retained by layers of tribal flutes which throw these unique essences of the aboriginal peoples. One imagines easily a Steve Roach orchestrating a sound cataclysm by untying little by little the rhythmic skeleton of this long titre-fleuve, which flirts with a sort of tribal psychedelism, and accentuates its speediness by an accentuation of the percussions and of the sequencer lines. The strength and the interbreeding of the sound effects seems to break out as these speeded-up images of night tormented by fires, winds and earth disasters. I rarely heard such a tribal approach so much disproportionate and wild of Steve Roach that here. AWESOME! Especially that "Skeleton Passage" loosens a movement of sequencer in mode: Free the wild keys! The movement is lively, for the neurons, with a crossroads of sinusoidal and spasmodic sequenced lines which interlace their differences and their aestheticism in a rhythmic broth as explosive as implosive. The percussive effects and these rattlers which ring with fascination are simply joyous for my ears eager of percussions and of sequences which revolve in an intense and dense magma of gravitational tones. A blast! And one should not forget that Steve Roach is alone on stage (I saw a picture of him on guitar!). Thus he acts like a conductor in front of his equipment in an improvisation of sequenced rhythms that he paints of contrasting tones and of organic effects under a sky blazing of his scarlet colors. It's a huge track with a blast of 20 minutes of pure madness that will astonish your ears due to counting all the lines of sequences which parade at full speed. Even if "Spiral Passage" was recorded the evening after the 13, it sticks perfectly to the finale of "Skeleton Passage" that one would want endless. Its opening accepts the mitigation of frantic movement of "Skeleton Passage" in order to lead it through oscillating repetitive loops where the color of the tones deforms the perception of hypnosis of this title which concludes quietly one of Steve Roach's best opuses at the level of beats and rhythms. A video of this event will be the cherry on the top of a sundae.
Sylvain Lupari (September 25th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on Steve Roach's web shop here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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En Février 2015, Steve Roach donnait deux performances au Galactic Center de Tucson en Arizona. “Live in Tucson: Pinnacle Moments” propose les meilleurs instants de ces deux performances qui ont été décrits comme étant des purs moments de magie. Joué et enregistré le soir du 13, "Desert Eternal" nous plonge en pleine nature nocturne avec un concerto de stridulations. Des nappes de voix et des brises de synthé caressent ce chant de grillons alors que nos sens perçoivent une gradation au niveau des ambiances qui atteint son nirvana méditatif avec l'arrivée de percussions autour des 3minutes. Dès lors, le rythme très envoutant de "Desert Eternal" se balance délicatement, comme dans une forme de communion astrale. Les nappes de voix deviennent des souffles spectraux, voire des crissements sibyllins, tandis que la musique, les percussions aidant, continue sa gradation vers les cimes d'une contemplation nuiteuse. Les profondeurs de la nuit enveloppent et immobilisent cette transe cérébrale, plongeant la musique de "Desert Eternal" dans un tissu d'ambiances désertiques et caverneuses qui exhalent par moments ces parfums de Desert Solitaire, mais avec une touche plus contemporaine et surtout plus obscure avec une avalanche de nappes dont les couleurs contrastantes résonnent encore entre mes oreilles. "Endorphin Dreamtime" suit avec une structure rythmique aussi superbe qu'inattendue. Un mouvement fluide du séquenceur fait rouler des ions qui miroitent dans un tissu sonore organique. Des pulsations très régulières dessinent une structure minimaliste qui supporte à merveilles les effets sinusoïdaux des séquences. Les nappes de synthé sont aussi riches et moins crépusculaires que dans "Desert Eternal", irradiant même les intensités des vents que l'on retrouve dans Empetus. Nous ne sommes pas à bout de notre émerveillement que "Going Gone" nous tire vers ces ambiances tribales uniques au répertoire de Steve Roach. Ici, le rythme est nuancé et sa fureur retenue par des nappes flutées qui lancent des parfums tribaux des peuples aborigènes. On imagine aisément un Steve Roach orchestrer un cataclysme sonore en détachant peu à peu l'ossature rythmique de ce long titre-fleuve qui flirte avec le psychédélisme clanique afin d'accentuer sa vélocité par une accentuation des percussions et de la ligne du séquenceur. La puissance et le métissage des effets sonores semble déferler comme ces images en accéléré d'une nuit tourmentée par feux, vents et catastrophes terrestres. J'ai rarement entendu une approche tribale aussi démesurée et sauvage de Steve Roach qu'ici. D'autant que "Skeleton Passage" délie un mouvement du séquenceur en mode : Libération des ions. Le mouvement est vif, pour les neurones, avec un carrefour de lignes de séquences sinusoïdales et spasmodiques qui entrelacent leurs différences et leurs esthétismes dans un bouillon rythmique aussi explosif qu'implosif. Les effets percussifs et ces crotales qui tintent avec fascination sont tout simplement jouissifs pour mes oreilles avides de percussions et de séquences qui gravitent dans un intense et dense magma de tonalités gravitationnelles. Et il ne faut pas oublier que Steve Roach est seul sur scène. Donc il agit comme un chef d'orchestre devant ses équipements dans une improvisation de rythmes séquencés qu'il maquille de tonalités contrastantes et d'effets organiques sous un ciel flamboyant de ses couleurs écarlates. C'est un titre carrément explosif qui étourdira vos oreilles à force de compter toutes les lignes de séquences qui défilent à vitesse grand V. Même si "Spiral Passage" fut enregistré lors de la prestation du lendemain soir, soit le 14 Février, il se colle parfaitement à la finale de "Skeleton Passage" que l'on voudrait sans fin…mais neurones obligent. Son ouverture accepte l'atténuation du frénétique mouvement de "Skeleton Passage" pour l'amener à travers des boucles oscillatrices répétitives où la couleur des tons déforme la perception d'hypnose de ce titre qui conclut avec douceur un des meilleurs opus de Steve Roach. Un vidéo serait accueilli avec allégresse.
Sylvain Lupari (25/09/2017)

ERIK WOLLO: Cinematic (2017)

“Nothing hs changed and everything is always so beautiful in the world of Erik Wollo, in the world of Cinematic”

1 Crescent Moon 7:57
2 Mountain Range 7:21
3 Venture 1 6:05
4 Venture 2 3:54
5 Unfolding 4:31
6 In Slow Time 8:36
7 End of the River 4:24
8 Closing Theme/Exit Music 6:03
Projekt ‎– PRO344 (CD/DDL 48:58) ***¾
(Ambient and lyrical)
Erik Wollo is in mode hyper productivity. In fact, since 2011 the Norwegian Electro bard has launched on the market not less than 17 albums, E.P. and others collaboration albums. That's a lot! And nevertheless, if we like the kind, each of them found its reason in the bottom of our ears. And another peak was reached with the huge Different Spaces. A double album released on the Projekt label on last March. Was there enough inspiration to pursue on this prolific momentum with “Cinematic”? Without turning upside down nor reinventing his style his style, Erik Wollo offers us another beautiful album filled of soft rhythms and decorated of landscapes as much tenebrous than his melodies can be so nostalgic. A little like in some of his last works, Wollo has dig in his vaults and has find a series of compositions written between 1998 and 2003 that he remixed and remasterised for his 23rd album.
A rising wave coming from the west of our listening and which floats of its bluish membrane opens "Crescent Moon" and answers adequately to our waits. Amerindian percussions catch onto a line of organic pulsation which is croaking among the felted clapping of metallic banging. Minimalist, the line of rhythm is weaved by percussive jerks which support this interbreeding of synth and guitar and of their harmonies always so enigmatic and so dear to Erik Wollo's signature. These harmonies dance with reverberations in the tone and float with this line which brought "Crescent Moon" towards daylight. Another guitar weaves a line of riffs which gallops like a stroboscopic shiver while from all over come very good guitar solos and chants from a synth guitar which gives a shade so particular to the music of the Norwegian musician. This depicts the content of “Cinematic”. Without changing anything of his recipe, the music of Erik Wollo always possesses this intuitive touch which makes it so unique. We listen to the soundscapes of "Mountain Range", of the very beautiful and melancholic "Unfolding", of "End of the River" and of "In Slow Time" like we devoured those of Elevations, Airborne or yet Blue Radiance. Thus, there are few surprises like there is no disappointment, or no filling or if you prefer no music without soul. Nothing has changed and everything is always so beautiful. Certainly, there are more vibrating titles which are the witnesses that the Norwegian bard still has pleasant surprises for us in his small box of creativity. "Crescent Moon" is very beautiful, but the superb "Venture 1" is even more splendid with this fascinating voice of astral mermaid on a beautiful down-tempo structure which is perfumed of a thousand and one charms from this fusion synth/guitar. This is a wonderful title which outclasses, and by far, the very gloomy "Venture 2" and its fascinating unreal chants in a structure of dark vibes but where the rhythm tries to stir up disorder in the background. A title which brings me back to the atmospheres of Arcadia Borealis. With its vigor and its very serene, even joyful, spirit "Closing Theme/Exit Music" tries to keep “Cinematic” on the path of caravan peoples on the move who are happy to conquer new spaces. The rhythm is lively and the loops of harmonies swirl in order to root down a melody which is an eater of tympans in the nostalgia of the wandering musical winds. The line of bass reminds me of a very modest Patrick O' Hearn and the melodies of six-strings which float like the last vestiges of a specter, are to unstitch those threads which tightens the harshness of our soul. Beautiful! And a wonderful way to concluding another beautiful album where the music of Erik Wollo always finds grace between our selective ears which are seduced beforehand.
Sylvain Lupari (September 21st, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Projekt Bandcamp page here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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Erik Wollo est en mode hyper productivité. En fait, depuis 2011 l'Électro barde Norvégien a mis sur le marché pas moins de 17 albums, E.P. et albums en collaborations. Ce qui est beaucoup! Et pourtant, si on aime le genre, chaque œuvre mise sur CD ou sur son site Bandcamp trouvait sa raison au fond de nos oreilles. Et un autre point culminant était atteint avec l'immense Different Spaces. Un album double paru sur l'étiquette Projekt en Mars de cette année. Restait-il assez d'inspiration pour poursuivre avec “Cinematic”? Sans rien virer à l'envers ni réinventer son style, Erik Wollo nous offre un autre bel album bourré de rythmes doux et orné de paysages soniques aussi ténébreux que ses mélodies peuvent être nostalgiques. Un peu comme dans quelques-unes de ses dernières œuvres, Wollo a fouillé dans ses voutes et trouvent une série de compositions écrites entre 1998 et 2003 qu'il a remixé et remasterisé pour son 23ième album.
C'est par une onde se levant à l'ouest de notre écoute et qui flotte de sa membrane bleutée que "Crescent Moon" infiltre nos attentes. Des percussions amérindiennes s'agrippent à une ligne de pulsation organique qui coasse parmi des claquements métalliques. Minimaliste, la ligne de rythme est tissée par des saccades percussives qui supportent ce métissage de synthé et de guitare aux harmonies toujours aussi énigmatiques et si chères à la signature d'Erik Wollo. Ces harmonies dansent avec des réverbérations dans la note et flottent avec cette ligne qui amenait "Crescent Moon" vers la lumière du jour. Une autre guitare tisse une ligne de riffs qui galope comme un tremblement stroboscopique alors qu'affluent de bons solos de guitare et les chants d'une guitare synthétiseur qui donne un ombrage si particulier à la musique du musicien Norvégien. Cette description dépeint la teneur de “Cinematic”! Sans rien changer à sa recette, la musique d'Erik Wollo possède toujours cette touche intuitive qui la rend si unique. On écoute les paysages sonores de "Mountain Range", du très beau et mélancolique "Unfolding", de "End of the River" et de "In Slow Time" comme on dévorait ceux de Elevations, de Airborne ou encore de Blue Radiance. Donc, il y a peu de surprises comme il n'y a aucune déception, ni de remplissage ou si vous préférez de musique sans âme. Rien n'a changé et tout est toujours aussi beau. Certes, il y a des titres plus vibrants qui sont les témoins que le barde norvégien a encore d'agréables surprises pour nous dans son coffret créativité. "Crescent Moon" est très beau, mais le superbe "Venture 1" l'est encore plus avec cette fascinante voix de sirène astrale sur une belle structure down-tempo aromatisée des mille-et-un charmes de cette fusion synthé/guitare. C'est un très beau titre qui surclasse, et de loin, le très ombrageux "Venture 2" et ses fascinants chants irréels dans une structure d'ambiances mais où le rythme cherche à fomenter le trouble en arrière-scène. Un titre qui me ramène aux ambiances de Arcadia Borealis. Avec sa vigueur et son entrain très serein, voire même joyeux, "Closing Theme/Exit Music" cherche à garder “Cinematic” sur le sentier d'un mouvement de caravaniers qui sont heureux de partir à la conquête de nouveaux espaces. Le rythme est entraînant et les boucles d'harmonies tournoient pour enraciner une mélodie mangeuse de tympans dans la nostalgie de vents musicaux errants. La ligne de basse me fait penser à du Patrick O’Hearn très discret et les mélodies de la six-cordes, qui flottent comme les derniers vestiges d'un spectre, sont à découdre ces fils qui serre la rudesse de notre âme. Beau! Et une superbe façon de conclure un bel album où la musique d'Erik Wollo trouve toujours grâce entre nos oreilles sélectives qui sont tout de même séduites d'avance.
Sylvain Lupari (21/09/2017)

Crescent Moon

BLINDMACHINE & ASUNTAR: Cosmos in Your Mind (2017)

“This is an album which asks for patience and for curiosity with a good open mind from a listener who will be trapped in the core of Cosmos in Your Mind”

1 Drifted into Deeper Mars 12:30
2 Visions – Stigma 6:00
3 Neuronium 13:36
4 Sunrise On Mars 11:12
5 Sequential Flight 9:44
6 Event Horizon 13:36
Generator.pl ‎| GEN CD 043 (CD 66:38) ***½
(Abstract and Cosmic EM)
EM from Poland is doing magnificently well. Audacious and alive, it navigates between artists who handle the rudiments while insufflating a good dose of avant-gardism and even of psychedelic ambiences. The label Generator pl. is the standard bearer of this movement by producing quality works which are always presented in a beautiful digipack set by a futuristic work which directs the listener to the proposed musical genre. Between Berlin School and an approach of ambient music filled by fragrances of Ashra and Jean Michel Jarre, “Cosmos in Your Mind” is a nice encounter between 2 artists at the antipodes who join in a surprising album which asks for some listening and of open-minded before being trapped by its charms. Even Me, who has quite enjoyed Pulse from Asuntar, I had to dig at the bottom of my drawer of tolerance. That says quite a lot about this odyssey all in tones and sounds where the Berlin School style seeks resolutely for its roots.
Echoing Wah-wah immortalizes their monotonous dialogues at the opening of "Drifted into Deeper Mars", a title composed by the tandem Blindmachine & Asuntar at the end of 2016. We dive into the spheres of cosmos with sequences which pound and skip with a tone ash-colored by cracklings. Without forging of dominant rhythm, this skeleton roams throughout an interstellar density and accentuates its presence as the title is crumbling its seconds. The elements of atmospheres are born from electronic beep-beep, from voices dimmed by an underground decoration, from reverberation of sounds and esoteric layers which float with good orchestral arrangements. Clearly in mode cosmic atmospheres, "Drifted into Deeper Mars" shows a beautiful implosive nature which confers it a structure of a quiet intensity. Written by Asuntar, "Visions - Stigma" is a title of cosmic vibes loaded by resonant breezes and hollow winds from where roar voices from beyond the grave. A pulsation livens up the very anesthetic envelope of this interplanetary drift. "Neuronium" is the first title to have charmed my ears. Guttural electronic noises try to sculpt a dialect of intersidereal bugs in the vapor trails of a shuttle adrift. The pulsations which come are forging a pulsating beat which will remain always still while the synth layers float and crisscross their harmonies as in those which revolve in the title Echo Waves from the album @shra appeared in 2008. Effects of vocoder and electronic noises add the Neuronium touch to a title which gains enormously to be discovered until its end. "Sunrise On Mars" is another good title with its slow and hypnotic rhythm which dances lasciviously under the slow caresses of synth filled to the top of Oriental fragrances. The track stays boosted of sound effects, layers a little more in the shape of threatening drones and of uncertain sequences, giving a surrealist painting which gets some more of depth with a voice of an astral mermaid. "Sequential Flight" is more on mode Jean Michel Jarre with a lively structure of rhythm, kind of P' Cock in House in the Storm, on chords a la Jarre and effects of Rendez-Vous, in particular for the cosmic atmosphere and the Laser Harp. "Event Horizon" ends this first collaboration of Blindmachine & Asuntar with a structure of cosmic moods composed by Blindmachine. It's a concert of effects which are propelled by cosmic winds. An approach more avant-gardist than everywhere in “Cosmos in Your Mind”, a work which asks for patience and for curiosity. Two elements which will be rewarded by the core of an album conceived by 2 musicians who have the boldness to take genres of Berlin School and Koshmik Music out of their comfort zones.
Sylvain Lupari (September 19th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Generator.pl shop here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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La MÉ de Pologne se porte merveilleusement bien. Audacieuse et vivante, elle vogue entre des artistes qui en manient les rudiments tout en insufflant une bonne dose d'avant-gardisme et même d'ambiances psychédéliques. Le label Generator pl. est le porte-étendard de ce mouvement en produisant des œuvres de qualité qui sont toujours présentées dans un bel emballage digipack sertie d'une œuvre futuriste qui oriente l'auditeur dans le genre musical proposé. Entre la Berlin School et une approche de musique ambiante remplie par des parfums d'Ashra et de Jean Michel Jarre, “Cosmos in Your Mind” est une belle rencontre entre 2 artistes aux antipodes qui se rejoignent dans un étonnant album qui demande quelques écoutes avant de se laisser piéger par ses charmes. Même moi qui, avais bien aimé Pulse d'Asuntar, j'ai dû puiser au fond de mon tiroir de la tolérance. Ce qui en dit long sur cette odyssée tout en sons où le style Berlin School cherche résolument ses racines.
Des wah-wah échoïques éternisent leurs dialogues monocordes en ouverture de "Drifted Into Deeper Mars", un titre composé par le tandem Blindmachine & Asuntar à la fin de 2016. On plonge dans les sphères du cosmos avec des séquences qui palpitent et sautillent avec une tonalité cendrée par des grésillements. Sans forger de rythme prédominant, cette ossature erre au travers une densité interstellaire et accentue sa présence à mesure que le titre émiette ses secondes. Les éléments d'ambiances naissent de beep-beep électroniques, de voix assourdies par un décor souterrain, de réverbération des sons et de nappes ésotériques qui flottent avec de bons arrangements orchestraux. Nettement en mode ambiances cosmiques, "Drifted Into Deeper Mars" montre une belle nature implosive qui lui confère une structure d'une intensité dormante. Composé par Asuntar, "Visions – Stigma" est un titre d'ambiances gorgé de brises résonnantes et de vents creux d'où hurlent des voix d'outre-tombe. Une pulsation anime l'enveloppe très anesthésiante de cette dérive interplanétaire. "Neuronium" est le premier titre à avoir charmé mes oreilles. Des bruits électroniques gutturaux tentent de sculpter un dialecte de bibittes intersidérales dans le sillage d'une navette à la dérive. Les pulsations qui viennent structurent un rythme pulsatile qui restera toujours stationnaire alors que les nappes de synthé flottent et entrecroisent leurs harmonies comme dans celles qui gravitent dans la pièce Echo Waves de l'album @shra paru en 2008. Des effets de vocodeur et des bruits électroniques ajoutent la touche Neuronium à un titre qui gagne énormément à être découvert jusqu'à la finale. "Sunrise On Mars" est un autre bon titre avec son rythme lent et hypnotique qui danse lascivement sous de lentes caresses de synthé à Orientales. Le titre reste bombé d'effets sonores, de nappes un peu plus en forme de drones menaçants et de séquences incertaines, donnant une toile surréaliste qui prend encore plus de profondeur avec une voix de sirène astrale. "Sequential Flight" est plus en mode Jean Michel Jarre avec une structure de rythme enlevante, genre P'Cock dans House in the Storm, sur des accords de Jarre et des effets à la Rendez-Vous, notamment l'ambiance cosmique et la Harpe Laser. "Event Horizon" conclût cette collaboration Blindmachine & Asuntar avec une structure d’ambiances composée par Blindmachine. Il s'agit d'un concert d'effets qui sont propulsées par des vents cosmiques. Une approche plus avant-gardiste que partout dans “Cosmos in Your Mind”, une œuvre qui demande patience et curiosité. Deux éléments qui seront récompensés par le cœur d'un album conçu par 2 musiciens qui ont l'audace de sortir les genres Berlin School et Koshmik Music de leurs zones de confort.
Sylvain Lupari (19/09/2017)

ROBERT SCHROEDER: D.MO Vol.4: Harmonic Decadence (2017)

“The music of Harmonic Decadence is as much magnificent as its tone which places the album in these years where the imagination has opened the door to a universe of one thousand fantasies”

1 Harmonic Decadence Side-A 23:56
2 Harmonic Decadence Side-B 25:19
Spheric Records | SMCD 2037 (CD49:15) *****
(Berlin School)
Robert Schroeder shook slightly the temples of EM in 1979 with the excellent Harmonic Ascendant. What the public did not know until today, but there were rumors at that time, was the story behind this album. The first recording of Robert Schroeder was in reality Harmonic Decadence which was recorded in the same studios, Panne-Paulssen in Frankfurt in 1978. Its tone, too electronic, hasn't pleased at all the big bosses of IC/WEA. Schroeder thus returned to the same studios and worked on what was going to become the imprint of the musician from Aachen on the chessboard EM with Harmonic Ascendant. The recordings of Harmonic Decadence were forgotten then finally lost in time until Robert Schroeder begins to search his memoirs and tapes in his vaults. The results of this search were going to be translated into a series entitled D.MO, for Demo. A series which was expected for the fans of this brilliant sound and instruments designer well before D.MO Vol 1, released in 1998, and which also contained recordings of the 78 year. The initial idea behind this dust removal of Robert Schroeder's old recordings was to restore them in their origin tones and sounds without retouches, except for “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” which was remasterised in the spirit of that era. The peak of Harmonic Ascendant was without any doubt its very long and how much magnificent title-track. Future Passing By and The Day After X were two more avant-gardist titles with its lot of effects and a good use of the vocoder. It's mainly the fragrances of those 2 tracks which blow over the first track, while the second one inhales those of the wonderful Harmonic Ascendant. And in the end of the day, “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” turns out to be a completely unexpected surprise which is going to please undoubtedly to the fans from the very beginning of Robert Schroeder.
Floating layers, electronic effects and murmurs of vocoder arouse the curiosity of our ears and comfort a wait which was very high, considering the impact of Harmonic Ascendant in the history of modern EM. The sound aestheticism of Robert Schroeder is anchored well and truly in the harmonious descent of "Harmonic Decadence A Side-A" which sounds literally as in the modernist universe of the Face B in Harmonic Ascendant. The movement of the sequencer is more fluid here, being even situated between the movements of Future Passing By and The Day After X. Minimalist and very melodious, the rhythm is waving with its magnetizing effect while of all the pores of "Harmonic Decadence A Side-A" comes its lot of effects and murmurs from this synth which mix brilliantly its effects and solos. No doubt, we are in the lands of Harmonic Ascendant. "Harmonic Decadence Side-B" revisits its younger brother with an enhanced pace while surfing on the more livened up portion Harmonic Ascendant's title-track. The bouquet is very retro Berlin School with this clearly felt influence of Klaus Schulze on Robert Schroeder. The solos of synth are superb here, the effects are well measured and put an emphasis on the presence of the synth while the rhythm is as much animated as in la belle époque. Little by little this rhythm becomes breathless by the race of the sequences and lean on a slow structure which is very similar in The Day After X, effects in more.
I am very surprised that the management of IC/WEA disregarded Harmonic Decadence, considering the crazy adventures of Klaus Schulze in Timewind, Moondawn and Body Love. The only difference between this Harmonic Decadence and Harmonic Ascendant is the very romantic approach of its title-track. But no matter, the important is that the recordings of its predecessor was found, because my ears have devoured a splendid music here. If I always have a drawback regarding these archaeological digs of the pioneers of the art, any forms included, I welcome with enthusiast this brilliant recording lost in time. The music of “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” is as much magnificent as its tone which places the album in these years where the imagination has opened the door to a universe of one thousand fantasies. This is what I call an unavoidable, a must!
Sylvain Lupari (September 18th, 2017)
synth&sequences.com
One find sthis album on CD Baby and on the Spheric Music shop here 
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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Robert Schroeder secouait légèrement les temples de la MÉ en 1979 avec la parution de l'excellent Harmonic Ascendant. Ce que le public ne savait pas jusqu'à aujourd'hui, mais il y avait des rumeurs à l'époque, était l'histoire derrière cet album. Le premier enregistrement de Robert Schroeder était en réalité Harmonic Decadence qui fut enregistré dans les mêmes studios, soit le Panne-Paulssen à Frankfurt en 1978. Sa sonorité, trop électronique, ne plaisait pas du tout aux décideurs de IC/WEA. Schroeder retournait donc dans les mêmes studios afin de travailler sur ce qui allait devenir l'empreinte du musicien d'Aachen sur l’échiquier la MÉ avec Harmonic Ascendant. Les enregistrements de Harmonic Decadence ont été oublié puis finalement perdu dans le temps…jusqu'à ce que Robert Schroeder commence à fouiller dans ses mémoires et ses voutes. Les résultats de cette fouille allaient se traduire en une série intitulée D.MO, pour Démo. Une série qu'attendait les fans de ce brillant concepteur bien avant D.MO Vol.1, lancé en 1998 et qui contenait aussi des enregistrements de l'année 78. L'idée de départ derrière ce dépoussiérage des vieux enregistrements de Robert Schroeder était de les restituer dans leurs tonalité d'origine et sans retouches, sauf pour “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” qui a été remasterisé dans l’esprit de l'époque. Le point culminant de Harmonic Ascendant était sans nul doutes sa très longue et combien superbe pièce-titre. Future Passing By et The Day After X étaient deux titres plus avant-gardistes avec beaucoup d'effets et une bonne utilisation du vocodeur. Ce sont les ambiances de ces 2 titres qui soufflent sur “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence”, une surprise tout à fait inattendue qui va plaire assurément aux fans de la première heure de Robert Schroeder.
Des nappes flottantes, des effets électroniques et des murmures de vocodeur attisent la curiosité de nos oreilles et réconfortent une attente qui était très élevée, considérant l’impact de Harmonic Ascendant dans l'histoire de la MÉ moderne. L'esthétisme sonore de Robert Schroeder est bel et bien ancré dans la descente harmonique de "Harmonic Decadence Side-A" qui sonne littéralement comme dans l'univers moderniste de la Face B de Harmonic Ascendant. Le mouvement du séquenceur est plus fluide ici, se situant même entre les mouvements de Future Passing By et The Day After X. Minimaliste et très mélodieux, le rythme ondule avec son effet magnétisant alors que de toutes les pores de "Harmonic Decadence Side-A" fusent des effets et murmure ce synthé qui mélangent merveilleusement ses effets et solos. Aucun doute, nous sommes dans les terres de Harmonic Ascendant. "Harmonic Decadence Side-B" revoit son petit frère en mode accéléré tout en surfant sur l'accélération de la portion plus animée de la pièce-titre de Harmonic Ascendant. Ça fait très Berlin School rétro avec cette influence nettement sentie de Klaus Schulze sur Robert Schroeder. Les solos de synthé sont superbes ici, les effets sont bien dosés et accentuent la présence du synthé alors que le rythme est aussi entraînant qu'à labelle époque. Peu à peu ce rythme essouffle la course des séquences pour s'appuyer sur une structure lente qui est très similaire à The Day After X, effets en plus.
Je suis très surpris que les dirigeants de IC/WEA aient levé le nez sur Harmonic Decadence, considérant les folles aventures de Klaus Schulze dans Timewind, Moondawn et Body Love. La seule différence entre ce Harmonic Decadence et Harmonic Ascendant est l'approche très romanesque de sa pièce-titre. Mais peu importe, l'important est que les enregistrements de son prédécesseur ont été retrouvés, car c'est tout un album que mes oreilles, toutes aussi ébahies que stupéfaites, ont dévoré. Si j'ai toujours un bémol en ce qui concerne ces fouilles archéologiques des pionniers de l'art, toutes formes confondues, j'accueille avec enthousiaste ce brillant enregistrement perdu dans le temps. La musique de “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” est aussi splendide que sa tonalité qui situe l'album dans ces années où l'imagination ouvrait la porte à un univers de mille fantaisies. C'est ce que je nomme un incontournable!
Sylvain Lupari (18/09/2017)

ALBA ECSTASY: The Quest (2017)

“Too many minutes of music but still The Quest reveals nearly 45 minutes of solid EM which will please to the fans of Schulze 84-88 era”

1 Beyond The Fog 14:38
2 Silent 4:25
3 About You 7:15
4 The Quest 12:14
5 Legacy of Uranus 11:15
6 Instinct 6:57
7 The Lost Part of a Stellar Symphony 8:12
Alba Ecstasy Music (DDL 45:51) ***½
(Mix of New Berlin and Roumanian Schools)
I'm continuing the sound exploration of the last albums that Alba Ecstasy sent me with “The Quest”, the second album of the Rumanian synthesist in 2017 (the other one being Bionic Memories in January). If I was seduced by the progression and the permutation of the vibes as well as the minimalist rhythms of the Rumanian School on the Synergy and Sublunary albums, I was just as much on this album which also hides beautiful small jewels and a big ONE in the title-track which has literally dragged me towards the furious rhythms of Klaus Schulze in one of his best era of the 80's. But before …
Arpeggios are perforating a barrage of orchestrations, of which the harmonies stroll by going down from heavens, in order to cavort of the tips of their keys on a musical premise tinted by the icy romance of Crystal Lake. Layers of violins throw an aura of mysticism to this soft movement on where pulses a kind of uncertain bass line which will produce beautiful effects of intensity in the course of the ascent of "Beyond The Fog". Minimalist, the movement is soft and very magnetizing with these layers of metallic drizzle and some rather discreet synth solos. And the collapse of the line of bass, towards the finale, shakes a little the hypnotic torpor of the listener. This line of bass is rather intense here and spreads the mooring lines of tragedy in "Silent", which offers a rather gloomy flavor. A thin line of sequences flows peacefully there, like a suspended brook in some layers that my ears are mistaken with sighs of an old organ. We stay in the lento hypnotic style with "About You" and its effects, its charming solos which go and get in into a languishing wave-like movement. This slow movement of electronic staccato adopts more vigor in the title-track. The Funk beat, the pulsations/percussions in morphic Techno mode and the layers of synth, as well as the solos, which coo like an unrealistic opera make of this title a real tribute to Klaus Schulze. The tempo, slow but lively, bangs between our ears with good percussions and a movement of sequence as lively as fluid which throws a beautiful jerky movement while the bass line lies down its mesmerizing charms. It is, and by far, the best title in “The Quest”, although "Legacy of Uranus" isn't that far from being number one track here.
The structure of rhythm stays in a membrane of ambient moods, but with a clear progression in force and in intensity. Here also the sequences follow one another in a good pace, while staying in a motionless approach. It's the percussive effects and the guttural gurgling which give so much charm and depth to a structure perfumed of the essences of Inter*Face to En=Trance era. I adored, but I am not difficult to convince when percussive effects get grafted into a good evolutionary minimalist structure. We stay in this period of Klaus Schulze with "Instinct" and its opening which would do great in a good suspense film, otherwise a horror film. Slow and sneaky, the first movement of the sequencer is outclassed by another one where the keys blink swiftly. Percussions knock out this interbreeding of the ambient rhythm, guiding it like the pace of an old ship on the path of the boarding in the same time as Mihail Adrian Simion scatters very good synth solos. "The Lost Part of a Stellar Symphony" concludes an album that I would classified as uneven but all the same rather beautiful with nice orchestrations which spin as slowly than a dying leaf getting loose from the influence of its branch by a cold morning of autumn.
The 65 minutes of “The Quest” includes nearly twenty in excess. But if we consider that 45 minutes or 65 have no impact on the price of the download, I would conclude that this other Alba Ecstasy's album remains a good choice for the fans of Klaus Schulze, period Angst to Miditerranean Pads.
Sylvain Lupari (September 15th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Alba Ecstasy Bandcamp page here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS

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Je continue l'exploration sonore des derniers albums qu'Alba Ecstasy m'a fait parvenir avec “The Quest”, deuxième album du synthésiste Roumain en 2017 (l'autre étant Bionic Memories en Janvier). Si j'ai été séduit par la progression et la permutation des ambiances ainsi que des rythmes minimalistes de la Rumanian School sur les albums Synergy et Sublunary, je l'ai été tout autant sur cet album qui cache aussi de beaux petits joyaux et une grosse pointure en la pièce-titre qui m'a littéralement transporté vers les furieux rythmes de Klaus Schulze dans une des belles périodes des années 80. Mais avant…
Des arpèges percent un barrage d'orchestrations, dont les harmonies flânent en descendant des cieux, pour gambader du bout des notes sur une prémisse musicale teintée de la romance glaciale de Crystal Lake. Des nappes de violons jettent une aura de mysticisme à ce doux mouvement où pulse une ligne de basse toujours incertaine et qui produira de beaux effets d'intensité au fil de l'ascension de "Beyond The Fog". Minimaliste, le mouvement est doux et très magnétisant avec ces nappes de bruine métallisée et des solos de synthé plutôt discrets. Et la débâcle de la ligne de basse, vers la finale, secoue un peu la torpeur hypnotique de l'auditeur. Cette ligne de basse est assez intense ici et étend des amarres de tragédie dans "Silent", un titre qui offre une saveur plutôt morose. Un filet de séquences y coule paisiblement comme un ruisseau suspendu dans des nappes que mes oreilles confondent avec des soupirs de vieil orgue. On reste dans le style lento hypnotique avec "About You" et ses effets, ses solos charmeurs qui vont et viennent sur un langoureux mouvement ondulant. Ce lent mouvement de staccato électronique épouse plus de vigueur dans la pièce-titre. Le beat Funk, les pulsations/percussions en mode Techno morphique et les nappes de synthé, ainsi que les solos, qui roucoulent comme un opéra irréaliste font de ce titre un véritable hommage à Klaus Schulze. Le tempo, lent mais entraînant, cogne entre nos oreilles avec de bonnes percussions et un mouvement de séquence aussi vif que fluide qui lance un beau mouvement saccadé alors que la ligne de basse étend ses charmes envoûtants. C'est, et de loin, le titre canon de “The Quest”, quoique "Legacy of Uranus" n'est pas piqué des vers.
La structure de rythme reste dans une membrane du genre ambiant, mais avec une nette progression en force et en intensité. Ici aussi les séquences se succèdent à une bonne cadence, tout en restant dans une approche stationnaire. Ce sont les effets percussifs et les gargouillements gutturaux qui donnent tant de charme et de profondeur à une structure parfumée des essences de la période Inter*Face à En=Trance. J'ai adoré, mais je ne suis pas difficile à convaincre lorsque des effets percussifs arrivent à se tailler une place dans une bonne structure minimaliste évolutive. On reste dans cette période de Klaus Schulze avec "Instinct" et son ouverture qui irait très bien dans un bon film à suspense, sinon d'horreur. Le lent et sournois premier mouvement du séquenceur est surclassé par un autre où les ions clignotent vivement. Des percussions assomment ce métissage du rythme ambiant, le guidant comme la cadence d'un vieux navire sur le sentier de l'abordage tout en même temps que Mihail Adrian Simion éparpille de très bons solos de synthé. "The Lost Part of a Stellar Symphony" conclut un album que je dirais inégal mais tout de même assez beau avec de belles orchestrations qui virevoltent aussi lentement qu'une feuille mourante se détachant de l'emprise de sa branche par un froid matin d'automne.
Les 65 minutes de “The Quest” en compte une bonne vingtaine de trop. Mais si l'on considère que 45 minutes ou 65 n'ont aucun impact sur le prix du téléchargement, j'en conclurais que cet autre album d'Alba Ecstasy reste une bonne prise pour les fans de Klaus Schulze, période Angst à Miditerranean Pads.
Sylvain Lupari 15/09/2017