samedi 29 juin 2019

ALBA ECSTASY: Albastru Infinit Vol. 4

“What we have here is possibly the best opus of this very audacious bet from Alba Ecstasy”
 Read the whole review here: AI Vol. 4

“Ce que nous avons ici est possiblement le meilleur opus de cet audacieux pari d'Alba Ecstasy”
Lisez la chronique ici: AIVol 4

New Synth&Sequences HERE

jeudi 27 juin 2019

SVERRE KNUT JOHANSEN: Precambrian (2019)

“A great texture of tones in a complex work makes of Precambrian an album not so easy to tame but which deserves that we give it chances to go deep into this little masterpiece” 

Read the review here: Precambrian

Une belle texture de tons dans un travail complexe fait de Precambrian un album difficile à apprivoiser mais qui mérite que nous lui donnions la chance d'aller au fond de ce petit chef-d'œuvre Lire la chronique ici: Precambrian This Blog is Moving slowly here: SynthSequences

dimanche 23 juin 2019

RENE de BAKKER: Our Gift (2019)

“The universe of Our Gift is a cross between that of Chris Franke, at the peak of his art, and Software with of course perfumes of Tangerine Dream and even of Jean-Michel Jarre” REVIEW HERE: Our Gift

CHRONIQUE ICI: Our Gift “L'univers de Our Gift est un croisement entre celui de Chris Franke, au sommet de son art, et Software avec bien sûr des parfums de Tangerine Dream et même de Jean-Michel Jarre” SYNTH & SEQUENCES.COM (Still under construction :-)

samedi 22 juin 2019

REMY: Planet of the ARPS (2019)

“A slow ambient beat which grows up until you get simply crazy and then explodes like the best moments of DSOTM! That's probably the best album in 2019 that we have here” 

REVIEW HERE: Planet of the Arps
CHRONIQUE ICI: Planet of the Arps


vendredi 21 juin 2019

PERCEPTUAL DEFENCE: Changing Images (2019)

“In a train which travels to Phaedra to nowadays, Changing Images proposes evolving sequencing soundscapes in a progressive Berlin School style”

REVIEW HERE: Changing Images

“À bord d'un train qui voyage de la gare Phaedra à aujourd'hui, Changing Images propose des paysages séquencés évolutifs dans un style Berlin School progressif”

CHRONIQUE ICI: Changing Images

dimanche 16 juin 2019

LAMBERT: Dimensions of Dreams (Remastered) (2019)

“This is a very good remaster that should please Lambert's fans and if you don't own this must-have post Berlin School jewel, it''s time to get Dimensions of Dreams”
1 Impetus 6:00
2 Trance Journey 13:47
3 Immersion 10:34
4 Translook 11:06
5 Train of Impressions 10:29
6 Distance 7:14
7 Maelstrom 5:28
8 Two Worlds 5:03
9 Yonohamo 3:43

10 Return 6:33
Spheric Music SMCD 1003 R (CD 79:58)

samedi 15 juin 2019

FRANK AYERS: Footnotes (2019)

“Footnotes is splendid journey through times where we find ourselves in the late 60' and early 70's with tones coming from different sci-fi themes or new synth music”
1 Tycho Conspiracy Part 1 5:32
2 Tycho Conspiracy Part 2 6:18
3 Down to Enceladus 8:05
4 The Love Capsule 3:26
5 Exit From Clark’s Belt 7:40
6 Tycho Conspiracy Part 3 6:51
7 The Clouds of Titan 5:08
8 Enter The Solar Winds 4:03

9 Fra Mauro 3:00
Frank Ayers Music (CD 50:08)

jeudi 13 juin 2019

RUDOLF HEIMANN: Die Unendlichkeit Des Augenblicks (2019)

“Divided in 2 parts, this last album from Rudolf Heimann has a 37 minutes of pure and great Berlin School that is worth the 32 minutes of audio-book”
1 Wem Die Stunde Schlägt 6:53
2 Ad infinitum 3:34
3 Monolith 3:57
4 Vanitas 7:49
5 Niemand Kennt Zeit Noch Stunde 4:54
6 Ewigkeit 9:31

7 Rede Des Toten Christus Vom Weltgebäude Herab, Dass Kein Gott Sei 32:02

mardi 11 juin 2019

OWANN: State of Mind (2019)

“State of Mind is a beautiful opus that is in the continuity of Particles and Eternal Return with an almost perfect balance between ambient melodious phases and soft wequenced beats”

1 The time is Now 8:12
2 Serenity 4:24
3 Dawn of a New Day 7:04
4 A Sacred Place 6:32
5 Nebula 6:32
6 Evendim 7:16
7 Varanasi 6:32

8 The Blue Planet 12:37

lundi 10 juin 2019


“NIKO is a soft musical, harmonious and a very nice to hear album with a New Age scent that I will listen certainly when my senses seek a quay for appeasement”
1 The Journey Starts 8:11
2 The Arrival and Discoveries 3:20
3 The First Day (Morning and Night) 5:52
4 Dancing in the Woods 2:27
5 Mary Alone 5:54
6 Encounters 6:12
7 Friend and Enemy 2:47
8 The Cave 5:43
9 The Last Day 4:54

10 Goodbye and Back Home 12:54
Groove | GR-272 (CD 58:17)
(New Age, Oldfield style)
  **Chronique en français plus bas**
When he sent me this album, Frank had written; it's a whole new sound, a new style for me. And he was absolutely right! NIKO is just a name which that doesn't mean anything, as it can say everything. It can mean a moment of overwhelming sadness, like an astral journey. For Frank Dorritke, it's almost 60 minutes of dreams full of hope and happiness. Like its opposite, almost an hour of fear and sadness. And this bipolar side is extremely well felt in the first concept album of the German musician. It's a soundtrack for the mind with our imagination as a cinematographic projector. In fact, FD Project actually surfs on a movie music! The arrangements are meant for this purpose, with atmospheres sometimes folkloric and sometimes medieval reminiscent of the music of Games of Thrones, such as that of The Lord of the Ring. But even if Frank wanted to offer a unique album, it remains that the imprint of Mike Oldfield, the motor of his influences and creativity of the rocky guitarist, blows over NIKO's 10 tracks.
"The Journey Starts" with a strange musical alarm clock. An acoustic guitar and castanets effects adorn an introduction in ballad mode. The falling drums give a rockier impulse to an introductory track which is built on the exchanges between an acoustic six-string and a piano. Note, don't search the riffs and solos of the electric guitar! Since this instrument is totally absent on this album which has a more bucolic and acoustic vision, than electronic. The style is light with a lively rhythm. The synth is present behind this acoustic duel with chirps and some good solos. The arrangements are quite penetrating with Elvish voice effects that merge into the harmonies of the synth and its solos. "The Arrival and Discoveries" is an intense title with big percussions, kind of those stimulating ones for rowers in the dragon-boats, and a rain of staccatos by violins hidden in the interstices of the synth. The vision is pretty cinematic with good arrangements. Between Oldfield and Gandalf of the 90's! Each title is linked in a long mosaic of 57 minutes, and it's without knowing that we have just left "The Arrival and Discoveries" that "The First Day (Morning and Night)" clings to our ears with a slow pace which is nurtured by acoustic six-string's riffs and percussions throwers of vaporous jets. The orchestrations have an arabic scents. In short, a cute track which savors an electronic portion with a circular effect slightly stroboscopic and a bass line, perhaps the sequencer, which gurgles and croaks. The Elvish choir adds at the seraphic decor. "Dancing in the Woods" rooted this vision of Mike Oldfield's album with an astonishing folkloric approach that can be likened to a party in the land of Hobbits. Violin, acoustic guitar and bass drums stimulate a popular dance on a balmy summer evening in the land of Bilbo Baggins.
Soft and sentimental, "Mary Alone" is another ballad which drags the bindle of its light rhythm between more ambient phases. Its intro develops slowly with a synth which whistles some nice floating harmonies. The chimes that tinkle in the background are as harmonic as the synth. The percussions structure a kind of hyper-melodious up-tempo with a cello at the troll. The music embraces an ambient phase where a guitar sculpts a melody caressed by shadows of violins. And hop! The rhythm becomes again charmer and all nice after this short dream phase. Weeping violin on waves and synth swirls blown by a strange beast, "Encounters" hides a very electronic approach behind the catchy chords of the six-string acoustic. The sequencer sculpts a stationary rhythm which moves with the tuning of percussions, a good bass line and riffs which became catchier. The music becomes a dynamic ballad with good electronic arrangements. "Friend and Enemy" follows with this Oldfield's folklore vision. Violin of yesteryear and virginal choir unite lightness and harmony before the path of war opens with big percussions that thunder under the ominous shades of the synth and a burst of staccatos. It's in the medieval, genre Games of Thrones. The first 3 minutes of "The Cave" are drawn from the ambient territories. First, a series of jingles and a thoughtful piano. Shadows of the synth weave a dark decor with silent breezes. The piano notes encourage the mood to become more intense until the percussions get it out of its torpor, after 3 minutes. A brief, catchy ballad follows. "The Last Day" offers an Arab tribal vision with tam-tams which activate a stationary rhythm. The synth offers here a pleasant melody weaver of earworm with a sharpness tone. And, like the vast majority of titles in NIKO, the structure changes direction to become more intense, livelier while maintaining the very harmonious approach of the synth. The music really reflects the spirit of the title. "Goodbye and Back Home" ends this odyssey in our imaginations with chirping of birds and Elvish voices in a tropical setting. An acoustic guitar lays down its notes which get coil to this voice so seraphic, and this synth coming from nowhere and its dreamy song. Layers of fiddles obscure the decor with lazy flights. This introduction is in the Mike Oldfield mold and The Songs of Distant Earth. We are in New Age all that is more melodious with a subtle and catchy rhythm, like good pop without a song on it. The second part is more daring with an electronic approach nuanced by a shade of Jazz.
What to think of this NIKO from FD Project? Well, I will be honest; it's a very harmonious album that has this Oldfield's New Age soul from his Warner era albums. There is no place for Berlin School style here. No sequencer, or very little! His electric guitar is completely absent, no big thunderous solos, or heavy riffs that cut out your emotions. It's musical, harmonious and it's very nice to hear. In short, a New Age opus that I will listen certainly when my senses seek a quay for appeasement.
Sylvain Lupari (June 9th, 2019) ***½**
Available at Groove
                                         CHRONIQUE en FRANÇAIS

Lorsqu'il m'a fait parvenir cet album, Frank avait écrit; c'est un tout nouveau son, un nouveau style pour moi. Et il avait entièrement raison! NIKO est juste un nom qui ne veut rien dire, comme il peut tout dire. Ça peut signifier un moment de tristesse accablante comme un voyage astral. Pour Frank Dorritke, c'est près de 60 minutes de rêves plein d'espoir et de bonheur. Comme son contraire, soit près d'une heure de crainte et de tristesse. Et ce côté bipolaire est extrêmement bien sentie dans le premier album concept du musicien Allemand. C'est une bande sonore pour l'esprit avec notre imagination comme projecteur cinématographique. En fait, FD Project surf réellement sur une musique de film! Les arrangements sont destinés à cette fin, avec des ambiances tantôt folkloriques et parfois médiévales qui rappellent la musique de Games of Thrones, comme celle de The Lord of the Ring. Mais même si Frank voulait offrir un album unique, il reste que l'empreinte de Mike Oldfield, le moteur d'influences et de créativité du bouillant guitariste, respire sur les 10 titres de NIKO.
"The Journey Starts" avec un étrange réveille-matin très musical. Une guitare acoustique et des effets de castagnettes ornent une introduction en mode ballade. Les percussions qui tombent donnent un élan plus rock à un titre introductif construit sur des échanges entre une six-cordes acoustique et un piano. Fait à noter, ne chercher pas les riffs et solos de la guitare électrique, puisque cet instrument est totalement absent dans cet album qui a une vision plus bucolique et acoustique, qu'électronique. Le style est léger avec un rythme entraînant. Le synthé est présent derrière ce duel acoustique avec des pépiements et quelques bons solos. Les arrangements sont assez pénétrants avec des effets de voix Elfiques qui se fondent dans les harmonies du synthé et de ses solos. "The Arrival and Discoveries" est un titre intense avec de grosses percussions, genre stimulantes pour rameurs dans les bateaux-dragons, et une pluie de staccatos par des violons cachés dans les interstices du synthé. La vision est assez cinématographique avec de bons arrangements. Entre du Oldfield et un Gandalf des années 90! Chaque titre s'enchaîne en une longue mosaïque de 57 minutes et c’est sans savoir que nous venons de quitter "The Arrival and Discoveries" que "The First Day (Morning and Night)" s'accroche à nos oreilles avec un rythme lent qui est nourrie de riffs de la six-cordes acoustique et de percussions lanceurs de jets de vapeurs. Les orchestrations ont un teint arabique. Bref un titre mignon qui savoure une portion électronique avec un effet circulaire légèrement stroboscopique et une ligne de basse, peut-être du séquenceur, qui gargouille et croasse. La chorale Elfique ajoute au décor séraphique. "Dancing in the Woods" enracine cette vision d'un album de Mike Oldfield avec une étonnante approche folklorique qui peut s'apparenter à une fête dans le contrée des Hobbits. Violon, guitare acoustique et caisson grave stimule une danse populaire par un doux soir d'été dans la contrée de Bilbon Sacquet.
Doux et sentimental, "Mary Alone" est une autre ballade qui traine le baluchon de son rythme léger entre des phases plus ambiantes. Son intro se développe lentement avec un synthé qui siffle de belles harmonies flottantes. Les carillons qui tintent dans le décor sont aussi harmoniques que le synthé. Les percussions structurent un genre d'up-tempo hyper mélodieux avec un violoncelle à la traine. La musique embrasse une phase ambiante où une guitare sculpte une mélodie caressée par des ombres de violons. Et hop! Le rythme redevient charmeur et tout gentil après cette courte phase onirique. Violon pleurnicheur sur des vagues et remous de synthé soufflés par une bête étrange, "Encounters" cache une approche très électronique derrière les accords entraînants de la six-cordes acoustique. Le séquenceur sculpte un rythme stationnaire qui bouge avec l'accord des percussions, d'une bonne ligne de basse et des riffs devenus plus entraînants. La musique devient une ballade dynamique avec de bons arrangements électroniques. "Friend and Enemy" suit avec cette vision folklorique à la Oldfield. Violon d'antan et chorale virginale unisse légèreté et harmonie avant que le sentier de la guerre s'ouvre avec de grosse percussions qui tonnent sous des ombres sinistres du synthé et une salve de staccatos. Ça fait dans le médiéval, genre Games of Thrones. Les 3 premières minutes de "The Cave" sont puisées dans les territoires ambiants. Tout d'abord, une série de tintements et un piano pensif. Des ombres du synthé tissent un décor sombre avec des brises silencieuses. Les notes de piano incitent les ambiances à devenir plus intenses jusqu'à ce que des percussions sortent le titre de sa torpeur au bout de 3 minutes. S'ensuit une brève ballade entraînante. "The Last Day" offre une vision tribale arabique avec des tam-tams qui activent un rythme stationnaire. Le synthé offre ici une agréable mélodie tisseuse de ver-d'oreille avec une tonalité acuité. Et comme la très grande majorité des titres dans NIKO, la structure change de direction pour devenir plus intense, plus animée tout en conservant l'approche très harmonieuse du synthé. La musique reflète vraiment l'esprit du titre. "Goodbye and Back Home" termine cette odyssée dans nos imaginations avec des pépiements d'oiseaux et une voix Elfique dans un décor tropical. Une guitare acoustique couche ses notes qui se lovent à cette voix si séraphique et à ce synthé venu de nulle part et de son chant onirique. Des nappes de violons viennent obscurcirent le décor avec des envolées paresseuses. Cette introduction est dans le moule Mike Oldfield et The Songs of Distant Earth. On est dans du New Age tout ce qu'il y a de mélodieux avec une rythmique souple et entraînante, comme du bon pop sans chansons dessus. La 2ième partie est plus audacieuse avec une approche électronique nuancée par une teinte de Jazz.
Que penser de ce NIKO de FD Project? Bien, je vais être honnête; c'est un album très harmonieux qui a cette âme de New Age à la Oldfield et ses albums de la période Warner. Il n'y a pas de place pour la MÉ de style Berlin School. Pas de séquenceur, ou très peu! Sa guitare électrique étant tout à fait absente, pas de gros solos tonitruants, ni de lourds riffs qui vous découpent les sens. C'est musical, harmonieux et ça s'écoute très bien. Bref, du New Age que je vais écouter certainement lorsque mes sens chercheront un quai d'apaisement.

Sylvain Lupari 09/06/19

samedi 8 juin 2019

ERIC G: Piezolake (2019)

 “This is an album of Cosmic Rock that should appeal to fans of Jean-Michel Jarre, Space Art and Thierry Fervant”
1 Drain of Methane 6:48
2 Piezo 2:57
3 Thoughts Around the Sun 13:21
4 Crystal Pines 5:02
5 Sophona 8:45
6 Time - Space 11:40

7 Desert Flyer (Moonmusik 3) 7:48
Eric G Music (DDL 56:25)
(Cosmic Rock, French School)

  **Chronique en français plus bas**

The REVIEW is here now

jeudi 6 juin 2019

CONCEPT DEVICES: Conceptus Fabrica (2019)

“Conceptus Fabrica is this kind of opus where an approach a bit experimental flirts agreeably with the scents of analog Berlin School”
1 Templar Knight 18:07
2 A Touch of Velvet 3:37
3 The Trail 10:15
4 All Seeing Eye 9:09
5 The Chinon Parchment 7:28

6 Knights Keep 24:04
Groove | GR-269 (CD 72:40)
(Experimental with a touch of Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
This one won't be easy! Concept Devices is the project of Martyn Greenwood, a trained bassist who has become an addict to analog synthesizers. He is also one of those underground musicians, on the dark side of the EM, who is like a little fish in his ocean when he is in an improvisation session. CONCEPTUS FABRICA is a second opus for this English musician who also offers on his site Bandcamp a series of EP recorded during these multiple improvised sonic expeditions. And this time it's serious! Produced and distributed by the Groove label, we are not here in the realm of the Berlin School, except on a few occasions, but rather on the dark side of the EM.
Small hesitant riffs succeed each other in a jolted line, while the keyboard extends more musical chords. It's with a pleasant melody that "Templar Knight" infiltrates our ears. The riffs always try to stretch their presences and the disorder settles with a swarm of effects and keys which roll and wrap together in a setting where an organ blows hot and cold. Experimentation or melody! It's rather a hypnotic movement of the sequencer that surfaces with a jumping structure which makes roll its oscillations with more fluidity than many elements in the scenery. The experimental ambiences fade to reborn in other forms of tones, always in contrast with this structure à la Philip Glass which continues to flicker by flirting with anesthetic layers and frolicking with some elements of "Templar Knight" sound fauna. The rhythmic ammunition gradually fades away, revealing a line of hasty pulsations that jump quickly and bring back the rhythmic framework for a last dance. "A Touch of Velvet" is a short ambient title with textured layers around astral hums. The sonic surges exploit different tones of the synthesizers with semicircles, loops and pads as well as riffs which glue together and intertwine in the same heap. At times, I hear of Robert Fripp and his genesis of Exposure. A two-parts title, "The Trail" follows with a musical wave from the interstellar West. It lays down a beautiful musicality which serves as a lair for two lines of the sequencer jumping in symbiosis with a nuance in the alternation, giving a preponderance to a more limpid hopping movement. Ambient, but not too much, the structure advances and extends its charm with the complicity of a synth, perhaps even a Mellotron, which weaves a beautiful melodious soporific approach. Is it a Michael Rother guitar that I hear after the 4 minutes? Possible, but from this moment "The Trail" acquires a more intense phase with a bass pulsation that shakes its musicality. Everything shifts after 5 minutes! The sound fauna takes on a more experimental attitude, like a good psybient at the edge of a nerve crisis, with a line of sequences flowing like the sounds of an oscillating water leak.
"All Seeing Eye" also develops these ballets of tones which turn into choreographies amputated of its most graceful movements. The lines of sound rotate in circles or juxtapose with different degrees of harmony. Layers get insert and act like morose and melancholic synth tears in this mass of sequences and arpeggios, while a stairway of sounds gravitates towards a Babel tower where everything is heard but nothing communicates nor get in harmonies. "The Chinon Parchment" is good for our ears, not too badly treat so far, with what I consider the little pearl of CONCEPTUS FABRICA. A synth raises an azure wave where is born its multiple of two, with two contrasting tones. These lines give a sound luster of the analog years. And when the sequencer sculpts and releases this stealthy movement in its rhythmic structure, the whole thing adds more warmth with vibrating waves which blow a surreal harmony to our ears. It's after this moment, a little before the 3 minutes, that the most beautiful principle of sequenced rhythm in this album begins to sparkle, even to sing, between our ears. This magnetizing rhythm evolves into a well managed tumult that leaves all the charms to the sequencer. A good title that rewards our auditory curiosity! Curiosity because "Knights Keep" is the very principle of beginning a sonic exploration, as it's also the principle that we must at least hear one or two times, or even more (me it was three), before making a judgment on a musical act. What I initially considered to be a mass of sounds has become an ever-compact sound mass, nourished mainly by the effect of reverberations of a primary line and of its reflections, which get multiplied by small waves. There shines a delicate melody born from a fusion between an organ and a harpsichord that weaves its repetitive loops in this magma of tones animated by muted impulses. This sound mass advances as a threat to the point of 10 minutes, where a line of the sequencer works on its waving. This movement becomes like a crazy dog whose enthusiasm constantly changes its direction and moods, giving to "Knights Keep" a final that ultimately respects the outlines of a daring album which certainly worth to be discovered.
Sylvain Lupari (June 6th, 2019) ***½**
Available at Groove
                              CHRONIQUE en FRANÇAIS                           

Celle-là! Ne sera pas facile. Concept Devices est le projet de Martyn Greenwood, un bassiste de formation qui est devenu un accro des synthétiseurs analogues. C'est aussi un de ces musiciens issus du milieu underground, du côté obscur de la MÉ, qui est comme un petit poisson dans son océan lorsqu'il est en session d'improvisation. CONCEPTUS FABRICA est un 2ième opus pour ce musicien Anglais qui propose aussi sur son site Bandcamp une série de EP enregistrés lors de ces multiples expéditions soniques improvisées. Et cette fois-ci c'est sérieux! Produit et distribué par le label Groove, nous ne sommes pas pour autant ici dans le royaume de la Berlin School, sauf à quelques occasions, mais plutôt du côté obscur de la MÉ.
Des petits riffs hésitants se succèdent en saccade, alors que le clavier étend des accords plus musicaux. C'est avec une agréable mélodie que "Templar Knight" infiltre nos oreilles. Les riffs cherchent toujours à étirer leurs présences et le désordre s'installe avec une nuée d'effets et de notes qui roulent et s'enroulent dans un décor où un orgue souffle le chaud et le froid. Expérimentation ou mélodie! C'est plutôt un mouvement hypnotique du séquenceur qui fait surface avec une structure sautillante qui fait rouler ses oscillations avec plus de fluidité que bien des éléments dans le décor. Les ambiances expérimentales s'effacent pour renaître sous d'autres formes de tons, toujours en contraste avec cette structure à la Philip Glass qui continue de scintiller en flirtant avec des nappes anesthésiantes et en gambadant avec certains éléments de la faune sonore de "Templar Knight". Les munitions rythmiques s'amenuisent peu à peu, dévoilant une ligne de pulsations hâtives qui sautillent vivement et ramène l'ossature rythmique pour une dernière danse. "A Touch of Velvet" est un court titre ambient avec des nappes texturées autour de fredonnements astraux. Les envolées sonores exploitent différentes tonalités du synthétiseurs avec des demi-cercles, des boucles et des pads ainsi que des riffs qui s'agglutinent et s'enlacent dans un même amas. Par moments j'entends du Robert Fripp et sa genèse d'Exposure. Un titre en deux temps, "The Trail" suit avec une onde musicale venue de l'Ouest interstellaire. Elle couche une belle musicalité qui sert de repaire à deux lignes du séquenceur sautillant en symbiose avec une nuance dans l'alternance, donnant ainsi une prépondérance à un mouvement caracolant plus limpide. Ambiante, mais pas trop, la structure avance et étend son charme avec la complicité d'un synthé, peut-être même un Mellotron, qui tisse une belle approche mélodieuse soporifique. Est-ce une guitare à la Michael Rother que j'entends après les 4 minutes?  Possible, mais dès cet instant "The Trail" acquiert une phase plus intense avec une basse pulsation qui fait trembler sa musicalité. Tout bascule après les 5 minutes! La faune sonore revêt une attitude plus expérimentale, genre du bon psybient au bord d'une crise de nerfs, avec une ligne de séquences qui coule comme les bruits oscillatoires d'une fuite d’eau.
"All Seeing Eye" développe aussi ces ballets de tonalités qui tournent dans des chorégraphies amputées de ses mouvements les plus gracieux. Les lignes de sons tournent en cercles ou se juxtaposent avec différents degrés d'harmonies. Des strates s'insèrent comme des larmes de synthé moroses et mélancoliques dans cette masse de séquences et d'arpèges, alors que des escaliers de sons gravitent une tour de Babel où tout s'entend mais rien ne communique ni n'est d'harmonies. "The Chinon Parchment" fait du bien à nos oreilles, pas trop mises à mal jusqu'ici, avec ce que je considère comme la petite perle de CONCEPTUS FABRICA. Un synthé soulève une onde azurée où nait son multiple de deux, avec deux tonalités contrastantes. Le métissage donne un lustre sonore des années analogues. Et lorsque le séquenceur sculpte et libère ce mouvement furtif dans sa structure rythmique, l'emballage ajoute plus de chaleur avec des ondes vibrantes qui soufflent une harmonie surréaliste à nos oreilles. C'est après cet instant, soit un peu avant les 3 minutes, que le plus beau principe de rythme séquencé dans cet album se met à scintiller, voire chanter, entre nos oreilles. Ce rythme magnétisant évolue dans un tumulte bien géré et qui laisse tout le charme au séquenceur. Un très beau titre qui récompense notre curiosité auditive! Curiosité parce que "Knights Keep" est le principe même de partir à une exploration sonore, comme est aussi le principe qu'il faut au moins écouter deux, voire même plus (moi ça été trois), avant de porter un jugement sur un acte sonore. Ce que je considérais au début comme un amas de sons est devenue une masse sonore toujours compacte et nourrie principalement par l'effet de réverbérations d'une ligne primaire et de ses réflexions qui se multiplient par petites vagues. Il y brille une délicate mélodie née d'une fusion entre un orgue et un clavecin qui tisse ses boucles répétitives dans ce magma de tons animé par de sourdes impulsions. Cette masse sonore avance comme une menace jusqu'au point des 10 minutes, là où une ligne du séquenceur marche sur ses ondoiements. Ce mouvement devient comme un chien fou dont l'enthousiasme change constamment sa direction et son humeur sonore, donnant à "Knights Keep" une finale qui respecte finalement les grandes lignes d'un album audacieux et qui gagne certainement à être découvert.

Sylvain Lupari 06/06/10

mardi 4 juin 2019

CHRIS RUSSELL: Presence (2019)

“This is for fans of Dark Ambient music where territories of fear and serenity are the purpose for strange musical phenomena's”
1 Amber Clouds 6:38
2 Dark Matter 6:24
3 Charon Base 6:04
4 Presence 16:24
5 Aphelion 8:06
6 Teide 1 8:38

7 Planemo Unfolding 16:04
Exosphere | exo08 (DDL 68:18)
(Dark Ambient)
  **Chronique en français plus bas**
After a last album on Spotted Peccary, Chris Russell carries his dark tales of spectral and astral mechanics in an opus rather difficult to tame, but in a sound fauna that can give shivers when a fragile balanced imagination defies it in the darkness. PRESENCE proposes a series of 7 titles of an unfathomable depth where the machines, like space monsters, dominate their habitat, like the first dinosaurs.
"Amber Clouds" begins this new chapter of Chris Russell with waves which drop cavernous breezes over an amusement park where one hears the rails of rollercoasters getting collide with crash. The moods are creepy, which doesn't prevent a seductive melody shear them with a ritornello that clings onto the ears. This melody rises above an industrial din and some hoarse, even threatening, breaths which gradually take back their rights submitted by the sculptor of American taciturn ambiences. The Dark Ambient is thick to cut at knife here, as in "Dark Matter" which hatches by sounds of a beehive buzzing of intensity. The sound masses agglutinate whereas staccato effects are roaming sneakily and are shaking the unfolding of the slices of ambiences. Obscure with a zest of sinister in its perfumes, "Dark Matter" is at the image of what we have about this matter with sounds that blow the enchantment like the fright, in particular in a 2nd part where the rails of "Amber Clouds "are even more lively and rowdy. The intro of "Charon Base" makes me think of the barking of Black Sabbath in E5150, the Mob Rules album. Instead of a loud Heavy Metal that shakes our ears, we instead have loads of heavy winds that crumble prismed particles while that sibylline breezes emit slightly intriguing songs. The finale plunges us into a black hole filled with hums that belong to the eye of an interstellar tornado.
The long title-piece is driven by roaring and hollow winds whose symbiosis results in a strange symphony of azure winds. Blowing in a bottle and waves that spread the wings of silence appear on the other side of "Presence" which introduces us into a long moment of serenity slightly jostled by the darker winds of its finale. For meditation or for a prelude to sleep! "Aphelion" returns with this feeling of tension felt around the gloomiest moods of PRESENCE. Garish layers tear out a panorama soaked of iconoclastic tones. The introductory elements of "Charon Base" return with more appetite for the paranormal and more voracity for the tympanums with dialogues between spectra, or these inhabitants of the Dark Matter, recluse in an industrial boiler about to explode. It's a mess in the bottom of this boiler that seems to connect to an Alien-controlled ship. The finale is more relaxing, but again the remains of the first 5 minutes are still menacing. "Teide 1" is the most melodious of the titles in PRESENCE with a piano that lays its pensive notes in an end-of-the-world setting. The metal is writhing, the sinister is crying, and the souls silenced while reaching for the door to another universe. In short, it's like a meeting between Nosferatu and Max Richter. "Planemo Unfolding" finishes Chris Russell's first album on Synphaera with a Bermuda Triangle winds storm that turns into metallurgical breezes, with a slight threatening passage, before returning to its original form. Borborygmus of insects and dull pulsations give a second wind to ambiences which sail on the transitory intensities of a music which can challenge this desire to listen it alone on the porch of darkness. And it's a bit much the story of PRESENCE.
Sylvain Lupari (June 4th, 2019) ***½**
Available at Exosphere's Bandcamp
                              CHRONIQUE en FRANÇAIS                           

Après un dernier album sur Spotted Peccary, Chris Russell transporte ses sombres contes de mécaniques spectrales et astrales dans un opus plutôt difficile à apprivoiser, mais d'une faune sonore qui peut donner des frissons lorsqu'une imagination fragile la défie dans les pénombres. PRESENCE propose une série de 7 titres d'une profondeur insondable où les machines, comme les monstres de l'espace, dominent leur habitat, comme les premiers dinosaures.
"Amber Clouds" débute ce nouveau chapitre de Chris Russell avec des ondes qui échappent des brises caverneuses au-dessus d'un parc d'amusements où l'on entend les rails des manèges s'entrechoquer avec fracas. Les ambiances sont glauques, ce qui n'empêche pas une séduisante mélodie les cisailler avec une ritournelle qui s'agrippe aux oreilles. Elle se lève au-dessus d'un tintamarre industriel et des souffles rauques, voire menaçants, qui reprennent peu à peu les droits soumis par le sculpteur d'ambiances taciturnes américain. Le Dark Ambient est à découper au couteau ici, comme dans "Dark Matter" qui éclot par des bruits d'une ruche bourdonnante d'intensité. Des masses sonores s'agglutinent alors que des effets de staccato rôdent sournoisement et secouent la propagation des vagues d'ambiances. Obscur avec un zest de sinistre dans ses parfums, "Dark Matter" est à l'image de ce que nous avons de cette matière avec des sons qui soufflent l'enchantement comme la frayeur, notamment dans une 2ième partie où les rails de "Amber Clouds" sont encore plus vivants et tapageurs. L'intro de "Charon Base" me fait penser aux aboiements de Black Sabbath dans E5150, Mob Rules. Au lieu d'un gros Heavy Métal qui secoue nos oreilles, nous avons plutôt des charges de vents lourds qui émiettent des particules prismiques alors que les brises sibyllines émettent des chants légèrement intrigants. La finale nous plonge dans un trou noir remplie de fredonnements qui appartiennent à l'œil d'une tornade interstellaire.
La longue pièce-titre est poussée par des mugissements et des vents creux dont la symbiose résulte en une étrange symphonie de vents azurés. Des soufflements dans une bouteille et des ondes qui étendent les ailes du silence apparaissent à l'autre versant de "Presence" qui nous introduit dans un long moment de sérénité légèrement bousculé par les vents plus sombres de sa finale. Pour méditation ou pour un prélude au sommeil! "Aphelion" revient avec cette sensation de tension que nous avons ressenti dans les moments les plus sombres de PRESENCE. Des strates criardes déchirent un panorama imbibé de tonalités iconoclastes. Les éléments introductifs de "Charon Base" reviennent avec plus d'appétit pour le paranormal et plus de voracité pour les tympans avec des dialogues entre spectres, ou ces habitants d'une matière noire, reclus dans une chaudière industrielle sur le point d'exploser. C'est la pagaille dans le fond de cette chaudière qui semble connecter à un vaisseau piloté par un Alien. La finale est plus reposante, mais encore là les vestiges des 5 premières minutes sont encore menaçantes. "Teide 1" est le plus mélodieux des titres dans PRESENCE avec un piano qui couche ses notes pensives dans un décor de fin du monde. Le métal se tord, le sinistre pleure et des âmes réduites au silence tendent les bras vers la porte d'un autre univers. Bref, c'est comme une rencontre entre Nosferatu et Max Richter. "Planemo Unfolding" termine ce premier album de Chris Russell sur Synphaera avec une tempête de vents du triangle des Bermudes qui se métamorphose en brises métallurgiques, avec un léger passage menaçant, avant de revenir dans sa forme originale. Des borborygmes d'insectes et des pulsations sourdes donnent un second souffle à des ambiances qui voguent sur les intensités passagères d'une musique qui peut challenger cette envie de l'écouter seul sur le portique des ténèbres. Et c'est un peu beaucoup l'histoire de PRESENCE.

Sylvain Lupari (04/06/19)

lundi 3 juin 2019

MARIA WARNER: Vernal Voyager (2019)

“The aficionados of fast sequencer-based style EM will be delight by this Vernal Voyager”

1 Momentum Mori 18:46
2 Vernal Voyager 26:58
Maria Warner Music (DDL 45:45)
(Fast sequenced Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
Like some of you, I was curious when I saw the name of Maria Warner appear fairly regularly in the news posted on Groove E-News which appears every Sunday. And it was after reading that a new album had just appeared, VERNAL VOYAGER, that I decided to push my investigation a little more. And I learned beautiful things! Maria Warner is the pen name of Michael Neil. And who is Michael Neil? Nothing less than Graham Getty's colleague for the Retrochet project! A veteran of the UK EM scene, Michael Neil has made himself known for his cosmic music since the late 80's. I didn't know him in this form, but rather with the excellent 3 volumes of Retrochet. Maria Warner is a project that was born as recently as last year with Omicron in a Cannabis Veil, an album tribute to Epsilon in Malaysian Pale from the great Edgar Froese. No less than 10 albums have also joined the discography of Maria Warner in a month only, March 2019, showing an immense creativity in a style which is close to Berlin School. Released last May, VERNAL VOYAGER which gets articulate essentially on two long minimalist titles which deploy lines of stormy and hyper-jerky sequences that are real ear's crusher.
An oblong buzzing synth wave invites the sequencer to drop a bumpy line on its bed of reverberations. The sequencer sputters in a portal of atmospheres filled of sound reflections and wraps itself from the heat of a synth became more ethereal. Bass pulsations resonate and the rhythm gets articulate more and more while the sonic sky of "Momentum Mori" is filled with dense and enveloping multilayers with brief solos which manage to introduce in. Clinking of metal wings are sparkling over this minimalist structure, and in the decor of this puny rhythmic skeleton intensifies its grip with Mellotron hums, voices layer and orchestral arrangements. In return, the electronic percussions tie in with this structure which gradually reverses the trend. It's from now on the sequencer and the electronic percussions which dominate the ambiences. If we can draw a parallel, especially in the second phase of "Momentum Mori", the sequencer refuses to give a fluidity to its structure, creating a kind of breakdance for sequencer and synthesizer. The approach therefore remains spasmodic with sharp twitches that carve a hopping and hobbling skeleton under synth pads spinning like sonic beams in a second part where the velocity has not only become the story of the rhythm.
It's with a lively, if not furious, movement of alternance in the keys thrown by the sequencer that the title-track begins its minimalist progression. Sound effects, like bugs in a video game, go through this first phase of rhythm where is already in another one which beats in the shadow of the initial line. Apart from the bizarre synth effects, the layers and pads, became sources of ambient riffs, adorn this convulsive procession where other gifts from the sequencer are still getting in. Imagine huge rhythmic and magnetizing spirographs that oscillate and spin around at great speed, and you have a good idea of the infernal rhythm that feed the vast majority of "Vernal Voyager". Loops of oscillating rhythms turn and turn, developing a refinement in the decor by adding more limpid keys and, later, even more vividly. There is a more flexible movement in this rhythmic setting, like those other brighter lines that come and go as our ears catch the shadows of Logos. This movement is simply astonishing, maybe even deafening. If this rhythm, still stationary by the way, is powerful, its decor is still dense with a vision to become more intense. Layers of synth and Mellotron drift with flute essences and hums of absent and slightly chthonic voices. The pace decreases a bit its rate around the 17 minutes. The sequencer gets isolated and throws lively lines with keys in fire which dance slightly and fidget quickly. Their limpid tones succeed one another ardently like a stream of white-water cascading on the points of rocks. I said it above; a real eardrum crusher!
Sylvain Lupari (June 3rd, 2019) ***½**
Available at Maria Warner's Bandcamp
                              CHRONIQUE en FRANÇAIS                           

Comme certains d'entre vous, j'étais bien curieux lorsque je voyais le nom de Maria Warner surgir assez régulièrement dans les nouveautés affichées sur le Groove E-News qui parait à tous les dimanches. Et c'est après avoir lu qu'un nouvel album venait de paraître, VERNAL VOYAGER, que j'ai décidé de pousser mon investigation un peu plus. Et j'ai appris de belles choses! Maria Warner est le nom-de-plume de Michael Neil. Et qui est Michael Neil? Rien de moins que le comparse de Graham Getty pour le projet Retrochet! Un vétéran de la scène de MÉ Anglaise, Michael Neil s'est fait connaître pour sa musique cosmique depuis la fin des années 80. Je ne l'ai pas connu dans cette forme, mais plutôt avec les excellents 3 volumes de Retrochet. Maria Warner est un projet qui a vu le jour pas plus tard que l'an dernier avec Omicron in a Cannabis Veil, un album hommage à Epsilon in Malaysian Pale du très grand Edgar Froese. Pas moins de 10 albums ont d'ailleurs rejoint la discographie de Maria Warner en un mois, Mars 2019, témoignant d'une immense créativité dans un créneau qui se rapproche de la Berlin School. Paru en Mai dernier, VERNAL VOYAGER s'articule essentiellement sur deux longs titres minimalistes qui déploient des lignes de séquences houleuses et hyper-saccadées et qui sont de vraies broyeurs de tympans.
Une oblongue onde bourdonnante invite le séquenceur à déposer une ligne cahoteuse sur son lit de réverbérations. Le séquenceur toussote dans un portail d'ambiances rempli de réflexions sonores et s'enveloppe de la chaleur d'un synthé devenu plus éthéré. Des basses pulsations résonnent et le rythme s'articule de plus en plus alors que le ciel sonique de "Momentum Mori" s'emplit de multicouches denses et enveloppantes avec de brefs solos qui réussissent à s'introduire. Des cliquetis d'élytre de métal pétillent sur cette structure minimaliste et le décor au-dessus du chétif squelette rythmique intensifie son emprise avec des fredonnements du Mellotron, des nappes de voix éteintes et des arrangements orchestraux. En contrepartie, des percussions électroniques s'arriment à cette structure qui peu à peu renverse la tendance. Ce sont maintenant le séquenceur et les percussions électroniques qui dominent les ambiances. Si l'on peut faire un parallèle, notamment dans la seconde phase de "Momentum Mori", le séquenceur refuse de donner une fluidité à sa structure, créant ainsi un genre de breakdance pour séquenceur et synthétiseur. L'approche reste donc spasmodique avec des secousses vives qui sculptent une ossature sautillant et boitillant sous des nappes de synthé tournoyant comme des phares soniques dans une 2ième partie où la vélocité n'est pas seulement devenue l'affaire du rythme.
C'est avec un vif, sinon furieux, mouvement d'alternance dans les ions jetés par le séquenceur que la pièce-titre amorce sa progression minimaliste. Des effets sonores, comme des bibittes dans un jeu vidéo, traversent cette première phase de rythme où s'est déjà introduit une autre qui bat dans l'ombre de la ligne initiale. Hormis les effets bizarroïdes du synthé, des nappes et des pads, devenus sources de riffs ambiants, ornent cette procession convulsive où s'insèrent encore d'autres cadeaux du séquenceur. Imaginer des immenses spirographes rythmiques et magnétisants qui oscillent et virent à vitesse grand V et vous avez une bonne idée du rythme infernal qui alimentent la très grande partie de "Vernal Voyager". Les boucles de rythmes oscillatrices tournent et tournent, développant un raffinement dans le décor en ajoutant des touches plus limpides et, plus tard, plus encore plus vives. On remarque un mouvement plus souple dans ce décor rythmique, comme ces autres lignes plus lumineuses qui vont et viennent alors que nos oreilles captent bien les ombres de Logos. Ce mouvement est tout simplement étourdissant. Si ce rythme, tout de même stationnaire, est puissant, son décor n'en demeure pas moins dense avec une vision pour devenir plus intense. Des nappes de synthé et de Mellotron dérivent avec des essences de flûtes et des fredonnements de voix absentes et légèrement chthoniennes. Le rythme diminue un peu sa cadence autour des 17 minutes. Le séquenceur est isolé et lance des lignes vivantes avec des ions de feu qui dansottent et gigotent vivement. Leurs tonalités limpides se succèdent ardemment comme un flux d'eau vive cascadant sur les pointes de roches. Je le disais plus haut; un vrai broyeur de tympans!

Sylvain Lupari 03/06/19

samedi 1 juin 2019

SYNDROMEDA: Last Days on Earth 69:37 (2006 - 2019)

“If you are a fan of Tangerine Dream and of Klaus Schulze, this reissue is worthty of discovering the universe of Danny Budts”
REVIEW HERE: Last Days on Earth

CHRONIQUE ICI: Last Days on Earth

Si on est fan de Tangerine Dream et de Klaus Schulze, cette réédition mérite la découverte de l'univers de Danny Budts.