jeudi 31 janvier 2019

MAX CORBACHO: Horizon Matrix (2019)

“Horizon Matrix is an album of pure ambient music with a darker tone”
1 Quantum Cathedrals 28:13
2 Temporal Horizon 14:51
3 Beyond the Light Storm 14:21
4 Into the Ocean of Time 8:07
5 Gravitation Memory 7:38

Silentsun | mc006 (CD-r/DDL 73:15)
(Dark ambient music)
  **Chronique en français plus bas**
A distant sonorous murmur rises in the west. Prisms shimmer in its ambient breeze, which is now blowing like a huge sibylline mass with its esoteric mysteries. "Quantum Cathedrals" begins “Horizon Matrix” with a gigantic sound wave knitted of interwoven layers which accumulate in a mosaic of tones and of contrasting colors. To help soften the gloomy presence behind this large stratum of evolving meditative ambient elements, Max Corbacho hangs on it some subtle astral hums which, along with the flickering prisms, ignite our interest in this titanic ambient movement that is barely changing within its sonic parameters. And the Spanish musician continues to blow the hot and the cold, leaving the listener the choice to select the transcendental essences that emerge from this opaque ambient movement. Gradually, we plunge into an even darker world around the 11th minute when the sound layers infiltrate the corridors of a dark cave. The breezes become cavernous, but always comforting. Prism glow is still blazing, bringing this meditative nuance of Asian countries to those 28 minutes which end in a whirlwind of tranquility. No surprises or disappointments, “Horizon Matrix” remains in the continuity of the works of Max Corbacho. Possibly darker than Nocturnes II, the music flirts with that degree of wisdom which characterizes the universe of multilayered landscapes of the Spanish synthesist that has the gift of making our imaginations travel between the borders of the cosmos and of the esotericism. So, there are no surprises here, except for the delicious organic texture that responds to the ambiences of "Into the Ocean of Time". The rest? Pure ambient music where the absence of rhythms is compensated by the gregarious mutations of a herd of sonic shadows which moves with a sluggish slowness, giving Max Corbacho time to paint them with colors which change according to our perceptions. More vibrant and definitely more aggressive in the choice of its meditative hue, "Temporal Horizon" is a torrent of scarlet magma which sticks to our eardrums. The color of the moods is constantly changing with a vision of the underworld and another more pastoral, with a fine perfume of organ mass, bickering the 15 minutes of "Temporal Horizon". The bickering remains a bit the same in "Beyond the Light Storm" which displays the most beautiful colors of occult ambiences with layers of voices and of synth in more pastel colors. After the intense tide of buzzing winds in "Into the Ocean of Time", "Gravitation Memory" ends “Horizon Matrix” with another intense push of multilayered breezes which exhale breaths as dark as translucent. Sand dust scrapes the in-between of these diaphanous plates and further digs the initiatory flap which animates the atmospheres of this album which travel between the cosmos and the colors of our imagination.
Sylvain Lupari (January 31st, 2019) *****

Available at Max Corbacho's Bandcamp
                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Un lointain murmure sonore se lève à l'Ouest. Des prismes miroitent dans sa brise ambiante qui souffle maintenant comme une grosse masse sibylline avec ses mystères ésotériques. "Quantum Cathedrals" débute “Horizon Matrix” avec une gigantesque onde sonore tricotée de nappes entremêlées qui s'accumulent dans une mosaïque de tonalités et de couleurs contrastantes. Pour aider à adoucir la présence lugubre derrière ce large banc d'éléments d'ambiances méditatives en mouvement, Max Corbacho accroche de subtils fredonnements astraux qui, avec le scintillement des prismes, allument notre intérêt pour ce titanesque mouvement ambiant qui mue à peine à l'intérieur de ses paramètres soniques. Et le musicien Espagnol continue de souffler le chaud et le froid en laissant à l'auditeur le soin de choisir les essences transcendantales qui se dégagent de cet opaque mouvement ambiant. Peu à peu, nous plongeons dans un univers encore plus ténébreux autour de la 11ième minute lorsque que les nappes sonores infiltrent les couloirs d'une grotte sombre. Les brises deviennent caverneuses, mais toujours réconfortantes. L'éclat de prisme tinte toujours, apportant cette nuance méditative des pays d'Asie à ces 28 minutes qui se terminent dans un tourbillon de quiétude. Pas de surprises, ni déceptions, “Horizon Matrix” reste dans la continuité des œuvres de Max Corbacho. Possiblement plus sombre que Nocturnes II, la musique flirte avec ce degré de sagesse qui caractérise l'univers des paysages d’ambiances du synthésiste Espagnol qui a ce don de faire voyager les imaginations entre les frontières du cosmos et de l'ésotérisme. Donc, il n'y a pas de surprises ici, si ce n'est que la délicieuse texture organique qui répond aux ambiances de "Into the Ocean of Time". Le reste? De la musique ambiante pure où l'absence de rythmes est compensée par les mutations grégaires d'un troupeau d'ombres sonores qui se déplace avec une lenteur velléitaire, donnant ainsi le temps à Max Corbacho de les peindre avec des couleurs qui changent selon nos perceptions. Plus vibrant et nettement plus agressif dans le choix de sa teinte méditative, "Temporal Horizon" est un torrent de magma écarlate qui colle à nos tympans. La couleur des ambiances est en constante mutation avec une vision des enfers et une autre plus pastorale, avec un fin parfum d'orgue de messe, qui se chamaillent les 15 minutes de "Temporal Horizon". Le combat reste un peu le même dans "Beyond the Light Storm" qui affiche les plus belles couleurs d'ambiances sibyllines avec des nappes de voix et de synthé aux couleurs plus pastel. Après l'intense marée des vents bourdonnants dans "Into the Ocean of Time", "Gravitation Memory" termine “Horizon Matrix” avec une autre poussée intense de multicouches de brises qui expirent des souffles aussi sombres que translucides. De la poussière de sable érafle ces plaques diaphanes et creuse encore plus le volet initiatique qui anime les ambiances de cet album qui voyagent entre le cosmos et les couleurs de notre imagination.

Sylvain Lupari 31/01/19

mardi 29 janvier 2019

TM SOLVER: Delay Line (2019)

“Tones on tones and over atypical figures of rhythms, Delay Line shines of its meaning on an another good abstract EM album from Thomas Meier”
1 New Sparkle 10:48
2 End of Voltaire 15:07
3 Debussy on Keys 18:18
4 Refinery 8:48
5 Artificial Sequence 12:38
6 Introspective 10:5

Syngate | CD-R TM13 (CD-r/DDL 76:36)
(Abstract, ambient & New Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
Structured? Not really! “Delay Line” brings us into the territories of sound surprises with a Thomas Meier strong of his new instruments. Available in CD-r format, a Hi-Res 24-96 version is also available on DVD, or in a 16 or 24-bit downloadable format, this latest work of TM Solver offers nearly 80 minutes of tonal experiments on 6 ambient rhythms which hatch out, roll and go, fade and born again in a collateral shape some few moments later.
From a din of electronic effects is born a furtive line of bass sequences which begins the chaotic rise of "New Sparkle". Like mischievous steps climbing a staircase with a few timed stops, the ambient rhythm spreads its mixed colors in a moving sound mass. Banks of nebulous mists, electronic sounds as sought after as in the world of Robert Schroëder and strange murmurs accompany this aerial walk which increases the pace with the arrival of percussions. Sharp filaments stand out from the banks of fog and form the harmonic part of "New Sparkle" with floating layers which sing like those electronic mermaids swimming in the interstellar mists. Flirting with an abstract universe, the music of “Delay Line” focuses on samplings and organic textures that follow the curves of atypical rhythms. With a bit of imagination, it's no exaggeration to compare the rhythm of "End of Voltaire" to a cha-cha-cha that one would dance some 1000 years later. Its rhythm also needs percussions so that we can move our feet tapping the floor. Jerked, as much in the flow of arpeggios as sequences, the structure offers very beautiful sound flashbacks from the Düsseldorf School of the years 71 to 73. The contemporary aspect is not left out with a sound decor which remains as rich as creative and makes our ears wiggle of happiness to a couple of occasions. In fact, one of the delights of this “Delay Line” lies in its concentration of sound effects which recall the years of exploration and sonic discoveries with the coming of sampling banks and their huge tonal reservoirs.
These tanks fill up constantly, always pushing the boundaries of music to other galaxies. "Debussy on Keys" benefits greatly of those samplings with its retro rhythm which barely changes its course in its envelope of 18 minutes. The rhythm is ambient and is comparable to the effect of a giant vacuum cleaner which sucks up tonal dust into perpetual symmetrical spirals. This minimalist structure is conducive to a duel of scintillating arpeggios of various tones and another duel between synths that release solos with multiple tonal colors. There is a very melancholic side in this perpetual rhythmic spiral which releases perfumes of Baffo Banfi. I like the steady rhythm of "Refinery" which makes me think of the rhythmic hatching in The Dark Side of the Moog 9, Set the Controls for the Heart of the Mother, by the Schulze-Namlook tandem. The solos give a more abstract relief to a good structure deliciously convulsive. Layers of ethereal voices and acoustic guitar chords welcome the hobbling and cackling rhythm that sounds like a bipolar duck of "Artificial Sequence". Holding on its linear course, the rhythm hops in a variety of sound effects before going off alone around the 4th minute point. The structure closes its loop a few minutes later. The influences of Robert Schroëder are palpable here. The sequencer is exhausted? That's the feeling one has with "Introspective" and its rhythm structure that seems to drag the sound universe on its way. This slow rhythm makes us relive the good sonic moments of “Delay Line”, especially those in "End of Voltaire", and rests a little our imagination with an anesthetic mist where always spark these crystalline arpeggios which are part of the many charms of an EM album flirting with the abstract and the birth of the New Berlin School from the 85-90's. An album that lives up to our expectations regarding the signature and the aesthetic sound world of TM Solver.
Sylvain Lupari (January 29th, 2019) ***¾**

Available at SynGate's Bandcamp
                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Structuré? Pas vraiment! “Delay Line” nous amène dans les territoires de surprises sonores avec un Thomas Meier fort de ses nouveaux instruments. Offert en format CD-r, une version Hi-Res 24-96 est aussi offerte sur DVD, ou en format téléchargeable en 16 ou 24 Bits, ce dernier ouvrage de TM Solver offre près de 80 minutes d'expérimentations tonales sur 6 structures de rythmes ambiants qui naissent, vont, s'éteignent et renaissent dans une forme collatérale quelques instants plus loin.
D'un tintamarre d'effets électroniques naît une furtive ligne de basses séquences qui entreprend la chaotique ascension de "New Sparkle". Comme des pas espiègles montant un escalier avec quelques arrêts minutés, le rythme ambiant étend ses couleurs mixtes dans une masse sonore en mouvement. Bancs de brumes nébuleuses, bruits électroniques aussi recherchés que dans l'univers de Robert Schroëder et étranges murmures accompagnent cette marche aérienne qui augmente la cadence avec l'arrivée des percussions. Des filaments acuités se détachent des bancs de brume et forment la partie harmonique de "New Sparkle" avec des nappes flottantes qui chantent comme ces sirènes électroniques nageant dans les brumes intersidérales. Flirtant avec un univers abstrait, la musique de “Delay Line” se concentre sur les échantillonnages et des textures organiques qui suivent les courbes de rythmes atypiques. Avec un peu d'imagination, il n'est pas exagéré de comparer le rythme de "End of Voltaire" à un cha-cha-cha qui se danserait quelques 1000 ans plus tard. Son rythme a aussi besoin de percussions afin de bien faire bouger nos pieds qui tapotent le plancher. Saccadée, autant dans le débit des arpèges que des séquences, la structure propose de très beaux flashbacks sonores des années 71-73 de la Düsseldorf School. L'aspect contemporain n'est pas laissé de côté avec un décor sonore qui reste aussi riche que créatif et qui fait sourciller nos oreilles de bonheur à une couple d'occasions. En fait, un des bonheurs auditifs de ce “Delay Line” réside dans sa concentration d'effets sonores qui rappellent les années d'exploration et découvertes sonores avec la venue des banques d'échantillonnages et de leurs immenses réservoirs de tons.
Ces réservoirs se remplissent constamment, poussant toujours les limites de la musique vers d'autres galaxies. "Debussy on Keys" en profite largement avec son rythme retro qui modifie à peine son parcours dans son enveloppe de 18 minutes. Le rythme est ambiant et se compare à l'effet d'un aspirateur géant qui ramasse des poussières tonales dans de perpétuelles spirales symétriques. Cette structure minimaliste est propice à un duel d'arpèges scintillants de diverses tonalités ainsi qu'un autre duel entre synthés qui libèrent des solos aux multiples couleurs tonales. Il y a un côté très mélancolique dans cette spirale rythmique perpétuelle qui dégage des parfums de Baffo Banfi. J'aime bien le rythme soutenu de "Refinery" qui me fait penser à l'éclosion rythmique dans The Dark Side of the Moog 9, Set the Controls for the Heart of the Mother, du tandem Schulze-Namlook. Les solos donnent un relief plus abstrait à une belle structure délicieusement convulsive. Des nappes de voix éthérées et des accords de guitare acoustique accueillent le rythme clopinant et caquetant comme un canard bipolaire de "Artificial Sequence". Maintenant son cap linéaire, le rythme sautille dans une panoplie d'effets sonores avant de faire cavalier seul autour des 4 minutes. La structure referme sa boucle quelques 2 minutes plus tard. Les influences de Robert Schroëder sont palpables ici. Le séquenceur est épuisé? C'est l'impression que nous avons avec "Introspective" et sa structure de rythme qui semble traîner l'univers sonore sur sa route. Ce rythme lent nous fait revivre les bons moments sonores de “Delay Line”, surtout ceux dans "End of Voltaire", et repose un peu notre imagination avec une brume anesthésiante où pétillent toujours ces arpèges cristallins qui font partie des plusieurs charmes d'un album de MÉ flirtant avec l’abstrait et la naissance du New Berlin School des années 85-90. Un album à la hauteur de nos attentes vis-à-vis la signature et l'esthétisme sonore de TM Solver.

Sylvain Lupari 29/01/19

dimanche 27 janvier 2019

ARCANE: Frontiers (2019)

“The mostly perfect hommage to Edgar Froese yet, Frontiers is a flawless album loaded of great musical memories”
1 Frontiers 1 13:53
2 Frontiers 2 6:57
3 Frontiers 3 6:03
4 Frontiers 4 7:41
5 Frontiers 5 6:49

Paul Lawler Music (DDL 41:25)
(Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
The sequencer does not waste time! It spits rubber-covered leaps which flutter on the spot and hop from one ear to another, structuring one of those electronic rhythms which used to untie our neck from our shoulders in the late 70's. A nebulous haze flirts with this rhythm where get graft riffs and keyboard effects, while bright arpeggios adopt the rotational axis of the rhythm which leaps with more velocity when percussions add their rollings. In addition to the mists and effects, the synth articulates paradisiacal chants unique to the harmonic signature of Edgar Froese at this time. After a first phase of steady rhythm, "Frontiers 1" slides towards an ambiospherical passage with this vision of nomads of the American deserts which seems to have obsessed a certain phase of creativity of our famous German musician. The riffs and jets of fog, synth solos whistled as in a post apocalyptic western, streamers of rhythms which shake back and forth between two shores of nothingness ... The range of Edgar Froese's musicality meets us between Ages and The Perth Tapes.
This latest album by Paul Lawler is a tribute to the musical universe of the first solo albums from the founder of Tangerine Dream. And let me tell you that the one who kindly fooled the faithful of the German trio with his Arcane project, more precisely with the Max Richter era, has knitted a flawless album because “Frontiers” gathers all the sound and musical clichés of the legend Edgar Froese between the years 78-83. And Paul Lawler restores this universe with unprecedented precision, both in the structure of compositions and in the signature and sound aesthetic of Edgar. And when we talk about the first albums, the ambiospherical moments of albums such as Aqua and Epsilon in Malaysian Pale, except for the massive use of the Mellotron, are barely touched on this album. This history in charms continues with "Frontiers 2"! This title is a gem with its line of rhythm subdivided into an armada of solitary sections that are joined in a continuous movement, and with its imperfections. Notably with its percussion riffs! Jets of mist full of mysteries, nebulous stationary mist cushions, suspended Mellotron lines and floating decor with a zest of Mephistophelian add a to tonal texture which is closely aligned with Edgar Froese's best stories. "Frontiers 3" teleports us in the Ages era with a lively rhythm and a creative Funky keyboard. The harmonies of the synth, the always inconsistent rhythm and ambiances torn between Flashpoint and The Keep make of "Frontiers 4" a more contemporary title of the Froese universe, while "Frontiers 5" possesses perfumes of Le Parc on structures of Stuntman.
Who better than Paul Lawler to target a period in order to pay tribute to a pioneer Electronic Music of the 70's? “Frontiers” is a flawless album. Don't expect to hear remixes here or music which is slightly near of the original versions. No! Arcane goes for creativity by adding the weight of Edgar Froese's fantasies to structures that are unique to Arcane, but which are just as propitious to Edgar's vibes in those years when Tangerine Dream and his captain realized their best of their masterpieces. Superb!
Sylvain Lupari (January 27th, 2019) *****

Available on Paul Lawler Bandcamp
                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Le séquenceur ne perd pas de temps! Il crache des bonds enrobés de caoutchouc qui papillonnent sur place et sautillent d'une oreille à l'autre, structurant un de ces rythmes électroniques qui désarticulait notre cou des épaules vers la fin des années 70. Une brume nébuleuse flirte avec ce rythme où se greffent des riffs et des effets de claviers, tandis que des arpèges lumineux adoptent l'axe rotatoire du rythme qui bondit avec plus de vélocité lorsque des percussions arriment leurs roulements. Outre les brumes et les effets, le synthé articule des chants paradisiaques uniques à la signature harmonique d'Edgar Froese à cette même époque. Après une première phase de rythme soutenu, "Frontiers 1" glisse vers un passage ambiosphérique avec cette vision des nomades des déserts américains qui semble avoir obnubilé une phase de créativité du célèbre musicien Allemand. Les riffs et jets de brume, les solos de synthé sifflotés comme dans un western post apocalyptique, serpentins de rythmes qui se secouent vont et vient entre deux rives du néant… L'éventail de la musicalité d'Edgar Froese nous rencontre entre Ages et The Perth Tapes.
Ce dernier album de Paul Lawler est un hommage à l'univers musical des premiers albums solos du fondateur de Tangerine Dream. Et laissez-moi vous dire que celui qui a gentiment dupé les fidèles du Tangerine Dream avec son projet Arcane, plus précisément avec la période Max Richter, a tricoté un album sans failles puisque “Frontiers” ramasse tous les clichés sonores et musicaux de la légende Edgar Froese entre les années 78-83. Et Paul Lawler restitue cet univers avec une précision inouïe, tant dans la structure des compositions que dans la signature et l'esthétisme sonore d'Edgar. Et lorsqu'on parle des premiers albums, les moments ambiosphériques des albums tel que Aqua et Epsilon in Malaysian Pale, sauf pour l'utilisation massive du Mellotron, sont à peine effleurer dans cet album. L'histoire en charme se poursuit avec "Frontiers 2"! Ce titre est un petit bijou avec sa ligne de rythme subdivisé en un armada de sections solitaires qui s'aboutent en un mouvement continue avec ses imperfections. Notamment avec ses riffs de percussions! Jets brumeux plein de mystères, coussins de brume stationnaires nébuleuses, lignes de Mellotron en suspension et décor flottant avec un zest Méphistophélique ajoutent une texture tonale étroitement en harmonie avec les meilleures histoires d'Edgar Froese. "Frontiers 3" nous téléporte dans la période Ages avec un rythme enlevant et un clavier créatif un peu Funky. Les harmonies du synthé, le rythme toujours inconsistant et des ambiances déchirées entre Flashpoint et The Keep font de "Frontiers 4" un titre plus contemporain de l'univers Froese, tandis que "Frontiers 5" possède des parfums de Le Parc sur des structures de Stuntman.
Qui de mieux placé que Paul Lawler pour cibler une période afin de rendre hommage à un pionnier de la MÉ des années 70? “Frontiers” est un album impeccable. Ne vous attendez pas à entendre des sortes de remix ici. Non! Arcane y va pour la créativité en ajoutant le poids des fantaisies d'Edgar Froese à des structures qui sont propres à Arcane mais tout autant propices aux ambiances d'Edgar dans ces années où Tangerine Dream et son capitaine ont réalisé leurs meilleurs chef-d'œuvres. Superbe!

Sylvain Lupari 27/01/19

samedi 26 janvier 2019


“A much easier EM easy to tame with soft-tempos and piano lines that are quite alike, this Seaside scatters its best moments in a too long double CD set”
1 Waves 8:33
2 Seaside 6:25
3 Remembering Paris 6:45
4 Blue Sky 6:17
5 Starlight II 8:43
6 Stellar Night 8:34
7 Time's Right 8:03
8 It's a Rainy Day (feat. Mrs. King) 7:03
9 Nightlife 8:19
10 Deckard's Party 6:32
11 Time's Right Single Mix Bonus 4:39
12 Replicant's Dream 11:05
13 Empty Room 9:19
14 Memories of Tomorrow 8:21
15 Distant Life 5:25
16 Thannhauser Gate 11:11
17 Fading (Away) 3:30

SynGate Wave CD-R SD07 (CD-r/DDL 128:51)

(Cinematic ambiences)
  **Chronique en français plus bas**
If you enjoyed Midnight, I hear no reason for it to be different with “Seaside”. For this second collaboration, the duo Dart & Dorricott does in the original by offering an impressive collection of 16 original titles which float in the perfumes of an Electronica easy to tame, without industrial nor psybient artifices. In short, a music to which one listens to so well that even my wife loved it! Proposed as much in CD-r as in download, the music is rich of its ambiances with a production in 24 bits which does justice to another chapter of the film Blade Runner. CD1 is entitled; The Human Side and proposes 10 tracks whose cinematographic vision observes the evolution of Deckard and Rachael between both films.
"Waves" sets the tone to this filmic vision with noises of waves which get clinging to the rocks. The tone of the synth is quite Vangelis with beams that come and go with a certain degree of intensity. This setting allows the introduction of the piano and its solitary notes which are filled of nostalgia. Soft percussions structure an ambient rhythm, caressed by layers of voices. The piano clings. The tone is in the Lounge genre and depicts pretty well the upcoming moods of “Seaside”. Dominating, the piano of Mark Dorricott is of all the fights. Whether acoustic and electronic, it weaves lines of harmonies, often melancholic and sometimes more joyful, in sonic panoramas which breathe through different forms of rhythms. All very accessible between soft-tempo and a very reasonable down-tempo. Easy Listening, New Age and Sunday morning music are in the spotlight in this double album where the melodies abound over good arrangements. Stan Dart has grasped the melodious dimension of his musical companion and uses it wisely throughout “Seaside”. "Remembering Paris" is a very good example. In doing so, it gives a more unidimensional approach to the music which goes very rarely to more complex tracks. There are good moments of ambience which are very cinematic-intense. I think of "Starlight II", "Stellar Night" and "Time's Right" which are the highlights of The Human Side. "Deckard's Party" is the most danceable title of “Seaside”. And again, it remains very sober.
CD 2, The Replicant Side, is much better. I don't understand why the shortened version of Time's Right since it's a solid piece of music. I like the Ambient House style in "Replicant's Dream". The introduction is very orchestral with a well felt zest of cosmos. The arrangements are top notch! We slowly arrive at the rhythm, but once our legs have gotten in, difficult to stop! "Empty Room" is a nice lunar slow-tempo. The rhythm is lascivious, the bass line is to dream with its way to cling to the rhythmic melody and the piano notes crystallize a melody as evasive as a dream. "Memories of Tomorrow" sounds very much heard in the best moments of The Human Side. It's beautiful, but... "Distant Life" is another good title woven on a long line of riffs and where the piano makes clink notes and harmonies in a sonic water crystallized of prisms. Its notes are of a piercing blue and throw spears of emotivity in a race against time which ends in a heavy and dense orchestral rock. It's very intense and it matches some of the good times in Midnight. "Thannhauser Gate" is the jewel of “Seaside”. The music is very intense and dominated by the multilayer harmonies of this piano which seduces both by the agility of Mark Dorricott's fingers, the time in the rhythm and in the emotional power of the arrangements. "Fading (Away)" is a remixed vision of Tears in the Rain, much like in the movie of 2018.
I guess that one single album would have been better. But then again, the titles retained must be the good ones! And that depends on the points of view. If you like easy music to whistle, with melodies and structures of soft-tempos guided by piano lines which in the end sound a little bit alike, I believe you will have no trouble with this album. It's nice and well done, I can't argue with that. The sound depth is quite good too, but we are quite far from a progressive and complex EM with breathtaking turnarounds. There are good times and again, they are developed in a lunar and seraphic vision.
Sylvain Lupari (January 25th, 2019) *****

Available at SynGate's Bandcamp
                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Si vous avez apprécié Midnight, je n'entends aucune raison pour que cela soit différent avec “Seaside”. Pour cette 2ième collaboration, le duo Dart & Dorricott fait dans l'originalité en proposant une impressionnante collection de 16 titres originaux qui flottent dans les parfums d'une Électronica facile à domestiquer, sans artifices industriels ni de psybient. Bref une musique qui s'écoute tellement bien que même ma blonde a aimé! Proposée autant en CD-r qu'en download, la musique est riche de ses ambiances avec une production en 24 bits qui rend justice à un autre chapitre du film Blade Runner. Le CD1 est intitulé; The Human Side et propose 10 pièces dont la vision cinématographique épie l'évolution de Deckard et Rachel entre les 2 films.
"Waves" donne le ton à cette vision filmique avec des bruits de vagues qui s'agrippent aux rochers. Le ton du synthé fait assez Vangelis avec des faisceaux qui vont et viennent avec un certain degré d'intensité. Ce décor permet l'introduction du piano et de ses notes esseulées qui sont remplies de nostalgie. De fines percussions structurent un rythme ambiant, caressé par des nappes de voix. Le piano s'accroche. Le ton est du genre Lounge et dépeint assez bien les ambiances à venir de “Seaside”. Dominant, le piano de Mark Dorricott est de tous les combats. Que ce soit acoustique et électronique, il tisse des lignes d'harmonies, souvent mélancoliques et quelques fois plus joyeuses, dans des panoramas soniques qui respirent par différentes formes de rythmes. Tous très accessibles entre du soft-tempo et un down-tempo très raisonnable. Le Easy Listening, le New Age et la musique du dimanche matin sont à l'honneur dans ce double album où les mélodies abondent sur de bons arrangements. Stan Dart a bien saisi la dimension mélodieuse de son compagnon de musique et s'en sert à bon escient tout au long de “Seaside”. "Remembering Paris" est un très bel exemple. Cela faisant, ça donne une approche plus unidimensionnelle à la musique qui s'évade très rarement vers des pistes plus complexes. Il y a des bons moments d'ambiances qui sont très cinématico-intenses. Je pense entre autres à "Starlight II", "Stellar Night" et "Time's Right" qui sont les points forts de The Human Side. "Deckard's Party" est le titre le plus danse de “Seaside”. Et encore là, ça reste très sobre.
Le CD 2, The Replicant Side, est nettement supérieur. Je ne comprends pas la version écourtée de Time's Right puisque c'est un solide morceau de musique. J'aime bien le style Ambient House dans "Replicant's Dream". L'introduction est très orchestrale avec un zest de cosmos bien senti. Les arrangements sont top notch! On arrive lentement au rythme, mais une fois que nos jambes ont embarquées, difficile d'arrêter! "Empty Room" est un beau slow lunaire. Le rythme est lascif, la ligne de basse est à faire rêver avec sa façon de s'agripper à la douce mélodie rythmique et les notes de piano cristallisent une mélodie aussi évasive qu'un songe. "Memories of Tomorrow" sonne comme du très entendu dans les meilleurs moments de The Human Side. C'est beau, mais…"Distant Life" est un autre bon titre tissé sur une longue ligne de riffs où le piano fait tinter notes et harmonies dans une eau sonique cristallisée de prismes. Ces notes sont d'un bleu perçant et lance des pointes d'émotivité dans un genre de course contre le temps qui se conclut dans un lourd et dense rock orchestral. C'est très intense et ça rejoint certains des bons moments dans Midnight. "Thannhauser Gate" est le joyau de “Seaside”. La musique est très intense et dominée par ces multicouches d'harmonies de ce piano qui séduit tant par l'agilité des doigts de Mark Dorricott que le temps dans le rythme et la puissance émotive des arrangements. "Fading (Away)" est une vision remixée de Tears in the Rain, un peu comme dans le film de 2018.
Le défaut de “Seaside”! C'est un album double. Un simple aurait été nettement plus judicieux, mais encore là faudrait-il que les titres retenus soient les bons! Et ça, ça dépend des points de vue. Si vous aimez une musique facile à siffloter, avec des mélodies et des structures de soft-tempos guidée par des lignes de piano qui au final se ressemblent un peu tous, je crois que vous n'aurez aucune difficulté avec cet album. Par contre, nous sommes loin d'une MÉ progressive et complexe avec des retournements à couper le souffle. Il y a de bons moments et encore là, ils sont développés dans une vision lunaire et séraphique.

Sylvain Lupari 25/01/19

jeudi 24 janvier 2019

IAN BODDY: Spirits (95-19)

“Spirits is a pretty solid follow-up to The Climb with a heavier vision and a subtil complexity in this meshing of Synth-Pop and E-Rock that go along pretty fine with great ambiences moments”
1 Pulse 3:45
2 Living in a Ritual 4:17
3 The Sentinel 12:03
4 Spirits 23:18
5 Lamalode 13:25

Something Else Records ‎| SER 007 (1997)
DiNDDL22 (DDL 56:41)
(E-Rock, Synth-Pop and chthonian vibes)
  **Chronique en français plus bas**
1984! It's the consecration of Frankie Goes to Hollywood and The Bronski Beat while Depeche Mode stays on top with Some Great Reward. The synth-pop seems to flounder while Tangerine Dream is still surfing on Hyperborea and that Jean-Michel Jarre revolutionizes the genre with the superb Zoolook. On the English side, the fans of EM discover more and more their artists and still feast on the Assassin album by Mark Shreeve whereas Wavestar imposes itself with Mind Journey. Electronic Music is in motion and the synths are ogling the digital age. Klaus Schulze makes Angst and Steve Roach comes out of the unknown with the wonderful Structures from Silence. It's also the year that Ian Boddy releases his second album, “Spirits”. With the acquisition of a Yamaha DX7, which would effectively sweep the creative instincts of hundreds of musicians, Ian Boddy offers an album which combines complexity and ease with a strong scent of the 90's while flirting more and more with the Dark Wave but also with this energetic synth rock of the 80's and 90's.
An oblong, high-pitched synth note stretches out its sonic spasm as some electronic percussion rolls to activate the beat and "Pulse" explodes in a fusion of synth-pop and of electronic rock. The rhythm is very catchy with electronic percussions very close to the genre of those years while the melody is raging with harmonic lines quite easy to enjoy and to retain. The music borrows a percussive corridor around the 2 minutes with good electronic roars. Nice and very easy to tame with his little synth-pop side a la A Flock of Seagulls and Talk, Talk! With its African rhythm structure, "Living in a Ritual" is a small find in the Ian Boddy universe. A bit odd because of the fascinating synth-sounding-like-guitar solos, the track also features Brian Ross, singer of the Leicester heavy metal band Blitzkrieg. His voice, joined with the effects of a Vocoder, as well as the half-sung and half-recited lyrics, make a sordid Black Mass. Looks like it was a good hit in Underground clubs of the time. I had a little guilty pleasure here! The opening of "The Sentinel" also plunges us into a musical vision very close to the sci-fi and horror films of those years. I'm thinking about Interview with a Vampire and the scenes in a cemetery! An avalanche of synth pads weaves a striking contrast in a sulphurous sibylline vibe. Some synth pads throw poignant reflections of virginity with celestial harmonic threads while others grow rather with an effect of debasement, of perversion. It's a thematic music of ambiences which respects a bit more this more Chthonian vision of England Dark Synth Wave. The 2nd part gets activated around electronic percussions which roll in a perpetual effect of stationary thunder whereas the principal elements of harmonies, which were quieter in the first 6 minutes of "The Sentinel", spring out in very good musical itches.
Lasting more than 23 minutes, the title track should be at that time a good indicator of what will be Ian Boddy's next big achievements. Sewn in complexity, the music oscillates between its phases of Gothic ambiances and its violent, and rather well structured, rhythmic ride guided by Ian McCormack on drums. The opening is feed by a pile of organ layers and other ones with a slight perfume of celestial flutes. The drum thunders and resounds, melting into a gothic air mass modulated by a bass breeze giving a cathedral dimension to an ambience which still breathes through the roots of a music for happy coffins. Austere chords and synth effects will remind horror film lovers of the gloomy semi-comic moods in The Fearless Vampire Killers, while the music remains in its medieval cinematographic approach. The rhythm convulses in violent percussive jolts 30 seconds before 7 minutes! A structure of dance music and electronic rock soaks our ears with a lively rhythm where nestled beautiful melodious piano lines and tears of a violin still unable to cling to the jolts of percussion. Wandering in ill-famed alleyways, the rhythm breathes like a beast trapped in the tears of old organ layers while the keyboard spreads again its longline phases of piano tunes dancing like gypsy on a structure now guided by orchestrations. "Spirits" is always evolving! It will reflect about its new appearance in the echoes of huge church bells, infiltrating a sibylline crack to drown in the gargantuan organ layers. Quite a whole scenario for 23 minutes of music! "Lamalode" is a bonus track which appeared on the CD version of “Spirits” back in 1995 on Something Else Records. The music and its ambiances are in the tone with a signature which is very near of the title track and "The Sentinel".  But there is no rhythmic explosion. They are rather philharmonic ambiences, including violin / piano, which extricate themselves from an introduction of chthonian atmospheres.
I have found “Spirits” much stronger than The Climb! The music is heavier and the complexity of the structures, even that of "Living in a Ritual" which is quite remarkable by the way, give to it a spectral dimension which doesn't harm the harmonies, nor the kitsch side of rhythms built around both Beat boxes and real percussions pounded by a real drummer. There is everything to everyone here! Easy music to tame, a good mix of ambiences on a heavy structure of lead and finally a complex track dominated also by fire in the percussions. The bonus track? Humpfh!!! And like in The Climb, I really appreciate this reissue of Ian Boddy's 2nd album on his DINDDL download platform. We travel on the wings of time, to the sound of a very good Electronic Music which consolidates the birth of the England School started a few years ago with Mark Shreeve and Jim Kirkwood. A very good find!
Sylvain Lupari (January 24th, 2018) ****½*

Available on Din Bandcamp
                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

1984! C'est la consécration de Frankie Goes to Hollywood et de The Bronski Beat alors que Depeche Mode reste bien en selle avec Some Great Reward. La synth-pop semble battre de l'aile alors que Tangerine Dream surfe encore sur Hyperborea et que Jean-Michel Jarre révolutionne le genre avec le superbe Zoolook. Du coté Anglais, les amateurs de MÉ découvrent de plus en plus leurs artistes et se régalent encore de l'album Assassin de Mark Shreeve alors que Wavestar s'impose avec Mind Journey. La Musique Électronique est en mouvement et les synthés respirent l'ère du numérique. Klaus Schulze fait Angst et Steve Roach sort de l'inconnu avec le merveilleux Structures from Silence. C'est aussi l'année où Ian Boddy lance son 2ième album, “Spirits”. Fort de l'acquisition d'un Yamaha DX7, qui allait effectivement balayer les instincts créatifs de centaines de musiciens, Ian Boddy propose un album qui allie complexité et facilité avec un fort parfum des années 90 tout en flirtant de plus en plus avec le Dark Wave mais aussi avec ce synth rock énergique des années 80-90.
Une oblongue note de synthé aigu étire son spasme sonique alors que des percussions électroniques roulent afin d'activer le rythme et "Pulse" éclate dans une fusion de synth-pop et de rock électronique. Le rythme est très entraînant avec des percussions électroniques très près du genre de ces années alors que la mélodie fait rage avec des lignes harmoniques assez faciles à savourer et retenir. La musique emprunte un corridor percussif autour des 2 minutes avec de bons rugissements électroniques. Sympa et très facile à apprivoiser avec son petit côté synth-pop à la A Flock of Seagulls et Talk, Talk! Avec sa structure de rythme Africain, "Living in a Ritual" est une petite découverte dans l'univers Ian Boddy. Un peu bizarre à cause de fascinants solos de synthé-sonnant-comme-une-guitare, "Living in a Ritual" met aussi en vedette le chanteur de Blitzkrieg, Brian Ross, un groupe de heavy métal de Leicester. Sa voix, jointe avec les effets d'un Vocodeur, ainsi que les paroles, mi-chantées et mi-récitées, font un effet de sordide Messe Noire. Paraîtrait que ça été un bon hit dans les clubs Underground de l'époque. J'ai eu un petit plaisir coupable ici! L'ouverture de "The Sentinel" nous plonge aussi dans une vision musicale très près des films de sci-fi et horreur de ces années. Je pense entre autres à Entretien avec un Vampire et les scènes dans un cimetière! Une avalanche de nappes de synthé tisse un contraste saisissant dans une sulfureuse ambiance sibylline. Certaines nappes de synthé jettent de poignants reflets de virginité avec des filtres harmoniques célestes alors que d'autres croissent plutôt avec un effet d'avilissement, de perversion. C'est une musique d'ambiances thématiques qui respecte un peu cette vision plus chtonienne de la Dark Synth Wave Anglaise. La 2ième partie s'active autour de percussions électroniques qui roulent dans un perpétuel effet de tonnerre stationnaire alors que les principaux éléments d'harmonies, qui étaient plus silencieux dans les 6 premières minutes de "The Sentinel", jaillissent en de beaux ver-d'oreilles.
S'exécutant sur plus de 23 minutes, la pièce-titre devait être à l'époque annonciatrice des divers courants musicaux qu'Ian Boddy emprunterait, seul ou en duo, quelques années plus loin. Cousue dans la complexité, la musique oscille entre ses phases d'ambiances gothiques et sa violente, et plutôt bien structurée, chevauché rythmique guidée par Ian McCormack à la batterie. L'ouverture est nourrie par un amoncellement de nappes d'orgue et d'autres nappes ayant un léger parfum de fûtes célestes. Des percussions tonnent et résonnent, se fondant dans une masse d'air gothique modulée par une brise de basse donnant une dimension cathédralesque à une ambiance qui respire toujours par les racines d'une musique pour cercueils joyeux. Des accords austères et des effets de synthé rappelleront aux amateurs de films d'horreur les lugubres ambiances semi-comiques dans Le Bal Des Vampires alors que la musique reste toujours dans son approche cinématographique médiévale. Le rythme convulse en violentes secousses percussives 30 secondes avant 7 minutes! Une structure de musique de danse et de rock électronique imbibe nos oreilles avec un rythme entraînant où nichent de belles lignes de piano mélodieux et des larmes d'un violon toujours incapable de s'agripper aux secousses des percussions. Rôdant dans les ruelles malfamées, le rythme respire comme une bête trappée dans des larmes de vieil orgue alors que le clavier réétend ses longilignes phases de piano dansant comme des gitanes sur une structure guidée maintenant par des orchestrations. "Spirits" est toujours en évolution! Il va réfléchir à sa nouvelle apparence dans les échos des grosses cloches d'église, infiltrant une fissure sibylline pour se noyer dans de gargantuesques nappes d'orgues. Tout un scenario pour 23 minutes de musique! "Lamalode" est un titre en bonus qui est apparu sur l'édition CD de “Spirits” en 1995 sur le label Something Else Records. La musique et ses ambiances sont dans le ton avec une signature qui s'apparente tant à la pièce-titre qu'à "The Sentinel". Mais il n'y a pas d'explosion rythmique. Ce sont plutôt des ambiances philarmoniques, incluant violon /piano, qui s'extirpent d'une introduction d'ambiances chthoniennes.
J'ai trouvé “Spirits” nettement supérieur à The Climb! La musique est plus lourde et la complexité des structures, même celle de "Living in a Ritual" qui n'est pas piqué des vers, lui donnent une dimension spectrale qui ne nuit pas aux harmonies, ni au côté kitsch d'une musique nourrie de rythmes en boîtes mais aussi de vraies percussions pilonnées par un vrai batteur. Il y a de tout ici! De la musique facile à apprivoiser, un bon mélange d'ambiances sur une structure de plomb et finalement un titre complexe dominée aussi par du feu dans les percussions. La pièce en boni? Humpfh!!! Et comme dans The Climb, j'apprécie au plus haut point cette réédition du 2ième album d'Ian Boddy sur sa plateforme de téléchargements DINDDL. On voyage sur les ailes du temps, au son d’une très bonne Musique Électronique qui consolide la naissance de la England School entreprise quelques années auparavant avec Mark Shreeve et Jim Kirkwood. Une belle découverte!

Sylvain Lupari 24/01/19

dimanche 20 janvier 2019


“Somnus is an album made in the spirit of the american analog ambient music at the dawn of the 80's”
1 Sonoran Silence 13:26
2 Be Here Now 9:48
3 Bioelectric Traces 7:36
4 Transient Molecules 4:42
5 Ting-Sha 10:23
6 Patterns of Fragility 8:01

HRR182012 (DDL 54:01)
(Ambient Music)
   **Chronique en français plus bas**
Somnus” is the god of sleep in the Roman mythology. This is also the last album of Alpha Wave Movement! And one guesses right away where Gregory Kyryluk wants to bring us when he mentions that this album is based on the sound aesthetics of the early 80's, whereas that EM inductive to meditation was in full expansion, especially in the south of the United States with the emergence of artists such as Steve Roach, Michael Stearns, Rich Robert, Emerald Web and so many others. Musicians who indeed brought the genre to less austere and more harmonious heavens.
"Sonoran Silence" begins with an iridescent breeze which makes rippling its sibylline colors. Strands of voices draw a distant choir whose humming reaches breathlessness our ears. But the tone is right, and the voices throw a feminine ink that floats like a perfume of ecstasy. A long movement without rhythm, but not stripped of passion, makes its way between our ears. The threads of voices recall these vague idyllic chants of Michael Stearns, I think among others to M'Ocean, while the oblong tonal caresses seem to have some fragrances of Chronos. The essences of Stearns abound here, especially after the point of 6 minutes where a delicate melody sculpted by stealth arpeggios guide our senses elsewhere. Even in its cloth of meditative moods, the music of Alpha Wave Movement is constantly moving. The second part of "Sonoran Silence" favors a waltz of sonic drones whose resonances taint this delightful melodious approach between these both antipodes. But this mix sculpts a very good moment that has seduced us so much in Structures from Silence by Steve Roach. "Be Here Now" offers an introduction blown into a flute of glass whose incandescent harmonies frolic like a troupe of harmonic sequences which skip innocently in a lush setting, such as waterfalls on an island without land. The music lives through these fragrances of sibylline harmonies which spread like astral flows rising to the heavens. A beautiful music that joins exquisitely the highlights of the genre in the 70's-80's. Passion and rhythm, "Bioelectric Traces" is the most intense title of “Somnus”. The sequences sparkle by drawing circular arches which come and go in a paradise setting. The choir is nourished with a perfect mix while the woosh and waash from the synth envelop the music of impulses of passion, giving so a very intense dimension to this title which is actually at the crossroads of the ambiences of this album. The short "Transient Molecules" is like this documentary music that explains the mysteries of the cosmos. Like martlets on a glass anvil, the crystalline arpeggios of "Ting-Sha" lead us to the secrets of Oriental meditation. These tears of music blend into the shadows of the breezes, scattering here and there resistant silk threads and bringing all the necessary nuances to this drone concerto and of its resonances. "Patterns of Fragility" ends “Somnus” like "Sonoran Silence" had started it. Either with fine luminous arpeggios sparkling in a sonic tale after a path of dark and enveloping breezes. And these arpeggios bring all the harmonious intensity needed by Gregory Kyryluk in order to reach his wish by making an album of ambient music which is in the spirit of the great works of the genre from the early 80's by American artists and using analog synths. And it's very well done!
Sylvain Lupari (January 20th, 2019) *****synth&
Available at Harmonic Resonance Recordings' Bandcamp
                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS

Somnus” est le dieu du sommeil dans la mythologie romaine. C'est aussi le dernier album d'Alpha Wave Movement! Et on devine tout de suite où Gregory Kyryluk veut nous amener lorsqu'il mentionne que cet album s'appuie sur l'esthétisme sonore du début des années 80, alors que la musique inductrice à la méditation était en pleine expansion, notamment au sud des États-Unis avec l'émergence d'artistes tel que Steve Roach, Michael Stearns, Robert Rich, Emerald Web et bien d'autres. Des musiciens qui effectivement amenaient le genre vers des cieux moins austères et plus harmonieux.
"Sonoran Silence" débute avec une brise iridescente qui fait onduler ses couleurs sibyllines. Des filaments de voix dessinent une lointaine chorale dont les fredonnements parviennent essoufflés à nos oreilles. Mais le ton est juste et les voix jettent une encre féminine qui flotte comme un parfum d'extase. Un long mouvement sans rythme, mais pas dénudé de passion, se trace entre nos oreilles. Les filets de voix rappellent ces vagues chants idylliques de Michael Stearns, je pense entre autres à M'Ocean, alors que les oblongues caressent tonales semblent avoir des parfums de Chronos. Les essences de Stearns abondent ici, surtout après la barre des 6 minutes où une délicate mélodie sculptée par des arpèges furtifs amènent nos sens ailleurs. Même dans son étoffe de musique d'ambiances méditatives, la musique d'Alpha Wave Movement est constamment en mouvement. La 2ième partie de "Sonoran Silence" privilégie une valse de drones soniques dont les résonnances entachent cette délicieuse approche mélodieuse entre les deux antipodes. Mais ce mélange sculpte un très bon moment qui nous a tant séduit dans Structures from Silence de Steve Roach. "Be Here Now" propose une introduction soufflée dans une flûte en verre dont les harmonies incandescentes font gambader une troupe de séquences harmoniques qui sautillent innocemment dans un décor luxuriant, comme ces chutes d'eau sur une île sans terre. La musique vit au travers ces parfums d'harmonies sibyllines qui se répandent comme des coulées astrales montant vers les cieux. Une très belle musique qui rejoint de façon exquise les grands moments du genre dans les années 70-80. Passion et rythme, "Bioelectric Traces" est le titre le plus intense de “Somnus”. Des séquences scintillent en dessinant des arcs circulaires qui vont et viennent dans un décor paradisiaque. La chorale est nourrie d'un mixte parfait alors que des woosh et des waash de synthé enveloppent la musique d'élans passionnels qui donnent une dimension très intense à ce titre est en réalité le carrefour des ambiances de cet album. Le court "Transient Molecules" est comme cette musique de documentaires qui expliquent les mystères du cosmos. Comme des martelets sur une enclume de verre, les arpèges cristallins de "Ting-Sha" nous amènent vers les secrets de la méditation Orientale. Ces larmes de musique se fondent dans les ombres des brises, éparpillant ici et là des filandres de soie qui résistent et apportent toute la nuance nécessaire à ce concerto pour drones et ses résonnances. "Patterns of Fragility" termine “Somnus” comme "Sonoran Silence" l'avait débuté. Soit avec de fins arpèges lumineux après un parcours de brises sombres et enveloppantes. Et ces arpèges amènent toute l'intensité harmonieuse nécessaire pour que “Somnus” soit réellement à la hauteur des souhaits de son compositeur qui voulait faire une musique ambiante dans l'esprit des grandes œuvres du genre du début des années 80 par des artistes américains et à l'aide de synthés analogues. Et c'est très réussi!

Sylvain Lupari 20/01/19

samedi 19 janvier 2019

ERIK WOLLO: Infinite Moments (2018)

“Erik Wollo doesn't reinvent the genre here! But his will to create a deep soundscapes from guitar drones brings Infinite Moments where he wants us to be”
1 Part 1 11:12
2 Part 2 11:24
3 Part 3 9:48
4 Part 4 5:50
5 Part 5 10:04
6 Part 6 10:09

PROJEKT| PRO357 (CD/DDL 58:34)

(Ambient, Drones)
   **Chronique en français plus bas**
Morose and resounding thoughts on a cold Scandinavian night!   is a very intimate album that Erik Wollo offers to his fans. More ambient and even more intimate than the Silent Currents series, this latest opus of the Norwegian bard offers 6 sonic odes without any sources of rhythms and especially without any sonic delights which come from a synthesizer. Everything turns around drones. Buzzing laying down and sculpted on the horizontal which float like those sound waves usual to the EM of ambiances. Except that here, the source comes from electric guitars which pile up vibrating strata which get intertwine in a sonic sky torn by the variances and the translucent tones of these layers often without harmonies. Like dreams forgotten in the bites of coldness. These oblong electric paths are like sound lovers whose intertwining in the mysterious mists are supervised by an E-Bow which acts as the splitter of a more harmonic vision.
The harmonies! We must listen quite a few times in order to discern them. Those familiar with the Wollo universe recognize these isolated strands which get melted into a more compact sound mass. The drones float like souls wandering aimless. Like in a sibylline dance, they waltz with the oblivion swallowing here and there harmonious little lines that we recognize by this clarity which emerges from this landscape of moods placarded of solitude. "Part 1" introduces us into this universe where everything is similar, even those subtleties which stand out to melt again in anonymity. The opaque sound waves are like those whales which undulate in a black ocean spotted by the furrows of jellyfish. The sound mass varies from one title to another with fine subtleties in the landscapes of ambiances found in "Part 5" and "Part 6". The spectral side finds an interstellar door to flirt with a more seraphic vision in "Part 2". The intensity distinguishes the titles! Although less intense at the abyssal level, this "Part 2" has a melancholic approach that is more conducive for a night sleep. Same thing for "Part 3" and its very melodious blooming which precedes its conquest of drones. The tonal vision here is close to a scarlet passion. "Part 4" is the first title where the guitar breathes such as, thus modifying the textural context of “Infinite Moments” which offers us its most beautiful moments since the end of "Part 1". Moreover, "Part 5" follows with a vision just as sharp as in the introductory title. Lyrical and sibylline, the music shines a little less at night, especially when we are two to read the book of Morpheus.
All things considered, I would not recommend “Infinite Moments” to someone who wants to discover Berlin School universe of Erik Wollo. This album is a monument of meditative music that can help sink into Morpheus's arms, even if some of the buzzing movements are intense and lugubrious. In this vast universe of ambient music or meditative ambiences, few artists reinvent the genre. But there are always artists who can bring a very personal touch to a genre which has a huge legion of followers. Erik Wollo is one of those artists! Available on manufactory pressed CD from Projekt Records or in a downloadable format on Projekt's Bandcamp
Sylvain Lupari (January 19th, 2019) *****

Available at Projekt Records

                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS

Songes moroses et retentissants par une froide nuit scandinave! “Infinite Moments” est un album très intimiste qu'Erik Wollo offre à ses fans. Plus ambiant et même plus intime que la série Silent Currents, ce dernier opus du barde norvégien propose 6 odes soniques sans aucunes sources de rythmes et surtout sans aucune source sonore qui provient d'un synthétiseur. Tout se joue avec les drones sonores. Des bourdonnements couchés et sculptés en mode horizontal qui flottent comme ces ondes sonores usuelles à la MÉ d'ambiances. Sauf qu'ici, la source provient de guitares électriques dont l'amoncellement des strates vibrantes s'entrecroisent dans un ciel sonore déchiré par les variances et les demi-teintes translucides dans les tonalités de ces couches souvent sans harmonies. Comme des songes oubliés dans les morsures de la froideur. Ces oblongs parcours électriques sont comme des amants sonores dont les entrelacements dans les brumes mystérieuses sont supervisés par un E-Bow qui agit comme le répartiteur d'une vision plus harmonique.
Les harmonies! Il faut s'y prendre à quelques reprises afin de les discerner. Ceux qui sont familiers avec l'univers Wollo reconnaissent ces filaments isolés qui sont fondus dans une masse sonore des plus compactes. Les bourdonnements flottent comme des âmes errant sans but. Comme une danse sibylline, ils valsent avec le néant gobant ici et là des petites lignes harmonieuses que l'on reconnait de par cette limpidité qui ressort de ce paysage d'ambiances placardés de solitude. "Part 1" nous introduit dans cet univers où tout se ressemble, même ces subtilités qui se détachent pour se refondre dans l'anonymat. Les ondes opaques sont comme ces baleines qui ondulent dans un océan noir tacheté par les sillons des méduses. La masse sonore varie d'un titre à l'autre avec de fines subtilités dans les paysages d'ambiances que sont "Part 5" et "Part 6". Le côté spectral trouve une porte intersidérale afin de flirter avec une vision plus séraphique dans "Part 2". L'intensité distingue les titres! Même si moins intense au niveau abyssal, ce "Part 2" possède une approche mélancolique qui est plus propice au dodo. Idem pour "Part 3" et sa floraison très mélodieuse qui précède sa conquête des drones. La vision tonale ici se rapproche d'une passion écarlate. "Part 4" est le premier titre où la guitare respire comme tel, modifiant ainsi le contexte textural de “Infinite Moments” qui nous offre ses plus beaux moments depuis la fin de "Part 1". D'ailleurs, "Part 5" suit avec une vision tout aussi acuité que dans le titre introductif. Lyrique et sibylline, la musique s'écoute un peu moins la nuit, surtout lorsque nous sommes deux à lire le journal de Morphée.
À tout bien considéré, je ne recommanderais pas “Infinite Moments” à quelqu'un qui cherche à découvrir l'univers du Berlin School d'Erik Wollo. Cet album est un monument de musique méditative qui peut aider à sombrer dans les bras de Morphée, même si certains mouvements de bourdonnements sont intenses et lugubres. Dans ce vaste univers de musique ambiante ou d’ambiances méditatives, peu d'artistes réinventent le genre. Mais il y a toujours des artistes qui sont capable d'apporter une touche très personnelle à un genre qui a une énorme légion d'adeptes. Erik Wollo est l'un de ceux-là! Disponible chez Projekt Records en format CD ou en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Projekt Records

Sylvain Lupari 19/01/19

jeudi 17 janvier 2019

ANDY PICKFORD: Objects & Expressions III (2018)

“O&E III is the best balanced of the 3 parts regarding the palette of Electronica styles presents here while conserving this daring touch of E-Rock with a colorful use of tone effetcs over driven sequenced beats”
1 Casablanco 6:49
2 Walk 6:26
3 No Fear 5:54
4 Reach 7:34
5 Maschinengeist 5:04
6 Deep Inside 5:31
7 Mitra 6:24
8 I Saw 5:58
9 Tarantellum 6:36
10 Moon to Shine 6:02

Andy Pickford Music (DDL 62:22)
   **Chronique en français plus bas**
"Casablanco" sounds the end of this other fascinating, and greedy, trilogy from Andy Pickford with a pulsating rhythm arched on another frantic sequencer movement. The percussive marbles jump from everywhere! Even that some develop a slimy vision with a rubber dress, facilitating the abrasive rebounds which are starving for other bounces. The synth weaves its harmonic thread with solos which flow over this structure that a shadow of bass leads to the explosion. The percussion sounds and resounds in this lively structure filled with voice effects which, coupled to spasmodic jolts, weave a linear line of riffs which gives an even more mordant to a very explosive Dance Music of the new millennium. “Objects & Expressions III” begins with the best part, according to my tastes, of Objects & Expressions. "Walk" tempers the game a bit with a kind of Ambient House in a cosmic hip-hop suit. The bass is delicious, and its harmonious jolts are in a cosmic setting enriched of good percussive effects, such as these delicious tones of rattlesnakes. Voice effects and dialogues also adorn this panorama of rhythm and sound elements. The rhythm plays a little on its strength than more on its velocity, bringing even another harmonic element performed by a flute. "No Fear" is as catching as "Casablanco" and has also many more percussive effects, which makes it much more attractive. The bass line is very good and even throws a dialect in the form of belly gurgles and the orchestrations, dense and epic, are going against the sharp and jerky movement of the sequencer. We are not far from Trance & Trash here! "Reach" gives us a nice big 7 minutes of respite with a ballad, not denuded of a catchy rhythm, accompanied by a good guitar patch and later a synth which aims to our ears in order to deposit a big melodious worm. A great track and it sounds very AP of his 95's repertoire.
The volumes follow each other and are similar by the content of the structures! So, a beautiful melody is always followed by another thing as soft and tender, not to say romantic. Like this "Maschinengeist" which is a beautiful ballad at making melt the carapace of an eternal grouch. The arpeggios parade on a milky way awakening on their way a synth and its fluty tunes which mystify some beautiful orchestrations. The seraphic voices and a tempo which gains a little velocity! And always this delicious bass line which consolidates its presence when the title cracks for another acceleration pushed by the orchestrations. We are at the pinnacle of a sweet pinky tune which does fit very good in this mishmash of disheveled rhythms. At first glance, "Deep Inside" appears to us like a movie music, kind of espionage film, with its slow and heavy structure that is rather between Pulp and Sneaker Pimps. The music still breathes these sound effects which invariably are complicit in these riffs scrolling like adjacent line of rhythm to a sequencer's one and to some tasty manual percussions. Orchestrations, vocoder and acoustic guitar accompany this structure surrounded by another dense tonal envelope. Woossshh and wiissshh precede a piano line and its notes wandering through the metal breezes. The bass, superb in this “Objects & Expressions III” hurries to put us a rhythmic worm in the ears and "Mitra" puts down its hopping rhythm as lively as the arrangements in a mid-tempo dipped in the roots of Death in Vegas. "I Saw" is very close to this music with a heavy dose of a heavy and slow indie vibe. An Ambient House more pompous, "Tarantellum" gets compare to the structures of "Casablanco" and "No Fear" with less sound effects. A title without story! While that "Moon to Shine" finishes this last part of Objects & Expressions' trilogy with a slow beat adorned of sequenced sequins which sparkle like the reflections of a magical water in suspension. And behind a soft bass line, a voice in a vocoder murmurs Moon to Shine. A vocoder always presents in this trilogy and which replaces a singer in a pocket of fog without being too unpleasant. Indeed, “Objects & Expressions III” is the best and the well balanced of the 3 parts. Even though all that Andy Pickford touches is still worth hearing.
Sylvain Lupari (January 17th, 2019) *****

Available at Andy Pickford's Bandcamp
                                          CHRONIQUE en FRANÇAIS

"Casablanco" sonne la fin de cette autre fascinante, et gourmande, trilogie fantaisiste d'Andy Pickford avec un rythme pulsatif arqué sur un autre mouvement frénétique du séquenceur. Les billes percussives sautent de partout! Même que certaines élaborent une vision visqueuse avec une robe en caoutchouc, facilitant les rebonds abrasifs qui sont affamés pour d'autres rebonds. Le synthé tisse son filet harmonique avec des solos qui coulent sur cette structure qu'une ombre de basse amène vers l'explosion. Les percussions claquent et résonnent dans cette structure vive remplie d'effets de voix qui, jumelés aux saccades spasmodiques, tissent une ligne de riffs linéaire qui donne encore plus de mordant à une Dance Music du nouveau millénaire très explosive. “Objects & Expressions III” commence fort la meilleure partie, selon mes goûts, d'Objects & Expressions. "Walk" tempère un peu le jeu avec un genre d'Ambient House dans un veston de hip-hop cosmique. La basse est délicieuse et ses soubresauts harmonieux se font dans un décor cosmique enrichi de bons effets percussifs, comme ces délicieuses tonalités de crotales. Des effets de voix et des dialogues ornent aussi ce panorama de rythme et d'éléments sonores. Le rythme jeu un peu sur sa force, plus que sa vélocité, amenant même un autre élément harmonique performé par une flûte. "No Fear" est aussi entraînant que "Casablanco" et possède aussi beaucoup plus d’effets percussifs., ce que le rend nettement plus séduisant. La ligne de basse est très bonne et restitue même un dialecte en forme de gargouillements ventriloquant et les orchestrations, denses et épiques, vont en contresens du mouvement vif et saccadé du séquenceur. Nous ne sommes pas loin du Trance&Trash ici! "Reach" nous donne un beau gros 7 minutes de répit avec une ballade, non dénudée de rythme entrainant, accompagnée d'une belle guitare et plus tard un synthé qui lorgnent vers nos oreilles afin d'y déposer un gros ver mélodieux. Très bon et ça sonne très année 95 du répertoire d'AP.
Les volumes se suivent et se ressemblent par la teneur des structures! Ainsi une belle mélodie est toujours suivie d'un autre truc aussi mou et tendre, pour ne pas dire romantique. Comme ce "Maschinengeist" qui est une belle ballade à faire fondre une carapace d'éternel grognon. Les arpèges défilent en dansottant sur une voie lactée éveillant au passage un synthé et ses airs de flûtes qui mystifient de belles orchestrations. Les voix séraphiques et un tempo qui gagne un peu de vélocité! Et toujours cette délicieuse ligne de basse qui consolide sa présence lorsque le titre se fissure pour une autre accélération poussée par les orchestrations. Nous sommes au pinacle du rose bonbon qui fait du bien dans ce micmac de rythmes échevelés. À prime abord, "Deep Inside" nous apparait comme une musique de film, genre espionnage, avec sa structure lente et pesante qui fait plutôt entre Pulp et Sneaker Pimps. La musique respire toujours de ces effets sonores qui invariablement sont complices de ces riffs défilant comme une ligne de rythme adjacente au séquenceur et aux savoureuses percussions manuelles. Orchestrations, vocodeur et guitare acoustique accompagnent cette structure nimbée d'une autre dense enveloppe tonale. Des woossshh et des wiissshh précèdent une ligne de piano et ses notes errant dans les brises métalliques. La basse, superbe dans “Objects & Expressions III” se dépêche afin de nous placer un ver rythmique dans les oreilles et "Mitra" abat son rythme aussi entraînant que les arrangements dans un mid-tempo trempé dans les racines de Death in Vegas. "I Saw" est tout près de cette musique avec une forte dose d'industrielle lourde et lente. Un Ambient House plus pompeux, "Tarantellum" se compare aux structures de "Casablanco" et "No Fear" avec moins d'effets sonores. Un titre sans histoire, alors que "Moon to Shine" termine ce dernier volet de la trilogie d'Objects & Expressions avec un rythme lent orné de paillettes séquencées qui scintillent comme les reflets d'une eau magique en suspension. Et derrière une ligne de basse molle, une voix dans le vocodeur chantonne Moon to Shine. Un vocodeur toujours présent dans cette trilogie et qui remplace un chanteur dans une poche de brume sans être trop déplaisant. Effectivement, “Objects & Expressions III” est le meilleur et le mieux balancé des 3 volumes. Quoique tout ce que touche Andy Pickford vaut toujours la peine d'être entendu.

Sylvain Lupari (17/01/19)