mardi 29 mai 2018

KLANGWELT: The Incident (2018)

“Even in its rhythmic patterns, The Incident 's got to be the ideal music on which one easily puts down our saddest stories so much a strange hold on sadness fills the air here”
1 Exclamation 6:23
2 The Incident 7:06
3 Fragments I 2:45
4 Time Freeze I 2:05
5 Rêve Mécanique 8:42   6 Sirens 7:53
7 Fragments II 2:38
8 Evocation 6:05
9 Time Freeze II 02:12
10 Aftermath 8:53   11 Scars 6:48
12 Fragments III 3:45
13 Neon Tribes 7:52   14 Décades 8:47

Spheric Music | SMCD6103 (CD 79:24)
(EDM, E-Rock, New Berlin School)
  **Chronique en français plus bas**
Yes, Klangwelt is still alive! After more than 12 years of absence, Gerald Arend returns in great shape with an album as unexpected as always very stylized and in the purest Klangwelt tradition. How to describe “The Incident” Melancholic, full of melodies and catchy rhythms, but especially eclectic and without borders! Let's take "Exclamation". Its opening does very Orbital (The Girl with the Sun in her Head) with these synth lines whistling like leaves in suspension. Metallic effects, jerky pulsations and vocoder effects lead us to a rhythmic structure that rolls in circle, in harmony with the clatter of the cymbals, up until crashing into a wall of sound effects. One hundred and twenty seconds later, a synth is trumpeting a huge tune, while dozens of little distraught steps are forming a rhythm between EDM and New Berlin School. Quite rich in sounds and effects, the music and the harmonies of "Exclamation" also sail through nice orchestrations and voice effects on the edge of panic, while the pace remains lively and sometimes even heavy. The title-track follows with a sound vision of a morning in the countryside. A keyboard puts down its melancholic notes while a collage of sound effects and voices rely on a structure of rhythm which seeks to hatch. The first musical itch arrives some 2 minutes later. Nostalgic, the melody becomes a joyful tune but with a shadow of gloom in its depth. As for the rhythm, it explodes, between a phase of ambiospheric and ambiosonic elements, with a crystalline vitality on where get grafted a multitude of effects which captivate the ears.
Even after 12 years of absence, Klangwelt fans will be on familiar ground with the music and the moods of “The Incident”. The 14 chapters compose a soundtrack of a slice of life that Klangwelt reveals on a continuous mosaic which carries the weight of its 80 minutes quite well. Riding on the influences of Enigma, Orbital and Yello, Gerald Arend sprinkles copiously these chapters of sound effects, as sought after as very effective, of voices and narrations which play on the different degrees of this album's emotions. The rhythms are still close to the borders of EDM, Synth-Pop and of Tangerine Dream's Electronic Rock from the Miramar years with a bit of New Berlin School's essences. Obviously, there are some beautiful earworms which will haunt our distracted songs for a couple of hours. "Fragments I" is a title of ambiences which hangs onto its structure of uncertain rhythm filled of the harmonic filaments of the title-track. Its decor fades in the very ambient "Time Freeze I". The story gets written little by little and brings us to the clinking of the clock chimes of "Rêve Mécanique". A deep voice attempts a hypnotic approach in a din of bells and chimes, from which a line of rhythmic pulsations emerges. The flow is slow and the decor is of the East. "
Rêve Mécanique" gradually develops a cinematographic vision with its fragrances of Arabia which embrace a slow structure in its rhythmic development before reaching an intensely rhythmic finale. "Sirens" develops a 2nd earworm with tribal songs on a structure whose harmonious approach and orchestration effects flirt with that of Mike Oldfield in Songs of a Distant Earth. "Fragments II" puts down a carpet of intensity that just overflows on "Evocation" and its down-tempo of which the impulses are retained by ambiospheric phases rich in variegated and especially very stylized tones. The sound research and aesthetics of Klangwelt are the essential essences of his universe. Here, the German synthesist surpasses himself by multiplying his palettes of tones which are real elements of surprise in this setting where the sadness is never really far away.

"Time Freeze II" is a beautiful melodious interlude that gives goosebumps when our ears meet the musical visions of “The Incident”. "Aftermath" starts a new segment in this story. Detached from "Time Freeze II", it gradually develops its down-tempo from a good bass and from sober percussions which will become the cornerstone of a development in rollercoaster. But in the end, the meshing of percussion and percussive elements here is simply exquisite. We also find these essences of Mike Oldfield and especially Vangelis (period 95-96) at the level of the harmonic arrangements. A great title which brings us to "Scars" and its slow structure that gives us a thousand shivers on the shroud of our emotions. We reach, I guess, the pinnacle of “The Incident”. "Fragments III" is as intense and melodic as "Time Freeze II", while "Neon Tribes" ends its ambiospheric cruise in a fiery and very EDM rhythmic structure. "Decades" finishes this very nice comeback of Klangwelt with another ear-worm. Transient, the introduction leaves its ambient electronic decor for an acoustic guitar which scratches a seraphic rhythm. The structure is mainly built on voice effects, a bit like Vangelis in Voices, who sing with birds in a heavenly setting, concluding one of the most beautiful musical stories of the recent years.
Like the first 3 albums of Klangwelt, “The Incident” is this kind of opus which insidiously leaves its imprints between our ears. Gerald Arend's harmonious approach is captivating, sometimes even very overwhelming. And inserted between phases of ambiences, where the turbulence of the tones is as dense as very creative, and these rhythms not quite defined but always close to the EDM or New Berlin School, it makes its bed where we like to lie down our stories.
Sylvain Lupari (May 28th, 2018) *****
Available on June 1st on Spheric Music and CD Baby


Oui, Klangwelt est toujours vivant! Après plus de 12 ans d'absence, Gerald Arend nous revient en grande forme avec un album aussi inattendu que toujours très stylisé et dans la plus pure tradition Klangwelt. Comment décrire “The Incident”? Mélancolique, plein de mélodies et de rythmes entraînants, mais surtout éclectique et sans frontières! Prenons "Exclamation". Son ouverture fait dans le très Orbital (The Girl with the Sun in her Head) avec ces lignes de synthé sifflant comme des feuilles en suspension. Des effets métalliques, des tirs de pulsations saccadées et des effets de vocodeur nous dirigent vers une structure de rythme qui tourne en rond, en harmonie avec les cliquetis de cymbales, jusqu'à emboutir un mur d'effets sonores. Cent vingt secondes plus tard, un synthé barrit un air monstrueux, alors que des dizaines de petits pas affolés structurent un rythme qui tangue entre l'EDM et le New Berlin School. Très riche en sons et en effets, la musique et les harmonies de "Exclamation" voguent aussi au travers de bonnes orchestrations et des effets de voix sur le bord de la panique, alors que le rythme reste entraînant et parfois même assez lourd. La pièce-titre suit avec une vision sonore d'un matin à la campagne. Un clavier étend ses notes mélancoliques alors qu'un collage d'effets sonores et de voix s'appuient sur une structure de rythme qui cherche à éclore. Le premier ver-d'oreille arrive quelques 2 minutes plus loin. De nostalgique, la mélodie devient un air enjoué mais avec une ombre de spleen dans sa profondeur. Quant au rythme, il explose, entre une phase d'éléments ambiosphériques et ambiosoniques, avec une vitalité cristalline où se greffent aussi une multitude d'effets qui enjôlent les oreilles.
Même après ces 12 ans d'absence, les fans de Klangwelt seront en terrain connu avec la musique et les ambiances de “The Incident”. Les 14 chapitres composent une trame sonore d'une tranche de vie que Klangwelt dévoile sur une mosaïque continuelle qui porte assez bien le poids de ses 80 minutes. Surfant sur les influences d'Enigma, d'Orbital et de Yello, Gerald Arend arrose copieusement ces chapitres d'effets sonores, aussi recherchés que très efficaces, de voix et de narrations qui jouent sur les différents degrés d'émotion de cet album. Les rythmes restent toujours près des frontières de l'EDM, du Synth-Pop et du Rock Électronique à la Tangerine Dream des années Miramar avec un peu d'essence du New Berlin School. Évidemment, on compte quelque beaux ver-d’oreille qui hanteront nos chants distraits pour une couple d'heures. "Fragments I" est un titre d'ambiances qui traîne sur sa structure de rythme incertaine des filaments harmoniques de la pièce-titre. Son décor s'évanouit dans les très ambiant "Time Freeze I". L'histoire s'écrit peu à peu et nous amène aux cliquetis des carillons d'horloge de "Rêve Mécanique". Une voix grave tente une approche hypnotique dans un tintamarre de cloches et de carillons, d'où émerge des pulsations rythmiques. Le débit est lent et le décor est d'Orient. "Rêve Mécanique" développe peu à peu une vision cinématographique avec ses parfums d'Arabie qui embrassent une structure lente dans son développement rythmique avant d'atteindre une finale intensément rythmée. "Sirens" développe un 2ième ver-d'oreille avec des chants tribaux sur une structure dont l'approche très harmonieuse et les effets d'orchestrations flirtent avec celle de Mike Oldfield dans Songs of a Distant Earth. "Fragments II" étend un tapis d'intensité qui déborde juste un peu sur "Evocation" et son down-tempo dont les élans sont retenus par des phases ambiosphériques riches en tonalités bigarrées et surtout très stylisées. La recherche et l'esthétisme sonore de Klangwelt sont les essences essentielles de son univers. Ici, le synthésiste Allemand se surpasse en multipliant ses palettes de tonalités qui sont de véritables éléments de surprise dans ce décor où la tristesse n'est jamais vraiment loin.
"Time Freeze II" est un bel intermède mélodieux qui donne la chair de poule lorsque que nos oreilles rencontrent les images en musique de “The Incident”. "Aftermath" part un nouveau segment dans cette histoire. Détaché de "Time Freeze II", il développe graduellement son down-tempo à partir d'une bonne basse et de percussions sobres qui deviendront la pierre angulaire d’un développement en montagne russe. Mais au final, le maillage de percussions et d'éléments percussifs ici est tout simplement exquis. On retrouve aussi ces essences de Mike Oldfield et surtout de Vangelis (période 95-96) au niveau des arrangements harmoniques. Un très beau titre qui nous amène à "Scars" et sa structure lente qui nous donne mille petits frissons sur le linceul de nos émotions. C'est un peu le pinacle de “The Incident”. "Fragments III" aussi est autant intense et mélodieux que "Time Freeze II", alors que "Neon Tribes" termine sa croisière ambiosphérique dans une structure de rythme fougueuse et très EDM. "Decades" termine ce très beau retour de Klangwelt avec un autre ver-d'oreille. Transitoire, l'introduction quitte son décor électronique ambiant pour une guitare acoustique qui gratte un rythme séraphique. La structure est principalement montée sur des effets de voix, un peu comme Vangelis dans Voices, qui chantonnent avec des oiseaux dans un décor paradisiaque, concluant une des très belles histoires musicales de ces dernières années.
The Incident”, comme les 3 premiers albums de Klangwelt, est ce genre d'album qui laisse insidieusement ses empreintes entre nos oreilles. L'approche harmonieuse de Gerald Arend est captivante, parfois même envahissante. Et insérée entre des phases d'ambiances, où la turbulence des tons est aussi dense que très créative, et ces rythmes pas tout à fait définis mais toujours près de l'EDM ou du New Berlin School, elle fait son lit où on aime étendre nos histoires.

Sylvain Lupari 28/05/18

vendredi 25 mai 2018

VANDERSON: Sequenced Thoughts (2018)

“Sequenced Thoughts is a bombshell of emotions and of reminiscences on the art of the Berlin School and its evolutions through the ages”

1 Sequenced Thoughts Part 1 18:43
2 Sequenced Thoughts Part 2 21:35
3 Sequenced Thoughts Part 3 16:52
4 Sequenced Thoughts Part 4 15:29

Spheric Music | SMCD 8101 (CD 72:40)
(Berlin School)
   **Chronique en français plus bas**
The Berlin School style EM will lose a great collaborator with the breakout of Vanderson towards the territories of Electronic Dance Music. The Polish synthesist has been tergiversating for at least four years regarding his musical orientation, reaffirming his desire to continue in the footsteps of his album Abyss and his latest album Beyond Time Structure, making of “Sequenced Thoughts” his testament to the Berlin School. And he doesn't do it alone! Accompanied by Lambert Ringlage on sequencer, he signs one of his best albums where solos scroll like tails of multicolored kites in azure sky and where the music is a little masterpiece and an authentic overview of the evolution of the genre since the 70's. Benefiting from a production and a mixing without spots which fill us the ears at satiety, this last opus of Vanderson consists of 4 very beautiful parts which subdue and astonish with this fascinating complicity between simplicity and complexity.
The blurry introduction of "Sequenced Thoughts Part 1" fills our ears with tones that only EM can put into images. Are they some kind of water lapping? Felted explosions? Whispers of a cave's walls? It doesn't matter! There is of everything here for a fertile imagination. A synth launches harmonies in the form of solos that sneak like a sonic snake over this stave of ambient noises. A sequencer activates its keys after the door of 3 minutes. Waddling vigorously, it structures a rhythm in stereo which is harpooned by a line of bass sequences and its contrasting oscillations. Jingles of percussion? Why not! And of course, percussions. All these elements combine for an ear-catching rhythm where whistle no less catchy harmonies from a synth in mode creativity. The lines of harmonies succeed each other with nuances in their aerial pirouettes while behind this scenery, layers of gas very TD add to a soundscape in constant movement. The sequences bring nuances to this structure of rhythm which hiccoughs now of spasms, whereas the atmospheres add effects which oversize an already very rich musical scenography. Even the synth adds nuanced touches in its drifting harmonies as fictional elements squeak in a motley sky unique to the tonal creativity of EM. Gradually, the spasmodic restructuring of "Sequenced Thoughts Part 1" arrives at this ambiospheric stage so dear to this model in the secrets of its 10th minute. A little respite, not even meditative, which invigorates a structure already near its climax with a thick layer of sonic additives where solos guide the pace with a presence as harmonic as rhythmic. Some big Berlin School from Spheric here!
"Sequenced Thoughts Part 2" follows the same parameters with a spheroidal rhythmic structure that goes back and forth like the pace of a cosmic cha-cha whose uncertain steps are conducive to a synth and its thousand sonic artifices. The rhythm is always in evolutionary mode with a proactive sequencer which inserts its legion of hopping and dancing keys in a constraint-free structure, thus allowing the synth to modify the character of its songs and solos. If the approach is more ethereal than in "Sequenced Thoughts Part 1", the explosion point, which is around the 13 minutes, has nothing to envy to the first part of this album. A loud raucous roar leads our ears to "Sequenced Thoughts Part 3". The added layers deepen a dark approach which flirts with the chthonian ambiances so dear to the retro Berlin School. A pool of tones and of elements of ambience awaits our ears a few 140 seconds later, giving the start to a dizzying structure and of which the influences of Chris Franke's sequencing style can not be dissociated from a breathtaking pattern of sequences which blows my mind. The first part of "Sequenced Thoughts Part 3" exceeds my expectations. In fact, it's one of the most beautiful movements that Lambert and Vanderson, together or separately, have built to date. The synths are more discreet here, leaving all the nobility to these repetitive Paddle Ball strikes which end a race of sequences in some gas and felted percussion effects. We are around the 11th minute and a refueling point of ambiances is needed before the 3rd party goes into this EDM approach in this style of Vanderson or even Klaus Schulze. Another great track! Another great track! It must take something very strong to succeed it, and "Sequenced Thoughts Part 4" does the work. Born from waters, the music rises with a little something that questions our memories. That's it! The fog layers are very Klaus Schulze. The effects and the airs from the synths which follow are just as much. Exceeding 3 minutes, these atmospheres charm with songs of astral whales trapped in layers of fog saturated of drizzle. And a nice sequence of ambient rhythm emerges after these 3 minutes. Vanderson and Lambert go there for a Schulze painting to end the final visions of the Polish synthesist with regard to the Berlin School. Very mesmerizing, the movement is total Schulze with a very Moondawn sequencer which climbs its 10 minutes through layers full of whispers and of delicate harmonic flutes. The added percussion gives velocity which excites our senses and the moods. It's in a magical electronic decor that this last part of “Sequenced Thoughts” evolves. And, regular like a clock, the pace takes a new step with a little more power and speed while the moods follow the pace without wandering. Between Moondawn and In Blue, for the more contemporary aspect, "Sequenced Thoughts Part 4" makes us regret Vanderson's decision to focus on EDM from now on.
On 4 parts well distributed over its 73 minutes, “Sequenced Thoughts” is a bombshell of emotions and of reminiscences on the art of the Berlin School and its evolutions through the ages. This is a tour de force that Vanderson and Lambert Ringlage offer to our ears. And hopefully this tandem will come back once in a while to give us such other beautiful emotions. If not, it's the heart a little sad and already nostalgic that I tell you that this “Sequenced Thoughts” is delicious, dreamlike and highly inspired from point A to point Z. Hat to both of you guys for this album which should defy time!

Sylvain Lupari (May 22nd, 2018) *****
Available at Spheric as well as at
CD Baby

La MÉ de style Berlin School va perdre un grand collaborateur avec la fuite de Vanderson vers des territoires de la Electronic Dance Music. Tergiversant depuis au moins 4 ans quand à son orientation musicale, le synthésiste Polonais réaffirme sa volonté de continuer sur les traces de son album Abyss, et de son dernier album Beyond Time Structure, faisant de “Sequenced Thoughts” son testament de la Berlin School. Et il ne le fait pas seul! Accompagné par Lambert Ringlage au séquenceur, il signe ici un de ses meilleurs albums où les solos défilent comme ces queues de cerfs-volants multicolores dans un ciel azuré et où la musique proposée est un petit chef d'œuvre et un authentique survol de l'évolution du genre depuis les années 70. Bénéficiant d'une production et d'un mixage sans taches qui nous bourrent les oreilles à satiété, ce dernier opus de Vanderson est constitué de 4 très belles parties qui subjuguent et étonnent avec cette fascinante complicité entre la simplicité et la complexité.
L'introduction toute brouillonne de "Sequenced Thoughts Part 1" remplie nos oreilles de tonalités que seule la MÉ peut mettre en images. Sont-ce des clapotis? Des explosions feutrées? Des murmures de cavernes? Peu importe! Il y a de tout pour une imagination fertile. Un synthé lance des harmonies sous formes de solos qui se faufilent comme un serpent sonique au-dessus de cette portée de bruits ambiants. Un séquenceur active ses ions après la porte des 3 minutes. En dandinant vivement, il structure un rythme en stéréo qui se fait harponner par une ligne de basses séquences et ses oscillations contrastantes. Des cliquetis de percussions? Pourquoi pas! Et évidement, des percussions. Tous ces éléments combinent un rythme accrocheur où sifflent de non moins accrocheuses harmonies d'un synthé en mode créativité. Les lignes d'harmonies se succèdent avec des nuances dans leurs pirouettes aériennes alors que tout derrière ce décor, des nappes de gaz très TD ajoutent à un panorama sonore où tout est en mouvement. Les séquences apportent des nuances à cette structure de rythme qui hoquète maintenant de spasmes, alors que les ambiances ajoutent des effets qui dimensionnent une scénographie musicale déjà très riche. Même le synthé ajoute une touche nuancée dans ses harmonies dérivantes alors que des éléments fictifs crissent dans un ciel bariolé d'une créativité tonale unique à la MÉ. Peu à peu, la restructuration spasmodique de "Sequenced Thoughts Part 1" arrive à cette étape ambiosphérique si chère à ce modèle dans les secrets de sa 10ième minute. Un petit répit, même pas méditatif, qui revigore une structure déjà près de son paroxysme avec une épaisse couche d'additifs sonores où les solos guident le pas avec une présence autant harmonique que rythmique. Du bon gros Berlin School de la maison Spheric.
"Sequenced Thoughts Part 2" suit les mêmes paramètres avec une structure rythmique sphéroïdale qui va-et-vient comme dans les pas d'un cha-cha cosmique dont les pas incertains sont propices à un synthé et ses milles artifices soniques. Le rythme reste toujours en mode évolutif avec un séquenceur proactif qui insère sa légion d'ions sautillant et dansant dans une structure libre de contraintes, permettant ainsi au synthé de modifier le caractère de ses chants et solos. Si l'approche est plus éthérée que "Sequenced Thoughts Part 1", le point d'explosion, qui se situe autour des 13 minutes, n'a rien à envier à la première partie de “Sequenced Thoughts”. Un gros grondement rauque amène nos oreilles vers "Sequenced Thoughts Part 3". Les nappes qui s'ajoutent approfondissent une approche ténébreuse qui flirte avec les ambiances chthoniennes si chères au Berlin School rétro. Une mare de tonalités et d'éléments d'ambiances attend nos oreilles quelques 140 secondes plus loin, donnant le coup de départ à une structure vertigineuse et dont les influences de Chris Franke au séquenceur ne peuvent être dissocier d'un époustouflant motif de séquences qui m'a jeté par terre. La 1ière partie de "Sequenced Thoughts Part 3" dépasse mes attentes. En fait, c'est un des plus beaux mouvements que Lambert et Vanderson, ensemble ou séparé, ont construit à date. Les synthés sont plus discrets ici, laissant toute la noblesse à ces coups de Bolo répétitifs qui terminent une course de séquences dans des effets de percussions gazées et feutrées. Nous sommes autour de la 11ième minute et un point de ravitaillement d'ambiances est nécessaire avant que la 3ième partie ne verse dans ces approches EDM de Vanderson ou même de Klaus Schulze. Un très bon titre. Et ça prenait quelque chose de très fort pour lui succéder et "Sequenced Thoughts Part 4" fait le travail. Née des eaux, la musique s'élève avec un petit quelque chose qui interroge nos souvenirs. Ça y est! Les nappes de brume font très Klaus Schulze. Les effets et les chants des synthés qui viennent font tout autant. Dépassant les 3 minutes, ces ambiances charment avec des chants de baleines astrales prises dans des nappes de brouillard gorgées de bruines. Et une belle séquence de rythme ambiant émerge après ces 3 minutes. Vanderson et Lambert y vont pour du Schulze afin de bien terminer les dernières visions du synthésiste Polonais eu égard à la Berlin School. Très magnétisant, le mouvement est dans du pur Schulze avec un séquenceur très Moondawn qui escalade ses 10 minutes à travers des nappes pleines de chuchotements et de délicates flûtes harmoniques. Les percussions qui s'ajoutent donne de la vélocité qui excite nos sens et les ambiances. C'est dans un décor électronique féérique que cette dernière partie de “Sequenced Thoughts” évolue. Et, régulier comme une horloge, le rythme franchit une nouvelle étape avec un peu plus de puissance et de vitesse alors que les ambiances suivent le pas sans traîner de la patte. Entre Moondawn et In Blue, pour l'aspect plus contemporain, "Sequenced Thoughts Part 4" nous fait regretter cette décision de Vanderson de se concentrer dorénavant sur la EDM.
Sur 4 parties bien réparties sur ses 73 minutes, “Sequenced Thoughts” est une bombe d'émotions et de réminiscences sur l'art de la Berlin School et de ses évolutions au travers les âges. C'est un véritable tour de force que Vanderson et Lambert Ringlage offrent à nos oreilles. Et c'est à espérer que ce tandem revienne une fois de temps en temps nous refiler de si belles sensations. Sinon, c'est le cœur un peu triste et déjà nostalgique que je vous dis que ce “Sequenced Thoughts” est délicieux, onirique et hautement inspiré du point A au point Z. Chapeau messieurs pour cet album qui devrait défier le temps!

Sylvain Lupari 22/05/18

mercredi 23 mai 2018

SENSITIVE CHAOS: Walking a Beautiful World (2018)

“Rich and creative in all aspect, this is a travel diary into sounds and tones”
1 Dreaming Helsinki Esplanadi
   (Walking a Beautiful World) 6:58
2 Missing Viejo 7:13      3 Jomo Jet Lag 1:14
4 Bad Ass Nairobi Land Rover 6:35
5 Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky 8:01
6 Gift Hill Respite 1:00
7 Takeshita Street vs. the Jeepney 6:41
8 Mercado San Telmo 4:31
9 Spirits Between Bourbon and Royal 5:01
10 Hypnotica Muríca 10:22
11 Last Day Song (World Walking Again) 5:10
12 Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky (Radio Edit) 7:04

Subsequent Records|SR008-02 (CD 69:44)
(Electronic Folk)
**Chronique en français plus bas**
With time, I eventually became a true fan of Sensitive Chaos. Nevertheless, this Jim Combs' project is at light years of the Berlin School model, even if it's essentially built around synthesizers and beat-boxes. Mixed adequately to more conventional instruments, such as guitars and bass, and to acoustic instruments such as trumpet, harmonica, saxophone and violin, this electronic music reaches another level which becomes even more surprising when the targeted styles go from Jazz to Folk with a touch of American Southwest's spirit. In fact, it's the very eclectic side of the Pacific School model but with a more cheerful vision and where some essences of Robert Rich and Forrest Fang drag melancholy and creativity beyond what one could imagine. “Walking a Beautiful World” is a 9th album and especially a diary travel in sounds and tones that Jim Combs made around the globe these last years. Inspired by meetings with people of Finland and Europe, as well as from South America, from Africa, Asia and finally from his home in the region of Atlanta, the sound troubadour with thousand ideas returns with an album as surprising as his long journey. And his immense bunch of guest artists gives as many colors as emotivism to a superb immensely musical album.
This tone so crystalline of Sensitive Chaos slits the silence with hesitating arpeggios which connect to another keyboard and to a suspended rivulet of electronic arpeggios which glitters adrift. The electronic envelope spreads its influence made of charms and surprises to percussions of which the acoustic gallops run to support the Chinese harmonies of Josie Quick's violin. Light and lively, "Dreaming Helsinki Esplanadi (Walking a Beautiful World)" proposes the work of three synthesists (Jim Combs, Tony Gerber and Otso Pakarinen) who court, by presenting miscellaneous tones of wind instruments, a violin which knows skillfully how to measure its emotions. "Missing Viejo" is a first crush here with a rhythm structured well on a good work of percussions. The electronic and acoustic ingredients melt themselves in a very musical sound mass where Dave Coustan's trumpet does very Mark Isham. We stamp of the foot, the bass is also very good, and we enjoy this meshing of electronic and acoustic instruments which get lost in our imagination. Is it a synth? A saxophone? A violin? All living with a symbiosis of the most melodious. The electronic effects of "Jomo Jet Lag" throw themselves into "Bad Ass Nairobi Land Rover" and whose ambiospherical road goes slowly towards a fascinating and very bucolic Southern Rock. Each album of Sensitive Chaos possesses its pearl. "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" is the one of “Walking a Beautiful World”. A wonderful ballad in a musical texture full of new developments, at the level emotion, where all the instruments converge on an ear-catchy, because of its intensity, electronic Folk.
"Gift Hill Respite" proposes a very ethereal introduction to "Takeshita Street vs. the Jeepney". And running away from a sound romance gone up on a bed of carillons, this title proposes a spasmodic structure forged with rhythmic arpeggios and with percussions sometimes sober and sometimes livened up by a desire to blow up a rhythmic proposal which increases its depth with Ryan Taylor's good bass. His guitar also scatters its musing, more present than the discreet violin, on this tight meshing which flows like a rivulet of clanic trance. A convincing and very catchy surprise! "Mercado San Telmo" is another cheerful hymn where a street of New Orleans gets embellish of festive music. The violin and Brian Good's soprano saxophone have a great time on a purely electronic structure where the chords and the riffs of synth play with our sense of hearing like the uncertain steps of a cat a little bit drunk. "Spirits Between Bourbon and Royal" is a surprising title which reminds us in of a good Beck. The mixture of Funk and Folk, with riffs of rather cosmic guitar, shines here with a sound aestheticism as complex as very catchy. The bass is more vicious than the collection of jerky riffs of the guitar. "Hypnotica Muríca" is a strange title, a little like a music without identity, which could be as well produced by Beck or by Brian Eno in Nerve Net. The music is rich and the tonal aestheticism make a good menu for my Tribe Tower. Funk and Southern Rock, with an approach of collective joy, the rhythm skips with the cawings of a bass and a series of very acid riffs which forge a jerky and bipolar tempo. Voices of a man and of a girl decorate a panorama very near a psychedelic without borders with sound effects which abound around the violin which crumbles some American patriotic airs and a very rock guitar of the former 70's. On a structure of circular rhythm which hops up and down with hundreds of crazy steps, and which gets back constantly, "Last Day Song (World Walking Again)" offers a melodious ritornello with a very creative synth at the level of its choice of flute. It's Sensitive Chaos at its purest level with an approach of minimalist tornado which swallows all the sounds on its passage. When I told you that "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" is the pearl of this album …The gang of Jim Combs even made a radio edit version. A way as another one to hear this wonderful title twice rather than one and which is taken from a “Walking a Beautiful World” rich and creative at every level. A top notch album my dear Jim!

Sylvain Lupari (May 21st,2018) ****¼*
You will find this album on Sensitive Chaos web shop

Avec le temps, j'ai fini par devenir un inconditionnel de Sensitive Chaos. Pourtant, ce projet de Jim Combs est à des années-lumière du modèle Berlin School, même si elle est construite essentiellement autour des synthétiseurs et des boîtes à rythmes. Mélangés adéquatement à des instruments plus conventionnels, tels que guitares et basse, et à des instruments acoustiques tels que trompette, harmonica, saxophone et violon, cette musique électronique atteint un autre niveau qui devient encore plus étonnant lorsque les styles ciblés vont du Jazz à du Folk avec une touche du Sud-Ouest américain. En fait, c'est le côté très éclectique du modèle de la Pacific School mais avec une vision plus enjouée où des parfums de Robert Rich et Forrest Fang traînent mélancolie et créativité au-delà de ce que l'on pourrait imaginer. “Walking a Beautiful World” est un 9ième album et surtout un journal de voyage en sons et en tons que Jim Combs a effectué autour du globe ces dernières années. Inspiré par des rencontres avec des habitants de la Finlande et de l'Europe, de même que de l'Amérique du Sud, l'Afrique, l'Asie et finalement chez lui dans la région d'Atlanta, le troubadour sonique aux milles idées revient avec un album aussi étonnant que son long voyage. Et son immense brochette d'artistes invités donne autant de couleurs que d'émotivité à un splendide album immensément musical.
Cette tonalité si cristalline à Sensitive Chaos fend le silence avec des arpèges hésitants qui se connectent à un autre clavier et à un ruisselet d'arpèges électroniques suspendu et qui miroite à la dérive. L'enveloppe électronique étend son emprise constituée de charmes et de surprises
avec des percussions dont les galops acoustiques courent afin de soutenir les harmonies chinoises du violon de Josie Quick. Léger et entrainant, "Dreaming Helsinki Esplanadi (Walking a Beautiful World)" propose le travail de trois synthétistes (Jim Combs, Tony Gerber et Otso Pakarinen) qui font la cour, en présentant divers tonalités d'instruments à vents, à un violon qui sait habilement doser ses émotions. "Missing Viejo" est un premier coup de cœur avec un rythme bien structuré sur un beau travail de percussions. Les ingrédients électroniques et acoustiques se fondent en une masse sonore très musicale où la trompette de Dave Coustan fait très Mark Isham. On tape du pied, la basse est très bonne aussi, et on apprécie ce maillage d'instruments électroniques et acoustiques qui se perdent dans notre imagination. Est-ce un synthé? Un saxophone? Un violon? Tous cohabitant avec une symbiose des plus mélodieuses. Les effets électroniques de "Jomo Jet Lag" se jettent dans "Bad Ass Nairobi Land Rover" et dont la route ambiosphérique aboutira vers un fascinant Southern Rock très bucolique. Chaque album de Sensitive Chaos possède sa perle. "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" est celle de “Walking a Beautiful World”. Une superbe ballade dans une texture musicale pleine de rebondissements, au niveau émotion, où tous les instruments convergent vers un séduisant Folk électronique.
"Gift Hill Respite" propose une introduction très éthérée à "Takeshita Street vs. the Jeepney". Et fuyant une romance sonique montée sur un lit de carillons, ce titre propose une structure spasmodique forgée avec des arpèges rythmiques et de percussions tantôt sobres et tantôt animées d'un désir de faire exploser une proposition rythmique qui alourdit sa profondeur avec la bonne basse de Ryan Taylor. Sa guitare éparpille aussi ses rêveries, plus présentes que le discret violon, sur cet étroit maillage qui coule comme un ruisselet de transe clanique. Étonnement convaincant et très accrocheur! "Mercado San Telmo" est un autre hymne de fête où une rue de la Nouvelle-Orléans se décore de musique festive. Le violon et le saxophone soprano de Brian Good s'en donnent à cœur joie sur une structure purement électronique où les accords et les riffs de synthé jouent avec notre ouïe comme les pas incertain d'un chat un peu saoul. "Spirits Between Bourbon and Royal" est un titre étonnant qui nous fait penser à du bon Beck. Le mélange de Funk et de Folk, avec des riffs de guitare assez cosmique, rayonne ici d'un esthétisme sonore aussi complexe que très séduisant. La basse est plus vicieuse que la collection de riffs saccadés de la guitare. "Hypnotica Muríca" est un titre étrange, un peu comme une musique sans identité, qui pourrait être aussi bien produite par Beck ou par Brian Eno dans Nerve Net. La musique est riche et l'esthétisme tonal font bien paraître mes Tribe Tower. Funk et Southern Rock, avec une approche de défoulement collectif, le rythme sautille avec des croassements de basse et une série de riffs très acides qui forgent un tempo saccadé et bipolaire. Une voix d'homme et de petite fille ornent un panorama très près du psychédélique sans frontières avec des effets sonores qui abondent autour du violon qui émiette des airs patriotiques américains et une guitare très rock ancien aussi fougueuse que dans les années 70. Sur une structure de rythme circulaire qui trépigne de cents pas fous, et qui revient en boucles, "Last Day Song (World Walking Again)" offre une ritournelle mélodieuse avec un synthé très créatif au niveau de son choix de flûte. C'est du Sensitive Chaos de ce qu'on connaît le mieux avec une approche de tornade minimaliste qui avale tous les sons sur son passage. Quand je vous disais que "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" est la perle de cet album…La gang à Jim Combs en a même fait une version pour la radio. Une façon comme une autre d'entendre ce splendide titre deux fois plutôt qu'une et qui est tiré d'un “Walking a Beautiful World” riche et créatif à tous les niveaux. Un superbe album mon cher Jim!

Sylvain Lupari 21/05/18

lundi 21 mai 2018

DIVIDED BY TWO: The Legend (2018)

“A nice but purely ambient tale, The Legend bears the seal of two veterans in the field who kept their unique signature that characterized the intensity of their floating visions”

1 The Oppression of the Giant 20:46
2 Throwing the Hand 17:21
3 The River Filled with Blood 14:56
4 Out of the Dark Ages 17:03

SynGate Luna|DT01 (CD-r/DDL 70:08)
(Ambient Music
   **Chronique en français plus bas**
Divided by Two is a musical project led jointly by Gabriele Quirici, of Perceptual Defence and Danny Budts from Syndromeda. These 2 artists collaborate together since Fear of the Emptiness Space, which is appeared in the cd trays in 2014. Three other albums followed, among which Live at Cosmic Nights 2017 which had showed already the next stage of the duet Quirici/Budts. And this next phase is Divided by Two, a project of ambient music and music of ambiences with a strong connotation for essences of cosmos, even if this first album, “The Legend”, is inspired by an Earth legend. Either be the mythical story of the Roman soldier Silvius Brabo who killed the Giant, cutter of hands, Druon Antigoo and threw his hand in the Scheldt.
After some first minutes rather quiet, synth waves revolve between our ears with this state of astral weightlessness. Lapping of water and electronic noises decorate this slow sound impulse which is braided tightened enough by floating multi-lines which seem to an obstacle to felted explosions. Little by little the dimension of the tones puts down its blooming of sounds with lines painted of contrasting colors which weld their wings and split them some flights farther. The sound panorama of "The Oppression of the Giant" is dark and constituted by the floating of multi-layers of which the esoteric chants are drifting in the density of a sound texture which exploits without embarrassment the most intriguing colors of the synths. It's hefty and this sensation to roam in the plains of the galaxies dressed in cosmonaut's combination is more omnipresent than those of crossing a river the hands cut, according to this legend that the giant used to cut the hands of those who were incapable to pay the price of the crossing. "Throwing the Hand" is more linear and plays into an endless corridor where the breezes and the whistles of the winds accentuate even more the sibilant and oppressive aspect of "The Oppression of the Giant". The progression and the intensity of "The River Filled with Blood" is going quite softly and especially in length. The synth breezes are warmer and if we soak our imagination in a film vision, we can see this river of blood in the movie Shake Hands with the Devil and/or other movies of the same genre. It's quiet, more ethereal and clearly less cosmic. In fact, these last two titles are very contrasting compared to "The Oppression of the Giant" and "Out of the Dark Ages" which are two very intense music tales. And "Out of the Dark Ages" is even more striking, almost cataclysmic with these rustles of metal sheets and these layers of more or less seraphic voices, where all the electronic effects adorn a panorama always well fed and to the antipodes of a cosmic approach as a mythological one.
In reality, Divided by Two is not really too much far from the four albums of the duet Syndromeda/ Perceptual Defence. Thus, the fan and the listener are not disoriented. Except that here, there are no sequences, nor rhythms propelled by implosions of lines strongly opposed which distanced this music of that purely ambient of “The Legend”. But on the other hand Quirici/Budts kept this intensity that characterized their music, making of her a unique signature in the spheres of music for ambiences, which implants images in our spirit, and ambient music, which makes us travel over the plains of Antwerpen.

Sylvain Lupari (May 20th, 2018) ***½**
Available on SynGate's Bandcamp

Divided by Two est un projet de musique mené conjointement par Gabriele Quirici, de Perceptual Defence et Danny Budts de Syndromeda. Ces 2 artistes collaborent ensemble depuis Fear of the Emptiness Space, qui est apparu dans les bacs en 2014. Trois autres albums ont suivi dont le dernier, Live at Cosmic Nights 2017, montrait déjà la prochaine étape du duo Quirici/Budts. Et cette prochaine étape est Divided by Two, un projet de musique ambiante et d'ambiances avec une forte connotation pour les essences du cosmos, même si ce premier album, “The Legend”, est inspiré d'une légende Terrestre. Soit la mythique histoire du soldat romain Silvius Brabo qui a tué le géant coupeur de mains Druon Antigoo et a lancé sa main dans l'Escaut.
Après des premières minutes plutôt calmes, des ondes de synthé gravitent entre nos oreilles avec cet état d'apesanteur astrale. Des clapotis d'eau et des bruits électroniques ornent cette lente impulsion sonique qui est tressée assez serrée par des multi-lignes flottantes qui semblent former un obstacle à des explosions feutrées. Peu à peu la dimension des tons étend sa floraison sonique avec des lignes aux couleurs contrastantes qui soudent leurs ailes pour les séparer quelques envolées plus loin. Le panorama sonique de "The Oppression of the Giant" est sombre et constitué des nappes flottantes dont les chants ésotériques flottent dans la densité d'une texture sonore qui exploite sans gênes les couleurs les plus intrigantes des synthés. C'est lourd et cette sensation d'errer dans les plaines des galaxies vêtu d'une combinaison de cosmonaute est plus omniprésentes que celles de traverser un fleuve les mains coupées, selon cette légende que le géant coupait les mains de ceux qui étaient incapable d'affranchir le prix de la traversée. "Throwing the Hand" est plus linéaire et exploite un corridor sans fin où les brises et les siffles des vents accentuent encore plus l'aspect sibilant et oppressant de "The Oppression of the Giant". La progression et l'intensité de "The River Filled with Blood" se fait tout en douceur et surtout en longueur. Les brises sont chaleureuses et si on imbibe notre imagination dans une vision cinématographique, on peut voir cette rivière de sang dans le film J'ai serré la Main du Diable et/ou autres films du même genre. C'est calme, plus éthéré et nettement moins cosmique. En fait, ces deux derniers titres font très contraste à "The Oppression of the Giant" et à "Out of the Dark Ages" qui sont deux très intenses contes sonores. Et "Out of the Dark Ages" l'est encore plus dans une approche saisissante, quasiment cataclysmique avec ces bruissements de métal criant et ces nappes de voix plus ou moins séraphiques, où les effets électroniques ornent un panorama toujours bien nourri et aux antipodes d'une approche cosmique comme mythologique.
En réalité, Divided by Two n'est pas vraiment trop loin des 4 albums du duo Syndromeda & Perceptual Defence. Donc, le fan et l'auditeur ne sont pas dépaysé. Sauf qu'ici, il n’y a point de séquences, ni de rythmes propulsés par des implosions de lignes farouchement opposées qui distançaient cette musique de celle purement ambiante de “The Legend”. Mais Quirici/Budts ont gardé par contre cette intensité qui caractérisait leur musique, faisant d'elle une signature unique dans les sphères de la musique d’ambiances pour implanter des images dans notre esprit et ambiante pour nous faire voyager au-dessus des plaines d'Antwerpen.

Sylvain Lupari 20/05/18

dimanche 20 mai 2018

NORD: The Tree of Life (2017)

“The more he moves forwards and the more Nord is turning into a one member band of Electronic prog-rock”
1 The Wise Man 13:09
2 The Deer and the Horse 10:38
3 The Falcon and the River 8:38
4 The Tree 12:49
5 Trance 10:06
6 Completion 11:36

Nord Music (67:00)
(Electronic Progressive Rock)
   **Chronique en français plus bas**

First album of Nord in 2018, “The Tree of Life” is inspired by an ancient Hungarian mythology; Életfa or the Tree of life which is considered to be the center of the world. And like in his last albums, Sztakics István Attila keeps on going and even accentuates his bend towards a fusion of progressive rock and of an EM of the Berlin School style which seduced his new legion of fans since The Hidden Garden of Semiramis. Genesis dipped into Opeth and\or Strawbs marinated in Dream Theater, Nord uses more and more his electric guitars plug-ins on this album. Structuring thus head-bangers rhythms between phases of atmospheres or as complement to a rising electronic rhythm. In the end, “The Tree of Life” ends to be more a progressive rock album decorated with a touch of EM than of its opposite. Exception made of the synth solos which abound on every title with some very esthetic choreographies.
It's moreover by a very Jeff Beck guitar (Roger Waters-Amused to Death) which roams in ethereal atmospheres that "The Wise Man", one of the main characters of this mythology, gets open. Some caresses of violins try to float with the suave lyrical harmonies of a splendid voice of goddess which is raised in order to give us shivers with his poignant crescendo of emotionalism. The synth plays on the depth of an Elvish choir for Angels and Devils, while injecting banks of mist in this luxurious decoration where even the twist reverberations the have a beautiful tonal tint. Crystal clear sequences liven up these spasmodic movements of rhythm unique in the arsenal of EM with two tones which head for the same tangent. If songs of a virgin flute tickle our emotions, the heavy riffs very loud of a rock guitar make counterweight. The fluty airs become piercing whereas the rhythm pursues its zigzagging road, a little as Tangram played in speeded-up, with sequences which remove their shadows in order to accelerate a pace which collapses now under the weight of heavy and resonant chords. This rhythmic instability is then whipped by percussions which lead the finale of "The Wise Man" towards a furious almighty mixture of heavy and ethereal, of theatrical progressive rock and electronic which is now the trademark of Nord since some albums. "The Deer and the Horse" are other elements of this Hungarian tale. In music, this is translated by an intro fed of glaucous reverberations and of synth riffs which coos some nice little melodic soloes adorned of sound prisms which remain suspended in this very aerial decoration. Bass pulsations form a structure of rhythm which waves discreetly in this introduction fed of reverberations, solos of uncertain forms, tonal prisms … and riffs of guitar a la David Gilmour (Animals). The door is now open to a rock approach which becomes rather a heavy rock a la Uriah Heep, set apart the jerky riffs of guitars which make very Opeth, with synth solos and layers of Hammond organ which are running on a structure in madness. "The Falcon and the River" follows the same rules, exception made of an introduction blown by celestial voices and also for a rhythm which is slightly slower. The riffs are also sharp-edged and monstrous! And so goes too "The Tree" which adopts the shape of the previous titles with an opening where reverberations, electro-cosmic effects and layers of celestial voices spread a panorama of an idle serenity. A circular movement of the sequencer goes out of these ambiences of which the crescendo pursues its ascent with these big jerky riffs, helped by very rock percussions, which perturb the atmospheres of this album while preserving a level of rhythmic uncertainty convenient for good synth solos which sound very David Wright. "Trance" is a beautiful electronic ballad which gets transformed into a copy of Power Ballad. The same goes for "Completion" which concludes “The Tree of Life” with the very theatrical rock vision heavy and incisive from Nord.

Sylvain Lupari (May 15th, 2018) ***¼**
You will find this album in DDL only on Nord Bandcamp

Premier album de Nord en 2018, “The Tree of Life” est inspiré d'une ancienne mythologie hongroise; Életfa ou l'Arbre de Vie qui est considéré comme le centre du monde. Et comme lors de ses derniers albums, Sztakics István Attila continue et accentue même son virage vers une fusion de rock progressif et de MÉ du style Berlin School qui a séduit une nouvelle légion de fans depuis The Hidden Garden of Semiramis. Du Genesis trempé dans du Opeth et/ou du Strawbs mariné dans du Dream Theater, Nord utilise d'avantage ses modules de guitare électrique sur cet album. Structurant ainsi des rythmes de head-bangers entre des phases d'ambiances ou comme complément à un rythme électronique naissant. Au final, “The Tree of Life” devient plus un rock progressif orné d'une touche de MÉ que son contraire. Exception faite des solos de synthés qui abondent sur chaque titre avec des chorégraphies très esthétiques.
C'est d'ailleurs par une guitare très Jeff Beck (Roger Waters-Amused to Death) qui rôde dans des ambiances éthérées que s'ouvre "The Wise Man", un des personnages centraux de cette mythologie. Des caresses de violons tentent de flotter avec les suaves harmonies lyriques d'une splendide voix de déesse qui est dressée pour nous donner des frissons avec ses poignants crescendos d'émotivité. Le synthé joue sur la profondeur d'une chorale Elfique pour Anges et Démons, tout en injectant des bancs de brume dans ce somptueux décor où même les réverbérations twistées ont un beau teint tonal. Des séquences limpides animent ces mouvements de rythme spasmodique uniques à l'arsenal de la MÉ avec deux tonalités qui épousent une même tangente. Si des chants d'une flûte virginale chatouille nos émotions, les lourds riffs bien pesant d'une guitare rock font contrepoids. Les chants flûtés deviennent acuités tandis que le rythme poursuit sa route zigzagante, un peu comme Tangram joué en accéléré, avec des séquences qui détachent leurs ombres afin d'accélérer une cadence qui croule maintenant sous le poids d'accords lourds et résonnants. Cette instabilité rythmique est fouettée alors par des percussions qui conduisent la finale de "The Wise Man" vers un furieux mélange de lourd et d'éthéré, de rock progressif théâtral et d'électronique qui est devenu le sceau de Nord depuis quelques albums. "The Deer and the Horse" sont d'autres éléments de ce conte Hongrois. En musique ça se traduit par une intro nourrie de réverbérations glauques et de riffs de synthé qui roucoule de beaux petits solos mélodiques ornés de prismes soniques qui restent suspendu dans ce décor très aérien. Des basses pulsations forment une structure de rythme qui ondule discrètement dans cette introduction nourrie de réverbérations, de solos aux formes incertaines, de prismes tonals…et des riffs de guitare à la David Gilmour (Animals). La porte est ainsi ouverte à une approche rock qui devient plutôt un heavy rock à la Uriah Heep, mis à part les riffs de guitares saccadés qui font très Opeth, avec des solos de synthé, et des nappes de Hammond, qui courent sur une structure en folie. "The Falcon and the River" suit les mêmes règles, sauf pour une introduction soufflée par des voix célestes et le rythme qui est légèrement plus lent. Les riffs sont aussi tranchants et monstrueux! Et de "The Tree" de suivre le modèle du titre précédent avec une ouverture où réverbérations, effets électronicosmiques et nappes de voix célestes étendent un panorama de sérénité oisive. Un mouvement circulaire du séquenceur sort de ces ambiances dont le crescendo poursuit sa montée avec ces gros riffs saccadés, aidés de percussions très rock, qui perturbent les ambiances de cet album maintiennent un niveau d'incertitude rythmique propice à de bons solos de synthé qui font très David Wright. "Trance" est une belle ballade électronique qui se transforme en une copie de Power Ballad. Idem pour "Completion" qui conclut “The Tree of Life” avec la vision très rock théâtrale lourd et incisif de Nord.
Sylvain Lupari (15/05/18)

dimanche 13 mai 2018

POLARIS: Desert Run (2018)

“This comeback of Polaris is a good breath of fresh air in the spheres of EM with an approach highly stylized and surprisingly eclectic”

Fata Morgana 13:16
Derweze 9:34
Dunes 11:40
Hasting's Cutoff 9:50
Oasis 8:12

GEN CD 045 (CD 52:32)
(Berlin School, E-Rock and EDM)
   **Chronique en français plus bas**

Humm…quite a comeback from Polaris! Near, or more, four years after Way Out, Jakub Kmiec gets out of his den to offer an album which will surprise more than one. An electronic ode on the theme of desert, “Desert Run” entails in its trail this signature of Polaris' EDM in structures clearly more elaborate than on his previous albums. The result gives a rather particular style where we find essences of Jarre, for the cosmic decor, Kitaro for the harmonization of the synthesized melodies, Tangerine Dream for the effects and the spirals of sequences and finally Redshift for many other elements.
It's moreover in the perfumes of Logos that "Fata Morgana" gets organized around our ears. A dark veil imagined in the cave of Redshift spreads layers of chthonian voices around this meshing of percussions and sequences which dribble its keys in a rhythmic which goes towards this electronic rock that we still don't know how to dance. Evolving in two phases, "Fata Morgana" corresponds perfectly to the meaning of its idea with a sound mirage where the diverse periods of Tangerine Dream form an ear-catchy symbiosis. Like this guitar which spits its riffs, which would like to turn into furious solos, and this phase of sequences which goes as these crazy balls in an abacus activated by a gearing out of control. It's in this moment, around 6:30 minutes, that the sequencer activates its madness, modifying a structure which becomes more uncluttered and more lively. The fans of Chris Franke's ingenious sequencing patterns are going to devour this title. "Derweze" is in pure Redshift mode, both for the ambiences and for the use of the sequencer which presents its Tangerine Dream influences. Let's that it describes perfectly this legend of the Gates of Hell on Earth situated in the Turkmenistan desert. "Dunes" will be party of these titles put in my iPod, section Best EM tracks of 2018. Rolling in Floydian mists, some rather intense synth solos get out of layers filled with reverberating cracklings. A small footstep of the sequencer and hop …A sublime synth line, more than too harmonious, goes down from the clouds with an irrevocable influence on our charms. The sequencer stammers another approach at the same time as a good bass line invites itself behind this harmonious gift. And everything goes fast! The percussions which come to dance with the keyboard riffs and propel the music towards a lively structure where threads of melodies roll in loops on a structure a bit jerky, but always very animated. Divided between its magnificent whistled melody and its Kitaro solos style, "Dunes" retreats towards a narrow corridor of ambiospherical elements before springing with strength, rambling its 2nd part between its phases of ambivalences. I have to tell you that it's this kind of music that leads me to madly love EM and its multiple possibilities.
Chords quivering like clackers prisoners in a foggy echo tickle charmingly our sense of hearing. This zigzagging movement coming from the far drags a meshing of pulsations and acoustic percussions which will be the base of a bidirectional rhythmic structure. Some arpeggios flutter above, while the presence of mist amplifies the atmospheric side of "Hasting's Cutoff", a title which gets the most closer of the hymns EDM that we found on the album Way Out, but in an envelope a little bit Cosmic Funk, a la Robert Schroëder. "Oasis" is sculpted in the same mold. This time, the rhythm escapes from an orchestral fog from where arises a line of bass pulsation and an armada of sequences which flicker quickly, like in those big electronic rocks of TD in their Miramar years. The 2nd part proposes another rendezvous with the dexterity of Jakub Kmiec and his synth solos which will seduce you more than once throughout this album filled of surprises. And there, I didn't even mention the very Franke pattern of sequences of the Logos years which are flickering with a good pace in this finale, as well as in a lot of places in “Desert Run”.
This comeback of Polaris is a good breath of fresh air in the spheres of EM with an approach highly stylized and surprisingly eclectic. Surfing comfortable between several styles and influences, of which the links are imperceptible and nevertheless tangible, “Desert Run” is a journey in the heart of a EM where all its ingredients melt together in a symbiosis of the most charming. There is the a very good and a beautiful EM in this other little jewel, always carefully covered with a beautiful digipack, from the Polish label, Generator PL.

Sylvain Lupari (May 13th, 2018) **** ¼*
You will find this album on Generator PL

Humm…, tout un retour de Polaris! Près, ou plus, de 4 ans après Way Out, Jakub Kmiec sort de sa tanière pour offrir un album qui en surprendra plus d'un. Ode électronique sur le thème du désert, “Desert Run” entraîne dans son sillage cette signature d'EDM de Polaris dans des structures nettement plus élaborées que dans ses albums précédents. Il en résulte en un style assez particulier où on retrouve des essences de Jarre pour le décor cosmique, de Kitaro pour les harmonisations des mélodies synthétisées, de Tangerine Dream pour les effets et les spirales des séquences et finalement de Redshift pour bien d'autres éléments.
C'est d'ailleurs dans des parfums de Logos que "Fata Morgana" s'organise autour de nos oreilles. Un voile obscur imaginé dans l'antre de Redshift étend des nappes de voix chthoniennes autour de ce maillage de percussions et de séquences qui driblent une rythmique qui tangue vers ce rock électronique dont on cherche encore une façon de le danser. Évoluant sur deux phases,"Fata Morgana" correspond parfaitement au sens de son idée avec un mirage sonore où les diverses périodes de Tangerine Dream forment une séduisante symbiose. Comme cette guitare qui crache ses riffs, qui aimeraient bien se transformer en solos rageurs, et cette phase de séquences qui roulent comme ces boules folles dans un boulier activé par un engrenage dérèglé. C'est à ce moment, autour des 6:30 minutes, que le séquenceur active sa folie, modifiant une structure qui devient plus épurée et plus entraînante. Les amateurs des séquences à la Chris Franke vont dévorer ce titre. "Derweze" est en pur mode Redshift, tant pour les ambiances que pour l'utilisation du séquenceur qui étale ses influences de Tangerine Dream. Disons qu'il décrit avec justesse cette légende des portes de l'enfer sur Terre situées dans le désert Turkménistan. "Dunes" fera parti de ces titres à mettre dans mon iPod, section meilleurs titres de MÉ en 2018. Roulant dans des brumes Floydiennes, des solos de synthé assez intenses sortent d'entre des nappes gorgées d'un grésillement réverbérant. Un petit pas du séquenceur et hop…Une sublime ligne de synthé plus que trop harmonieuse descend des nues avec une emprise irrévocable sur nos charmes. Le séquenceur bredouille une autre approche en même temps qu'une bonne ligne de basse s'invite derrière ce cadeau harmonique. Et tout va vite! Les percussions qui viennent dansent avec les riffs de clavier et propulsent la musique vers une structure enlevante où les fils de mélodies roulent en boucles sur une structure un brin saccadé, mais toujours très entraînante. Divisé entre sa magnifique mélodie sifflotée et ses solos à la Kitaro, "Dunes" retraite vers un étroit corridor d'ambiances avant de jaillir avec force, promenant sa 2ième entre ses phases d'ambivalences. Disons que c'est ce genre de titre qui nous fait tomber en amour avec les multiples possibilités de la MÉ.
Des accords tressaillant comme des tac-tac (des clackers) prisonniers dans un écho brumeux chatouillent délicieusement notre ouïe. Ce mouvement zigzagant venu du loin entraine un maillage de pulsations et de percussions acoustiques qui seront la base d'une structure rythmique bidirectionnelle. Des arpèges volètent au-dessus, alors que la présence de brume amplifie le côté ambiance de "Hasting's Cutoff", un titre qui se rapproche le plus des hymnes EDM que l'on retrouvait sur l'album Way Out, mais dans une enveloppe un peu Cosmic Funk à la Robert Schroeder. "Oasis" est sculpté dans le même moule. Cette fois-ci, le rythme s'échappe d'un brouillard orchestral d'où surgit une ligne de basse pulsation et une armada de séquences qui papillonnent vivement comme dans les gros rocks électroniques de TD dans leurs années Miramar. La 2ième partie propose un autre rendez-vous avec la dextérité de Jakub Kmiec et ses solos de synthé qui en séduiront plus d'un tout au long de cet album bourré de surprises. Et là, je ne vous ai pas parlé du pattern de séquences très Franke dans les années Logos qui butinent dans cette finale, de même qu'à plein d'endroits dans “Desert Run”.
Ce retour de Polaris est une bonne bouffée d'air frais dans les sphères de la MÉ avec une approche hautement stylisée et étonnement éclectique. Surfant à l'aise entre plusieurs styles et influences, dont les liens sont imperceptibles et pourtant tangibles, “Desert Run” est un voyage au cœur d'une MÉ où tous ses ingrédients se fondent en une symbiose des plus enchanteresse. Il y a de la très bonne et belle MÉ dans cet autre petit bijou, toujours soigneusement recouvert d'une belle pochette digipack, du label Polonais Generator PL.

Sylvain Lupari (13/05/18)

vendredi 11 mai 2018

SKOULAMAN: Next Step in Evolution (2018)

“Next Step in Evolution is good musical album with floating beats which finds their way easily between our ears and to the bottom of our eardrums”

1 Colored Glass 11:26
2 Foreign Woods 13:56
3 EC2 12:38
4 Rumble 13:57
5 Ocean and Air Guitar 8:07
6 Colored Glass Alternate 17:49
Groove nl | GR-247 (CD 77:56)
(Netherlands School)
   **Chronique en français plus bas**
The sigh saddening from a very Vangelis synth awakens a dreamlike introduction by drifting lazily between the twinkling prisms and chords which hesitate between a melodic avenue or a cosmic wandering. The delicacy in the deposit of the keyboard keys is faithful to the signature of the one who was a beautiful revelation in 2014 with Dreaming of the Future Reflecting the Past. The approach is closer to stars with this sensation of weightlessness which moderates this bed of noisy stuffs which nibble at our ears, whereas the sequencer weaves a rhythmic pattern which goes and comes, playing cat and mouse with our hearing, with an elastic effect in its upward influence. The tone is shown to "Colored Glass" because “Next Step in Evolution” leans on these movements of slow sequencing pattern, sometimes they turn more fluid, which serve the cause to these structures of ambiences and of harmonies built on the basis of improvisations. Another line of sequence congeals its more crystal clear balls which swirl in a motionless envelope, giving this freedom to Rik van Kroonenburg's guitar to throw of riffs and solos, in simultaneous with the synth, which travel through the seraphic mists and other effects of a synth which anchor the music of Hans Van Kroonenburg, aka Skoulaman, in a galaxy not too much far from that of Gert Emmens. With its sequences a little bit foggy, originator of seraphic rhythms, the music of Skoulaman has really took off with its last album, Andros Awakenings. “Next Step in Evolution” follows this tangent with a scenic organization which flirts with this approach of live on a base of improvisation which condemns not at all his vision of sound poetry of which the wide specter of brilliance inhales the soft musing of Vangelis. Like in this introduction of "Foreign Woods" where the keyboard lays down a lunar lullaby strummed with this sensation of small knocks from a metallic hammer on a glass xylophone. The debit varies as the jets of mists. The rhythm which comes from the point of 5 minutes of the of this cosmic musing reminds that of Software, the orchestrations of mist too, in the years 85-88. The sequences swirl as carousels illuminated with hundred lights in a structure which wanders between these phosphorescent lines and these lines of celestial voices which accentuate the depth of the fog effects. "EC2" follows with samplings of alive nature where the chants of birds are cooing on the bright reflections of a water very alive in its bed of rockery. Tearful synth layers are falling and they spread reverberating shadow, sculpting a fascinating funeral ode. It's mostly here that we feel this live vibe of this album. Rarely, an artist will have been so close to my ears! The residues of this elegy is floating and forms some fuzzy sound hoops which get in a jerky trance.
This is how a first phase of rhythm gets born in "EC2" Always very soft and poetic, Hans Van Kroonenburg lays here some melodious chords of which the tinkling roam through a sneaky shadow which took the place of those hoops and restructures the rhythm under the aegis of a synth and of its apocalyptic lines. Fat and juicy sequences get in, amplifying the rhythmic genesis which becomes like the steps of a big clumsy giant running to the left and to the right of our ears. More bright arpeggios add the harmonious touch to this track which in the end crumbles very well its 12 minutes. This structure of sequences rolls the rhythm a little slower in "Rumble" of which the illusion that it wins in velocity is simply superb. The rumbling results from the multi-lines of synths the of which violence are dropping layers of voices as much celestial as the orchestrations without forgetting those vampiric harmonious licks and melodious solos. This is a great track made on the model of Berlin School! The introduction is short for "Ocean and Air Guitar". After the samplings of waves dying on shores, this movement of sequences which rises and comes down without really conviction turns to rock this hypnotic rhythm which makes the link between the structures of “Next Step in Evolution”. An ideal structure to also put down an atmosphere of the most ethereal, giving a chance to Rik van Kroonenburg to spread his solos, sometimes furious and sometimes anesthetic, of which the answers of his father are translated by more aerial soloes and banks of mist where sing one thousand stars. Once again, this is very nice! Taking advantage of its 18 minutes to structure well its opening and the morphology of its rhythmic evolutionary structure, "Colored Glass Alternate" is an alternate vision of the first title without the presence of Skoulaman's son on guitar. The synth solos are replacing the laments of the six-strings and thin lines of additional sequences, as well as very nice percussive effects, add a charming depth to a more lively, a more fluid structure of this version which enchants me much more than "Colored Glass".
Once again, I spent some very good time with the music of Skoulaman. Easy to tame and without a detour towards a form of complexity, the music of “Next Step in Evolution” is beautiful and finds its way easily between our ears and to the bottom of our eardrums. We dream easily on it and we get surprised to appreciate its lightness so much the musical and harmonious aspect is important in the sound ship of Skoulaman. We cannot like it, as much as we cannot shout to genius! It flows and coos between the ears, like a nice evening of sonic poetry.
Sylvain Lupari (May 11th, 2018) ****¼*
Available on Groove NL
Le soupir affligeant d'un synthé très Vangelis allume une introduction onirique en dérivant paresseusement entre des prismes scintillants et des accords qui hésitent entre une avenue mélodique ou une errance cosmique. La délicatesse dans le dépôt des notes sur un clavier est fidèle à la signature de celui qui fut une belle révélation en 2014 avec Dreaming of the Future Reflecting the Past. L'approche est plus près des étoiles avec cette sensation d'apesanteur qui tempère ce lit de matières bruiteuses qui grignotent nos oreilles, alors que le séquenceur tisse une formule rythmique qui va et vient, jouant au chat et à la souris avec notre ouïe, avec un effet élastique dans son emprise ascensionnelle. Le ton est montré à "Colored Glass" puisque “Next Step in Evolution” s'appuie sur ces mouvements de séquences lents, et parfois un peu plus fluides, qui servent la cause à des structures d'ambiances et d'harmonies construites sur la base d'improvisations. Une autre ligne de séquence fige ses ions plus limpides qui tournoient dans une enveloppe stationnaire, donnant la liberté à la guitare de Rik van Kroonenburg de lancer des riffs et des solos, en simultané avec le synthé, qui voyagent à travers les brumes séraphiques et autres effets de synthé qui ancrent la musique de Hans Van Kroonenburg, aka Skoulaman, dans une galaxie pas trop loin de celle de Gert Emmens. Avec ses séquences un peu brumeuses, forgeuses de rythmes séraphiques, la musique de Skoulaman a pris tout son envol avec son dernier album, Andros Awakenings. “Next Step in Evolution” suit la tangente avec une organisation scénique qui flirte avec cette approche du direct sur une base d'improvisation qui ne brime en rien sa vision de poésie sonique dont le large spectre de rayonnement respire les douces rêveries de Vangelis. Comme dans cette introduction de "Foreign Woods" où le clavier couche une berceuse lunaire pianotée avec cette sensation de petits coups de marteaux métalliques sur un xylophone en verre. Le débit varie celui des jets de brumes. Le rythme qui vient après la barre des 5 minutes de cette rêverie cosmique rappelle celui de Software, les orchestrations de brume aussi, dans les années 85 à 88. Les séquences tournoient comme des carrousels illuminés de cents lumières dans une structure qui vagabonde entre ces lignes phosphorescentes et ces lignes de voix célestes qui accentuent la profondeur des effets de brouillard. "EC2" suit avec des échantillonnages de nature vivante où chants d'oiseaux roucoulent sur les reflets lumineux d'une eau vivante dans son lit de rocailles. Des nappes de synthé très larmoyantes tombent et étendent une ombre réverbérante, sculptant une fascinante ode funèbre. C'est à cet endroit que l'on sent cette approche de prise en direct de cet album. Rarement, un artiste aura été aussi proche de mes oreilles! Les résidus de cette élégie flottent et forment des cerceaux soniques flous qui se mettent en transe saccadée.
C'est ainsi qu'une première phase de rythme nait dans "EC2" Toujours très tendre et poétique, Hans Van Kroonenburg couche des accords mélodieux dont les tintements parcourent une ombre sournoise qui a pris la place des cerceaux et restructure le rythme sous l'égide d'un synthé et de ses lignes apocalyptiques. Des séquences grasses et juteuses prennent alors place, amplifiant la genèse rythmique qui devient comme les pas d'un gros géant maladroit courant à gauche et à droite de nos oreilles. Des arpèges plus lumineux ajoutent la touche harmonique à ce titre qui émiette très bien ses 12 minutes. Cette structure de séquences roule le rythme un peu plus lent dans "Rumble" dont l'illusion qu'il gagne en vélocité est superbe. Le grondement provient des multi-lignes de synthés dont les violences échappent des nappes de voix aussi célestes que les orchestrations ainsi que des solos vampiriques et harmoniques. Un gros titre électronique sculpté sur le modèle de la Berlin School! Le préambule est court pour "Ocean and Air Guitar". Après les échantillonnages de vagues mourant sur les rives, ce mouvement de séquences qui monte et descend sans vraiment de conviction retourne bercer ce rythme hypnotique qui fait le joint entre les structures de “Next Step in Evolution”. Une structure idéale pour coucher aussi une ambiance des plus éthérées, donnant une chance à Rik van Kroonenburg de déposer ses solos tantôt rageurs et tantôt anesthésiants dont les réponses de son père se traduisent par des solos plus aériens et des bancs de brume où chantent mille étoiles. Encore une fois, c'est très beau! Profitant de ses 18 minutes afin de bien structurer son ouverture et la morphologie de sa structure évolutive rythmique, "Colored Glass Alternate" est une reprise du premier titre de “Next Step in Evolution” sans la présence du fils de Skoulaman à la guitare. Les solos de synthé remplacent les complaintes de la six-cordes électrique et des filets de séquences supplémentaires, ainsi que de très beaux effets percussifs, ajoutent une belle profondeur à une structure plus vive, plus fluide à cette version qui m'enchante bien plus que "Colored Glass".
Encore une fois, j'ai passé de très bons moments avec la musique de Skoulaman. Simple et sans détour vers une forme de complexité, la musique de “Next Step in Evolution” est belle et se loge très bien dans le fond de nos tympans. On y rêve aisément et on se surprend à apprécier sa légèreté tant l'aspect musical et harmonique est important dans le vaisseau Skoulaman. On ne peut pas ne pas aimer, comme on ne peut crier au génie! Ça coule et roucoule entre les oreilles, comme une belle soirée de poésie sonique.
Sylvain Lupari 11/05/18