dimanche 28 mai 2017

BETWEEN INTERVAL: Legacy (2017)

“Everything is so beautiful and lyrical on Legacy and this is why this album needs to be approached with an open mind”
1 The Tunnel 3:23
2 On Track 4:04
3 Accelerant 6:21
4 The Hour Appointed 5:00
5 Septimal Laws 4:25
6 Fields of Neptune 5:12
7 The Outer Shell 8:17
8 Gravity Core 5:46
9 Inner Guidance 7:11
10 Closing In 1:40

Spotted Peccary ‎– SPM-1605 (CD/DDL 51:20) ****
(Ambient, ambient beats, Électronica, Berlin School)
It's with patience that we discover beautiful jewels. Some very beautiful music! As this last album of Between Interval which took a long time to come after the attractive and enigmatic The Edge of a Fairytale released in 2009. And to fill this wait, let's say that Stefan Strand returns in a very great shape after a silence of very close to 8 years from the radar music. And his comeback sounds very pleasant, even if I needed at least 5 good listening before falling under its charms.
Rather furtive bass pulsations are piercing an opaque wall of cerulean droning. Percussive effects get in at the same time that a line of sequences loosens an oscillating stroboscopic approach. These combined elements forge one dense rhythmic skeleton among which the knocks and the ill-assorted jingles smother the rather organic tone of the sequences. This motionless rhythm of "The Tunnel" progresses without ever overflowing in an impermeable atmosphere sewn by a shower of synth lines which shapes a sound panorama as charming as intriguing. Dusts and mists of "The Tunnel" are absorbed by the splendid "On Track" and its charmingly lascivious structure of rhythm which skips between a delicate drumming of sequences and percussive jingles. A very evasive melody lies down there, spreading its melancholy in a sound texture where the style Dub and Ambient House looks for a hidden recess in order to explode. The approach remains however taciturn and quietly the listener goes adrift towards "Accelerant" and its oscillating swell which spins in a tubular corridor. Scattered keyboard chords trace a melody dreamy and nostalgic, like in "On Track", but more in an ambient ethereal mode. They and weave a delicious contrast between its structure of rhythm. These melodic pearls fall like sonic tears throughout the soundscapes of “Legacy”, as in the very ambient and meditative "The Hour Appointed" of which the multiple percussive effects and the reverberations draw a gloomy vibe. "Septimal Laws", just like the superb "Gravity Core", brings us to the level of the snoring ambient and minimalist rhythms of Plastikman in the time of his Consumed. Two simply delicious titles of Techno ambient!
"Fields of Neptune" gets between our ears with good electronic effects and an immense sonic waves which metamorphose into a heavy awning compacted of sibylline songs of steel. A very Berlin School sequence signs an unstable rhythmic which circulates like a vertical auger in an encircling veil of a very striking sonic blue. Now, each title is linked in “Legacy”, giving a mix of styles rather difficult to buy from the first listening. Like this very ambient and restful "The Outer Shell" which nests between two opposites in a delicious cosmic mood. Stefan Strand slides these effects of percussions and piles the synth layers which have so many colors as elements of distant voices, giving so many reliefs to the landscapes of “Legacy”. "Gravity Core" is simply great in its suit of Richie Hawtin. Its snoring sequences resound up to the frontiers of "Inner Guidance", another rather Berlin School title in the vein of "Fields of Neptune" but with a more glaucous decoration in particular because of the resonances effects and the bass pulsations. Slowly this limping rhythm melts in a decoration of ambiences and murmurs to join the furrows of the winds of a space shuttle which derives in a cosmos where lie sonic hoops and their radiances which crumble off in the black.
I have to admit that I needed a very attentive listening before appreciating this last opus of Between Interval. Nevertheless, everything is beautiful and rather lyrical! I imagine that the avalanche of styles, which melt themselves in panoramas sometimes cosmic and sometimes earthly, can leave the fans of a kind or the other one on their appetites. As I, with the effects Plastikman. But in the course of listening, we discover a surprising album which I appreciate even more in every new listening. I hope now not to have to wait another 8 years for a suite to “Legacy”…

Sylvain Lupari (May 27th, 2017)
synth&sequences.com

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
C'est avec la patience que l'on découvre de beaux joyaux. De la très belle musique! Comme ce dernier album de Between Interval qui s'est fait attendre après le séduisant et énigmatique The Edge of a Fairytale paru en 2009. Et pour combler cette attente, dites-vous que Stefan Strand nous revient en très grande forme après un silence de tout près de 8 ans du radar musique. Et les retrouvailles s'annoncent fort agréable, même s'il m'a fallu au moins 5 bonnes écoutes avant de tomber sous ses charmes.
Des basses pulsations assez furtives percent un opaque muraille de bourdonnements céruléens. Des effets percussifs s'invitent en même temps qu'une ligne de séquences délie une approche oscillatrice stroboscopique. Ces éléments combinés forgent une dense ossature rythmique dont les coups et les cliquetis disparates étouffent la tonalité plutôt organique des séquences. Ce rythme stationnaire de "The Tunnel" progresse sans jamais déborder dans une ambiance imperméable cousue par une ondée de lignes de synthé qui moule un panorama sonique aussi enchanteur qu'intrigant. Les poussières et brumes de "The Tunnel" sont absorbées par le superbe "On Track" et sa structure de rythme délicieusement lascive qui sautille entre un délicat tambourinement des séquences et des cliquetis percussifs. Une mélodie très évasive s'y couche, étalant sa mélancolie dans une texture sonique où le style Dub et Ambient House cherche un recoin pour exploser. L'approche reste toutefois taciturne et tranquillement l'auditeur dérive vers "Accelerant" et sa houle oscillatrice qui virevolte dans un couloir tubulaire. Des notes de clavier dispersés tracent une mélodie aussi rêveuse et nostalgique que dans "On Track", mais plus dans un mode ambiant éthéré et tissant ainsi un délicieux contraste entre sa structure de rythme. Ces perles mélodiques se disséminent comme des larmes soniques tout au long des paysages soniques de “Legacy”, comme dans le très ambiant et méditatif "The Hour Appointed" dont les multiples effets de réverbérations et percussifs tissent une ambiance glauque. "Septimal Laws", tout comme le superbe "Gravity Core", nous amène au niveau des ronflants rythmes ambiants et minimalistes de Plastikman du temps du magistral Consumed. Deux titres de Techno ambiant tout simplement délicieux.
"Fields of Neptune" embarque entre nos oreilles avec de bons effets électroniques et d'immenses vagues soniques qui se métamorphosent en un lourd velum compacté par des chants sibyllins d'acier. Une séquence très Berlin School signe une rythmique vacillante qui circule comme un taraud vertical dans un enveloppant linceul d'un bleu sonique très criant. Chaque titre s'enchaîne dans “Legacy”, donnant une macédoine de styles assez difficile à acheter à la première écoute. Comme ce très ambiant et très reposant "The Outer Shell" qui niche entre deux opposés dans une savoureuse ambiance cosmique. Stefan Strand y glisse ces effets percussifs et empile les nappes de synthé qui ont autant de couleurs que d'éléments de voix lointaines, donnant ainsi beaucoup de relief aux paysages d'ambiances de “Legacy”. "Gravity Core" est tout simplement jouissif dans son habit de Richie Hawtin. Ses séquences ronflantes résonnent jusqu'aux limites de "Inner Guidance", un autre titre assez Berlin School dans le genre de "Fields of Neptune" mais avec un décor plus glauque notamment à cause des effets de résonnances des basses pulsations. Doucement ce rythme clopinant se fond dans un décor d'ambiances et de murmures afin de joindre les sillons des vents d'une navette spatiale qui dérive dans un cosmos où jonchent des cerceaux sonores et leurs radiances qui s'effritent dans le noir.
Je dois admettre qu'il m’a fallu une écoute très attentive avant d'apprécier ce dernier opus de Between Interval. Pourtant, tout est beau et assez lyrique! J'imagine que l'avalanche de styles, qui se fondent dans des panoramas tantôt cosmique et tantôt terrestre, peut laisser les amateurs d'un genre ou l'autre sur leurs appétits. Comme moi avec les effets Plastikman. Mais au fil des écoutes, on découvre un étonnant album que j'apprécie encore plus à chaque nouvelle écoute. J'espère maintenant de ne pas avoir à attendre encore 8 ans pour une suite à “Legacy”…

Sylvain Lupari (27/05/2017)

vendredi 26 mai 2017

BERND KISTENMACHER: Disintegration (2017)

“Always presenting EM with a creativity which has just no borders, Disintegration is a worthy suite of Paradise”
1 Disintegrated World 3:24
2 Lost in Time 6:23
3 Running Backwards 7:46
4 Sand in the Desert 2:54
5 Reflecting Ice 11:25
6 On the Edge of Existence 7:19
7 Frozen Magic 10:23
8 Disintegration 13:42

MIRecords ‎– MI10082 (CD/DDL 62:46) ****½
(Symphonic and cinematic EM)
A droning filled of smoke evaporates its opaque shell in a multitude of foggy lines which disintegrate and re-form in screams, like the furious shouts of angels of the apocalypse came bury the last vestiges of the mankind. It's throughout this nightmarish din which is shining of intensity that "Disintegrated World" introduces us to the last musical fresco of Bernd Kistenmacher and his very worried look on the direction and the future of our planet. First studio album of Bernd Kistenmacher since Paradise in 2014, “Disintegration” follows the paths of this album with a profoundly cinematic approach where the intensity and the orchestral gravity seems less stifling than Paradise. If "Disintegrated World" is heavy of burden, the opening of "Lost in Time" is all opposite with a fabulous dance of sequenced arpeggios which draw a melody, eater of ears, which loses of its glossiness in the veils of orchestrations soaked of mysteries, of a cloudiness which augments its presence with a dismaying heaviness. The synth lines divide a state of despondency with murmurs of absent voices and especially layers of apocalyptic clarions which clear a sinister perfume, otherwise of anxiety. "Running Backwards" rivets us to our chair with a delicate sequenced pace which dances with its more translucent shadow. Very hypnotic, this movement circulates such as in an allegorical carousel which goes up and goes down with a bewitching mockery. The layers are very aerial and release some little prisms which make the circular movement of the sequencer glitters. "Sand in the Desert" is a short title as intriguing as "Disintegrated World" with voices which whinge in a desert dirtied of dark dusts and by iodized particles. So many vibes and sounds in hardly 180 seconds!
This short track leads us to the wonderful "
Reflecting Ice". Its first steps are of an overwhelming heaviness. One would say a huge double bass which has difficulty in filtering its notes. But its movement and its nuances are completely delicious. A bass-drum supports with difficulty this pace with the delicate riffs of a synth and its trap of orchestral mists. Trapped in this double bass, the melody evolves with subtle variations in the tone, as in the movement, bringing even more this delicious lento movement towards our cerebral lands. Wonderful, fascinating and insidiously poignant! Afterward we enter into the very floating, ambiospherical domain of “Disintegration”. Orchestral layers, where float absent voices and tears of cellos of which the slow movements tear up the moods of "On the Edge of Existence", flow like a torrent which dives between our ears. This is poetry written on music partitions! "Frozen Magic" is more linear with a more implosive finale which goes out in silence. Now it's time for the title-track! The introduction of "Disintegration" begins with jingles and overstrung organic beatings, like a fauna of hexapods on total delirium. Powerful synth layers, like massive waves of organ, immerse this fauna and takes us by the feelings in order to make us waltz with the unknown. Without rhythm but knotted around violent impulses of layers and this always seductive line of bass, the first minutes of "Disintegration" swallow us in its whirlwind of emotions and in its memories of a session of Paradise. The variations in the multiple arches of the sound waves solidify an interest which increases as soon as our senses seized that the constant crescendo is not only a flash in the pan. One mesmerizing sequence sparkles at the edge of 8 minutes. Its wild blinkings espouse the placidity of a bass pulsations line in order to evaporate as soon as the synth spreads its charms with solos more ethereal than cabalistic. The movement is covered of an attractive hypnotic approach when some chords get stir with the notes of a sitar modelled by the electronic creativity, pushing the finale of “Disintegration” in a phase of domination of the specters which will continue to mop the vestiges of our passage on Earth. Hat to you Bernd for another brilliant opus of creativity, intensity and emotionalism!

Sylvain Lupari (May 25th, 2017)
synth&sequences.com


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Un bourdonnement bourré de boucane évapore sa carapace opaque en une multitude de lignes brumeuses qui se désagrègent et se reforment en cris stridents, comme les cris rageurs des anges de l’apocalypse venu enterrer les derniers vestiges de l'homme. C'est au travers ce tintamarre cauchemardesque reluisant d'intensité que "Disintegrated World" nous introduit à la dernière fresque musicale de Bernd Kistenmacher et de son regard très inquiet sur la direction et l'avenir de notre planète. Premier album studio de Bernd Kistenmacher depuis Paradise en 2014, “Disintegration” suit les sentiers de cet album avec une approche profondément cinématographique où l'intensité et la pesanteur orchestrale semble moins étouffante que Paradise. Si "Disintegrated World" est lourd d'inquiétude, l'ouverture de "Lost in Time" est tout son contraire avec une fabuleuse danse d'arpèges séquencés qui tracent une mélodie mangeuse d'oreille qui perd de sa luisance dans des voiles d'orchestrations imbibées de mystères, d'une nébulosité qui décuple sa présence avec une lourdeur consternante. Les lignes de synthé divisent un état d'accablement très lourd avec des murmures de voix absentes et surtout des nappes de clairons apocalyptiques qui dégagent un parfum sinistre, sinon d'angoisse. "Running Backwards" nous rive à notre chaise avec une délicate mesure séquencée qui danse avec son ombre plus translucide. Très hypnotique, ce mouvement circule comme dans un carrousel allégorique qui monte et descend avec malice envoûtant. Les nappes sont très aériennes et dégagent de petits prismes qui font chatoyer le mouvement circulaire du séquenceur. "Sand in the Desert" est un court titre aussi intrigant que "Disintegrated World" avec des voix qui lyrent dans un désert maculé de poussières ténébreuses et de particules iodées. Beaucoup d'ambiances et de sons en à peine 180 secondes!

Cette courte pièce nous amène au superbe "Reflecting Ice". Ses premiers pas sont d'une lourdeur écrasante. On dirait une contrebasse géante qui peine à filtrer ses notes. Mais son mouvement et ses nuances sont tout à fait exquis. Un bass-drum soutient péniblement cette marche avec les délicats riffs d'un synthé et de son piège de brumes orchestrales. Piégée dans cette contrebasse, la mélodie évolue avec de subtiles variations dans le ton, comme dans le mouvement, amenant encore plus ce délicieux mouvement lento vers nos terres cérébrales. Superbe, passionnant et insidieusement poignant! Par la suite nous entrons dans le domaine très planant, ambiosphérique de “Disintegration”. Des nappes orchestrales, où flottent des voix absentes et des larmes de violoncelles dont les lents mouvements déchirent les ambiances de "On the Edge of Existence", affluent comme un torrent qui se déverse entre nos oreilles. C'est de la poésie écrite sur des partitions de musique! "Frozen Magic" est plus linéaire avec une finale plus implosive qui s'éteint dans le silence. Place à la pièce-titre! L'introduction de "Disintegration" débute avec des cliquetis et des battements organiques surexcités, comme une faune d'hexapodes en plein délire. De puissantes nappes de synthé, comme d'immenses vagues d'orgue, immergent cette faune et nous prend par les émotions afin de nous faire valser avec l'inconnu. Sans rythme mais nouer autour de violentes impulsions des nappes et d'une toujours séduisante ligne de basse, les premières minutes de "Disintegration" nous avalent dans son tourbillon d'émotions et dans ses souvenirs d'une session de Paradise. Les variations dans les multiples courbes des vagues sonores solidifient un intérêt qui s'accroit dès que nos sens ont saisi que le constant crescendo n'est pas un feu de paille. Une envoûtante séquence scintille à l’orée des 8 minutes. Ses féroces clignotements épousent la placidité d'une ligne de basse pulsations pour s'évaporer dès que le synthé déploie ses charmes avec des solos plus éthérés que cabalistiques. Le mouvement est recouvert d'une séduisante approche hypnotique lorsque des accords s'agitent avec les notes d'un sitar modelé par l'électronique, poussant la finale de “Disintegration” dans une phase de domination des spectres qui continueront à éponger les vestiges de notre passage sur la Terre. Chapeau Bernd pour un autre opus éclatant de créativité, d'intensité et d'émotivité!
Sylvain Lupari (25/05/2017)

vendredi 19 mai 2017

BRAINWORK: Back to Future II (2017)

“Great and loud EDM Back to Future II is a good fusion between the Berlin School of the Brainwork way and the inciting rhythms of Element 4”
1 Green Lake 15:02
2 Rollout to Future 15:01
3 Polymorphin 13:52
4 Berlin Bass 14:44

CUE-RECORDS (CD 59:52) ****
(EDM mixed to the essences of Berlin School)
Brainwork had broken a long silence of 6 years in 2003 with the release of Back to Future. Uwe Saher mixed remarkably his contagious and deafening rhythms of his alter ego Element 4 to movements of rhythms and to vibes stolen in the roots of Berlin School. “Back to Future II” continues in this vein, going even farther with long musical acts where the kind of Trance'n'Dance wears out prematurely our floors while making the neighbors rage. Chronicle of an album which inevitably will please to those who appreciate, without sparing their ears, the kind of Electronica served a la Jean Michel Jarre sauce.
We are fast taken by surprise by the very ambiospherical and chthonian approach of "
Green Lake". Pushes of wind which make shout the dust reveal its first seconds. Somber sinuous synth lines hide hoarse breaths of which the reverberations spread a vampiric bass line. The symbiosis between these two elements creates the perfect illusion that we are in the cave of one dark forest where resound bells of a not too welcoming church. Luciferian choirs amplify this impression when techno beatings knock down the vapor. A delicate melody reveals its magnetizing loops when the rhythm explodes even more with boom-boom and tchak-tchak which resound madly, and in our ears and under our feet. Very hammering, the structure of "Green Lake" remains not less delicious with good synth solos and cosmic effects. Avoiding impressively the traps of repetition and a possible effect of tiredness, Brainwork reworks his structure for a livelier, kind of furious electronic gallop, while maintaining the charms of the Berlin School with this short line of melody which returns haunting us ceaselessly and the agile fingers on a synth which forge beautiful allegorical pirouettes. This is a very good Berlin School melted in a Dance Music on a Rave party! Effects of desolation and Mephistophelian vibes crisscrossed in cosmic effects are the source of inspiration of the opening of "Rollout to Future". A splendid and catchy line of sequences pierces this intriguing fog a few seconds after the point of 3 minutes. The movement spreads beautiful twists which coil up in the oblivion. Quirky effects and a bass line on the point to bite bring this skeleton of rhythm towards the ceaseless hammering of the percussions. Far from being common, it was the first impression that came to mind in front of this Düsseldorf structure, "Rollout to Future" is a little mine of charms with its subtle nuances in the hammering of the rhythm and especially these angelic choirs which are the beginnings of very nice fluty melody. And always these soloes of synth that Uwe Saher throws with a fascinating melodious approach. I hook to it after one or two listening and I finally liked it. My sweet angel Lise found that noisy but very animated. The boom-boom and the tchak-tchak are more lively and more accelerated in "Polymorphin" whose main charms are the kicking of sequences as so furious as Chris Franke liked to create and these effects of orchestrations which filled the structures of Dance Music in the 70-80 years. After an introduction poured into an apocalyptic world, "Berlin Bass" distances itself from deafening rhythms of “Back to Future II” with a nice fusion between Berlin School and Drums'n'Bass, like in Back to Future in 2003. The sequences ring like keys of xylophone which are hide in a dense sound fauna where we can hear an effect of organic and starved bass. The solos of synth are clearly more complex, less harmonious, bringing the evanescent melodies of "Berlin Bass" on the paths of a free jazz.
Great and loud EDM and especially very creative at the level of the movements of sequences and solos to the forms so contrary to the continuous hammering of the boom-boom and the tchak-tchak, “
Back to Future II” is a good fusion between the Berlin School of the Brainwork way and the inciting rhythms of Element 4. And this fusion possesses all the elements to please the fans of both styles, which are sometimes very opposite, and to those who like when Electronica invites itself in a noisy and contagious way in the sometimes too peaceful universe of the Berlin School. And I insist on saying that the solos of synth are wonderful with their sometimes very melodious approaches.
Sylvain Lupari (May 19th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to order this album on Brainwork Web site here


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Brainwork brisait un long silence de 6 ans en 2003 avec la parution de Back to Future. Uwe Saher mélangeait à merveille ses rythmes contagieux et assourdissants de son alter égo Element 4 à des mouvements de rythmes et des ambiances pigés dans les racines de la Berlin School. “Back to Future II” poursuit dans cette veine, allant même plus loin avec de longs morceaux où le genre Trance'n'Dance use prématurément nos planchers et fait rager les voisins. Chronique d'un album qui doit nécessairement plaire à ceux qui apprécient sans se ménager les oreilles le genre Électronica de Jean Michel Jarre.
Nous sommes vite déculottés par l'approche très ambiosphérique et chthonienne de "Green Lake". Des poussées de vent qui font crier la poussière éventent ses premières secondes. De sombres lignes sinueuses cachent des souffles rauques dont les réverbérations étendent une ligne de basse vampirique. La symbiose entre ces deux éléments crée la parfaite illusion que nous sommes dans l'antre d'un forêt sombre où résonnent des cloches d'une église pas trop accueillante. Des chœurs lucifériens amplifient cette impression lorsque des battements technoïdes renversent la vapeur. Une délicate mélodie déploie ses boucles magnétisantes lorsque le rythme explose encore plus avec des boom-boom et des tchak-tchak qui résonnent et dans nos oreilles et sous nos pieds. Très martelant, la structure de "Green Lake" n'en demeure pas moins délicieuse avec de bons solos de synthé et des effets cosmiques. Évitant à merveille les pièges de la redondance et un possible effet de lassitude, Brainwork refonte sa structure pour une qui sera plus vive, genre un furieux galop électronique, tout en maintenant les charmes de la Berlin School avec cette courte ligne de mélodie qui revient nous hanter sans cesse et ses doigts agiles sur un synthé qui forgent de belles pirouettes allégoriques. Oui du bon Berlin School fondu dans du Dance Music d'une fête Rave! Effets de désolation et méphistophéliques entrecroisés à des effets cosmiques sont la source d'inspiration de l'ouverture de "Rollout to Future". Une superbe ligne de séquences perce ce brouillard intriguant quelques secondes après la barre des 3 minutes. Le mouvement déploie de belles torsades qui se lovent dans le vide. Des effets biscornus et une ligne de basse sur le point de mordre amènent cette ossature de rythme vers le martelage incessant des percussions. Loin d'être banal, c’est la première impression qui m'a assailli devant cette structure à la Düsseldorf, "Rollout to Future" est une petite mine à charmes avec ses subtiles nuances dans le martelage du rythme et surtout ces chœurs angéliques qui sont la prémices d'une splendide mélodie flûtée. Et toujours ces solos de synthé qu'Uwe Saher lance avec une fascinante approche mélodieuse. On accroche après une ou deux écoutes et on se n'en lance pas par la suite. Ma belle et douce Lise a trouvé ça bruyant mais très enlevant. Les boom-boom et les tchak-tchak sont plus vifs et plus accélérés dans "Polymorphin" dont les principaux charmes sont des ruades de séquences aussi furieuses que Chris Franke aimait créer et ces effets d'orchestrations qui remplissaient les structures de Dance Music des années 70-80. Après une introduction coulée dans un monde apocalyptique, "Berlin Bass" se démarque des rythmes assourdissants de “Back to Future II” avec une belle fusion entre la Berlin School et le Drums'n'Bass, comme dans Back to Future en 2003. Les séquences tintent comme des clés de xylophone camouflées dans une dense faune sonique où on peut entendre un effet de basse organique et affamé. Les solos de synthé sont nettement plus complexes, donc moins harmonieux, amenant les mélodies évanescentes de "Berlin Bass" sur les sentiers d'un Free Jazz.
De la bonne et lourde EDM et surtout très créatif au niveau des mouvements de séquences et des solos aux formes tellement opposées au martelage ininterrompu des boom-boom et des tchak-tchak, “Back to Future II” est une très belle fusion entre le Berlin School à la façon Brainwork et les rythmes incendiaires d'Element 4. Et cette fusion possède tous les éléments pour plaire aux amateurs des 2 styles, qui sont parfois très contraires, et à ceux qui aime lorsque l'Électronica s'invite d'une façon bruyante et contagieuse dans l'univers parfois trop paisible de la Berlin School. J'insiste pour dire que les solos de synthé sont superbes avec leurs approches parfois très mélodieuses.
Sylvain Lupari (19/05/2017)

BRAINWORK: Back to Future (2003)

“Back to Future is a blast! A blast of sequencing, of percussions and of juicy and very acrobatic solos. No wonder why there is a suite!”
1 4am Machines 13:07
2 Back to Future 8:39
3 Sanddunes 9:16
4 Transponder 12:25
5 Offbeats 10:30
6 Back To the Sea 16:25

7 4am Machines (Hatfield & Torpey Remix) 5:41

CUE-RECORDS (CD 76:03) ****

(Berlin School and Drum'n'Bass)
Back to Future” is the first cd of Brainwork since Sensual Reflections, appeared in 1997. A long hiatus where Uwe Saher released 2 albums under the name of Elements 4; Continuation and Live Summer 99, both appeared in 1999. So it was a long silence of 4 years broken by the release of “Back to Future”, an opus where the rhythms take all shapes. From Berlin School to Groove and Drums'n'Bass. Or still of Berlin School on Drums'n'Bass!
From the first notes, "
4 am Machines" places us straight out in the deafening universe of “Back to Future” with a line of sequences which comes off the rails deliciously and hits a wall of layers of mist. These sequences flicker with ascending and downward curves, espousing these stratospheric beatings of Tangerine Dream of which the synth layers moreover drink their memories by big gulps. And when the rhythm gets in seriously after 68 seconds, "4 am Machines" dives rather into an atmosphere of synth-pop while preserving this delicious sequenced pattern as rhythmic as melodic which claims its influence to Franke. The synths are agile and weave feverish melodious lines which have a hard time to follow this good impetus of rhythm which flirts with an intergalactic western. Gradually, "4 am Machines" flows towards a Dub style and a scent of Dance with sequences which flicker as nervously as these beatbox percussions which annoyed the ears during the explosion of the MIDI and of its massive use in the middle of the 80's. The sequences are the heart of the charms of Uwe Saher's music. And we get this as soon as the opening of the title-track with a static movement knotted around fine subtleties. A maelstrom of harmonious keys floats around a structure animated by the arrival of less aggressive percussions, while the synth layers are stretching a charming effect. Effects of psy-dance melt in the decor while a hardly formed melody seduces straightaway on the continuous back and forth of the sequences. A little as in "4 am Machines", "Back to Future" exploits massively its minutes by bringing fine nuances to the vibes, which are weaved with good solos and Mellotron effects, in its rhythmic armature which mixes Berlin School and Groove without too many difficulties. "Sanddunes" is a good title as lively as melodious with a synth loaded of harmonious solos of which the tone is rather similar to a trumpet with a cornet. The movement of the sequencer is still very beautiful and the rhythm flows with a harmonious fluidity which respects the signature of Brainwork. This is an easy one to catch!
And it's an even more livened up and a catchier movement in "
Transponder" where the sequences flutter around with fine oscillating loops in a structure which is well supported by sober percussions. The lines of sequences tumble in cascade in this semi-minimalist pattern which is especially shaded and livened up by convulsive staccatos. A good line of bass adds a finish extremely seducing in this structure which gallops under the whips of the percussions and the effects of dance, as these bangings of hands, to make us breathless from both hemispheres. I believed that this "Transponder" was the limit of a Berlin School in techno mode! Needs to think not, because "Offbeats" is as much hallucinating of rhythm than "Transponder". The sequences are vertiginous and offer long fluctuating phases which make bite their impulse of rhythm by some slamming percussions and a line of bass snoring like a good and very smooth Funk. The percussions sing as the metal can sing and are very incisive, otherwise hard. They hammer an infernal beat which finds a little of respite in the shade of the floating layers. In that time, I remember very well that "Offbeats" was one of the most powerful track that I heard in this fusion of Berlin School, of New Berlin School and of IDM (Intelligent Dance Music). Since then, things did change a lot! "Back to the Sea" is the longest track on “Back to Future” and it starts in lion. The nervous and hopping sequences are losing of their glow under the avalanche of the beatbox percussions of which the machine-gun bursts also lose of their brightness of aggressiveness beneath some furious synth solos which deploy a fierce rage worthy of a guitarist of Hard rock. A mixture of Groove and Rock of an incredible ferocity, "Back to the Sea" abounds nevertheless of these layers which structure the landscapes of atmospheric vibes of the EM universe, but in a very accelerated mode here. A long title which never stops to amaze. Besides the big solos full of twists, there are passages where the percussions hammer the tempo among good effects and layers filled with sedative perfumes. But it's waste of time because "Back to the Sea" is a huge noisy carousel which goes quite fast for a title of 16 minutes.
I have to admit that I had been taken by surprise by this “
Back to Future”. I had read somewhere that this album was a good Berlin School filled of rhythms. I would rather say; blown up by explosive and whirling rhythms. That be the very first album of Brainwork that I heard. And I remember that at that time, Uwe Saher had spoken to me of a new stemming musical genre of Berlin School and Drums'n'Bass, that we could call Sequence'n'Bass or still Berlin Bass of which Uwe will make reference in Back to Future II which will hit the market some 14 years farther. It was a very realistic way to describe the musical ambience which reigns all over “Back to Future”. I first wrote this review in 2007 (in French) and Back to Future II gave me that taste again to dive back into the vibes of the first volume. And phew …! It's a heavy album which I rediscover with more pleasure in 2017. The bludgeoning of the sequencer, as well as these more fluid rhythms, the agility of the percussions, which sometimes thunder with more fury than these lines of bass sequences, and these synth solos as acrobatic as melodic make of “Back to Future” an essential album in the discography of Brainwork. It's hard, very hard and superbly done well. A must if we want to redo our walls and our floor!

Sylvain Lupari (May 17th, 2017)
synth&sequences.com
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-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Back to Future” est le premier cd de Brainwork depuis Sensual Reflections, paru en 1997. Une longue période de silence où Uwe Saher a réalisé 2 titres sous le nom d'Elements 4; Continuation et Live Summer 99, tous deux parus en 1999. Un long silence de 4 ans brisé par la parution de “Back to Future”, un opus où le rythme épouse toute les formes. De la Berlin School au Drums'n'Bass, ou encore de la Berlin School sur du Drums'n'Bass.
Dès les premières notes, "4 am Machines" nous place tout de go dans l'univers assourdissant de “Back to Future” avec une ligne de séquences qui déraille savoureusement dans des nappes de brume. Ces séquences papillonnent avec des courbes ascendantes et descendantes, épousant ces battements stratosphériques de Tangerine Dream dont les nappes de synthé d'ailleurs s'abreuvent de leurs souvenirs par grandes goulées. Et lorsque le rythme débarque sérieusement après les 68 secondes, "4 am Machines" plonge plutôt dans une ambiance de synth-pop tout en conservant ce délicieux pattern séquencé aussi rythmique que mélodique qui revendique son emprise Franke. Les synthés sont agiles et forment des lignes mélodieuses fébriles qui peinent à suivre cette bonne envolée de rythme qui flirte avec un western intergalactique. Graduellement, "4 am Machines" coule vers le Dub et une odeur de Dance avec des séquences qui papillonnent aussi nerveusement que ces percussions en canne qui agaçaient les oreilles lors de l'explosion du MIDI et de son utilisation massive dans le milieu des années 80. Les séquences sont le cœur des charmes de la musique d'Uwe Saher. Et cela s'entend dès l'ouverture de la pièce-titre avec un mouvement stationnaire noué autour de fines subtilités. Un maelström de notes harmonieuses flotte autour d'une structure vivifiée par l'arrivée de percussions moins agressives, alors que des nappes de synthé étirent un effet enchanteur. Des effets de psy-dance se fondent dans le décor alors qu'une mélodie à peine formée séduit d'emblée sur le perpétuel va-et-vient des séquences. Un peu comme dans "4 am Machines", "Back to Future" exploite au maximum ses minutes en apportant de fines nuances dans les ambiances, qui sont tissées avec de bons solos et des effets de Mellotron, comme dans son armature rythmique qui mélange Berlin School et Groove sans trop de difficultés. "Sanddunes" est un bon titre aussi entraînant que mélodieux avec un synthé aux solos harmoniques dont la tonalité s'apparente à une trompette avec cornet. Le mouvement du séquenceur est encore très beau et le rythme coule avec une fluidité harmonique qui respecte la signature de Brainwork.
Un mouvement encore plus animé et plus vif dans "Transponder" où les séquences papillonnent avec de fines boucles oscillatrices dans une structure qui est bien soutenue par de sobres percussions. Les lignes de séquences déboulent en cascades dans un pattern semi-minimaliste qui est nuancé et surtout animé de staccatos convulsifs. Une bonne ligne de basse ajoute un fini extrêmement séduisant à cette structure qui galope sous les fouets des percussions et des effets de dance, comme ces claquements de mains, à nous essouffler les deux hémisphères. Je croyais bien que ce "Transponder" était la limite d'un Berlin School en mode techno! Faut croire que non, car "Offbeats" est tout aussi hallucinant de rythme que "Transponder". Les séquences sont vertigineuses et offrent de longues phases oscillatrices qui se font mordent le rythme par des percussions claquantes et une ligne de basse aussi ronflante qu'un bon Funk très coulant. Les percussions chantent comme le métal peut chanter et sont très incisives, sinon dures. Elles martèlent un beat infernal qui trouve un peu de répit à l'ombre des nappes flottantes. À l'époque je me souviens très bien que "Offbeats" était l'un des titres les plus puissants que j'avais entendu dans cette fusion de Berlin School, de New Berlin School et d'IDM (Intelligent Dance Music). Depuis, les choses ont bien changées! "Back to the Sea" est la pièce la plus longue sur “Back to Future” et elle démarre en lion. Les séquences nerveuses et sautillantes perdent de leur lustre sous l'avalanche des percussions en cannes dont les coups de mitraillent perdent aussi leur éclat d'agressivité sous de furieux solos de synthé qui déploient une féroce hargne digne d'un guitariste de Hard-Rock. Un mélange de Groove et de Rock d'une férocité inouïe, "Back to the Sea" regorge pourtant de ces nappes qui structurent les paysages d'ambiances de l'univers EM, mais dans un mode très accéléré ici. Un long titre qui n'en finit plus d'étonner. Outre ses gros solos tout plein de torsades, il y a des passages où les percussions martèlent le tempo parmi de bons effets et des nappes gorgées de parfums sédatifs. Mais peine perdue car "Back to the Sea" est un énorme carrousel tapageur qui passe assez vite pour un titre de 16 minutes.
Je dois admettre que j'avais été pris de court par ce “Back to Future”! J'avais lu quelque part que cet album était un bon Berlin School bourré de rythmes. Moi je dirais plutôt; dynamité de rythmes explosifs et tourbillonnants. Ça été le tout premier album de Brainwork que j'ai entendu. Et je me souviens qu'à l’époque, Uwe Saher m'avait parlé d'un nouveau genre musical issu de la Berlin School et du Drums'n'Bass, que l'on pourrait appeler Sequence'n'Bass ou encore Berlin Bass dont Uwe fera référence dans Back to Future II qui paraîtra quelques 14 ans plus loin. C'était une façon très réaliste de décrire l'ambiance musicale qui règne sur “Back to Future”. J'ai écrit cette chronique en 2007 et Back to Future II m'a redonné ce goût de replonger dans les ambiances du premier volume. Et ouf…! C'est un album lourd que je redécouvre avec plus de plaisir en 2017. Le matraquage du séquenceur, ainsi que ces rythmes plus fluides, l'agilité des percussions, qui parfois tonnent avec plus de fureur que ces lignes de basses séquences, et ces solos de synthé aussi acrobatiques que mélodiques en font un album essentiel dans la discographie de Brainwork. C'est dur, c'est cru et c'est superbement bien fait. Un must si on veut refaire ses murs et son plancher!
Sylvain Lupari (Juillet 2008. Revu et corrigé en Mai 2017)

mercredi 17 mai 2017

STEVE ROACH: The Passing (2017)

“How can Steve Roach be so seducing after so many albums in the same vein? Discover it with this sublime The Passing”
This review has been removed here on the new SynthSequences.com

The Passing 


(En Français)
The Passing 

lundi 15 mai 2017

ALPHA WAVE MOVEMENT: Cerulean Skies (2017)

“A very beautiful album, a little bit complex at times, which will know how to fulfill the expectations of AWM fans”
1 As Above so it Flows 5:37
2 Organic Metamorphosis 14:21
3 Thermospheric Induction 5:32
4 Lattices of Light 9:17
5 Lenticular Forms 8:57
6 Cerulean Sky 6:29

Harmonic Resonance Recordings | HRR170401
(CD-r/DDL 50:18) ****
(Ambient with soft sequenced beats)
You remember these delicate carillons which paved the walking in the violent climbing Escalator from Michael Stearns' Chronos album? It is in this way that "As Above so it Flows" begins “Cerulean Skies”. It's quieter though. Much quieter and it will never explode of fury. And you should not trust this first title before judging this other beautiful and very creative opus from Alpha Wave Movement. Inspired by the beauties which glide above our heads, by the courses of the clouds and by formations of masses of atmosphere which displays a more rebel, even devastating, beauty, this last album of AWM is in the continuity, although more theatrical, of the splendid Kinetic. One of the very good albums of EM in 2016! Between Ray Lynch and the Kitaro of the Canyon and Polydor years, "As Above so it Flows" spreads an oriental texture with gongs and prisms of which the iridescences forge a peaceful rhythm which softly is cherished by songs of synth with smooth fluty harmonies, as angelic. The finale injects a soft moment of tension with an accumulation of strata with tints and airs of which the diversity melts in the void. "Organic Metamorphosis" floats with the shadow of a threat in a sky speckled of sound particles. The title flirts more with the empty spaces than the heavens with its guitar which crumbles its riffs and of which the delicacy is snatched by a line of sequences. The ambient movement reveals a rather serene rhythmic veil, with the effects of jolts which draw an awkward line where the keys skip of impatience. The wealth of the title is rather Pharaonic with all its elements which converge into an immense cumulus. And there we understand where Gregory T. Kyryluk wants to bring us! In the heart of a storm of which the creation starts from the ground. The intensity reaches its paroxysm at around the 7th minute. The percussions come along and drum a soft fury with riffs which swirl with more liveliness and whose harmonies eventually weave a melody which hangs on as much to the curiosity, one would say a mass of birds encircled in this huge cumulus, than the senses.
We say that when the music composer connects with his listener, the goal is reached. And it's peculiarly succeeding here with a beautiful vision of the climatic jostles which eat away our planet. "Thermospheric Induction" is just like this climate change; jostling of elements, dark and very alarming. The rhythm is built around deaf beatings and carillons which get into a panic in the raging winds. "Lattices of Light" proposes a very beautiful movement of sequences which dance under an avalanche of strata of which the orchestral salvos take to the summits of the tops. Gregory T. Kyryluk revisits his first influences here which are very Berlin School but with a touch of very film intensity. Still here, the plethora of layers and effects never does shade to the rhythm or to the arrangements. It's a good sequenced beat with a sweet touching side. A little as in the time of The Edge of Infinity or still
Steve Roach's Now/Traveller. eras. The circular rhythm of "Lenticular Forms" is suspended in a mass of atmospheres and of nebulous effects extracted from a synth which always lets filter those melodies forged in the movements of rhythm in “Cerulean Skies”. A little as if this rhythm spoke to us by infiltrating an insurmountable musical itch. Here, this rhythm sparkles with so much innocence that it is going between our ears illico presto. Once again, the links between the first steps of Gregory T. Kyryluk and those of Steve Roach in Western Spaces are too obvious to be ignored. The title-track brings us back a little bit in the territories of "As Above so it Flows", a little as if we just had go around the world in 45 minutes. On the other hand, "Cerulean Sky" flows with more serenity. It's a beautiful landscapes of meditative atmospheres which decorate this cerulean blue of a sky always very rich here of bursting tones of everywhere, such as thousands of prisms in the purple colors in the huge nebulous caresses by a synth in mode intensity.
In order to well illustrate “Cerulean Skies”, Gregory T. Kyryluk speaks about a rhythmic dialogue and synthesized atmospheres. I like the analogy! It's peculiar to all these works created from ashes to bones in the mouth of electronic machines and synthesizers. And specially here, where
Alpha Wave Movement takes a jealous care of well connecting with his listeners. A very beautiful album, a little bit complex at times, which will know how to fill the expectations of AWM fans and those ones fond of an EM which penetrates shyly into the borders of the New Age or of ambient music for a meditative journey.

Sylvain Lupari (May 15th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Alpha Wave Movement Bandcamp page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Vous vous souvenez de ces délicats carillons qui pavaient la marche à la violente escalade d'Escalator dans l'album Chronos de Michael Stearns? C'est de cette façon que "As Above so it Flows" débute “Cerulean Skies”. C'est plus calme cependant. Beaucoup plus calme et ça n'explosera jamais de fureur. Et il ne faut pas se fier à ce premier titre avant de juger cet autre bel et très créatif opus d'Alpha Wave Movement. Inspiré par les beautés qui planent au-dessus de nos têtes, par la course des nuages et par des formations de masse d'atmosphère qui affichent une beauté plus rebelle, même dévastatrice, ce dernier album de d'AWM est dans la continuité, quoique plus théâtrale, du très bon Kinetic. Un des très bons albums de MÉ en 2016! Entre du Ray Lynch et le Kitaro des années Canyon et Polydor, "As Above so it Flows" déploie une texture orientale avec des gongs et des prismes dont les irisations forgent un rythme paisible qui se fait paisiblement dorloter par des chants de synthé aux harmonies flutées, comme angéliques. La finale injecte un doux moment de tension avec une accumulation de strates aux teintes et aux airs dont la diversité fond dans le vide. "Organic Metamorphosis" flotte avec l'ombre d'une menace dans un ciel tacheté de particules soniques. Le titre flirte plus avec les espaces vides que les cieux avec sa guitare qui émiette ses riffs dont la délicatesse est happée par une ligne de séquences. Le mouvement ambiant étend un voile rythmique assez serein, même avec les effets de cascades qui dessinent une maladroite file où les ions sautillent d'impatience. La richesse du titre est assez pharaonique avec tous ses éléments qui convergent en un immense cumulus. Et là nous comprenons où Gregory T. Kyryluk veut nous amener! Dans le cœur d'une tempête dont la création part du sol. L'intensité atteint son paroxysme autour de la 7ième minute. Des percussions s'amènent et tambourinent une douce fureur avec des riffs qui tournoient avec plus de vivacité et dont les harmonies finissent par tisser une mélodie qui accroche autant la curiosité, on dirait une flopée d'oiseaux cernés dans ce cumulus géant, que les sens.
On dit que lorsque qu'un compositeur connecte avec son auditeur, le but est atteint. Et il l'est drôlement ici avec une belle vision des bousculements climatiques qui rongent notre planète. "Thermospheric Induction" est à l'image de ces changements climatiques; bousculades des éléments, sombre et très alarmant. Le rythme est construit autour de battements sourds et des carillons qui s'affolent dans des vents rageurs. "Lattices of Light" propose un très beau mouvement de séquences qui dansent sous une avalanche de strates dont les salves orchestrales emportent aux sommets des cimes. Gregory T. Kyryluk revisite ses premières influences ici qui sont très Berlin School mais avec une touche d'intensité très cinématographique. Encore ici, la pléthore de couches et d'effets ne fait nullement ombrage au rythme, ni aux arrangements. C'est à la fois rythmé et émouvant. Un peu comme à l'époque de The Edge of Infinity ou encore Now/Traveller de Steve Roach. Le rythme circulaire de "Lenticular Forms" est suspendu dans une masse d'ambiances et d'effets nébuleux extrait d'un synthé qui finit toujours par laisser filtrer les mélodies forgées dans les mouvements de rythme de “Cerulean Skies”. Un peu comme si ce rythme nous parlait en infiltrant un ver d'oreille indélogeable. Ici, ce rythme scintille avec tellement de candeur qu'il s'incruste prestissimo entre nos oreilles. Encore une fois, les liens entre les premiers pas de Gregory T. Kyryluk et ceux de Steve Roach dans Western Spaces sont trop évident pour être ignorés. La pièce-titre nous ramène un peu dans les territoires de "As Above so it Flows", un peu comme si nous avions fait le tour de la terre. Par contre, "Cerulean Sky" coule avec plus de sérénité. C'est un beau paysages d'ambiances méditatives qui ornent ce bleu céruléen d'un ciel toujours très riche en en tonalités éclatant de partout comme des milliers de prisme aux couleurs pourpres dans les immenses caresses embuées d'un synthé en mode intensité.
Afin de bien imager “Cerulean Skies”, Gregory T. Kyryluk parle de dialogue rythmique et d'ambiances synthétisées. J'aime l'analogie! C'est propre à toutes ces œuvres crées de toute pièces dans l'antre de machines électroniques et de synthétiseurs. Et spécialement ici où Alpha Wave Movement prend un soin jaloux de bien connecter avec son auditeur. Un très bel album, un peu complexe par moments, qui saura combler les attentes des fans d'Alpha Wave Movement et les amateurs d'une MÉ qui pénètre timidement les frontières du New Age ou de la musique d'ambiances pour un voyage méditatif.

Sylvain Lupari (15/05/2017)

samedi 13 mai 2017

IAN BODDY & MARKUS REUTERS: Momento (2017)

“You may not be a fan of this style of music from Ian Boddy & Markus Reuter, but just give a shot to this Momento and I'm sure that you will be delighted”
1 Gyroscope 7:45
2 Spindrift 6:56
3 Linger 6:24
4 Memento 6:31
5 Vermilion 9:08
6 Deadlock 9:34
7 Stay 6:26
DiN52 (CD/DDL 52:58) ****½

(Dark ambient with sequenced beats)
We may not be a fan of the genres, of what is released from the DiN studios, but if we give a chance to listen to an album of this factory of multicolored sounds, we find ourselves in the bench of the conquered ones. I fell in the Boddy/Reuter jar after the surprising Derwish in 2009. I liked this atmosphere of King Crimson which scatters a strange music in a parallel universe. And since, it's always with an interest that I decorate my senses of this music which flirts with so many kinds without losing its identity. “Momento” is the 6th opus, if we count the boning of Derwish with Unwound in 2010, from this duet of which the creative approaches are melting admirably well in a sonic envelope which enchants as much as which shakes our perception of contemporary EM.
A fluty breath floats with a beautiful perfume of serenity, while that slowly "Gyroscope" prepares the sound feast of “Momento”. A line of sequences draws a structure of ambient rhythm which rises and falls with a tint of harmony in the tone. Heavy percussions fall, hammering a soft and slow rhythm which is the ideal companion to an envelope a bit dramatic which get free from this veil of ambient elements of "Gyroscope". What jumps to the ears is this mass of sounds which converge on a linear movement from where the tears of a plaintive electric six-strings are floating. An example? The sequences are always swirling lightly, the percussions tumble and roll again, layers of voices and synth strata decorate a soundscape of paranoia of which the nuances sneak through and get lost in a sound revival which tries constantly to bind the threads of the sibylline ambiences which get free of "Gyroscope" and from all of “Momento”. Afterward the structure of rhythm returns with a more jerky approach without really understanding too much how to builds up in an Electronica with a flavor of Darkwave without word. The breaths of voice will do in this hubbub, nevertheless so well structured, where sounds and music multiply in a Hertzian zone of control. The veil of these abstruse ambiences are transformed into the funeral march in "Spindrift" where the guitar of Markus Reuter reigns over a loud walking of the percussions. Separated by phases of very polychromatic moods, the movement goes in transit between a luciferian possession of the senses and onsets of rhythms which remain more intense than lively. Yes! A dark and intrusive music with phases of rhythms which raise constantly the passions. That's the music of “Momento”! That's the music of Boddy/Reuter!

"Linger", like "Deadlock", offers these landscapes of black ambiences with long hoarse laments which build up themselves in an intense murmur of resounding and twisted drones. The guitar is edgy, in particular in "Deadlock" which is more infernal than "Linger", creating more anonymous, more spectral lamentations in "Linger" but more viral ones in "Deadlock". Besides, the finale of "Deadlock" is going to pin you to your earphones. The title-track is a pure delight with its Redshift, or Arc, movement of sequences and its King Crimson moods. A surprising fusion in a literally lively structure where the sequences adorn themselves of divine tones and where the guitar roams as a starving spectre. A great track! And "Vermilion" is also just as much with its thriving rhythm which sparkles on the agile skipping of crystal clear sequences, and of its mesmerizing melody which is going to cuddle your senses for a long time after. The sound aestheticism is absolutely striking here with a less dark, but just as much obsessing approach, and with a skillful synth and guitar fusion which forges a fascinating envelope of vibes. After the deep immersion in the black territories of "Deadlock", "Stay" is like a meditative and remorseful prayer further to the impressive luciferian approach of this cabalistic monument which is "Deadlock". It’s one finale of ambient vibes with slow and wide waves of drones which wriggle like a huge worm avoiding the sharp blades of a threatening guitar. An invitation to make replay "Gyroscope" and to dive again, and always with more pleasure, into this universe of sound discoveries where we shall be rewarded and whose pinnacle, "Momento" and "Vermilion", requires a good dose of chthonian moods. And at this level, we are more than served with this wonderful album which is “Momento”! In stores on next May 19th!
Sylvain Lupari (May 13th, 2019)
synth&sequences.com

Here is a little Something from Derwish;
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
On a beau ne pas être un amateur des genres, de ce qui sort des studios DiN, mais si on se donne une chance d'écouter un album de cette usine de sons multicolores on se retrouve au banc des conquis. Je suis tombé dans la marmite Boddy/Reuter après l'étonnant Derwish en 2009. J'aimais cette ambiance d'un King Crimson qui éparpillait une étrange musique dans un univers parallèle. Et depuis c'est toujours avec un intérêt que je décore mes sens de cette musique qui flirte avec tant de genres sans pour autant perdre son identité. “Momento” est le 6ième opus, si l'on compte le désossement de Derwish avec Unwound en 2010, de ce duo dont les approches créatives se fondent admirablement bien dans une enveloppe sonique qui enchante autant que dérange notre perception de la MÉ contemporaine.
Un souffle flûté flotte avec un beau parfum de sérénité, alors que doucement "Gyroscope" prépare le festin sonore de “Momento”. Une ligne de séquences trace une structure de rythme ambiant qui monte et redescend avec une teinte d'harmonie dans le ton. Des percussions lourdes tombent, martelant un rythme mou et lent qui est le compagnon idéal à l'enveloppe un brin dramatique qui se dégagent des ambiances de "Gyroscope". Ce qui saute aux oreilles est cette masse de sons qui convergent vers un mouvement linéaire d'où flottent des larmes d'une six-cordes électrique plaintive. Un exemple? Les séquences volètent toujours, les percussions déboulent et reviennent, des nappes de voix et de synthé ornent un décor de paranoïa dont les nuances se faufilent pour se perdre dans une renaissance sonore qui cherche constamment à relier les fils des ambiances sibyllines qui se dégagent de "Gyroscope" et de “Momento”. Par la suite la structure de rythme revient avec une approche plus saccadée sans trop comprendre comment se forge de l'Électronica avec une saveur de Darkwave sans parole. Les souffles de voix feront l'affaire dans ce tintamarre, pourtant si bien structuré, où les sons et la musique se multiplient dans une zone de contrôle hertzienne. Le voile de ces ambiances absconses se transforment en marche funèbre dans "Spindrift" où la guitare de Markus Reuter règne sur une pesante marche des percussions. Séparé par des phases d'ambiances très polychromes, le mouvement transite entre une possession des sens lucifériennes et des amorces de rythmes qui restent plus intenses qu'entraînantes. Oui! Une musique sombre et envahissante avec des phases de rythmes qui soulèvent constamment les passions. C'est la musique de “Momento”! C'est la musique de Boddy/Reuter!
"Linger", tout comme "Deadlock", offre ces paysages d'ambiances noires avec de longues complaintes rauques qui se forgent en un intense murmure des drones réverbérants et torsadés. La guitare est tranchante, notamment dans "Deadlock" qui est plus infernal que "Linger", créant des lamentations spectrales, plus anonymes dans "Linger" mais plus virales dans "Deadlock". D'ailleurs, la finale de "Deadlock" va vous river à vos écouteurs. La pièce-titre est un pur délice avec son mouvement de séquences à la Redshift, ou Arc, et ses ambiances à la King Crimson. Une étonnante fusion, dans une structure littéralement entraînante où les séquences se parent de tonalités divines et où la guitare rôde comme un spectre affamé. Très bon! Et "Vermilion" l'est tout autant avec son rythme vivant, qui scintille sur les sautillements agiles de séquences limpides, et sa mélodie envoûtante, qui va vous dorloter les sens pour longtemps. L'esthétisme sonore est absolument saisissant ici avec une approche moins sombre mais tout autant obsédante avec et habile fusion synthé et guitare qui forge une fascinante enveloppe d'ambiances. Après l'immersion dans les territoires noirs de "Deadlock", "Stay" est comme une oraison méditative et repentante suite à l'impressionnante approche luciférienne de ce monument cabalistique qu'est "Deadlock". C'est une finale d'ambiances avec de lentes et larges ondes de drones qui se tortillent comme un ver géant évitant les lames acérées d'une guitare menaçante. Une invitation pour faire rejouer "Gyroscope" et de plonger à nouveau, et toujours avec plus de plaisir, dans cet univers de découvertes sonores où l'on sera récompensé et dont le pinacle, "Momento" et "Vermilion", nécessite une bonne dose d'ambiances chthoniennes. Et à ce niveau, nous sommes plus que servi avec ce superbe album qu'est “Momento”! Dans les bacs le 19 Mai prochain!

Sylvain Lupari (13/05/2017)

mercredi 10 mai 2017

VARIOUS ARTISTS AD MUSIC: E-Scape 2017 (2017)

 “E-Scape 2017 is another great compilation of nice EM titles from artists who will perform at this mega festival of EM of which it's possible to buy virtual tickets.Go indulge yourself”
1 Man and Machine (Glenn Main) 5:30
2 Dream Flight (David Wright & Carys) 13:02
3 Extropic Sound Configurations (Modulator ESP) 13:52
4 Spirit Escaping (Peter Challoner) 10:06
5 Rythme de Croisière (Broekhuis, Keller & Schönwälder) 16:20
6 Leftie (Modal Electronics 002 Demo) (Barry Neilsen) 6:22

7 System Six (ARC) 12:21

AD Music | AD191CD (CD/DDL 77:23) *****
(A great blend of EM from all Schools)
For a 3rd consecutive year, the staff of the English label of EM AD Music organizes the mega festival of electronic music; E-Scape. The artists featured this year are as much prestigious as on the last two years, as shown this other great compilation album of titles unedited and/or performed in concert which are offered by these artists. The previous 2 E-Scape albums overflowed of finds and this “E-Scape 2017” doesn't make exception with a good balance between good electronic rocks emblazoned of invigorating, heavy and minimalist rhythms as well as landscapes of lunar atmospheres and others more celestial where the harmonious side keeps its special place, as in the tradition of the England School model.
The album begins with "
Man and Machine" from Glenn Main and his way to create some hyper contagious electronic rock anthems. The rhythm is heavy and lively. It swirls on good sequences, electronic percussions which make very Jarre as well as BOOM-BOOM pulsations which place the music between a solid techno for zombies and a very French School cosmic rock. The melody, a bit spectral, is superb and flows with a tone very near the Martenot waves. It's very good and we would all love that Jean Michel Jarre goes to this style which is between Daft Punk and the Chronology album. This is candy to my ears! Perfumed a lot from Carys' sighs, the introduction of "Dream Flight" puts down a very ethereal soundscape. The arpeggios fly lightly from almost everywhere and their unpredictable races crate delicate loops of rhythms which roll in circles through more bright and more harmonious arpeggios, as well as sequences which crawl sneakily. The first 4 minutes are flowing very quickly, so much that we are surprised by the downfall of the percussions which sets in motion at around 4:40 minutes. The rhythm is bumpy and a flute joins its charm to the delights of Carys whose moans reveal a veil of murmurs which play with our sense of hearing since a couple of minutes already. The rhythm will remain always delicate, even after a short ambiospherical phase towards the finale where the Carys/Wright tandem adds a little more techno vigor without really being swallow by this style. It's not at the height of the splendid Prophecy album, but we are not that far! During the 2 first editions of E-Scape, I had caught myself discovering the charms of the music of big names in the domain, Stephan Whitlan and Paul Ward, who had always escaped to my attention in the course of my discoveries in the wonderful universe of EM. This time, the superb attack of the energetic oscillations of Modulator ESP (Jez Creek) in "Extropic Sound Configurations" brought me back to the first foundations of the electronic music with a structure of minimalist rhythm which is use as base to Jez Creek's numerous acrobatic solos. These oscillations beat a pace which makes drum our fingers after a good 2 minutes of an ambiospherical landscape, rich in organic chirpings, which drift like the current of a sonic river. The synth adds sibylline ornaments with spectral lamentations stretched at the maximum. Oscillating loops are going mad after the point of 2 minutes by jostling in order to structure a pure electronic rhythm which rolls like a train through mountainous landscapes, altering its race and multiplying its charms. The perfumes of good old Tangerine Dream, in particular this undulatory rhythm, bursts from everywhere after the bar of 9 minutes. Very good!
I knew
Peter Challoner of name but I had never heard his music which was described to me as mainly ambient and improvised. Thus what wasn't my surprise to hear the very cheerful and contagious rhythm of "Spirit Escaping"! Agile electronic percussions, and their glints slamming like some elytron of metal, as well as crisscrossed movements of jumping sequences are structuring a dynamic rhythmic pace with oscillations which jump in all directions. Very harmonious, the synth throws its effects without forgetting to whistle harmonies which stay stick to our eardrums. Another strong title! Broekhuis, Keller and Schönwälder continues to amaze us by bonding here the longest title of this compilation which is literally worth its purchase price. "Rythme de Croisière" shows with color the spirit of its title with a long structure which keeps its calm with layers of voices which caress us like rays of sunshine among solos and harmonies from synths which exchange their sedative perfumes for an appearance of electronic guitar of which the solos are the equal of a cosmic blues. The layers of voices and these keyboard keys which ring like those of Rick Wright from Pink Floyd give a seraphic depth, so much that it's clearly in the continuity of the last opuses of the German trio. Barry Neilsen, whom I discovered in previous E-Scape 2016, returns back to us with another landscape of meditative atmospheres. "Leftie" is of a cosmic tenderness very difficult to describe so much the multiplication of the waves and of their impacts which are drawing a cosmic current in movement. It's very englobing and it's ideal to glide slowly in our inner mind away from others. I was looking forward to hear "System Six" from Mark Shreeve and interpreted by Arc during the Netherlands E-Live Festival, back in 2007. And no, I was not disappointed. Good old Shreeve played with the taste of today! I have nothing to add, except that it’s as good, very heavy even, than the version of 1983 from the Assassin album. Arc moreover will present a whole new set for this festival.
Like me, I suspect that many of you wouldn’t go to this 2017
E-Scape Festival which is held at Suffolk, situated on the east coast of England. Know that the organizers offer the possibility of hearing all the played music, in very good audio quality, by the purchase of a virtual ticket. A very good initiative for all the fans of EM from all over the world which should be followed by other organizers of festivals. One finds all the info on the web site of AD Music. In the meantime, there is always this superb compilation of the artists who will perform on Saturday May 13th. And no, I am not a sponsor of the event, but I like EM and there is some very beautiful on this “E-Scape 2017”. Just imagine this festival!

Sylvain Lupari (May 10th, 2017)
synth&sequences.com
This album will be available from May 13th on AD Music

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-

Pour une 3ième année consécutive, les dirigeants du label de MÉ Anglais AD Music organise le méga festival de musique électronique E-Scape. Les artistes présents cette année sont aussi prestigieux que les deux dernières années, comme le démontre cet autre très bel album compilation de titres inédits et/ou performés en concert qui sont offerts par ces artistes. Les 2 précédents albums E-Scape débordaient de trouvailles et ce “E-Scape 2017” ne fait pas exception avec une belle balance entre du bon rock électronique armorié de rythmes vivifiants, lourds et minimalistes ainsi que des paysages d'ambiances lunaires et d'autres plus célestes où le côté harmonique conserve sa place de choix, comme dans la tradition du modèle de la England School.
L'album commence avec "Man and Machine" de Glenn Main et son rock électronique hyper contagieux. Le rythme est lourd et entraînant. Il tournoie sur de bonnes séquences, des percussions électroniques qui font très Jarre ainsi que des pulsations BOUM BOUM qui situent la musique entre un techno pour zombies et un rock cosmique très French School. La mélodie, un brin spectral, est superbe et coule avec une tonalité très près des Ondes Martenot. C'est très bon et on aimerait tous cela que Jean Michel Jarre se dirige vers ce style qui est à la croisée de celui de Daft Punk et l'album Chronologie. Du bonbon pour mes oreilles! Parfumé des soupirs de Carys, l'introduction de "Dream Flight" dépose un paysage sonique très éthéré. Des arpèges volètent un peu partout et leurs courses aléatoires forgent de délicates boucles de rythmes qui roulent dans le cercles d'arpèges plus lumineux et plus harmoniques, de même que des séquences qui rampent sournoisement. Les 4 premières minutes coulent très vite, tant que l'on est surpris par la débâcle des percussions qui se met en branle autour des 4:40 minutes. Le rythme est saccadé et une flûte appose son charme aux délices de Carys dont les soupirs révèlent une ligne de murmures qui chicotent notre ouïe depuis une couple de minutes déjà. Le rythme restera toujours délicat, même après un court moment ambiosphérique vers la finale où le tandem Carys/Wright ajoute un peu plus de vigueur techno sans véritablement mangé de ce pain. Ce n'est pas à la hauteur du superbe Prophecy, mais nous n'en sommes pas si loin! Lors des 2 premières éditions de E-Scape, je m'étais surpris à découvrir les charmes de la musique de grands noms dans le domaine, Stephan Whitlan et Paul Ward, qui m'avaient toujours échappé au fil de mes découvertes dans le merveilleux univers de la MÉ. Cette fois-ci, la superbe attaque des furieuses oscillations de Modulator ESP (Jez Creek) dans "Extropic Sound Configurations" m'a ramené aux fondements premiers de la musique électronique avec une structure de rythme minimaliste qui sert de base aux nombreux solos acrobatiques de Jez Creek. Ces oscillations battent une mesure qui fait tambouriner les doigts après un bon 2 minutes d'un paysage ambiosphérique riche en pépiements organiques qui coulent comme le flux d'une rivière sonique. Le synthé ajoute des ornements sibyllins avec des lamentations spectrales étirées au maximum. Les boucles oscillatrices piaffent d'impatience après la barre des 2 minutes en se bousculant afin de structurer un rythme électronique pur qui roule comme un train à travers des paysages montagneux, altérant sa course et multipliant ses charmes. Les parfums d'un bon vieux Tangerine Dream, notamment ce rythme ondulatoire, éclate de partout après la barre des 9 minutes. Très bon!
Je connaissais Peter Challoner de nom mais je n'avais jamais croisé sa musique que l'on me décrivait comme majoritairement ambiante et improvisée. Donc quelle ne fut pas ma surprise d'entendre le rythme très enjoué et contagieux de "Spirit Escaping"! Des percussions électroniques agiles, et leurs reflets claquants comme des élytres de métal, ainsi que des mouvements entrecroisés de séquences bondissantes structurent une rythmique dynamique avec des oscillations qui sautent dans tous les sens. Très harmonieux, le synthé lance ses effets en ne ménageant jamais de siffloter des harmonies qui collent aux tympans. Un autre très bon morceau! Broekhuis, Keller and Schönwälder continue d'étonner en nous collant le plus long titre de cette compilation qui vaut littéralement son prix d'achat. "Rythme de Croisière" affiche avec couleur l'esprit de son titre avec une longue structure qui garde son calme avec des nappes de voix qui nous caressent comme les rayons de soleil parmi les solos et les harmonies de synthés qui troquent leurs parfums sédatifs pour une apparence de guitare électronique dont les solos sont l'égaux d'un blues cosmique. Les nappes de voix et ces accords de clavier qui sonnent comme ceux de Rick Wright de Pink Floyd donnent une profondeur séraphique à ce titre qui est clairement dans la continuité des derniers opus du trio Allemand. Barry Neilsen, que j'ai découvert dans le précédent E-Scape 2016, nous revient avec un autre paysage d'ambiances méditatives. "Leftie" est d'une tendresse cosmique difficilement descriptive tant la multiplication des ondes et leurs impacts qui dessinent un courant cosmique en mouvement. C'est très enveloppant et c'est idéal pour planer doucement à l'écart des autres. J'avais hâte d'entendre "System Six" de Mark Shreeve et interprété par Arc lors du E-Live Festival à Netherlands en 2007. Et non, je n'ai pas été déçu. Du bon vieux Shreeve joué à la saveur d'aujourd'hui! Je n’ai rien à rajouter, sauf que c'est aussi bon, très lourd même, qu'à l’époque. Arc d'ailleurs présentera du tout nouveau matériel pour ce festival.
Comme moi, vous ne pouvez pas aller au E-Scape Festival de 2017? Sachez que les organisateurs offrent la possibilité d'entendre toute la musique jouée, en très bonne qualité audio, par l'achat d'un ticket virtuel. Une très bonne initiative pour tous les fans de MÉ à la grandeur de notre planète qui devrait être suivie par d'autres organisateurs de festivals. On s'informe sur le site Internet de
AD Music. En attendant, il y a toujours cette superbe compilation des artistes qui performeront le 13 Mai. Et non, je ne commandite pas l'évènement, mais j'aime la MÉ et il y en a de la très belle ici!
Sylvain Lupari (10/05/2017)