lundi 30 avril 2018

WAVESTAR II: Nightwinds (2018)

“There is a lot of intensity and emotionalism in this album which in the end is a good one of a rather accessible EM and which will give you shivers”

1 Dragon 8:32
2 Eldritch 10:20
3 Majesty 4:03
4 Track of Time 10:00
5 Velocity of Dark 14:18
6 Reprise {For Jack} 7:32
7 Nightwinds 21:51

Groove | GR-246 (CD 76:36)
(England School)
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  **Chronique en français plus bas**

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Wavestar was a big name of the England School EM style in the 80's. Consisted of John Dyson and Dave Ward-Hunt, the duet realized 3 albums following this emergence of English artists who were interested more and more in the immense possibilities of a music composed and performed by synthesizers and sequencers. After the mega Moonwind, the duet stopped its activities, John Dyson going solo while Dave Ward-Hunt was more discreet. He changed of cosmic address in 1999. Flanked now by Paul Ward and by Stephen Whitlan, John Dyson resuscitates Wavestar by taking care of sticking II on the famous name who got very good reviews for the Moonwind album, an inescapable in all discography of EM of the Berlin School style and of its derivatives. I savored and adored Moonwind! It's thus enthusiastically that I waited for this “Nightwinds”.
"Dragon" begins as if we are opening a big donjon. Hinges squeaking, the rattling noises of chains and then huge steps which resound. They lift moreover many clouds of dust as prisms and synth layers which float with tenderness. Below those, there is a seraphic choir and some sharpened tears of synth which accompany a procession of solemn keys and of which the harmonious approach seems to us familiar. The sound density and intensity are very compact in this opening and we have difficulty in seizing this rivulet of sequences which glitters on the spot. But it doesn't really matter because all this cinematic ambience stumbles in a phase of almost serenity with jets of drones which snore beneath undulating synth lines where we cannot separate this imprint of Tangerine Dream on the signature of Wavestar II. And it was the same thing in Wavestar without the II! A lively movement of the sequencer sculpts an ostinato jerky rhythm where the keys skip as this skillful Japanese chef cutting his meat. If this rhythm is too lively for our fingers, he seems to be the ideal companion for those synth solos soloes which coo with as much fluidity as musicality with its electronic tints and of flutes under a rhythmic pattern stimulated by good electronic percussions. From its very electronic introduction, "Eldritch" gets out of the sonic limbos with a fluid movement of the sequencer. The sequences are riding under a plethora of effects, of voices and of noises of bell which turn into chords covered by frost in order to offer a nicely oscillating structure. The flow wins in intensity as the atmospheres become more tragic. The percussions which fall at around the 5th minute bring a more rock touch and the liveliness of their strikes is in contrast with the magnitude of the layers which are clearly more floating. There are good percussive effects, a bit discreet but we hear them, in this title which proposes one finale quite clouded with its mysteries. The carillon of sequences which livens up the introduction of "Majesty" is simply too cute and heartbreaking! But not as much as the salvo of violins which spreads a soft and poignant slow movement and of this synth which lays down a delicious anesthetic lullaby. Difficult not to love this one!
"Track of Time" is a title with a melancholic flavor. Its opening is made of foggy violins, throwing a dark atmosphere landscape. A line of bass gets in and its crawling movements give a slow, almost dying structure, on where settle beautiful more melodious synth layers. A sequencer emerges out of these mists after 3 minutes to forge a structure of rhythm a la Tyger. That is used as basis so that John Dyson's guitar release some pretty nostalgic solos. The movement gets more lively after 6 minutes, plunging "Track of Time" into a not complicated rock where the guitar sounds very David Gilmour. "Velocity of Dark" proposes also an opening all in mystery with pads of mists and synth layers of which the rippling pastel colors weave a sibylline mood. A line of choir adds more depth to the multiple synth effects. It's from these voices that arises a line of sequences which pound with its crystalline tones. If these sequences stir vividly, the line of bass pulsations which get grafted makes counterweight by sculpturing a more furtive approach. Like a stealthily dance! The music becomes more lively at the dawn of its 8 minutes. The percussions throw a good dose of electronic rock which is serves the cause to beautiful and very, but very, harmonious duels of solos between two synths. The finale of this title is going to blow away! The arrangements are powerful and the sound texture which invades our ears is incredibly well orchestrated. I had shivers! I don't know who is this Jack, but the music which is dedicated to him in "Reprise {For Jack}" is of a dose of emotionalism to make cry a wall. First of all, the orchestrations! It looks like Wavestar II drinks of the arrangements which gave me the gooseflesh in Canzone, a title which appears in the mysterious The Keep album by Tangerine Dream. Built on poignant arrangements, the music flows with its multilayers of orchestrations, throwing its touching passages by hanging onto little by little at to bucolic perfumes where we recognize this Scottish hymn; Auld Lang Syne of the poet Robert Burns. Dramatic and touching! The long title-track aims to be the cornerstone of this comeback album from Wavestar. Built following the artistic standards of these long evolving titles, the introduction is make of orchestrations and of mystic effects. And the orchestrations in this album are conceived to test well our threshold of emotionalism. Mine being rather fragile, I have again shivers to the soul. And it became worse when that an electric piano draws a circular melody, a hypnotic ritornello which is of use as harmonious bed to the vapors of a wandering guitar and of its soft and nice vaporous solos. Not too long as a passage, "Nightwinds" adopts the shape of a lascivious down-tempo nearing the 10 minutes. A slow dance for romantic and dreamers! The guitar tosses sharp-edge jets in order to move well the pond of our emotions. The whole thing stops two seconds before 12 minutes. This is when that orchestrations, kind of those which had open "Reprise {For Jack}"change the structure orientation and plunge us into a phase of movie music on a theme for upset feelings with abrupt and dense orchestrations as well as with layers of Gregorian voices. This brief passage throws a jet of cacophony which remains to explain and which makes me a little bit perplexed. Why so much violence after such an opening and especially with the sweetness which precedes and which leads this long title towards one quite electronic finale? But for a viewpoint strictly musical and orchestral, my Totem loudspeakers have feasted!
There are a lot of intensity and emotionalism in this “Nightwinds” which in the end is a good album of a rather accessible EM and which will give you shivers to the soul because of its impressive orchestrations, giving at times a depth of symphonic electronic rock to this comeback album of John Dyson. In fact, the music here is more in JD vein than Wavestar. I found that there is a good gap between this “Nightwinds” and Moonwind. And I think it's ok, because that's an album of Wavestar II and because John Dyson intends to give it a more contemporary direction while immortalizing the name of his deceased friend, Dave Ward-Hunt. Some good and nice England School.
Sylvain Lupari (April 30th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on
Groove NL

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Wavestar était un gros nom de la MÉ du style England School dans les années 80. Composé de John Dyson et de Dave Ward-Hunt, le duo réalisait 3 albums dans la foulée de cette émergence d'artistes Anglais qui s'intéressaient de plus en plus aux immenses possibilités de la musique composée et performée par des synthétiseurs et séquenceurs. Après le méga Moonwind, le duo cessait ses activités, John Dyson y allant d’une carrière en solo alors que Dave Ward-Hunt se faisait plus discret. Il a changé d’adresse cosmique en 1999. Flanqué maintenant de Paul Ward et de Stephen Whitlan, John Dyson réanime Wavestar en prenant soin de coller II au célèbre nom qui avait obtenu de très bonnes critiques avec l'album Moonwind, un incontournable dans toute discographie de MÉ de style Berlin School et de ses dérivés. J'ai dégusté et adoré Moonwind! C'est donc avec enthousiasme que j'attendais ce “Nightwinds”.
"Dragon" débute comme si on ouvrait un gros donjon. Les gonds grinchant des bruits chaines et puis des pas qui résonnent! Ils soulèvent d'ailleurs autant de nuages de poussières que de prismes et des nappes de synthé qui flottent avec tendresse. Sous ces nappes, il y a une chorale séraphique et des larmes de synthé aiguisées qui accompagnent un cortège d'accords solennels et dont l'approche harmonique nous semble familière. La densité et l'intensité sonores sont très compacte dans cette ouverture et on peine à saisir ce ruisselet de séquences qui miroite sur place. Mais ce n'est pas vraiment important, car toute cette ambiance filmique trébuche dans une phase de quasi sérénité avec des jets de drones qui ronflent sous des lignes vacillantes de synthé où l'on ne peut dissocier cette empreinte de Tangerine Dream sur la signature de Wavestar II. Et c'était la même chose dans Wavestar sans le II! Un mouvement vif du séquenceur sculpte un rythme ostinato et saccadé où les ions sautillent comme cet habile chef japonais en train de découper sa viande. Si ce rythme est trop vif pour nos doigts, il semble le compagnon idéal pour des solos de synthé qui roucoulent avec autant de fluidité que de musicalité avec ses teintes électroniques et de flûtes sous une rythmique stimulée par de bonnes percussions électroniques. De son introduction très électronique, "Eldritch" sort des limbes sonores avec un mouvement fluide du séquenceur. Les séquences chevauchent sous une pléthore d'effets, de nappes de voix et de bruits de cloche qui se changent en accords givrés, pour offrir une structure suavement oscillatoire. Le débit gagne en intensité à mesure que les ambiances deviennent plus tragiques. Les percussions qui tombent autour de la 5ième minute amènent une touche plus rock et la vivacité fait contraste avec l'étendue des nappes qui sont nettement plus flottantes. Il y a de bons effets percussifs, discrets mais on les entend, dans ce titre qui propose une finale toute embrumée de ses mystères. Le carillon de séquences qui anime l'introduction de "Majesty" est tout simplement accroche-cœur! Mais pas autant que la salve de violons qui étend un doux et poignant mouvement lent et ce synthé qui couche une délicieuse berceuse anesthésiante. Difficile de ne pas aimer.
"Track of Time" est un titre à saveur mélancolique. Son ouverture est faite de violons brumeux, jetant une ambiance sombre. Une ligne de basse s'ajoute et ses mouvements rampant donnent une structure lente, quasiment agonisante, où se déposent de belles nappes plus mélodieuses. Un séquenceur sort de ces brumes après les 3 minutes pour forger une structure de rythme à la Tyger, servant de base à la guitare de John Dyson et à ses solos nostalgiques. Le mouvement prend de l'ampleur après les 6 minutes, plongeant "Track of Time" dans un rock pas compliqué où la guitare sonne très David Gilmour. "Velocity of Dark" propose aussi une ouverture tout en mystère avec des nappes de brumes et des couches de synthé dont les couleurs pastels ondoyantes tissent une ambiance sibylline. Une ligne de chœur ajoute plus de profondeur aux multiples effets de synthé. C'est de ces voix qu'émerge une ligne de séquences qui palpitent de ses tonalités cristallines. Si ces séquences s'agitent avec vivacité, la ligne de basses pulsations qui se greffent fait contrepoids en sculptant une approche plus furtive. Comme une danse de pas-de-loup! "Velocity of Dark" devient plus vivant à l'aube de ses 8 minutes. Les percussions jettent une bonne dose de rock électronique qui sert la cause à de beaux duels très, mais très, harmonieux de solos entre deux synthés. La finale de ce titre va vous jeter par terre! Les arrangements sont puissants et la texture sonore qui envahit nos oreilles est incroyablement bien orchestré. J'ai eu des frissons! Je ne sais pas qui est Jack, mais la musique qui lui ai dédié dans "Reprise {For Jack}" est d'une dose d'émotivité à faire pleurer un mur. Tout d'abord, les orchestrations! On dirait que Wavestar II s'abreuve des arrangements qui donnaient la chair de poule dans Canzone, un titre qui figure dans le mystérieux album The Keep par Tangerine Dream. Construite sur des arrangements poignants, la musique coule avec ses multicouches d'orchestrations, jetant ses passages attendrissants en s'accrochant peu à peu à des parfums bucoliques où l'on reconnaît cet hymne Écossais; Auld Lang Syne du poète Robert Burns (Ce n'est qu'un Au Revoir). Dramatique et poignant! La longue pièce-titre se veut être la pierre d'assise de cet album retour de Wavestar. Construite selon les normes artistiques de ces longs titres, l'introduction est d'orchestrations et d'effets mystiques. Et les orchestrations dans cet album sont conçues afin de bien sonder notre seuil d'émotivité. Le mien étant assez fragile, j'ai encore eu des frissons à l'âme. Et c'est devenu pire lorsque qu'un piano électrique dessine une mélodie circulaire, une ritournelle hypnotique qui sert de lit harmonique aux vapeurs d'une guitare errante de ses tendres et beaux solos vaporeux. Pas trop long comme passage, "Nightwinds" adopte la forme d'un down-tempo lascif aux portes des 10 minutes. Un slow pour romantiques et rêveurs! La guitare lance des jets acuités afin de bien remuer le bassin de nos émotions. Le tout s'arrête deux secondes avant les 12 minutes. C'est alors que des orchestrations, genre celles qui ont ouvert "Reprise {For Jack}" réorientent la structure afin de la plonger dans une phase musique de films pour émotions chamboulées avec des orchestrations abruptes et denses ainsi que des nappes de voix grégoriennes. Ce bref passage lance un jet de cacophonie qui reste à expliquer et qui me rend un peu perplexe. Pourquoi tant de violence après une telle ouverture et surtout avec les douceurs qui précèdent et qui conduisent ce long titre vers une finale toute électronique? Mais d'un point vue musique et orchestrations, mes Totem se sont régalés!
Il y a beaucoup d'intensité et d'émotions dans ce “Nightwinds” qui au final est un bel album de MÉ assez accessible et qui vous donnera des frissons dans l’âme en raison de ses imposantes orchestrations, donnant par moments une profondeur de rock électronique symphonique à cet album retour de John Dyson. En fait, c'est un album qui ressemble plus à JD que Wavestar. J'ai trouvé qu'il y a un profond écart entre ce “Nightwinds” et Moonwind. Et c'est bien correct puisqu’il s'agit d’un album de Wavestar II et que John Dyson entend donner une direction plus contemporaine à son projet tout en immortalisant le nom de son défunt comparse, Dave Ward-Hunt. Du bon et beau England School.

Sylvain Lupari (30/04/18)

jeudi 26 avril 2018

BROEKHUIS, KELLER & SCHONWALDER: Repelen Revisited (2018)

“If people will find something to say against Repelen Revisited it will be that it's too easy to tame, to like the music on it…”
1 Ready for Lounge 11:19
2 Walking Under the Moon 8:35
3 Repelen Groove 10:11
4 Electric Chess 10:49
5 A New Day 8:31
6 Song of Life 11:28
7 Rush Hour 6:30

MRCD 7107 (CD/DDL 67:28)
(Mix of New Age & Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**

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I'm always divided when I start to dig into a new album of the Repelen Series from Broekhuis, Keller & Schönwälder along with their musical journeymen on this project; Raughi Ebert on guitars and Thomas Kagermann on violin and flutes. Not because it's not good, nor interesting! The quintet explores a musical avenue which struggles between New Age, or a kind of a very pleasant Easy Listening, and an EM which flirts with a clearly more accessible Berlin School style. But always, I get seduced so easily by a production without smudge among which the mastering and the mixing allows every instrument to seduce the most timid eardrums. Contrary to what the title can indicate, “Repelen Revisited” is not a compilation nor an album of remixes. It's rather a collection of titles that the quintet played or rehearsed during the performances and/or the sessions of 2011 and 2016. Thus, it's original material which respects in every aspect the music without borders of Broekhuis, Keller, Schönwälder, Ebert & Kagermann.
It's with Raughi Ebert's that begins "Ready for Lounge". The notes travel from a loudspeaker to another one with a hint of Mediterranean romance. A pulsation seizes the last breath of this first acoustic melody, awakening the tears of a dreamy violin while riffs of keyboard slumbers in suspension. The jingles of the percussions peck at a structure which increases its pace while staying in its limits of cosmic Funk and Groove so peculiar to Broekhuis, Keller & Schönwälder. Stimulating tinklings of xylophone add a surreal touch while the violin always cries so much. In my opinion, "Ready for Lounge" seems to be offer to the sound journeymen BK& S so that they sharpen their talents. "Walking Under the Moon" is more interesting with its very Berlin School structure. The sequencer, and its very nervous keys, skip on a Halloween theme, or yet Tubular Bells, to form these Berlin School rhythms lively for the neurons, and the for fingers. Instead of drawing solos, the synths stimulate good effects and ambient riffs to deepen the soundscapes and the field of Thomas Kagermann's violin laments. This is a very good title and I suspect that "Repelen Groove" is inspired by it by offering a slower, a dreamier structure of Groove as we say, to submit to our ears a bigger diversity in instruments and other synth effects. One can hear an acoustic guitar, percussions bongo drums, lines of flute and piano here. The solos are hearing-illusion with a synth which shows tones of saxophone besides forging ethereal layers where we can even hear voices with a tribal essence as a seraphic one. Ideal for on a Sunday morning.
In fact, all of “Repelen Revisited” is even more beautiful on a morning when the senses are amazed in front of the beauties of life and its natures. "The Electric Chess" sounds familiar? Well, it's a kind of tribute to the cult title of Manuel Göttsching's album E2-E4. We jump over its psychedelic introduction to dance immediately on a kind of cosmic Groove and its clothes of ambient Funk. Raughi Ebert is in nice shape with his guitars, as acoustic as electric, which scatter appropriate riffs and also vapors of blues, as well as romances, while more discreet, even more retiring than the violin, the synth is in mode very cool saxophone. "A New Day" is a small serenade structured on a beautiful momentum of rhythmic growth. The music is very soft and floats through the harmonies of clarinets forged skillfully by a synth. Discreet, the guitar is of use as melodic bed to a duel between this clarinet, as with the lines of seraphic voices and the tears of violins. The percussions raise the romantic intensity of this title which livens up slowly by crumbling its seconds. Impossible to not like this one! "Song of Life" is another title of the Berlin School genre with a floating movement dipped into gases of ether. The ambiences liven up gradually, binding even themselves with a rhythm sculpted by percussions always of the Bongo kind, while the ambiospherical décor is split between good synth solos which include perfumes of the 70's and solos of a violin at times too present. Set apart the synth riffs, the ambiences are decorated with the electronic effects of the Klaus Schulze repertoire and with pretty nice Mellotron layers. That's a title that I would have like a bit more in its purely electronic envelope of the good analog years. At this level, "Rush Hour" answers more my waits. Even if Thomas Kagermann's violin tries to bring in it a folkloric touch, the rhythm shows a good swiftness under lively percussions and riffs of hiccupping sequences. The synth solos are what we expect of EM with their aerial pirouettes which spin in and out in an ear-catchy electronic décor filled with sounds and with mists which are familiar to our ears.
Always carefully presented in a six panels digipack artwork, “Repelen Revisited” wears proudly the Manikin signature. In this sense that the music is polished up well with an incredible precision in the tones and where each title possesses a little something catchy. The music is nice and very accessible with a light and lively melodious side. It's this kind of album of which the biggest defect is that it's too easy to like…

Sylvain Lupari (April 25th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
You will find this album on Manikin Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Je suis toujours partagé lorsque je pars à la découverte d'un nouvel album de la série Repelen de Broekhuis, Keller & Schönwälder et de leurs compagnons soniques sur ce projet; Raughi Ebert aux guitare et Thomas Kagermann au violon et flûtes. Pas parce que ce n'est pas bon, ni intéressant! Le quintet explore une avenue musicale qui se démène entre du New Age, ou un genre de Easy Listening très convivial, et une MÉ qui flirte avec le style Berlin School nettement plus abordable à découvrir. Mais toujours, je me laisse aussi aisément séduire par une production sans bavure dont le mastering et le mixage permet à chaque instrument de séduire les tympans les plus frileux. Contrairement à ce que le titre peut indiquer, “Repelen Revisited” n'est pas une compilation ni un album de remixes. Il s'agit plutôt d'une collection de titres que le quintet a joué ou pratiqué lors des performances et/ou des sessions des années 2011 et 2016. Donc, c'est du matériel original qui respecte en tous points la musique sans frontières de Broekhuis, Keller, Schönwälder, Ebert & Kagermann.
C'est avec la guitare acoustique de Raughi Ebert que débute "Ready for Lounge". Les notes voyagent d'un haut-parleur à l'autre avec un soupçon de romance méditerranéenne. Une pulsation s'empare du dernier souffle de cette première mélodie acoustique, éveillant les larmes d'un violon rêveur alors que des riffs de clavier sommeillent en suspension. Les cliquetis des percussions picorent une structure qui augmente sa cadence tout en restant dans ses limites du Funk et Groove cosmique propre à Broekhuis, Keller & Schönwälder. Des tintements stimulants de xylophone ajoutent une touche surréelle alors que le violon pleure toujours autant. À mon sens, "Ready for Lounge" est offert aux compagnons soniques de BK&S afin qu'ils aiguisent leurs talents. "Walking Under the Moon" est plus intéressant avec sa structure très Berlin School. Le séquenceur, et ses ions très nerveux, sautillent dans une thématique à la Halloween, ou encore Tubular Bells, afin de former ces rythmes entraînants pour les neurones, et les doigts, de la Berlin School. Au lieu de dessiner des solos, les synthés stimulent de bons effets et des riffs ambiants afin d'approfondir le champ sonore des lamentations du violon de Thomas Kagermann. Un très bon titre et je soupçonne que "Repelen Groove" s'en soit inspiré en offrant une structure plus lente, plus rêveuse à la Groove comme on dit, afin de soumettre à nos oreilles une plus grande diversité dans les instruments et autres effets de synthé. On peut y entendre une guitare acoustique, des percussions bongos, des lignes de flûte et de piano. Les solos sont trompe-oreille avec un synthé qui affiche des tonalités de saxophone en plus de forger des nappes éthérées où l'on peut même entendre des voix aux influences tant tribales que séraphiques. Idéal pour un dimanche matin.
En fait, tout de “Repelen Revisited” est encore plus beau par un matin où les sens s'émerveillent devant les beautés de la vie et de ses natures. "The Electric Chess" vous dit quelque chose? Eh bien, il s'agit d'un genre d'hommage au titre culte de l'album E2-E4 de Manuel Göttsching. On saute son introduction psychédélique pour danser immédiatement sur un genre de Groove cosmique et de ses habits de Funk ambiant. Raughi Ebert est en belle forme avec ses guitares, tant acoustique qu'électrique, qui éparpillent les riffs de convenances et des vapeurs de blues, ainsi que de romances, alors que plus discret, même plus effacé que le violon, le synthé est en mode saxophone très cool. "A New Day" est une petite sérénade structurée sur un bel élan de croissance rythmique. La musique est très douce et flotte au travers les harmonies de clarinettes forgées habilement par un synthé. Discrète, la guitare sert de lit mélodique à un duel entre les clarinettes, des lignes de voix séraphiques et des larmes de violons. Les percussions élèvent l'intensité romantique de ce titre qui s'anime doucement en émiettant ses secondes. Impossible de ne pas aimer! "Song of Life" est un autre titre du genre Berlin School avec un mouvement flottant trempé dans des gaz d'éther. Les ambiances s'animent graduellement, s'arrimant même à un rythme sculpté par des percussions toujours du genre Bongos, alors que le décor ambiosphérique est partagé entre de bons solos d'un synthé qui pige dans les parfums des années 70 et des solos d'un violon par moments trop présent. Mis à part les riffs de synthé, les ambiances sont ornées des effets électroniques du répertoire Klaus Schulze et de belles nappes de Mellotron. Un titre que j'aurais aimé davantage dans son enveloppe purement électronique des belles années analogues. À ce niveau, "Rush Hour" répond plus à mes attentes. Même si le violon de Thomas Kagermann tente d'y imprégner un décor folklorique, le rythme affiche une belle vélocité sous des percussions entraînantes et des riffs de séquences hoquetantes. Les solos de synthé sont superbes avec leurs girouettes aériennes qui virevoltent dans un séduisant décor électronique rempli de sons et de brumes qui sont familiers à nos oreilles.
Toujours présenté avec soin dans une pochette digipack à 6 côtés, “Repelen Revisited” porte fièrement la signature Manikin. En ce sens que la musique est bien fignolée avec une précision inouïe dans les tons où chaque titre possède un petit quelque chose d'attrayant. La musique est belle et très accessible avec un côté mélodieux léger et entraînant. C'est ce genre d'album dont le plus gros défaut est qu'il est trop facile à aimer…

Sylvain Lupari (25/04/18)

mardi 24 avril 2018

BROEKHUIS, KELLER & SCHONWALDER: Yellow (2017)

“That's got to be one of the best album from start to end of BK&S since a pretty long time”

1 Yellow Stone 18:52
2 Yellow Sun 14:26
3 Yellow Train 12:53
4 Yellow Cab 14:21
5 Yellow and Purple 10:56

Manikin ‎– MRCD 7106 (CD/DDL 71:30)
(Berlin School)
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  **Chronique en français plus bas**
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For “Yellow”, the famous trio gets back to base. Thus it's without Raughi Ebert and Thomas Kagerman that Bas Broekhuis, Detlef Keller & Mario Schönwälder presents us a 25th album (with or without Bas Broekhuis) and a 6th one on the theme of the colors which began with Noir in 2003. About 15 years farther, we can say that the sound of the Berlin trio has constantly evolve, for the pleasure of our ears and also to follow the evolution of the instruments of MÉ developed by Manikin, while the compositions always remain wrapped in this hopping and spasmodic minimalist cocoon which serves to decorate an EM with the most beautiful sound assets from the Manikin house. Wrapped well in a 6 panel digipack artwork, “Yellow” is undoubtedly the album which has the most impact to date in this series about colors. BK&S doesn't deny at all the essence of their inspirations by offering to his fans a great palette of synths' colors which awaken Tangerine Dream's memories of the 74-77 years and way beyond. It's with an absolute charm that I savored the 71 minutes of this album, as in the nice time where I discovered the wonderful The Annazaal Tapes.
It's in the vapors of an orchestra which tunes its strings behind a foggy pond that begins "Yellow Stone". Covered with intriguing motives, the introduction gets free of its glaucous atmospheres influence to jump into the train of a sequencer which skips together with a line of bass. The twinning of its two elements structures a delicious chaotic rhythm of which the minimalist approach will gather all the rhythmic fineries on its passage. This rhythm, which seems to me like a train without passion, skips by tuning the harmonious motives which get free from the synths with its pace. This is the way the color palette throws jets of iodized mist and poignant layers while the jingles of Bas Broekhuis remind us that he is not too far in the decor. The pulsations of bass become more intense, they will make vibrate your walls as the rhythm of "Yellow Stone" will reach its full power, while the synth layers throw chloroformed jets. Our senses in state of hypnosis notice this line of mislaid sequences which flicker without desire while the layers intensify their hold on our senses. The percussions got to get more and more active. And "Yellow Stone" gets more and more intense with synth layers and chthonian choirs which make a call to time with its flavors of another famous German trio; the one of Franke, Froese & Baumann. The velocity reaches, the movement is more powerful than lively with an arsenal of tones and effects which are doing rodeo on a structure which kept all its minimalist envelope for its last 12 minutes. This pattern of minimalist evolution, including the overture and the finale, is the backbone of the 5 tracks of this very good contemporary Berlin School album which espouses marvelously its new elements with those of yesterday. After a multicolored introduction of ambient effects, "Yellow Sun" develops in a structure which sticks to the clanic and especially ethereal rhythms of the Repelen series. The work of Bas Broekhuis is simply delicious on a structure where the Music of the World exploits marvelously the many languishing synth solos.
Many noises, a nice palette of tonal colors and beaming synths perfume the hopping structure of "Yellow Train". Set up on a structure which is similar to an astral train hidden in the subtlety, the title releases itself from its introduction filled of electronic noises which are near the tones of arcade games with a line of sequences running like millipedes frightened by arpeggios which stretch their musicality with big footsteps which try to crush them. The strange noises, the liveliness of the millipedes' jingles and the slow motion of the strides draw a sound contrast which fills our ears with delight. Three minutes farther, the hopping rhythm unique to the signature BK&S swiftly gambols in a sound plain where solos stream like clouds over a turbulence of tonal elements. A piano weaves a melody stolen from these elements, while the minimalist envelope of the quiet rhythm spreads its capers and its cascades under some always languishing synth solos. Now, I wrote above about the Tangerine Dream's influences in this “Yellow”! And "Yellow Cab" is not ashamed of spreading them. A pure remake and remix of Betrayal (Sorcerer Theme), "Yellow Cab" is also a pure delight for the ears of those fans of this soundtrack with a musical vision which doesn't distort at all the original version. It's the very opposite. The music, the harmonies, the vibes and especially the sequences and the percussions are more in-depth here. BK&S exploits totally the essences of this key title of TD's repertoire with the same vision in the solos and the harmonies of the synths which are longer and also more elaborate, a little as if the trio possessed and shared the secrets of Franke, Froese & Baumann during the recording sessions of Sorcerer. Sequences and mostly the percussions are exploited with more of mordant and demonstrate the more contemporary approach at the level of the equipment of the Manikin house. This is pure candy for the ears. In any case, mines! "Yellow and Purple" announces doubtless the next step of this series on colors from the German trio. After an introduction of ambience elements which is in the tone, the rhythm borrows a surprising tangent of dance music with an always hopping, and more spasmodic pace, surrounded with solos as much tortuous as a knot of snakes which get untie in the chthonian vapors of the synths. There is a good mixture of old Berlin School here in more contemporary essences where always roam these fragrances of Tangerine Dream. Yes! The best to date of the sound rainbow with colors as improbable as very ear-catchy from Broekhuis, Keller & Schönwälder.

Sylvain Lupari (April 24th, 2018) ****½*
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Pour “Yellow”, le célèbre trio revient à la base. C'est donc sans Raughi Ebert et Thomas Kagerman que Bas Broekhuis, Detlef Keller & Mario Schönwälder nous présente un 25ième album (avec ou sans Bas Broekhuis) et un 6ième sur la thématique des couleurs qui débutait avec Noir en 2003. Près de 15 ans plus loin, on peut dire que le son du trio Berlinois a constamment évoluer, pour le plaisir de nos oreilles et aussi afin de suivre l'évolution des instruments de MÉ développés par Manikin, alors que les compositions restent toujours enveloppées dans ce cocon minimaliste sautillant et spasmodique qui sert à orner une MÉ des plus beaux atouts soniques de la maison Manikin. Bien enveloppé dans une pochette digipack à 6 côtés, “Yellow” est sans aucun doute l'album le plus tranchant de cette série sur les couleurs. BK&S ne renie en rien l'essence de leurs inspirations en offrant à ses fans une belle palette de couleurs de synthés qui éveillent des souvenirs de Tangerine Dream des années 74 à 77. C'est avec un charme absolu que j'ai dégusté les 71 minutes de “Yellow”, comme à la belle époque où j'ai découvert le superbe The Annazaal Tapes.
C'est dans des vapeurs d'un orchestre qui accorde ses cordes derrière un étang brumeux que débute "Yellow Stone". Recouverte de motifs intrigants, l'introduction se dégage de son emprise d'ambiances glauques afin de sauter dans le train d'un séquenceur qui sautille en compagnie d'une ligne de basse. Le jumelage de ses deux éléments structure un délicieux rythme chaotique dont l'approche minimaliste colligera toutes les fineries rythmiques sur son passage. Ce rythme, qui me fait l'effet d'un train sans passion, sautille en accordant les motifs harmoniques qui se dégagent des synthés avec sa cadence. C'est ainsi que la palette de couleur jette des jets de brume iodée et des nappes poignantes alors que les cliquetis de Bas Broekhuis nous rappellent qu'il n’est pas trop loin dans le décor. Les pulsations de basse deviennent plus intenses, elles feront vibrer vos murs à mesure que le rythme de "Yellow Stone" atteindra sa pleine puissance, alors que les nappes de synthé lancent des jets chloroformés. Nos sens en état d'hypnose remarquent cette ligne de séquences égarées qui papillonnent sans envie alors que les nappes intensifient leurs emprises sur nos sens. Les percussions deviennent de plus en plus actives. Et "Yellow Stone" devient de plus en plus intense avec des nappes de synthé et de chœurs chtoniens qui logent un appel au temps avec ses parfums d'un autre célèbre trio Allemand; celui de Franke, Froese & Baumann. La vélocité atteint, la structure est plus puissante que vive avec un arsenal de tons et d'effets qui font du rodéo sur une structure qui a gardé toute son enveloppe minimaliste depuis ses 12 dernières minutes. Ce pattern d'évolution minimaliste, incluant ouverture et finale, est l'ossature des 5 titres de cet album de bon Berlin School contemporain qui marie à merveille ses nouveaux éléments avec ceux d'hier. Après une introduction bariolée d'effets d'ambiances, "Yellow Sun" se développe dans une structure qui se colle aux rythmes claniques et surtout éthérés de la série Repelen. Le travail de Bas Broekhuis est tout simplement exquis sur une structure où la Musique du Monde exploite à merveille les langoureux solos de synthé.
Beaucoup de bruits, une belle palette de couleurs tonales et des synthés illuminés parfument la structure sautillante de "Yellow Train". Érigé sur une structure qui s'apparente à un train astral camouflé dans la subtilité, le titre se libère de son introduction bourrée de bruits électroniques qui sont près des tonalités de jeux d'arcades avec une ligne de séquences courant comme des iules effrayés par des arpèges qui étirent leur musicalité avec des grandes enjambées qui cherchent à les écraser. Les bruits bizarres, la vivacité des cliquetis des iules et le ralenti des foulées dessinent un contraste sonore qui remplit nos oreilles de charme. Trois minutes plus loin, le rythme sautillant unique à la signature BK&S gambade vivement dans une plaine sonique où les solos affluent comme des nuages sur une turbulence d'éléments tonals. Un piano tisse une mélodie dérobée à ces éléments, alors que l'enveloppe minimaliste du rythme tranquille étend ses cabrioles et ses cascades sous des solos toujours langoureux. Je vous parlais des influences de Tangerine Dream dans ce “Yellow” et "Yellow Cab" ne se gêne pas pour les étaler. Un pur remake et remix de Betrayal (Sorcerer Theme), "Yellow Cab" est aussi un pur délice pour les oreilles des amateurs de cette trame sonore avec une approche qui ne dénature en rien la version originale. C'est tout le contraire. La musique, les harmonies, les ambiances et surtout les séquences et les percussions sont ici plus approfondies. BK&S exploite à fond les essences de ce titre phare du répertoire de Tangerine Dream avec une même vision dans les solos et les harmonies des synthés qui sont plus longs et aussi plus élaborés, un peu comme s'il possédaient et partageaient les secrets de Franke, Froese & Baumann lors des sessions d'enregistrements de Sorcerer. Les séquences et surtout les percussions sont exploitées avec plus de mordant et démontrent l'approche plus contemporaine au niveau des équipements de la maison Manikin. Du bonbon pour les oreilles. En tout cas, les miennes! "Yellow and Purple" annonce sans doute la prochaine étape de cette série sur les couleurs du trio Allemand. Après une introduction d'ambiances dans le ton, le rythme emprunte une surprenante tangente de musique de danse avec un débit toujours sautillant, et plus spasmodique, entouré de solos aussi tortueux qu'un nœud de serpents qui se dévrillent dans des vapeurs de synthé chtoniennes. Il y a un bon mélange de vieux Berlin School à des essences plus contemporaines où rôdent toujours ces parfums de Tangerine Dream. Oui! Le meilleur à date de l'arc-en-ciel sonique aux couleurs aussi improbables que très séduisantes de Broekhuis, Keller & Schönwälder.

Sylvain Lupari (23/04/18)

lundi 23 avril 2018

JESPER SORENSEN: Zero Gravity (2018)

“Clubbed by heavy and mad percussions, Zero Gravity is an inescapable for those who like a heavy and very lively electronic cosmic rock”
1 Dark Matter 4:02
2 Ascending 11:26
3 Navigating 6:05
4 Into Space 6:48
5 Breaking Through 7:54
6 Zero Gravity 9:46
7 Finally Falling 9:20
8 Beyond Time 9:53

Bonus Track
9 Dark Matter Breaking Through 11:03
10 Ascending (Short Edition) 6:24

Jesper Sorensen Music (DDL 82:42)
(Melodious and very lively EM)

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   **Chronique en français plus bas**

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I have to say that it's pretty hard not to fall in love with this last opus of Jesper Sorensen. The demolishing of our eardrums activated by heavy, incisive and wild percussions is as much effective at the level of the hearing pleasure as these synth solos which travel between Jean-Michel Jarre's harmonies in the land of Michael Garisson. Heavy, slow, lively and floating, the multiple patterns of rhythm in “Zero Gravity” entail us in an electronic fable of more than 80 minutes of which the incredible violence of the percussions redefined the genre.
"Dark Matter" opens in ambiences this 2nd opus of the Danish musician who lives now in York, England. A shrill sound signal and waves of white noises switch on these ambiences while a synth line spreads a foggy shadow. A delicate movement of the sequencer frees a harmonious line which pods its keys in a good circular hypnotic structure. Other sequences join this musical rhythm. Their greasy tones wrap them with a crunchy wool which will make resound another rhythmic aspect of “Zero Gravity” throughout its 10 titles, among which two in bonus. The opening of "Ascending" follows the noisy curve of "Dark Matter". But for the rest, it's another story. Heavy percussions knock out these atmospheres, sculpting a rhythm of lead which bangs into us charmingly. Sequences and percussions, as well as percussive effects, reveal a rhythmic fauna which will amaze, by the violence, and will charm, for the precision, throughout this album. The feeling to float between the universes of Zoolook and Révolutions is insurmountable in my mind. Set apart the percussions and the sequences, Jesper Sorensen takes all the latitude to insert very good harmonious solos, that we can whistle easily, and electronic effects very in the tone of an album without gravity. "Navigating" proposes a waving rotary motion which derives with a stroboscopic effect in the series of sequences. The percussions hammer heavy lead in this attractive structure of sequences which waddle in a spheroidal way. They are incisive and their strikes divide the rhythmic reach which pitches between a usual electronic movement and a big jerky up-beat. The synth weaves good areal solos while blowing nice melodious layers which grip onto our eardrums. These melodies return with more swiftness into the furious rhythm of "Finally Falling". Another strong title which is blasted by monstrous percussions.

"Into Space" follows with a structure of rhythm, always clubbed well by violent percussions, which goes adrift with these sequences of which the tones full of juices and of gurglings charm our ears since "Dark Matter". The synth multiplies good solos, abandoning any imprint of melodies in this structure of floating beat. The percussions collide again the movement of the sequencer languishingly circular of "Breaking Through" and its floating and charming solos for the eardrums. Divided between the rondnesses of sequences starved for good cosmic Groove and the bombardment of the percussions, the rhythm evolves with its fluids variations while remaining constantly lively in its cosmic envelope. An envelope fed by lines of celestial voices which add a not too intrusive seraphic flavor, leaving an imprint charming to this approach very Jean-Michel Jarre, in particular at the level of harmonies in the synth solos. The title-track throws us in a very extraterrestrial universe with an effect of gigantic loops decorated with sound effects from another world. Certainly, the flavors of cosmic rock in the best years of Jarre can be found here and they soften a little this a bit unusual introduction. The step of the sequencer resounds piercingly. Destabilizing the opening of "Zero Gravity", it calls the percussions for help in order to forge another ear-catchy cosmic rhythm as heavy than as slow. This rotary and spasmodic movement of the sequencer is of use as bases to very good cosmic solos on a structure which evolves with a form of contracted velocity in its second half. The undulatory and parallel movements of the sequencer which feeds the opening "Beyond Time" are sprayed by an excessive heaviness fed by another load of the percussions and by very round sequences which dab an ostinato coated with sound effects which incite to the stridency. In this overloaded sound noise, Jesper Sorensen managed to keep a harmonious control with other good catchy solos. Phew … my ears are thirsty of peace after 65 minutes of rhythmic storm. But there is more! Two bonus tracks come with the download of “Zero Gravity”. "Dark Matter Breaking Through" are both tracks in one, which is very logical, whereas "Ascending (Short Edition)" says it all. But there is even more when you buy this title on the site Bandcamp de Jesper Sorensen. The latter has edited 2 long titles which melt all the music here in two long parts without intermissions between them. An excellent initiative which gives to those who buys this album more for their money. But whatever, this album, without bonuses, is an inescapable for those who like a heavy and very lively electronic cosmic rock. My ears ate it with delight from beginning to end!
Sylvain Lupari (April 23rd, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on Jesper Sorensen Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Je dois admettre que c'est assez difficile de ne pas tomber en amour avec ce dernier opus de Jesper Sorensen. Le démolissage de nos tympans activés par des percussions lourdes, incisives et féroces est aussi efficace au niveau du plaisir auditif que ces solos de synthé qui voyagent entre les harmonies de Jean-Michel Jarre au pays de Michael Garisson. Lourds, lents, vivants et flottants, les multiples figures de rythme sur “Zero Gravity” nous entraînent dans une fable électronique de plus de 80 minutes dont la violence inouïe des percussions redéfinie le genre.
"Dark Matter" ouvre en ambiances ce 2ième opus du musicien Danois qui habite maintenant à York, en Angleterre. Un signal sonore strident et des vagues de bruits blancs allument ces ambiances alors qu'une nappe de synthé étend une ombre brumeuse. Un délicat mouvement du séquenceur libère une ligne harmonique qui écosse ses ions dans une belle structure hypnotique circulaire. D'autres séquences se joignent à ce rythme musical. Leurs tonalités graisseuses les enveloppent d'une couche croustillante qui fera résonner un autre aspect rythmique de “Zero Gravity” tout au long de ses 10 titres, dont 2 en boni. L'ouverture de "Ascending" suit la courbe bruiteuse de "Dark Matter". Mais pour le reste, c'est une autre histoire. Des percussions lourdes assomment ces ambiances, sculptant un rythme de plomb qui nous rentre délicieusement dedans. Les séquences et les percussions, de même que les effets percussifs, révèlent une faune rythmique qui étonnera, par la violence, et charmera, pour la précision, tout au long de cet album. L'impression de flotter entre les univers de Zoolook et de Revolutions est indélogeable à mes sens. Mis à part les percussions et séquences, Jesper Sorensen prend toute la latitude pour insérer des très bons solos harmonieux, que l'on peut siffloter aisément, et des effets électroniques très dans le ton d'un album sans gravité. "Navigating" propose un mouvement ondulatoire qui dérive avec un effet stroboscopique dans la série de séquences. Les percussions martèlent du plomb dans cette séduisante structure des séquences qui se dandinent d'une façon sphéroïdale. Elles sont incisives et leurs frappes divisent la portée rythmique qui tangue entre un mouvement électronique coutumier et du gros up-beat saccadé. Le synthé tisse de bons solos aériens tout en soufflant de belles nappes mélodieuses qui s'accrochent aux tympans. Ces mélodies sont reprises avec plus de vélocité dans le rythme endiablé de "Finally Falling". Un autre solide titre qui est dynamisé par de monstrueuses percussions.
"Into Space" suit avec une structure de rythme, toujours bien matraquée par de violentes percussions, qui dérive avec ces séquences dont les tonalités pleines de jus et de gargouillis charment nos oreilles depuis "Dark Matter". Le synthé multiplie de bons solos, délaissant toute empreinte de mélodies dans cette structure de rythme flottant. Les percussions percutent à nouveau le mouvement du séquenceur langoureusement circulaire de "Breaking Through" et de ses solos flottants et charmeurs de tympans. Divisé entre les rondeurs des séquences affamées pour un bon Groove cosmique et le pilonnage des percussions, le rythme évolue avec ses fluides variations tout en restant constamment entraînant dans son enveloppe cosmique. Une enveloppe alimentée par des nappes de voix célestes qui ajoutent un parfum séraphique pas trop envahissant, laissant une empreinte charmante à cette approche très Jean-Michel Jarre, notamment au niveau des harmonies dans les solos du synthé. La pièce-titre nous projette dans un univers très extra-terrestre avec un effet de gigantesques boucles ornées d’effets sonores d’un autre monde. Certes, des parfums du rock cosmique des belles années Jarre sont trouvés et adoucissent un peu cette introduction pour le moins inaccoutumée. Le pas du séquenceur résonne âprement. Déstabilisant l'ouverture de "Zero Gravity", il appelle les percussions au rendez-vous afin de forger un séduisant rythme cosmique aussi lourd que lent. Ce mouvement rotatif et saccadé du séquenceur sert de bases à de très bons solos cosmiques sur une structure qui évolue avec une forme de vélocité contractée en seconde moitié. Les mouvements ondulatoires et parallèles du séquenceur qui alimente l'ouverture "Beyond Time" sont pulvérisés par une lourdeur excessive alimentée par une autre charge des percussions et des séquences bien rondes qui tamponnent un ostinato enrobé d'effets sonores qui incitent à la stridence. Dans ce tapage sonore surchargé, Jesper Sorensen réussi à garder un contrôle harmonique avec d’autres bons solos accrocheurs. Ouf…mes oreilles ont soif de quiétude après 65 minutes de tempête rythmique. Mais il y a plus! Deux titres en bonis viennent avec le téléchargement de “Zero Gravity”." Dark Matter Breaking Through" est une suite des 2 titres qui est très logique alors que "Ascending (Short Edition)" est vraiment ce que ça annonce. Mais il y a encore plus lorsque vous achetez ce titre sur le site Bandcamp de Jesper Sorensen. Ce dernier a édité 2 longs titres où chacun des titres de l'album se suivent sans interruption, créant deux long morceaux comme dans le temps des albums vinyles. Une excellente initiative qui en donne pour son argent à ceux qui achète “Zero Gravity”. Mais déjà cet album, sans les bonis, est un incontournable pour ceux qui aiment un rock électronique et cosmique lourd et très vivant. J'ai adoré du début à la fin!

Sylvain Lupari (22/04/2018) 

vendredi 20 avril 2018

CENTROZOON: 217 IV (2018)

“217 IV has to be the most beautiful opus, the most serene album of Centrozoon to my ears”

1 Star's End 2016 60:00
2 Star's End 2016 (Soundcheck) 10:25

Iapetus Records (DDL 70:25)
(Ambient music)

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   **Chronique en français plus bas**

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Who said that the music of Centrozoon was only a dump of chaotic movements guided by a river of strange and unusual sound effects? It is necessary to make adjustment with this “217 IV”. Proposed, consisted and interpreted with the spirit which surrounds the beautiful nights of the legendary Star's End radio show, "Star's End 2016" proposes a new aspect of the duet Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter. Certainly, both accomplices always polish up a music where the quirky effects remain the foundation of a very audacious orientation, but this long piece of 60 minutes is one of the most unctuous, hey yes, that I heard from Centrozoon. Performed within the framework of their North American tour in autumn, 2016, this album follows the performance Chez Thomas, except that this time Markus Reuter is well intend to leave almost intact the desire of Morpheus reverie of Bernhard Wöstheinrich.
The introduction is weaved in lines of mists and of amorphous voices which follow a more and more threatening corridor, because our senses perceive a tension to come. That takes the shape of sibylline layers of which the murmurs of ectoplasms roar from a starving guitar. Divided between a seraphic approach and another one resolutely more chthonian, due to the presence of the brass spirit from the electric six-strings, the introduction of "Star's End 2016" flirts all the same with the anesthetic perfumes pre nocturnal of a night which sounds very welcoming. The nitrogenous howling of the guitar, Markus Reuter lets also drop nice lonely chords, adopts at times the abrasive side of the synth layers while quite slowly the music moves forward in the night. The keyboard scatters little grave arpeggios which resound in the echoes of diverse manipulations of tones and in the guitar treatments, modulating a delicate movement which skips between the multiple lines and layers of the synths and the guitar which test the tolerance from each other. Otherwise, of our desire to meditate with our guests of this night. And in spite of the duality of the contrasting tonal effects, the music flows with this small derisive side of the Centrozoon duet. The sequencer weaves a good amorphous march before gamboling under the friendly effects of Markus Reuter. At times, at especially around the 35th minute point, the idea to find a resemblance with the music of Arc isn't that bad, testifying of the musicality in “217 IV” which sells peacefully the last 15 minutes with the wisdom of the gods of the night. Possibly the most beautiful opus of Centrozoon to my ears. Even "Star's End 2016 (Soundcheck)" amazes because of its very electronic musicality. We start resolutely the discovery of the universe of this very eclectic duet Centrozoon by this album!
Sylvain Lupari (March 19th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on Iapetus Bandcamp


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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Qui a dit que la musique de Centrozoon n'était qu'une décharge de mouvements chaotiques guidés par une rivière d'effets sonores bizarres et inaccoutumés? Il faut rectifier le tir avec ce “217 IV”. Proposé, composé et interprété avec l'esprit qui entoure les belles nuits de la légendaire émission radiophonique Star's End, "Star's End 2016" propose une nouvelle facette du duo Bernhard Wöstheinrich et Markus Reuter. Certes, les deux compères fignolent toujours une musique où les effets biscornus restent le fondement d'une orientation très audacieuse, mais ce long morceau de 60 minutes est l'un des plus doux, eh oui, que j'ai entendu de Centrozoon. Performé dans le cadre de la tournée Nord-Américaine de Centrozoon à l'automne 2016, “217 IV” suit la performance de Chez Thomas du 6 Novembre 2016, sauf que cette fois-ci Markus Reuter a bien l'intention de laisser quasiment intacte le désir de rêverie Morphée de Bernhard Wöstheinrich.
L'introduction est tissée dans des lignes de brumes et de voix amorphes qui suivent un corridor de plus en plus menaçant, puisque nos sens perçoivent une tension à venir. Ça prend la forme de nappes sibyllines dont les crissements d'ectoplasmes rugissent d'une guitare affamée. Divisée entre une approche séraphique et une autre résolument plus chtonienne, de par la présence des cuivres de la six-cordes, l'introduction de "Star's End 2016" flirte tout de même avec les parfums anesthésiants pré nocturnes d'une nuit qui sera somme toute accueillante. Les rugissements azotés de la guitare, Markus Reuter laisse aussi tomber de beaux accords solitaires, épousent par moments le côté abrasif des nappes de synthé alors que tout doucement la musique avance dans la nuit. Le clavier sème des petits arpèges graves qui résonnent dans les échos de diverses manipulations de tonalités et des traitements de guitare, modulant un délicat mouvement qui sautille entre les multiples lignes et nappes de synthé et de guitare qui testent la tolérance de l'un pour l'autre. Sinon, de notre désir de méditer avec nos invités de cette nuit. Et malgré la dualité des effets tonals contrastants, la musique coule avec ce petit côté moqueur du duo Centrozoon. Le séquenceur tisse une belle marche amorphe avant de gambader sous les effets bienveillants de Markus Reuter. Par moments, surtout autour des 35 minutes, l'idée de trouver une ressemblance avec la musique d'Arc n'est pas si mauvaise, témoignant de la musicalité de “217 IV” qui écoule paisiblement ses 15 dernières minutes avec la sagesse des dieux de la nuit. Possiblement le plus bel opus de Centrozoon à mes oreilles. Même "Star's End 2016 (Soundcheck)" étonne de par sa musicalité très électronique. On débute résolument la découverte de l'univers du duo très éclectique Centrozoon par cet album!
Sylvain Lupari (19/04/18)

CENTROZOON: 217 IX (2018)

“This one has to be the most daring set I heard from that tour”

1 Parker House 1 14:43
2 Parker House 2 24:11
3 Parker House 3 17:00
4 Parker House 4 15:59

Iapetus Records (DDL 71:54)
(Ambient and abstract music)
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   **Chronique en français plus bas**
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The North American tour marking the 25th anniversary of Centrozoon will have made  small piping hot downloads where the experimental music of the duet without barriers follows the improvised curves, concert after concert, of Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter. This time the adventure takes place in Parker House in the municipality of Potomac in Maryland on November 12th 2016. And the music offered on this recording is the least accessible (sic!) during this tour. Although the openings and the finales are made in a relative sound peace, the dialogue between the instruments reaches Babel-like barriers which had to leave the spectators rather stunned at times. But as usual, the duet knows how to avoid the traps of tiredness always by finding a way of solving the dead ends which nest in this “217 IX”.
"Parker House 1" puts us at once in the Centrozoon ambiences with a pile of lines and vapors of synth, it's necessary to warm equipment, where the squeaking disintegrate little by little in some completely unexpected orchestrations. Strange noises dawn on these movements of astral waltzes, awakening a latent cacophony which manages little to reduce the reach of a good down-tempo the lasciviousness of which floats in the experiments and the treatments of Markus Reuter's guitars. Groans, rumblings and sufferings of machines gobble up this slow rhythm and lead "Parker House 1" towards a finale without suite. "Parker House 2" espouses the same Centrozoon pattern with an opening of seraphic atmospheres which little by little is swallowed up by an excessive exploration of the tones and of the distortions of sounds. Can a sound suffer? Yes! And the more slowly it is, and the more the pleasure finds ears eager for this kind. Let's say that it's the roughest part in “217 IX”. If we dare to describe the ambiences of "Parker House 3", we could assert that it is the acoustic side of this intimist concert performed in the main lounge of this hotel. Even in a more peaceful envelope, Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter does not still manage to harmonize their sound scripts, so restoring one of these soft cacophonies of Centrozoon. The line of bass here reminds me that of Tony Levin while the guitar treatments are very Frippertronic. A sibylline introduction with mismatching sweetness and some spasmodic oscillations, "Parker House 4" goes away towards a structure of rhythm set up on muted knockings, a little like a cha-cha danced on rubber feet, while the guitar makes roar out the intriguing charms of a big mechanical bumblebee. The finale is a hullabaloo with diverse sound rebellions where the tonal anarchy goes to a more musical awareness while the sequences pound for a rhythm without cohesion and the guitar abandons its spirit in a tumult which had to resound for a long time in the ears of the spectators. Audacious and difficult to digest, this “217 IX” is resolutely for the inflexible of the genre. To listen to the ears free of headphone…

Sylvain Lupari (March 19th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on Iapetus
Bandcamp 

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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La tournée Nord-Américaine soulignant le 25ième anniversaire de Centrozoon aura fait des petits téléchargements tout chauds où la musique expérimentale du duo sans barrières suit les courbes improvisées, concert après concert, de Bernhard Wöstheinrich et Markus Reuter. Cette fois-ci l'aventure se déroule au Parker House dans la municipalité de Potomac au Maryland le 12 Novembre 2016. Et la musique offerte est la moins accessible (sic!) lors de cette tournée. Bien que les ouvertures et les finales se fassent dans un calme sonore relatif, le dialogue entre les instruments atteint des barrières babelesques qui ont dû laisser les spectateurs assez pantois par instants. Mais comme toujours, le duo sait éviter les pièges de lassitude en trouvant toujours une façon de dénouer les impasses que nichent dans ce “217 IX”.
"Parker House 1" nous met tout de suite dans les ambiances Centrozoon avec un empilage de lignes et de vapeurs de synthé, il faut réchauffer les équipements, où les crissements se désagrègent peu à peu dans des orchestrations tout à fait inattendues. Des bruits bizarres commencent à poindre sur ces mouvements de valses astrales, éveillant une cacophonie latente qui réussit peu à réduire la portée d'un bon down-tempo dont la lascivité flotte dans les expérimentations et les traitements de guitares de Markus Reuter. Râles, grondements et souffrances des machines engloutissent ce rythme lent et conduisent "Parker House 1" vers une finale sans suite. "Parker House 2" épouse le même pattern Centrozoon avec une ouverture d'ambiances séraphiques qui peu à peu se fait bouffer par une excessive exploration des tons et de distorsions des sons. Est-ce qu'un son peut souffrir? Oui! Et plus lentement c'est, et plus le plaisir trouve des oreilles avides de ce genre.  Disons que c'est le morceau le plus rough de ce “217 IX”. Si on ose décrire les ambiances de "Parker House 3", on pourrait affirmer que c'est le côté acoustique de ce concert intimiste performée dans le salon principal de cet hôtel. Même dans une enveloppe plus paisible, Bernhard Wöstheinrich et Markus Reuter n'arrive toujours pas à harmoniser leurs scripts sonores, restituant ainsi une de ces douces cacophonies de Centrozoon. La ligne de basse ici me fait penser à celle de Tony Levin alors que les traitements de guitares sont tout ce qu’il y a de plus Frippertroniques. Introduction sibylline avec des douceurs dépareillées et oscillations spasmodiques, "Parker House 4" s'éloigne vers une structure de rythme érigée sur des cognements sourds, un peu comme un tcha-tcha dansé sur des pieds de caoutchouc, alors que la guitare fait rugir les charmes intrigants d'un gros bourdon mécanique. La finale est tintamarresque avec diverses rebellions sonores où l'anarchie tonale se dirige vers une prise de conscience plus musicale alors que des séquences palpitent pour un rythme sans cohésion et que la guitare abandonne son esprit dans un tumulte qui a dû résonner longtemps dans les oreilles des spectateurs. Osé et difficile à digérer, ce “217 IX” est résolument pour les irréductibles du genre. À écouter les oreilles libres…
Sylvain Lupari (19/04/18)

mercredi 18 avril 2018

AKIKAZE: Blue Sky Events (2014-2018)

“Multiple shifting phases with a solid links between, Blue Sky Events proposes an EM that should please the fans of IC's easy listening EM”
1 Blue Sky Events 16:18
2 Twist of Fate 9:13
3 Heart to Heart 5:16
4 Rebound 34:05
5 Leap of Faith 13:40

Syngate Wave | PCX5 (CD-r/DDL 78:40)
(Melodious evolving EM)
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  **Chronique en français plus bas**

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Peipijn Courant is another veteran on the scene of EM of the Berliner style which quietly seems to want to come out from the oubliette. After a very convincing first comeback album in Solstice last year, the musician behind Akikaze gives the ok to a reedition of his last solo album of which the release in December 2014 coincided with his 25 years of career. Consisted between October and November, 2014, the music of “Blue Sky Events” wears this small retro cachet which suits quite well with an artwork, terrible I grant it, which incites the eyes, and the ears, to run away towards paradisiac islands. And who saiys Akikaze says also long structures in movements with a touch of romanticism which makes the music of the Dutch musician more attractive and more effective than a first judgment lets appear.
An acoustic guitar launches the debate before that jerky orchestrations a la Tomita, Snowflakes are Dancing, propel the soft acoustic romance straight down to the bottom of our eardrums. Bass drums add a dramatic weight while the chirping of the electronic effects place the title-track in the comfort of its elements. The rhythm which follows is as much fluid as a race against the death with a good sequenced movement to which Akikaze adds nuances in the tones. A refrain a little baroque divides this wild rhythm which starts up again with a renewed vigor from a bass line capable of supporting this electronic rhythm inhabited by its phases of hesitation. These phases moreover which slow down the race of "Blue Sky Events" also propel the music towards new levels with the addition of orchestrations and of synth effects as harmonious as those of the 70's from the French exploratory movement. The strength of this album, and I believe that it's also one of the strengths of Peipijn Courant, is undoubtedly the subtle evolutions in the 16 minutes of "Blue Sky Events", and it's the same thing moreover for the gigantic "Rebound". Following the same main thread, the music, its harmonies and its effects, is constantly challenged by new elements which are grafted to the vertiginous race of the rhythm. A short acoustic interlude proposes a small phase of rest for neurons before the rhythm makes a strong comeback with a more electronic envelope which reminds me the music of Space Art or yet Michael Garrison. This duel between the analog perfumes and those more contemporary add a strong element of charm to this structure where the bass lines swallow the electronic percussions which nevertheless give some tonus to the metamorphic phases of this very good title-track. After a delicious introduction marked under the sign of an Irish bucolic romance, the flute of "Twist of Fate" leaves room to a more baroque approach with a very Tangerine Dream sequencing pattern of the Jive years which makes its keys skip in the vampiric layers of a dark organ. Even in its 9 minutes, this title, written in 1994 with Lambert Ringlage, also plays on these structures of pink-candies tunes with a cheerful flute which lets a more rock and dark approach devoured its rural instincts. This is melodious and the flute charms my beautiful Lise. That gives you an idea!
"Heart to Heart" is a title without rhythm, set apart for its bed of cardiac pulsations, where an electric guitar cries on a dense one décor of mist which derives in a cosmic approach. The beginning of "Rebound" is going to make you jump with a sound editing which seems to me to botched where noise of a delirious crowd roared out in our eardrums without warnings. No fade-in! I found that very unpleasant. We find the same thing on the original recording. Effects of fireworks, romantic guitar, astral keyboard and dreamy vibes, its 34 minutes adopts the shape and the evolutionary pattern of the title-track. The title is divided into several phases which go from pure electronic rock, driven quite hard by excited sequences, to cute and bucolic melodies, to some easy-listening EM and to ambiences which serve as springboard to divide the multiple phases of a title of which the many changes make us unhook by places. Divided into two segments, "Leap of Faith" proposes an introduction of ambient elements weaved on foggy layers where cries a synth and its lines of choir. This very nostalgic approach melts into an electronic tango led by a keyboard as much changeable in its approach than the structural flashes of lightning which lead the multiple phases bound by a work of monk in this “Blue Sky Events”.
An honest album with weaknesses at the level of the recording (fade - out and debuts are lacking finish) which annoy but decrease not at all the talent of Akikaze sound writer. The fans of light EM that we find on the IC label, I think among others of Megabyte, TeeKay, G.E.N.E. and the more commercial albums of Software, should like this album eyes closed!

Sylvain Lupari (April 18th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
You will find this album on SynGate Webshop
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Peipijn Courant est un autre vétéran sur la scène de la MÉ de style Berliner qui tranquillement semble vouloir ressurgir des oubliettes. Après un premier album retour très convaincant en Solstice l'année dernière, le musicien derrière Akikaze donne le go à une réédition de son dernier album solo dont la sortie en Décembre 2014 coïncidait avec ses 25 ans de carrière. Composée entre Octobre et Novembre 2014, la musique de “Blue Sky Events” arbore ce petit cachet rétro qui s'accorde assez bien avec une pochette, affreuse je le concède, qui incite les yeux, et les oreilles, à s'enfuir vers des iles paradisiaques. Et qui dit Akikaze dit aussi longues structures en mouvements avec une touche de romantisme qui rend la musique du musicien Hollandais plus attrayant et plus efficace qu'un premier jugement laisse paraître.
Une guitare acoustique lance le débat juste avant que des orchestrations saccadées à la Tomita, Snowflakes Are Dancing, propulsent la douce romance acoustique tout au fond de nos tympans. Des grosses caisses ajoutent un poids dramatique alors que le pépiement des effets électroniques situent la pièce-titre dans le confort de ses éléments. Le rythme qui suit est aussi fluide qu'une course contre la mort avec un bon mouvement séquencé auquel Akikaze ajoute des nuances dans le ton. Un petit refrain baroque divise ce rythme effréné qui repart de plus belle avec une ligne de basse capable d'épauler ce rythme électronique habité par ses phases d'hésitation. Ces phases d'ailleurs qui ralentissent la course de "Blue Sky Events" propulsent aussi la musique vers de nouveaux niveaux avec l'ajout d'orchestrations et d'effets de synthé aussi harmonieux que ceux des années 70 du mouvement exploratoire Français. La force de cet album, et je crois que c'est aussi une des forces de Peipijn Courant, est sans aucun doute les subtiles évolutions dans les 16 minutes de "Blue Sky Events", et c'est la même chose pour le gigantesque "Rebound". Suivant un même fil conducteur, la musique, ses harmonies et ses effets, est constamment défiée par des nouveaux éléments qui se greffent à la course vertigineuse du rythme. Un petit intermède acoustique propose une courte phase de repos pour les neurones avant que le rythme ne revienne en force avec une enveloppe plus électronique qui me fait penser à la musique de Space Art ou encore de Michael Garrison. Ce duel entre les parfums analogues et ceux plus contemporains ajoutent un fort élément de charme à cette structure où les lignes de basses avalent les percussions électroniques qui pourtant donnent du tonus aux phases métamorphiques de cette très bonne pièce-titre. Après une savoureuse introduction marquée sous le signe d'une romance bucolique Irlandaise, la flûte de "Twist of Fate" laisse place à une approche plus baroque avec un séquenceur très Tangerine Dream des années Jive qui fait sautiller ses ions dans les nappes vampiriques d'un orgue ténébreux. Même dans ses 9:13, ce titre, composé en 1994 avec Lambert Ringlage, joue aussi sur ces structures de refrains rose-bonbons avec une flûte enjouée qui laisse une approche plus rock et sombre dévorée ses instincts champêtres. C'est mélodieux et la flûte charme ma belle Lise. Ça vous donne une idée!
"Heart to Heart" est un titre sans rythme, sauf pour son lit de pulsations cardiaques, où une guitare électrique pleure sur un dense décor de brume qui dérive dans une approche cosmique. Le début de "Rebound" va vous faire sursauter avec un montage sonore qui me semble bâclé où bruit d'une foule en délire rugi dans nos tympans sans avertissements. Pas de fade-in! J'ai trouvé ça très désagréable. On trouve la même chose sur l'enregistrement original. Effets de feux d'artifice, guitare romanesque, clavier astral et ambiances rêveuses, ses 34 minutes épousent le processus évolutif de la pièce-titre. Le titre est divisé en plusieurs phases qui vont du pur rock électronique, mené de plein fouet par des séquences fiévreuses, à de belles mélodies accroche-cœur et bucoliques, à des structures un peu New Age bien sobre et des ambiances qui servent de tremplin pour diviser les multiples phases d'un titre dont les moult changements nous font décrocher par endroits. Divisé en deux segments, "Leap of Faith" propose un introduction d'ambiances tissées de nappes brumeuses où pleure un synthé et ses lignes de chœur. Cette approche très nostalgique se fond dans un tango électronique mené par un clavier aussi versatile dans son approche que les éclairs structuraux qui mènent les multiples phases liées par un travail de moine dans ce “Blue Sky Events”.
Un album honnête avec des failles au niveau de l'enregistrement (les fade-out et les débuts manquent de fini) qui agacent mais ne diminuent en rien la talent de scripteur sonique de Akikaze. Les amateurs de la musique légère du label IC, je pense entre autres à Megabyte, TeeKay, G.E.N.E. et les albums plus commerciaux de Software devraient aimer cet album les yeux fermés!

Sylvain Lupari (18/04/2018)