mardi 30 avril 2019

JEAN-MARC LEDERMAN: Ode A La Pluie (2018)

“Ambient music with fragrances of abstract art music such as Brian Eno or some of Vangelis albums”
1 Ode à La Pluie 1 9:44
2 Ode à La Pluie 2 11:52
3 Ode à La Pluie 3 11:36
4 Ode à La Pluie 4 12:37

5 Ode à La Pluie 5 6:09
Wool-E Discs | WED052 (CD/DDL 51:59)
(Ambient music)
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  **Chronique en français plus bas**
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This is the reason why we must persevere and hear an album from beginning to end before wanting to dump it. ODE À LA PLUIE! Jean-Marc Lederman is a Belgian musician, mainly keyboardist and synthesist, who is involved in different spheres of musical creativity in Belgium. Producer and director for several New Age or Punk cult groups, he made a multitude of music for movies and video games in addition to collaborating with leading artists such as Alain Bashung, Front 242 and Karl Bartos, a former Kraftwerk. ODE À LA PLUIE is a 2nd solo album and it's mainly inspired by the poems and paintings of Erica Hinyot, his wife. Moreover, the music was composed to create the ambience for the evenings of poetry and vernissage of Erica Hinyot's paintings, and other artists, during exhibitions in the art gallery Peinture Fraîche. Abstract music? More or less! Between the dead sound natures of Brian Eno and those scattered sounds of Vangelis in Invisible Connexion, the music in ODE À LA PLUIE is divided into 5 parts and each has a deeply intimate minimalist character.
Here, the rain is personified by drops of glass that click on a soft grass. At times, these drops evaporate before touching the ground and their echo effects weave the romance aspect of "Ode à La Pluie 1". Synth pads and subtle perfumes of sonic fog fill the atmosphere for the less empty of this title. And, surprisingly, one finds a form of musicality in these atmospheres. Especially when these drops and tender fluty synth pads intertwine their breaths and echoes in some privileged moments. You can easily sleep there, but not before you have tasted the entire "Ode à La Pluie 1". And this applies for the other 4 sound chapters of ODE À LA PLUIE. Although too close to the silence of the night drizzle, "Ode à La Pluie 2" goes like this contactless wind with shadows of music drifting away. Our ears can perceive some ringing, or movements of inert mass, but the whole thing is so silent that we must open the volume in order to perceive these lifeless shadows. Lively and stimulant for the neurons, the music of "Ode à La Pluie 3" is more musical with different chords that fall into a choreography for ballerina alone with her thoughts. Fragile these tinkling chords and notes of a melodious piano are the accomplices of those who dared to continue the experiment beyond the first two parts. Certainly, it may seem long! But we must remember the goal, the idea behind ODE À LA PLUIE which is also a good partner to accompany our pre-sleep sessions. "Ode à La Pluie 4" follows with tones of Japanese koto that rolls its notes like luminous beads on a velvet blanket. At times, it rains notes while in other times, emptiness aspires them and we hear their shadows and echoes rolling in the oblivions. At times, the distant echo can play a ghost melody, but that belongs to our perception. "Ode à La Pluie 5" puts an end to this music for moods with synth pads to the colors of shadows waltzing and drifting, like a long horn swallowing the rain, the sonic drops and the sounds.
ODE À LA PLUIE is another achievement of the Belgian ambient and experimental electronic music label, Wool-E Discs. The adventure comes in a box set which includes the CD and a 32-page booklet of Erica Hinyot's paintings. Other effects accompany this box that is (or was) available in a limited edition of 100 boxes. Otherwise, you can find the album on the Belgian label's Bandcamp website.

Sylvain Lupari (April 29th, 2019) *****
Available at Wool-E Discs' Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Voilà pourquoi il faut persévérer et entendre un album jusqu'au bout avant de vouloir le foutre aux oubliettes. ODE À LA PLUIE! Jean-Marc Lederman est un musicien, principalement claviériste et synthésiste, Belge qui est impliqué dans les différentes sphères de créativité musicale en Belgique. Producteur et réalisateur pour plusieurs groupes culte New Age ou Punk, il a fait une multitude de musique pour films et jeux vidéo en plus de collaborer avec des artistes phares tel qu'Alain Bashung, Front 242 et Karl Bartos, un ex-Kraftwerk. ODE À LA PLUIE est un 2ième album solo qui s'inspire des poèmes et peintures de sa femme Erica Hinyot. D'ailleurs la musique a été composé afin de créer de l'ambiance pour les soirées de poésie et de vernissage des peintures d'Erica Hinyot, et autres artistes, lors des expositions à la galerie d'art Peinture Fraîche. Musique abstraite? Plus ou moins! Entre les natures sonores mortes de Brian Eno et ces sons éparpillés de Vangelis dans Invisible Connexion, la musique dans ODE À LA PLUIE est divisée en 5 parties et chacune possède un cachet minimaliste profondément intimiste.
Ici, la pluie est personnifiée par des gouttes de verre qui cliquètent sur une herbe molle. Par moments, ces gouttes s'évaporent avant de toucher le sol et leurs effets d’'écho tissent l'aspect romance de "Ode à La Pluie 1". Des pads de synthé et de subtils parfums de brume sonique remplissent les ambiances pour le moins vides de ce titre. Et, étonnement, on trouve une forme de musicalité dans ces ambiances. Surtout lorsque ces gouttes et les tendres coussins flûtés entrelacent souffles et échos dans des moments privilégiés. On peut aisément y dormir, mais pas avant d'en avoir dégusté l'entièreté de "Ode à La Pluie 1". Et cela s'applique pour les 4 autres chapitres sonores d'ODE À LA PLUIE. Quoique trop près du silence des bruines nocturnes, "Ode à La Pluie 2" passe comme ce vent sans contact avec des ombres de musique flottant à la dérive. Nos oreilles peuvent percevoir quelques tintements, ou des mouvements de masse inerte, mais le tout est tellement silencieux qu'il faut ouvrir le volume afin de percevoir ces ombres atones. Entraînante et stimulante pour les neurones, la musique de "Ode à La Pluie 3" est plus musicale avec différents accords qui tombent dans une chorégraphie pour ballerine seule avec ses pensées. Fragiles ces accords tintant et des notes d'un piano mélodieux sont les complices de ceux qui ont osé poursuivre l'expérience au-delà des deux premières parties. Certes, ça peut paraître long! Mais il faut se souvenir le but, l’idée derrière ODE À LA PLUIE qui est aussi un bon complice pour accompagner nos séances de pré-sommeil. "Ode à La Pluie 4" suit avec des tonalités de koto japonais qui fait rouler ses notes comme des billes lumineuses sur une couverture de velours. Par moments, il pleut des notes alors qu'en d'autres endroits, le vide les aspirent et on entend leurs ombrages et échos rouler dans les oublis. Par moments, la lointaine écho peut proposer une mélodie fantôme, mais cela appartient à notre perception. "Ode à La Pluie 5" met un terme à cette musique pour ambiances avec des nappes de synthés aux couleurs de l'ombre valsant et dérivant, comme un long cornet avaleur de pluie, de gouttes soniques et de sons.
ODE À LA PLUIE est une autre réalisation du label de musique électronique ambiante et expérimentale Belge, Wool-E Discs. L'aventure vient en un box-set qui regroupe le CD et un livret de 32 pages des peintures d'Erica Hinyot. D’autres effets accompagnent ce coffret qui est (ou était) disponible en version limitée à 100 boîtes. Sinon, on peut trouver l'album sur le site Bandcamp du label Belge.

Sylvain Lupari 29/04/19

dimanche 28 avril 2019

POLLARD/DANIEL/BOOTH: IX (2019)

“Again, this is another symbol of pure Berlin School with a fantastic 51 minutes opening”
1 Catalyst 51:28
2 The Chaos Balance 20:28
ECO1005 (CD/DDL 71:56)
(Retro Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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Are there still aficionados, the pure and hard ones, from the Rubycon era or even Phaedra from you know who? PDB IX will satisfy this limitless greed in those who love this Berlin School style of the vintage and analog years. Recorded during rehearsals of the music that will be performed at the E-Live and The Hampshire Jam festivals in the fall of 2009, PDB IX was originally produced as September 2009 Jams in 2010. This was a limited CD-R release in a trilogy of so-called officials bootlegs. Offered for the first time in manufactured CD and in downloadable format, on the Bandcamp website of the English trio, this version mastered by Michael Daniel meets the expectations of Brendan Pollard and Phil Booth and should satisfy those who were disappointed by the very bootleg sound of the 1st edition. I would say that the result is phenomenal. Because at no time we have the impression to hear this sound of rehearsal and of improvisation.
A long title of more than 50 minutes is always a bold bet. Our ears are not fooled! They have heard those tracks more than once with often mixed results. Especially with the outbreaks of groups such as Air Sculpture, Keller & Schönwälder and RMI who became masters at this level. You must know how to be creative and divide, in addition of making a good dosage, the different phases in order not to lose the interest of the listener. At this level, Pollard, Daniel & Booth have not missed their shot with the brilliant "Catalyst". A zone of gray noises and of sizzling radioactivity, a zigzagging synth wave and some tiny puny arpeggios meet in the first moments of its opening. Some rushes of muted shadows, sonic dust and twisted filaments falling from cosmos, morose songs of an interstellar guitar and chirps of electronic sparrows parade throughout the introductory procession of this 50-minute monument to which are also grafted shooting stars and Mellotron songs with fluty aromas. A shadow of more sinister ambiences covers the idle passivity of this introduction when a movement of the sequencer animates a structure of delicate rhythm hopping on the fire of Michael Daniel's guitar and his incisive solos. We dive into these structures of analog rhythms of the Ricochet era here. Only the sulphurous guitar solos take us away from this time, but the sequencer... A line of bass sequences gives an extra boost to "Catalyst" which flies away with a heavy and furious Berlin School rhythm. And to say that there isn't 10 minutes on the clock! The movement of rhythm offers nuances that demolish the possibility of perfect rotary axes. On the contrary! The long axis of the rhythm runs while losing a key out of its rhythmic chain beneath a sonic sky painted of synth and guitars solos that we hardly discern, so much the musical imprint of the both entities is almost identical. The effects of shooting stars, if not disintegrated, adorn this panorama which makes us stomp, if not roll of the neck. Michael Daniel propels his guitar to the forefront with other good solos and fuzz wah-wah effects on a structure still hungry for Berliner rhythm and for cosmic ambiances. Phil Booth takes over with synth solos while we feel a little rhythmic breathlessness around the 17 minutes. The sequencer quietly switches off its velocity. The rhythm strikes then a barrage of chthonic ambiances at around the 22 minutes. These paranormal moods are pushed by loud waves of roar from a messy keyboard, much like in this old movie Phantasm. It's the keyboard of terror! The effects are cataclysmic with a monstrous sound barrier that nails our ears after our headphones. Quaking arpeggios of a keyboard come sniffing the atmospheres where roam strange electronic tones that can't delimit the boundaries of the abyss of those of the cosmos. Waves of mist rise, as well as lines a little more musical but still recluse of the mysticism of the moment.  Layers of chthonic voices embrace these lines that quietly radiate of a seraphic beauty in the dark moment of "Catalyst". This transient serenity, and not quite heavenly, crosses the barrier of 33 minutes. Moment when the sequencer takes over the controls with its 2nd phase of Berlin School rhythm embellished by monstrous guitar solos. A very good title and a great Berlin School too. 
"The Chaos Balance" has the difficult task of succeeding to this powerful track. And this is probably the reason that dictated to the English trio to take a different approach with a more ambient structure. Layered organ tones and synth-tones intertwine their floating movements in a black hole filled with chirps and abstract sound effects. It's a seraphic calmness that reaches its point of sonic schizophrenia with a violent din that captures and makes grimace our ears, at least mines', after the 10-minute limit. This static and dissonant rush of tones brings us to the final of a title that was not really needed to increase the rating of this excellent album by Brendan Pollard, Michael Daniel and Phil Booth.
Sylvain Lupari (April 28th, 2019) *****
Available at Pollard/Daniel/Booth's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Existe-t'il des aficionados, des purs et des durs, de la période Rubycon ou encore Phaedra de vous savez qui? PDB IX saura répondre à cette gourmandise sans limite chez ceux qui raffolent de ce style Berlin School des années analogues vintages. Enregistré lors des pratiques en vue des performances présentées pour les festivals E-Live et The Hampshire Jam à l'automne 2009, PDB IX a initialement été réalisé sous le nom de September 2009 Jams en 2010. Il s'agissait d'une version limitée CD-R dans une trilogie de bootlegs (officiels). Offert pour la 1ière fois en CD manufacturé et en format téléchargeable, sur le site Bandcamp du trio Anglais, cette version masterisée par Michael Daniel répond aux attentes de Brendan Pollard et Phil Booth et devrait satisfaire ceux qui étaient déçu par le son très bootleg de la 1ière édition. Je dirais que le résultat est phénoménal, car en aucun moment nous avons l'impression d'entendre ce son de pratique et d'improvisation.
Un long titre de plus de 50 minutes est toujours un pari audacieux. Nos oreilles ne sont pas dupes! Elles en ont entendu plus souvent qu'autrement avec des résultats souvent mitigés. Surtout avec les éclosions de groupes tel qu'Air Sculpture, Keller & Schönwälder et RMI qui sont devenus maitres à ce niveau. Il faut savoir faire preuve de créativité et diviser, en plus de bien doser, les différents phases afin de ne pas perdre l'intérêt de l'auditeur. À ce niveau, Pollard, Daniel & Booth n'ont pas manqué leur coup avec le brillant "Catalyst". Une zone de bruits gris et grésillant de radioactivités, une onde de synthé zigzagante et des arpèges tout fragiles se rencontrent dans les premiers instants de son ouverture. Des poussées d'ombres sourdes, des poussières soniques et des filaments torsadés tombant du cosmos, des chants moroses d'une guitare intersidérale et des pépiements de moineaux électroniques paradent tout au long de la procession introductive de ce monument de 50 minutes auquel se greffent aussi des étoiles filantes et des chants du Mellotron aux arômes flûtés. Une ombre d'ambiances plus sinistres recouvre la passivité oisive de cette introduction qu'un mouvement du séquenceur anime d'une structure de rythme délicat sautillant sur le feu de la guitare de Michael Daniel et de ses solos incisifs. On plonge dans ces structures de rythmes analogues de la période Ricochet ici. Seuls les sulfureux solos de guitare nous éloigne de cette époque, mais le séquenceur…Une ligne de basse séquences donne un élan supplémentaire à "Catalyst" qui s'envole avec un lourd et furieux rythme de Berlin School. Et dire qu'il n’y a pas 10 minutes au compteur! Le mouvement du rythme offre ses nuances qui démolissent la possibilité d'axes rotatifs parfaits. Bien au contraire! Le long axe du rythme court tout en perdant un ion de sa chaine rythmique sous un ciel sonique bariolé de solos de synthé et de guitares que l'on peine à discerner tant l'empreinte musicale des deux entités est presqu'identique. Des effets d'étoiles filantes, sinon désagrégées, ornent ce panorama qui nous fait taper du pied, sinon rouler du cou. Michael Daniel propulse sa guitare à l'avant-scène avec d'autres bons solos et des effets fuzz wah-wah sur une structure toujours affamée pour du rythme berliner et ses ambiances cosmiques. Phil Booth prend le relais avec des solos de synthé alors que l'on sent un peu d'essoufflement rythmique autour des 17 minutes. Le séquenceur éteint tranquillement sa vélocité. Et le rythme frappe alors un barrage d'ambiances chthoniennes autour des 22 minutes. Ces ambiances paranormales sont poussées par de fortes vagues de mugissements d'un clavier en désordre, un peu comme dans ce vieux film Phantasm. C'est le clavier de la terreur! Les effets sont cataclysmiques avec un monstrueux barrage sonore qui cloue nos oreilles après nos écouteurs. Des arpèges d'un clavier chevrotant revienne sniffer les ambiances où rôdent d'étranges bruits électroniques qui n'arrivent pas à délimiter les frontières des abysses de celles du cosmos. Des vagues de brume s'élèvent, de même que des lignes un peu plus musicales mais toujours recluses du mysticisme de l'instant. Des nappes de voix chthoniennes étreignent ces lignes qui tranquillement irradient d'une beauté séraphique le moment sombre de "Catalyst". Cette sérénité passagère, et pas tout à fait céleste, franchit la barrière des 33 minutes. Moment où le séquenceur reprend les commandes avec sa 2ième phase de rythme Berlin School embellie par de monstrueux solos de guitare. Un très bon titre et du grand Berlin School.
"The Chaos Balance" a la lourde tâche de succéder à ce titre béton. Et c'est sans doute la raison qui a dictée au trio Anglais d'emprunter une différente approche avec une structure plus ambiante. Des couches aux tonalités d'orgue et d'autres aux tonalités propres aux synthés entrelacent leurs mouvements flottants dans un trou noir rempli de pépiements et d'effets sonores abstraits. C'est un calme plutôt séraphique qui atteint son point de schizophrénie sonique avec un violent tintamarre qui capture et fait grimacer nos oreilles, à tout le moins les miennes, après les frontières des 10 minutes. Cet élan statique et dissonant nous amène à la finale d'un titre qui n'était pas réellement nécessaire afin d’augmenter la cote de cet excellent album de Brendan Pollard, Michael Daniel et Phil Booth

Sylvain Lupari 28/04/19

samedi 27 avril 2019

BYRON METCALF & MARK SEELIG: Persistent Visions (2019)

“I don't think you will sleep nor dance even if some moments should call for it, but you will be blasted away by these percussions technics and the sweet flamering flute chants”
1 Vision 1 10:31
2 Vision 2 14:41
3 Vision 3 14:30
4 Vision 4 10:02
5 Vision 5 10:14

6 Vision 6 11:03
(Tribal Ambient)
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  **Chronique en français plus bas**
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I never thought that one day I would become a fan of this music. These spiritual trances rhythms which are soothing while exciting the senses when the intensity is eating away more and more the latent evolution of these atmospheres. And yet, many albums later by Steve Roach and from the American label Projekt Records my senses stunned by pain-killers made me appreciate this music whose beauty lies mainly in these tribal percussions from Byron Metcalf. I'm not disliking here the delicacy of Mark Seelig's lips on his flute, far from me this idea. The flute is very beautiful. But too much is like not enough! While the percussions, their different languages and tones as their variations in the momentum of the rhythms are elements of enchantment. And they dominate here with a nice assortment and an excitement that grows more and more up to the point of explosion in "Vision 3". Subsequently, it's the ecstasy until the extinction of the drums. As usual with Projekt, PERSISTENT VISIONS is offered in a CD manufactured version with a 4-sided digipack panel embellished by a nice artwork and the texts and graphics related to the album. A downloadable version is also available and comes with the full version of the album in an entire 71-minute title with CUE points to index the 6 parts.
The opening of "Vision 1" is equal to these openings of ambient tribal rhythms. Its decor is that of the open air with insects that communicate by stridulatory waves under a sky delimited by dark breezes and faint gleams of ambient drones which bound the distant horizons. Byron Metcalf's magical hands dance lusciously on his frame drums, causing Mark Seelig's Bansuri flute to flicker like a flame over the different shades of Shaman Metcalf's tribal percussions. If the percussions play with their tones, the flute sharpens its pagan songs with intonations as low as very airy. Synth pads add a little more ethereal mists while the percussions adjust the tempo for a little more force when "Vision 2" walks on the borders of "Vision 1". The flute is not outdone. Mark Seelig controls the air of his lungs by blowing in the beak of his instrument those same songs which follow however the new cadence. It's only further that we notice these ambient mists of Paul Casper & Frore's synths become denser and more on the move. They look like seraphic violins waltzing with the sparks of the percussions. We are approaching the territories of "Vision 3" and the rhythm is beating with new fervor. The sky is filled with these layers misted by visions of Steve Roach. Imperturbable, the American flutist makes his songs dance like that flame tortured by the winds. The avalanche of drums, of talking drums, can be swept away, and the spiritual trance may well be excited that this sonic flame remains phlegmatic. Her harmonies even transcend the agitation of the drums. We can't sleep anymore, so much the drums are resounding. And these resonances forge a continual trance with a harmonic hint in the elastic reverberations of the drums. Hints supported by these fog pads that have become an essential asset, while Mark Seelig now extends the silences of his interludes. "Vision 4" brings the moods to its point of origin with a flexible rhythm flooded by the tonal caresses of Seelig and by the fog layers of the two other synthesists invited to deepen the sound field of PERSISTENT VISIONS. Metcalf's hands seem out of breath since the flute expires its soporific songs that no longer dance, but that animate the ambiances of "Vision 5" where the tonal drones buzz in a kind of astral blues, so much the rhythm is became lascivious. And it's Mark Seelig who takes the destinies of this album to lead it in a finale where our ears hear again these crickets which had fled the fervor of the multiple percussions of Byron Metcalf.
Sylvain Lupari (April 26th, 2019) ***½**
Available at Projekt's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Jamais je n'aurais pensé qu'un jour je deviendrais un fan de cette musique. De ces rythmes de transe spirituelles qui apaisent tout en excitant les sens lorsque l'intensité ronge de plus en plus la latente évolution de ces ambiances. Et pourtant, bien des albums plus tard de Steve Roach et du label Américain Projekt Records mes sens étourdis par les anti-douleurs m'ont fait apprécier cette musique dont la beauté réside principalement dans ces percussions tribales de Byron Metcalf. Je n'honni pas ici les délicatesses des lèvres de Mark Seelig sur sa flûte, loin de moi cette idée. La flûte est très belle. Mais trop c'est comme pas assez! Alors que les percussions, leurs différents langages et leurs variations dans l'élan des rythmes sont des éléments d'enchantement. Et elles dominent ici avec un bel éventail et une excitation qui croisse de plus en plus jusqu'au point d'explosion dans "Vision 3". Par la suite, c'est l'extase jusqu'à l'extinction des tambours. Comme c'est la coutume chez Projekt, PERSISTENT VISIONS est offert en version CD manufacturé avec une présentation digipack 4 côtés agrémentés par une belle photo d'ouverture et les textes et graphique liés à l'album. Une version téléchargeable est aussi offerte et vient avec la version intégrale de l'album en un titre entier de 71 minutes avec des points CUE afin d'indexer les 6 parties.
L'ouverture de "Vision 1" est égale à ces ouvertures de rythmes tribaux ambiants. Son décor est celui du grand air avec des insectes qui communiquent par ondes stridulatoires sous un ciel délimité par des brises sombres et des faibles lueurs des drones ambiants qui bornent les lointains horizons. Les mains magiques de Byron Metcalf dansent lascivement sur ses tambours sur cadre, amenant la flûte Bansuri de Mark Seelig à osciller comme une flamme sur les différentes tonalités des percussions tribales du Shaman Metcalf. Si les percussions jouent avec leurs tons, la flûte aiguise ses chants païens avec des intonations aussi basses que très aériennes. Des nappes de synthé injectent un peu plus de brumes éthérées alors que les percussions ajustent le tempo pour un peu plus de vigueur lorsque "Vision 2" embarque sur les frontières de "Vision 1". La flûte n'est pas en reste. Mark Seelig contrôle l'air de ses poumons en soufflant dans le bec de son instrument ces mêmes chants qui suivent toutefois la nouvelle cadence. Ce n'est que plus loin que nous remarquons ces brumes ambiantes des synthés de Paul Casper & Frore devenir plus denses et mouvantes. On dirait des violons séraphiques valsant avec les étincelles des percussions. Nous approchons les territoires de "Vision 3" et le rythme bat d'une nouvelle ferveur. Le ciel s'emplit de ces nappes embuées des visions de Steve Roach. Imperturbable, le flûtiste Américain fait danser ses chants comme cette flamme torturée par les vents. L'avalanche des percussions, des tambours parlant, a beau déferler et la transe spirituelle a beau s'exciter que cette flamme sonique reste toujours flegmatique. Ses harmonies transcendent même l'agitation des tambours. On ne peut plus dormir, tant les tambours résonnent. Et ces résonnances forgent une transe continuelle avec un soupçon harmonique dans les réverbérations élastiques des tambours. Soupçons soutenus par ces pads de brume qui sont devenus un atout essentiel alors que Mark Seelig prolonge dorénavant les silences de ses interludes. "Vision 4" repart le compteur à zéro avec un rythme souple inondé par les caresses tonales de Seelig et les nappes de brouillard des deux autres synthésistes invités à approfondir le champs sonore de PERSISTENT VISIONS. Les mains de Metcalf semblent essoufflées puisque la flûte expire ses chants soporifiques qui ne dansent plus, mais qui animent les ambiances de "Vision 5"où les drones tonals bourdonnent dans un genre de blues astral, tant le rythme est devenu lascif. Et c'est Mark Seelig qui prend les destinées de cet album pour le conduire dans une finale où nos oreilles réentendent ces grillons qui avaient fui la ferveur des multiples percussions de Byron Metcalf.
Sylvain Lupari 26/04/19

jeudi 25 avril 2019

OTARION: Extensive (2019)

“Like Bernd Scholl (MellowJet), I heard a lot of albums in my life and I'm still listening a lot each year and I can confirm that this Otarion album is a heck of a great one”
1 Unreality 6:20
2 The Way 7:07
3 Unpredictable 7:20
4 Crucial Now 8:24
5 Wayward 7:19
6 The Summit 7:12
7 Stay Tuned to Understand 14:16
8 Recollection 6:42

9 Welcome to Reality 10:22
MellowJet | cdr-ot1901 (CD-R/DDL 75:01)
(Heavy electronic progressive & symphonic rock)
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  **Chronique en français plus bas**

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Expect the unexpected! This adage fits very well to the music of Otarion. But never like in EXTENSIVE where Rainer Klein transcends the musical genre of the German label MellowJet Records, which is more oriented towards a style of Electronica, if even not Techno. Except for Otarion! And yet it was felt coming from album to album. The synthesist-musician native of Siegen increasingly eyeing the big heavy electronic progressive and symphonic rock with a cinematic vision. That's exactly what his latest album is made of. With guitars that sound like those comets raging and screaming of emotions of Thorsten Quaeschning's repertoire, immersive organ layers spit with a level of intensity, those heavy and slow rhythms, EXTENSIVE gathers all the absolute ingredients to create a poignant soundtrack that can be glued to some very different stories of life. Apart from these elements that give shivers to the soul, the 75 minutes of this flow without interruptions, with a Rainer Klein in full control of Otarion, are weaving a more  than intense album where riffs of guitars and keyboards, the sequences and drums, not to mention the many percussive effects, are running a heavy electronic rock without air bubbles, nor bubbles of water in the foundation. And say that it all starts with innocent piano notes cajoling some distant electronic breezes.
"Unreality" offers a sad introduction laid down by these piano notes that raise the layers of voice while awakening a guitar already spewing its venom. The intensity rises like this water which gradually floods these roads when the flow is jostled by time. Barely arrived, the percussion hits for a slow but heavy rhythm. Aided by synth layers with vaporous essences and this guitar that stretches its long roaring riffs in tune with the moods, the air buzzes. And it's this guitar that drives "Unreality" to its implosion from where come back from the limbos these fragile notes of a piano forgotten in the space of 5 minutes. Footsteps resound on the bitumen of a neighborhood in awake, "The Way" and a pianist extend its splendid melody that will be recurrent in EXTENSIVE. She clings to the up-tempo directed by agitated percussions, like troubled water. Time stops, and the melody returns to take possession of our senses. The rhythm that comes back is dressed of tender and enveloping layers from an organ which encloses it in a down-tempo. The pianist returns for a third verse and the rhythm takes the controls by subtly increasing the emotional current that flows in the veins of this album. The pianist abandons his piano after a last melodious essay, his steps resonant and moving away in a nebulous zone bring us to sonic hoops whose shocks make emerge the spectral song of a Martenot wave. It's from these elements and of a sinister song of a church organ that "Unpredictable" inscribes its presence in order to give the first rhythmical impulse to EXTENSIVE. Percussions and bass pulsations structure these rhythms which gallop slowly to explode sooner or later. The synth and the guitar duel and exchanging solos vibrant with emotions as this rhythm is racing in order to crash in a kind of interrupted coitus. But the ambiences are of fire and the Martenot waves multiply the attacks on a structure which deploys its lines of pulsations as well as its effects of echoes from some invisible percussive elements, thus vivifying a structure which bubbles without exploding. This portion is very similar to the Tangerine Dream choreographies of the Sonic Poem Series. We are getting to "Crucial Now" and its intense ambiospherical introduction. Layers of an old organ, piano notes and effects of electronic winds that percussions lead to a gothic down-tempo. Heavy and slow, as well as flogged by raging guitar strata, "Crucial Now" wraps itself in synth layers with sour-tempered colors which are not that opaque to contain the sedentary violence which gets lively beneath its flight. After one to two seconds of silence, "Wayward" plunges into an opening filled with floating hoops and stray piano notes. Sequences are rolling with a nervous but static flow. We feel an imminent implosion that will occur with the arrival of the percussions, brilliant here, which overlap the rhythm under the charms of these organ pads. We dive into a furious apocalyptic rock with a finely stroboscopic passage with a very lively bass line. The violence of EXTENSIVE is blooming in all its splendor.
"The Summit" offers an equally nebulous introduction to "Crucial Now". Except that the moods are taking a nosedive near the 3rd minute. First, it's a series of riffs in mode staccato that agitate our feet. Then real lively and jerky electric guitar riffs blow up the chthonian ambiences of "The Summit" which becomes a real electronic heavy-rock. A big heavy symphonic and cinematographic rock! The hesitant piano notes come back to tease the opening of "Stay Tuned to Understand".The creaking tones of the ardent guitar stretch their groans over a mini concert of stridulations. Thunders, or muffled explosions, add to the weight of the crepuscular ambiences where the tic-tac of the time still seem to defy the elements in place. Percussive elements are probing these ambiences, they sound like hobbling hooves, from which rise even more scarlet strata of a guitar/synth fusion in this universe of paradoxes. Everything seems to freeze in time, when in reality everything is moving, but in waiting. Orchestrations add at the weight of this sinister casing, as well as electronic effects which flicker between the harmonic perfumes that are always rebuilding in the piano bed. And the further we go, the more this Shakespearian drama is tightening around the "Stay Tuned to Understand" ambiances that a line of ascensional bass travels from now on. Guitar solos burst out among these hooves hobbling on hard ground. Intense, this opening evaporates its torments in a delicate lullaby of a piano and in slow orchestrations which monitor the rain and the possible bad weather. These moving thoughts of the piano slide into the opening of "Recollection" where percussive arpeggios tinkle and dance around this melody which can not silence these roaring beasts from the underworld. Orchestrations weave a bed of violins which throw a little of this mist that make you cry. The percussions are even more captivating our emotions with slow strikes as heavy of sense, while "Recollection" continues to turn with another face and especially different emotions to embrace a heavy final and tugged by synth solos as vivid as strata of violins. It's in chimes of church bells that "Welcome to Reality" comes to our ears. The end approaches and the arpeggios tinkle among rather iconoclastic sighs of the keyboard. The tone is set, this final will not be done in heavenly limbo. The mephistophelic decor of EXTENSIVE weaves its seductive canvases with songs of mermaids of the apocalypse in this musical tension worthy of the confines of darkness. Horror-like movie moods, the music changes its tone after the last squealing of hinges and hints of the bells. And if a sweet melody woven into the pipes of an organ rises, that doesn't mean that we are entering an ethereal phase. Not at all! EXTENSIVE dies as it has lived and conquered. An excellent opus from Rainer Klein's Otarion. And this at all levels ...

Sylvain Lupari (April 25th, 2019) *****
Available at Otarion's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Attendez-vous à de l'inattendu! Cet adage sied très bien à la musique d'Otarion. Mais jamais comme dans EXTENSIVE où Rainer Klein transcende le genre musical du label Allemand MellowJet Records, qui est plus orientée vers un genre Électronica, sinon même du Techno. Sauf pour Otarion! Et pourtant on sentait venir le coup puisque d'album en album, le musicien-synthésiste natif de Siegen lorgnait de plus en plus vers du gros heavy-rock symphonique électronique progressif avec une vision cinématographique. C'est exactement de quoi est fait son dernier album. Avec des guitares qui sonnent comme ces comètes rageuses et criantes d'émotions du répertoire de Thorsten Quaeschning, des nappes d'orgue immersives crachées avec un haut niveau d'intensité, des rythmes lourds et lents, EXTENSIVE rassemble tous les ingrédients absolus pour en faire une poignante trame sonore que l'on peut coller à différentes maintes histoires de vie. Hormis ces éléments qui donnent des frissons dans l'âme, les 75 minutes de cet coulent sans interruptions avec un Rainer Klein en plein contrôle d'Otarion qui tisse un album plus que très intense où les riffs de guitares et de clavier, les séquences et les percussions, sans oublier les nombreux effets percussifs, coulent un rock électronique lourd et sans bulles d'air, ni d'eau dans le solage. Dire que cela débute avec d'innocentes notes de piano cajolant de distantes brises électroniques.
"Unreality" propose une introduction triste couchée par ces notes de piano qui soulèvent des nappes de voix tout en éveillant une guitare crachant déjà son venin. L'intensité monte comme cet eau qui inonde peu à peu ces routes lorsque le débit est bousculé par le temps. À peine arrivées, les percussions frappent pour un rythme lent mais lourd. Aidé par des couches de synthés aux essences vaporeuses et par cette guitare qui étire ses longs riffs mugissant accordés aux ambiances, l'air bourdonne. Et c'est cette guitare qui conduit "Unreality" à son implosion d'où reviennent des limbes ces fragiles notes d'un piano oublié l'espace de 5 minutes. Des pas résonnent sur le bitume d'un quartier en éveil, "The Way" et un pianiste étend sa splendide mélodie qui sera récurrente dans EXTENSIVE. Elle s'accroche à l'up-tempo dirigé par des percussions agitées, comme de l'eau troublée. Le temps s'arrête et la mélodie revient prendre possession de nos sens. Le rythme qui revient est habillé de tendres et enveloppantes couches d'une orgue qui l'enserre dans un down-tempo. Le pianiste revient pour un 3ième couplet et le rythme reprend les commandes en augmentant subtilement ce débit affectif qui coule dans les veines de cet album. Le pianiste abandonne son piano après un dernier essai mélodieux, ses pas résonnant et s'éloignant dans une zone nébuleuse nous amènes à des cerceaux sonores dont leurs chocs font émerger le chant spectral d'une onde Martenot. C'est de ces éléments et d'un sinistre chant d'une orgue d'église que "Unpredictable" inscrit sa présence afin de donner le premier élan rythmique à EXTENSIVE. Des percussions et des basses pulsations structurent ces rythmes qui galope lentement afin d'exploser tôt ou tard. Le synthé et la guitare font duel et s'échangent des solos vibrant d'émotions alors que ce rythme s'emballe pour s'écraser dans une forme de coït interrompu. Mais les ambiances sont de feu et les ondes Martenot multiplient les attaques sur une structure qui déploie ses lignes de pulsations ainsi que ses effets d'échos d'éléments percussifs invisibles, vivifiant ainsi une structure qui bouillonne sans connaître son explosion. Cette portion ressemble étrangement aux chorégraphies de Tangerine Dream, de la Sonic Poem Series. Nous arrivons à "Crucial Now" et son intense introduction ambiosphérique. Des nappes de vieil orgue, des notes de piano et des effets de vents électroniques que des percussions amènent vers un down-tempo gothique. Lourd et lent, ainsi que flagellé par des strates de guitare rageuses, "Crucial Now" s'enveloppe dans des nappes de synthé aux couleurs acariâtres qui ne sont pas assez opaque pour contenir la violence sédentaire qui s'anime sous son envol. Après une à deux secondes de silence, "Wayward" plonge dans une ouverture remplie de ces cerceaux flottants et de ces notes de piano égarées. Des séquences roulent avec un débit nerveux, mais statique. On sent une prochaine implosion qui se produit avec l'arrivée des percussions, géniales ici, qui chevauchent le rythme sous les charmes de ces nappes d'orgue. Nous plongeons ainsi dans un furieux rock apocalyptique avec un passage finement stroboscopique avec une ligne de basse très mouvementée. La violence d'EXTENSIVE éclot dans toute sa splendeur.
"The Summit" offre une introduction tout aussi nébuleuse que celle de "Crucial Now". Sauf que les ambiances piquent du nez autour de la 3ième minute. Tout d'abord, c'est une série de riffs en mode staccato qui agite nos pieds. Puis de vrais riffs de guitare électrique vifs et saccadés font exploser les ambiances en premier lieu chtoniennes de "The Summit" qui devient un vrai heavy-rock électronique. Du gros rock symphonique lourd et cinématographique. Les hésitantes notes de piano reviennent agacer l'ouverture de "Stay Tuned to Understand". Des striures de guitare ardentes étirent leurs gémissements au-dessus d'un mini concert de stridulations. Des tonnerres, ou des explosions, feutrées ajoutent au poids des ambiances crépusculaires où le cliquetis du temps semblent encore défier les éléments en place. Des éléments percussifs sondent ces ambiances, on dirait des sabots clopinant, d'où s'élèvent des strates encore plus écarlates d'une fusion guitare/synthé dans cet univers de paradoxes. Tout semble figer dans le temps, alors qu'en réalité tout est en en mouvement, mais en attente. Des orchestrations ajoutent au poids de cet enrobage sinistre, de même que des effets électroniques qui vacillent entre les parfums harmoniques qui sont toujours à reconstruire dans le lit du piano. Et plus on avance et plus cet étau dramatique Shakespearien se resserre autour des ambiances de "Stay Tuned to Understand" qu'une ligne de basse ascensionnelle parcoure dorénavant. Les solos de guitare éclatent parmi ces sabots clopinant sur de la terre dure. Intense, cette ouverture évapore ses tourments dans une délicate berceuse d'un piano et de lentes orchestrations qui surveillent la pluie et les possibles intempéries atmosphériques. Ces émouvantes pensées du piano glissent jusque dans l'ouverture de "Recollection" où des arpèges percussifs tintent et dansent autour de cette mélodie qui n’arrive pas à faire taire ces mugissements de bêtes sorties des enfers. Des orchestrations tissent un lit de violons qui jettent un peu de cette brume à faire pleurer. Les percussions font encore plus chavirer nos émotions avec des frappes lentes comme lourdes de sens, alors que "Recollection" continue de tourner avec un autre visage et surtout des émotions différentes pour embrasser une finale lourde et tiraillée par des solos de synthé aussi vifs que des strates de violons. C'est dans des carillons de cloches d'églises que "Welcome to Reality" se présente à nos oreilles. La fin approche et des arpèges tintent parmi des soupirs assez iconoclastes du clavier. La table est mise, cette finale ne se fera pas dans les limbes célestes. Le décor méphistophélique d'EXTENSIVE tisse ses toiles séductrices avec des chants de sirènes de l'apocalypse dans cette tension musicale digne des confins des ténèbres. Cinématographique du genre horreur, la musique change de ton après les derniers grincements de gonds et tintements de cloches. Et si une douce mélodie tissée dans les tuyaux d'une orgue s'élève, ça ne veut pas dire que nous entrons dans une phase éthérée. Que non! EXTENSIVE meurt comme il a vécu et vaincu. Un excellent opus d'Otarion. Et ce à tous les niveaux…
Sylvain Lupari 25/04/19

mardi 23 avril 2019

TANGERINE DREAM: Tyranny of Beauty (1995)

“Another review about Tangerine Dream that will draw my share of shit among the fans of the nth edition of TD's attempting to be commercial...But Muzak is Muzak!”
1 Catwalk 7:21
2 Birdwatcher's Dream 6:52
3 Little Blond in the Park of Attractions 6:57
4 Living in A Fountain Pen 6:59
5 Stratosfear 1994 5:08
6 Bride in Cold Tears 4:53
7 Haze of Fame 8:30
8 Tyranny of Beauty 6:35
9 Largo from "Xerxes" 4:12

Miramar
(CD 57:27)
(E-Rock, New Age, Easy Listening)
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  **Chronique en français plus bas**
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Another review about Tangerine Dream that will draw my share of shit among the fans of the nth edition of the now controversial flagship group of the birth of the Berlin School, the cradle of the 70's. Whether we like it or not, the different versions of Edgar Froese's Tangerine Dream raise a lot of passion. And it's not this TYRANNY OF BEAUTY that will calm down the debates. After an album difficult to give a decent passing score in Turn of the Tides, which I liked by the way, the subalterns of the white fox and the white fox himself come back to us with another album which is a sort of tote-all. Rhythm-in-boxes, easy orchestrations, Linda Spa's saxophone (no one can't explain her presence or its relevance), keyboard and guitar riffs, synth pads, percussion (lots of percussion), percussive effects (some even brilliant) and good (like less good) guitar solos by 2 guitarists who have the mandate to replace the very talented Zlatko Perica. Many rhythms, snippets of melodies and noises that run on structures erected without too much conviction. This is the essence of the 50th album of version 6 (or 8 like 5) of Tangerine Dream.
Yet, TYRANNY OF BEAUTY begins on the right side of music with "Catwalk" and its effects of floating voices in foggy layers which unlock its introduction. We note the presence of the sequencer here weaving keys vibrating on the spot, bringing a beautiful melodious approach to the lobes of our ears. Evolutive, the rhythm stores a plethora of much varied electronic percussions, as well as percussive sequences, while the melody whistles its tunes shrouded in shades. A guitar, like flamingo style, nervously agitated its strings while orchestrations enhance this Latino passage with flights of the disco genre of the 70's. The strength of the title is its constant evolution that gives it a lot of power. And even if sometimes we feel too much diversity in the structure, the whole thing respects a certain homogeneity while having a good depth at the creative level. "Catwalk" will become a classic of the new repertoire of this Tangerine Dream's era. It's the guitars, played by Gerald Gradwohl and Mark Hornby, which give a little soul to "Birdwatcher's Dream". But its pace is like those most mathematical models exploited by father and son Froese with a few more percussive ingredients to its final. That's quite cold and too much calculated in a Rock & New Age genre! Then I liked the rather melodious beginning of "Little Blond in the Park of Attractions". Even the sounds from the saxophone, the meaning of which I have never understood in the music of the Dream, are entering to the station quite well. Then comes this melodic New Age episode without flavor nor passion and this avalanche of percussions which tumble with a Rockoon's vision. Unexpected, it passes! But the coldness ...

How to explain "Living in A Fountain Pen"? Throw acoustic guitar riffs, some good guitar solos from the other guitar which are quite juicy. Toss pell-mell percussions and percussive effects as well as old sonic Coat of Arms from the Schmoelling era. Modulate soulless rock and do not forget the saxophone with its ditty very easy listening. It's like having good ingredients but a poor conductor to lead all of those sounds, and some are quite good. And this observation is a bit normal. Jerome is still young, and his compositional ability remains to be refined. Linda Spa ... is Linda Spa, while Edgar seems worn out. And the musicians that come and go without creating a chemistry inside the different versions of the band adds also to this effect of creative sterility. Still, I like "Stratosfear 1994"! This is the prelude of what our ears will get years later with the Dream Mixes series. But before there are titles such as "Haze of Fame" and its morphic moods submerged by other good guitar solos. It's still good New Age. But even at this level, there is better. "Bride in Cold Tears"? Too many effects, and the style is too very ERA to a true TD fan. Even from this era! There are good ideas, but they are not enough developed. A bit like everything was done at speed... A sensation that has annoyed me more than once since the end of the Jive years. And what about "Largo from Xerxes" and its Kenny G tones? The kind of thing that can't be explained coming from a musician like Edgar Froese. I don't think George Frideric Handel would have appreciated, nor consented to such a reprise of his classic. This same tasteless saxophone even manages to make me rage in the title-track which literally sounds like an instrumental title of a movie for teens in the 80's. Thompson Twins, Tears for Fear, Simple Minds and even Eurythmic would have done 10 times better with all of this Dream's technologies. That too is another annoying observation. My cd version doesn't have the bonus track "Quasar". And I'm not even interested in hearing it. Muzak! Nothing but Muzak...
Sylvain Lupari (April 23rd, 2019) **½***
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Une autre chronique à propos de Tangerine Dream qui va m'attirer ma part de merde parmi les inconditionnels de la xième image sonore du désormais controversé groupe phare de la naissance du Berlin School, au berceau des années 70. Que l'on veuille ou non, les différentes versions du Tangerine Dream d'Edgar Froese soulèvent beaucoup de passion. Et ce n'est pas ce TYRANNY OF BEAUTY qui va calmer les débats. Après un album difficile à attribuer une note de passage, soit Turn of the Tides qui m'avait assez plu en passant, les subalternes du renard blanc et le renard blanc lui-même nous reviennent avec un autre album qui est un genre de fourre-tout. Des rythmes en boîtes, des orchestrations trop faciles, le saxophone de Linda Spa (dont personne explique la présence ni la pertinence), des riffs de clavier et de guitare, des pads de synthé, des percussions (beaucoup de percussions), des effets percussifs (certains même géniaux) et de bons (comme des moins bons) solos de guitare par 2 guitaristes qui ont le mandat de remplacer le très talentueux Zlatko Perica. Beaucoup de rythmes, de bribes de mélodies et de bruits qui se jettent sur des structures érigées sans trop grandes convictions. Voilà l'essence du 50ième album de la version 6 (ou 8 comme 5) de Tangerine Dream.
Pourtant, TYRANNY OF BEAUTY débute du bon côté de la musique avec "Catwalk" et ses effets de voix flottant dans des nappes brumeuses qui débloquent son introduction. On note la présence du séquenceur ici qui tisse des ions vibrionnant sur place, amenant une belle approche mélodieuse sur les lobes de nos oreilles. Évolutif, le rythme emmagasine dès lors une pléthore de percussions électroniques très variées, de même que des séquences percussives alors que la mélodie sifflote ses airs nimbées de nuances. Une guitare, genre flamingo, agite nerveusement ses cordes alors que des orchestrations rehaussent ce passage latino avec des envolées du genre disco des années 70. La force du titre est sa constante évolution qui lui donne beaucoup d'étoffe. Et même si parfois on sent une trop grande diversité dans la structure, le tout respecte une certaine homogénéité tout en ayant une certaine profondeur au niveau recherche. "Catwalk" deviendra un classique du nouveau répertoire de cette période de Tangerine Dream. Ce sont les guitares, jouées par Gerald Gradwohl et Mark Hornby, qui donnent un peu d'âme à "Birdwatcher's Dream". Mais son rythme est comme la plupart des maquettes mathématiques exploitées par père et fils Froese avec un peu plus d'ingrédients percussifs vers sa finale. C'est froid et trop calculé dans un genre Rock & New Age! J'aimais bien le début, assez mélodieux, de "Little Blond in the Park of Attractions". Même le son du saxophone, dont je n'ai encore jamais compris la signification dans la musique du Dream, rentrait au poste assez bien. Puis arrive cette épisode mélodique trop New Age sans saveur et cette avalanche de percussions qui déboulent avec une vision à la Rockoon. Inattendu, ça passe! Mais la froideur…
Comment expliquer "Living in A Fountain Pen"? Jeter des riffs de guitare acoustiques, quelques bons solos de l'autre guitare qui sont assez juteux. Lancer pêle-mêle des percussions et effets percussifs, ainsi que des pads aux vieilles armoiries du Dream des années Schmoelling. Moduler un rock sans âme et ne pas oublier le saxophone avec sa chansonnette très Easy Listening. C'est comme avoir de bons ingrédients mais un mauvais chef d'orchestre pour diriger tous ces sons. Et cette observation est un peu normale. Jerome est encore jeune et sa capacité de composition reste à peaufiner. Linda Spa ... c'est Linda Spa, alors qu'Edgar semble épuisé. Et les musiciens qui vont et viennent sans créer de chimie au sein des différentes versions du groupe ajoute à cet effet de stérilité créative. N'empêche que j'aime bien "Stratosfear 1994"! C'est le prélude de ce que nos oreilles entendront quelques années plus loin avec la série Dream Mixes.
Mais avant il reste des titres tel que "Haze of Fame" et ses ambiances morphiques submergés par d'autres bons solos de guitare. Ça reste du bon New Age, mais même à ce niveau, il se fait mieux. "Bride in Cold Tears"? Trop d'effets et le style fait aussi très ERA. Il y a de bonnes idées, mais elles ne sont pas assez développées. Un peu comme si tout était fait à la vitesse… Une sensation qui m'a agacé plus d'une fois depuis la fin des années Jive. Et que dire de "Largo from Xerxes" qui sonne comme du Kenny G. Le genre de truc que l'on ne s'explique pas venant d'un musicien de la trempe d'Edgar Froese. Je ne crois pas que George Frideric Handel aurait apprécié, ni consenti à une telle reprise de son classique. Ce même saxophone sans saveur arrive même à me faire rager dans la pièce-titre qui sonne littéralement comme un titre instrumental d'un film pour ados dans les années 80. Thompson Twins, Tears for Fear, Simple Minds et même Eurythmic auraient fait 10 fois mieux avec ces technologies du Dream. Ça aussi c'est un autre constat agaçant. Ma version n'a pas le titre-boni "Quasar". Et je ne suis même pas intéressé à l'entendre. De la Muzak! Rien que de la Muzak…
Sylvain Lupari 23/04/19

dimanche 21 avril 2019

AWENSON: Hope (2019)

“Hope is in a pure Berlin School style with some genius rhythmic frameworks and a vintage tone in the synths, sequencers and keyboards...A really good return for Awenson!”
1 Us and You 11:23
2 Galactic Humanity 9:10
3 In the Heart of Love 20:00
4 Fly High 15:10

5 Orpheus 11:18
Groove GR-262 (CD 67:01)
(Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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Electronic phweuz open the territories of "Us and You". Their resonances crumble small synthesized pads, creating an interstellar void where the echoes remain masters of the opening of this first title offered by Awenson since the end of Wizard. A sinister wave spreads its reverberations from which emerges a heavy sequencer and beating a measure of electronic rock under slow subversive waves of the synth and its lugubrious effects. Everything turns upside down in this opening until the rhythm of the sequencer draws up a fluid structure which runs with delicate shades in its rotary axis. The structure goes up and down, remaining faithful to these innumerable synth solos which are the base of an EM of the analog years. Chirps of electronic birds and discrete layers surround these solos whose harmonies remain the subjects of our imagination. It's pure old Berlin School that Awenson offers to our ears with its comeback album HOPE. Absent from the music scene for the past 9 years, the French musician Jöel Bernard had to fight his demons before finding his necessary balance to continue the conquest of our ears undertook in 2005 with Shadows. And "Us and You" picks up where the French musician has left off. This time, it's with the Dutch Groove label that Awenson weaves its return (I even let myself say that a new album was already in preparation) with an album where the Berlin School cohabit with the perfumes of the French School, either romance and cosmos in the harmonies, which cover this first title introducing us to a very good album (I was very surprised I must say) that Ron Boots has been able to seize all the nuances and dimensions in an excellent mastering. And if there is a title that could show Awenson's moods in recent years, I would opt for the static and yet tumultuous structure of "Galactic Humanity". Ambient, the rhythm is structured by underground waves whose eddies expel dark effects. The emotivity, blown by innumerable and hovering drifting synth solos, is omnipresent with a vision as abysmal as theatrical. Intense emotionally!
Western breezes spread a warm climate in the opening of "In the Heart of Love" which is a long hypnotic title where none of the 20 minutes presented seems too long. The frame of the rhythm is built on 3 movements of the sequencer which add in turn, each filling the imperfection of the previous one. The effect is very attractive and hangs instantly our attention. This unexpected symbiosis gives a rhythm faithful to the tradition of the Berlin School. Orchestral pads and splashes of white noises control the ambiances which are embellished by an organic tone of a line of rhythm and of this 3rd with its arpeggios vibrating whitish tones. This setting also benefits the synth which throws these good solos which are found throughout HOPE. The cosmic mist pads are very Klaus Schulze, Irrlicht era. The rhythm evaporates in an ambiospherical passage, a little after the 8 minutes. The arpeggios continue to glow like tonal fireflies in a choreography whose repetitive movements roll rhythmically in the banks of the metallic haze from these orchestrations of ether. And it's the 2nd movement of the sequencer which comes back to activate the rhythm of "In the Heart of Love". Rhythm which is joined soon enough by these two sequencing stooges, while the synth solos flock with the same passion and energy that Awenson shows since the opening of HOPE. The sound is very vintage in "Fly High" which starts with organ pads slightly resounding in an opening where the cosmos flirts with the abyss of the Earth. Chthonian perfumes reign there with wave of voices bordering on these atmospheres. Pulsations bite our ears after 4 minutes, creating an indecisive rhythm whose resonances evaporate with the shadows of the voices. A sequencer emerges and its upward movement, in the Berlin School genre, is quickly harpooned by a barrage of percussions. These drums beat a measure that is very Jean-Michel Jarre, period Revolutions, which flirts between rock and trance where lays down a delicious organ layer and synth solos carved in nostalgia. From what I understand, "Orpheus" is the symphonic part of an album project called Orpheus that should have appeared in 2018. So, it's very orchestral and quite ambient. The sound and slow winged movement of the orchestrations remind me of Synergy, Games and even Sequencer. It's a solid contrast with the moods of HOPE which is in a pure Berlin School style with some genius rhythmic frameworks and a vintage tone in the synths, the sequencers and keyboards. In short, a superb album that continues where Wizard had brought us ... and even further. A very good return for Awenson!
Sylvain Lupari (April 22nd, 2019) ****¼*
Available at Groove NL
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des phweuz électroniques ouvrent les territoires de "Us and You". Leurs résonnances émiettent de petits pads synthétisés, créant un vide intersidéral où les échos restent maitres de l'ouverture de ce premier titre offert par Awenson depuis la fin de Wizard. Une sinistre onde étend ses réverbérations d'où émerge un séquenceur lourd et battant une mesure de rock électronique sous de lentes vagues subversives du synthé et de ses effets patibulaires. Tout chamboule dans cette ouverture jusqu'à ce que le rythme du séquenceur dresse une structure fluide qui court avec de délicates nuances dans son axe rotatoire. La structure monte et descends, restant fidèle à ces innombrables solos de synthé qui sont la base de la MÉ des années analogues. Pépiements d'oiseaux électroniques et nappes discrètes entourent ces solos dont les harmonies restent les sujets de nos imaginations. C'est du pur Berlin School à l'ancienne qu'Awenson offre à nos oreilles avec son album retour HOPE. Absent de la scène musicale depuis les 9 dernières années, le musicien français Jöel Bernard a dû combattre ses démons avant de retrouver son équilibre nécessaire afin de poursuivre la conquête de nos oreilles entreprise en 2005 avec Shadows. Et "Us and You" reprend là où il avait laissé. Cette fois-ci, c'est avec le label Néerlandais Groove qu'Awenson tisse son retour (je me suis même laisser dire qu’un nouvel album était déjà en préparation) avec un album où le Berlin School cohabite avec les parfums de la French School, soit romance et cosmos dans les harmonies, qui tapissent ce premier titre nous introduisant à un très bel album (j'ai été très surpris je dois dire) dont Ron Boots a si bien su saisir toutes les nuances et dimensions dans un excellent mastering. Et s'il y a un titre qui pourrait démontrer les états d'âme d'Awenson au cours des dernières années, j'opterais pour la structure statique et pourtant tumultueuse de "Galactic Humanity". Ambiant, le rythme est structuré par des vagues souterraines dont les remous expulsent des effets ténébreux. L'émotivité, soufflé par d'innombrables solos et survols planés du synthé, est omniprésente avec une vision autant abyssale que théâtrale. Intense au niveau émotivité!
Des brises de l'Ouest étendent un climat chaleureux dans l'ouverture de "In the Heart of Love" qui est un long titre hypnotique où aucune des 20 minutes présentées ne paraît trop longue. L'ossature de rythme est construite sur 3 mouvements du séquenceur qui s'ajoutent à tour de rôle, chacun comblant l'imperfection de la précédente. L'effet est très séduisant et accroche instantanément. Cette symbiose inattendue donne un rythme fidèle à la tradition du Berlin School. Des pads orchestraux et des splash de bruits blancs contrôlent les ambiances qui s'embellissent par une tonalité organique d'une ligne de rythme et de cette 3ième avec ses arpèges vibrionnant de tons blanchâtres. Cette mise-en-scène profite aussi au synthé qui lance ces bons solos que l'on retrouve à la grandeur de HOPE. Les pads de bruines cosmiques font très Klaus Schulze, période Irrlicht. Le rythme s'évapore dans un passage ambiosphérique, un peu après les 8 minutes. Les arpèges continuent de scintiller comme des lucioles tonales dans une chorégraphie dont les mouvements répétitifs roulent en boucle rythmique dans les bancs de brume métallique des orchestrations d'éther. Et c'est le 2ième mouvement du séquenceur qui revient activer le rythme de "In the Heart of Love". Rythme qui qui est rejoint assez tôt par ces deux comparses du séquenceur, alors que les solos de synthé affluent avec la même passion et énergie qu'Awenson démontre depuis l'ouverture de HOPE. Le son est très vintage dans "Fly High" qui débute avec des nappes d'orgue chevrotant légèrement dans une ouverture où le cosmos flirte avec les abysses de la Terre. Des parfums chthoniens y règnent avec des ondes de voix limitrophes à ces ambiances. Des pulsations mordent nos oreilles après les 4 minutes, créant un rythme indécis dont les résonnances s'évaporent avec les ombres des voix. Un séquenceur émerge et son mouvement ascendant, dans le genre Berlin School, est vite harponnée par un barrage de percussions. Ces percussions battent une mesure qui fait très Jean-Michel Jarre, période Revolutions, qui flirte entre du rock et du trance où s'étend une délicieuse nappe d'orgue et des solos sculptés dans la nostalgie. De ce que je comprends, "Orpheus" est la partie symphonique d'un projet d'album intitulé Orpheus qui aurait dû paraitre en 2018. Donc, c'est très orchestral et assez ambiant. Le son et le lent mouvement ailé des orchestrations me font penser à du Synergy, périodes Games et même Sequencer. Ça détonne beaucoup avec la caractère de HOPE qui est dans le pur Berlin School avec des ossatures rythmiques tout à fait géniales et une tonalité vintage dans les synthés, séquenceurs et claviers. Bref, un superbe album qui continu là où Wizard nous avait amené…et même plus loin encore. Un très bon retour pour Awenson!

Sylvain Lupari 21/04/19

jeudi 18 avril 2019

MASSERGY: Fire Opal (2019)


Bonne journée mes amis!
Greetings friends!
I have transfered the reviews of Massergy on the new website of Synth&Sequences here;

mardi 16 avril 2019

ANDY PICKFORD: Biosphere (2019)

“Without a doubt, the best Andy Pickford album since his comeback in 2015!”
1 Biosphere Part 1 8:55
2 Biosphere Part 2 7:31
3 Biosphere Part 3 9:15
4 Biosphere Part 4 11:09
5 Biosphere Part 5 13:51

6 Biosphere Part 6 9:31
Andy Pickford Music (DDL 60:15)
(England School & Electronica)
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  **Chronique en français plus bas**
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The prolific Andy Pickford is back with an album, no 2 or 3 CD pack this time, which brings us with the illustrious past of the one who gave several genius shots to EM of ambient style, England School and psychedelic-progressive, especially with Binar and Spank the Dark Monkey, over his long career. The friendly English musician has delivered colossal works since 2016, either since Adagiometry. It's therefore with a certain surprise that this BIOSPHERE arrives in a 60-minute edition. But screw your hat to your head because it's very big Andy Pickford that attacks our ears. Even with its 6 paintings, the BIOSPHERE music flows into a long musical saga where peaks of intensity, moments of shivers and explosions of different angles of EM are hidden without being expected, except for these emotional orchestral rides. From good English rock to Electronica, to symphonic rock and movie music, BIOSPHERE is an EM cocktail that reminds me of the best moments, and they are many, of Binar. Offered in 24 Bits, or 16 Bits in a single mosaic without titles, this last album of AP is undoubtedly the one that his fans of the first hour have waited for a long time. Colossal, creative, melodious, rhythmic and indescribable!
It's on dusts of tinkling that chords glide sharply like these graceful and fluid aquatic movements of those insects skating on ice over the introductory surface of "Biosphere Part 1". These arpeggios advance and change direction with jolts under the caresses of the slow winged movements of the chloroform layers. The first percussions that fall make ringing sounds, so the second ones infuse tonus and structure a slow up-tempo mired in the slowness of the lazy and atmospheric layers. A melody emerges and weaves little by little its seductive earworm, which is almost invisible, but which makes its way through a panorama adorned by effects of DJ and of Breakdance. Still unconvincing, the rhythm remains nevertheless lively in a choir of violins singing with dance-music clothes unique to AP's signature. Two lines of melody navigate in the musical envelope of "Biosphere Part 1" which continues to skip until its sequences dance alone in the wake of a supersonic plane taking off on a tarmac of soft voices and effects of voices which are hanging out, like in the good times of Binar... And bang! An explosion, sonic cloud residues and electronic chirps (I'm on a Mexican Radio from Wall Of Voodoo) open up the ambiences of "Biosphere Part 2". A mass of hollow winds exports these babbles and other electronic noises to a semblance of static rhythm which oscillates with the fervor of noisy breaths. The winds become dominant, creating an ambient-spherical canvas where layers of chthonic voices, enveloping waves from a synth and of its bank of sound effects, always well arranged to the moods of each title here, get grafted to BIOSPHERE.
The winds are howling up to the territories of "Biosphere Part 3". Percussive chords sounding like bells and a line of sequences hopping eagerly greet our ears. As well as a melody blown in a felted effect! The sequences unfold their stroboscopic filaments where very discreet fuzz-wah-wah bring us back in disco with a tune forgotten in the 70's. The melody is very dominant on this 3rd act. Built in an evolutionary model, it becomes more and more carved. And this time it's by the synth, adding a more and more melodious weight to "Biosphere Part 3". The percussions are slamming and the sequencer frees a bank of keys vibrating with fervor, but the rhythm is surrounded by Babylonian orchestrations whose Arabian tunes add a cinematic vision to a structure that reaches a level of intensity that was felt to overflow since the third 3 minute. "Biosphere Part 4" chews our ears with a 9-minute clanic dance and hand percussions which beat and roll nervously on a bed of routed orchestrations. A line of quavering sound effects, a line of nervous sequences, jerky voice effects and some more punchy percussions converge on a meeting point while "Biosphere Part 4" goes into an Electronica mode, Eastern tribal dance section. The rhythm is contagious, and the sound envelope is fed by a stride of effects and of adjacent beats which culminate in a furious electronic rock worthy of the best moments of AP. The moods calm down in the reverberating waves which are flowing down to "Biosphere Part 5". Dull thumps and distortions make this opening full of creaking noises and of ectoplasmic layers that merge into orchestrations whose origins have yet to be defined. Our ears are in wait and the orchestrations are more and more sibilant while the layers of voices take a chthonian passage. There, the sequences sparkle as if we had just opened a treasure box of sounds! A line is formed and makes spin some hypnotic tendrils in this heavenly setting where a trembling voice whispers a Berber incantation. Various sonic and rhythmic elements confluence towards this circular structure where the lair of madness is measured by the dull blows and the endless whirlpools that shake the last minutes of this long title which decreases its level of intensity to cross the threshold of "Biosphere Part 6". The sequences continue to spin into small magnetizing kaleidoscopes, while the layers of voices meet these orchestrations that soothe the senses. There is a dreamlike sweetness in this opening that throbs continuously up until pouring itself into a heavy and slow symphonic rock that puts an end to BIOSPHERE. Without a doubt, the best Andy Pickford since his comeback in 2015!

Sylvain Lupari (April 16th, 2019) ****½*
Available at Andy Pickford's Bandcamp
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                       CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Le prolifique Andy Pickford est de retour avec un album, simple cette fois-ci, qui nous recolle avec l'illustre passé de celui qui a donné plusieurs coups de génie à la MÉ de style ambient, England School et psychédélique-progressive, notamment avec Binar et Spank the Dark Monkey, au fil de sa longue carrière. Le sympathique musicien anglais nous a livré des œuvres colossales depuis 2016, soit depuis Adagiometry. C'est donc avec une certaine surprise que ce BIOSPHERE nous arrive en une édition de 60 minutes. Mais attachez votre tuque, car c'est du très grand Andy Pickford qui attaque nos oreilles. Même avec ses 6 tableaux, la musique de BIOSPHERE coule en une longue saga musicale où les pointes d'intensité, les moments de frissons et les explosions vers différents angles de la MÉ se cachent sans qu'on s'y attende, sauf pour ces chevauchées orchestrales émotives. Du bon rock anglais à de l'Électronica en passant par du rock symphonique et des montages pour musique de films, BIOSPHERE est un cocktail de MÉ qui me fait penser aux meilleurs moments, et ils sont nombreux, de Binar. Offert en 24 Bits, ou en 16 Bits dans une seule mosaïque sans titres, ce dernier album d'AP est sans doute celui que ses fans de la première heure n'attendaient plus. Colossal, créatif, mélodieux, rythmique et indescriptible!
C'est sur des poussières de tintements que des accords glissent vivement comme ces gracieux et fluides mouvements aquatiques des gerris sur la surface introductive de "Biosphere Part 1". Ces arpèges avancent et changent de direction par secousses sous les caresses des lents mouvements ailés des nappes chloroformiques. Les premières percussions qui tombent font résonner des cliquetis, alors les deuxièmes insufflent du tonus et structurent un lent up-tempo embourbé dans la lenteur des nappes oisives et atmosphériques. Une mélodie émerge et tisse peu à peu son séduisant ver-d'oreille qui est quasiment invisible mais qui fait drôlement son chemin au travers un panorama orné par des effets de DJ et de Breakdance. Toujours pas convaincant, le rythme reste néanmoins entraînant dans une chorale de violons qui chantonnent dans des habits de dance-music uniques à la signature d'AP. Deux lignes de mélodie naviguent dans l'enveloppe musicale de "Biosphere Part 1" qui continue de sautiller jusqu'à ce que ses séquences dansent en solitaire dans le sillon d'un avion supersonique décollant sur un tarmac de voix molles et d'effets de voix qui traînassent comme dans les bons moments de Binar... Et bang! Une explosion, des résidus de nuage sonique et des gazouillis électroniques (Mexican Radio de Wall Of Voodoo) ouvrent les atmosphères de "Biosphere Part 2". Une masse de vents creux exportent ces babillages et autres bruits électroniques vers un semblant de rythme statique qui oscille avec la ferveur des respirations bruiteuses. Les vents deviennent dominants, créant une toile ambiant-sphérique où se greffent des nappes de voix chthoniennes et des ondes enveloppantes d'un synthé et de sa banque d'effets sonores toujours bien agencés aux ambiances de chaque titre dans BIOSPHERE.
Les vents hurlent jusque dans les territoires de "Biosphere Part 3". Des accords percussifs sonnant comme des cloches et une ligne de séquences sautillant vivement accueillent nos oreilles, de même qu'une mélodie soufflée dans un effet feutré. Les séquences déploient leurs filaments stroboscopiques où transitent des fuzz-wah-wah très discrets d'un titre disco oublié dans les années 70. La mélodie est très dominante sur ce 3ième acte. Calquée dans un modèle évolutif, elle devient de plus en plus découpée, cette fois-ci c'est par le synthé, ajoutant un poids de plus en plus mélodieux à "Biosphere Part 3". Les percussions claquent et le séquenceur libère une banque d'ions qui vibrionnent avec ferveur, mais le rythme est cerné par des orchestrations babyloniennes dont les airs Arabes ajoutent une vision cinématographique à une structure qui atteint un niveau d'intensité que l'on sentait déborder depuis les 3 minutes. "Biosphere Part 4" mastique nos oreilles avec un 9 minutes de danse clanique et des percussions manuelles qui roulent nerveusement sur un lit d'orchestrations en déroute. Une ligne d'effets sonores chevrotant, une ligne de séquences nerveuses, des effets de voix saccadés et des percussions plus nourries convergent vers un point de rencontre alors que "Biosphere Part 4" se met en mode Électronica, section danse tribale orientale. Le rythme est contagieux et l'enveloppe sonore est alimentée par une foulée d'effets et de rythmes adjacents qui culminent vers un furieux rock électronique digne des meilleurs moments d'AP. Les ambiances se calment dans des ondes de réverbérations qui se jettent dans "Biosphere Part 5". Des cognements sourds et des distorsions engraissent cette ouverture remplie d'effets de bruits grinçants et de nappes ectoplasmiques qui se fondent dans des orchestrations dont les origines restent à définir. Nos oreilles sont en attentes et les orchestrations sont de plus en plus sifflantes alors que les nappes de voix empruntent un passage chthonien. Là, des séquences scintillent comme si on venait d'ouvrir un coffre à trésors soniques! Une ligne se forme et tournoie en vrille hypnotique dans ce décor paradisiaque où une voix tremblante chuchote une incantation berbère. Divers éléments sonores et rythmiques confluent vers cette structure circulaire où l'antre de la folie se mesure par les coups sourds et ces tourbillons sans fin qui secouent les dernières minutes de ce long titre qui diminue son niveau d'intensité afin de franchir le seuil de "Biosphere Part 6". Les séquences continuent de tournoyer en de petits kaléidoscopes magnétisants, alors que les nappes de voix rencontrent ces orchestrations qui apaisent les sens. Il y a une douceur onirique dans cette ouverture qui palpite continuellement jusqu'à se verser dans un lourd et lent rock symphonique qui met un terme à BIOSPHERE. Sans nul doute, le meilleur Andy Pickford depuis son retour!

Sylvain Lupari 16/04/19