samedi 31 mars 2018

RUDY ADRIAN: Sequencer Rarities (2017)

“Sequencer Rarities is certainly the best of Rudy's Sequencer Sketches adventures and  an inescapable for all the fans of sequencer-based style EM, like this good old Berlin School”

1 Sisters 6:25
2 Solar Flares 5:59
3 Kinetic Flow 8:42
4 Filter Blue 3:46
5 Wind in the Trees 23:01
6 Summers at Ruby Bay 6:55
(Berlin and Netherlands School)
   **Chronique en français plus bas**
A humming is seizing our ears of its slow agony. The same ears hear prisms singing whereas the vibration unties a more ethereal sound thread where we can even feel voices humming between our ears. A slight pulsation turns up. Hopping as in a rodeo without a way out, the structure of "Sisters" invites then some percussions and other percussive effects to join this harmonious movement of which the jerks tear up a bag of cosmic elements. Soft and floating, the rhythmic structure of "Sisters" pours nevertheless against other percussive elements and more crystal clear dominating sequences, so giving a more detailed dimension to this title that Rudy Adrian composed in 1998 for his Twilight album. Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, realized by Groove in 2007 was the last fiesta of sequenced rhythms that the New Zealand synthesist offered to the Berlin School aficionados. And still there, our friend Rudy found a way to insert a lot of ambient phases which had diluted a little the vision of his suite of Sequencer Sketches albums. Setting on 6 superb jewels of an EM which flirts between the borders of the Belin School and the melodious sequenced approaches of the Netherlands School, “Sequencer Rarities” is a mine of sequences which confront and melt together in epic fights where the rhythms and the melodies are not doing any winner, otherwise the audiophile. Although written between various periods, the music here flows like a long river of ambient, melodic and lively rhythms which Ron Boots has polished up with his usual dexterity. "Solar Flares" is thus following the path with the somber lost breezes of "Sisters". Layers of voice and of effects lay down a tide of melancholy whereas are tinkling in the background some reserved chords. The rhythm arises from these sequenced rhythmic matrices of the 70's. More specifically the era of Tangerine Dream with Franke and Baumann on board as well as Froese and his mythical harmonious solos which liquefy in strange caramelized mist. The melodious approach unique to the style of Adrian completes this delicious music composed at the time of Concerts in the USA, back in 2003. Knocks of reams in the water and a wide veil of opalescent sounds substance, "Kinetic Flow" proposes a nice introduction of melancholic vibes with a very Vangelis synth which scatters its gloom such as a saxophonist and his bruised soul lonely at midnight. Written at the same time of the album of the same name in on 2000, "Kinetic Flow" is the only title which has already appeared officially in an album of compilations from the British monthly magazine Sequences. The proposed structure is in the pure Berlin School tradition with hypnotic sequences which skip such as in a potato bags races, with runners in shape all the same, where fluctuate synth solos under harmonious forms and where is also added another thine line of rhythmic sequences which is splashing of sound effects.
This rhythm filled with oscillating loops overflows into structure "Blue Waves", a title composed in 2005 but which strangely sounds very much like "Kinetic Flow". With its 23 minutes, "Wind in The Trees" is the most recent composition in “Sequencer Rarities”. In an approach semi improvised, a delicate piano dances with the sibylline synth waves which decorate its introduction. The melody is melancholic with strong notes which resound in this veil of effects of an astral blue. My old ears hear a seraphic choir, but they can be fooled as well by these lines which melt themselves in a harmonious continuity sculptured now by the synth. The sequences jostle these peaceful moments with a structure of rhythm which aims to be more and more in the kind of Phaedra. By bringing subtle variances to this structure of ambient rhythm and which adopts nevertheless the pace of a train through cosmic plains and mountains, Rudy Adrian sprays abundantly the evolution of "Wind in The Trees" with good solos which are as much harmonious as free of any melodic contributions. I find many similarities between this title, which was written in 2007, and the structure of compositions in Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, in particular with the title Bavarian Eagle. No it's not Tubular Bells from Mike Oldfield, although the notes of piano which tinkle brightly in the opening of "Summers at Ruby Bay", and nevertheless … The oldest of the compositions in “Sequencer Rarities”, "Summers at Ruby Bay" is this ideal title to explain the foundations of the minimalist music assisted by a sequencer. The ghost ritornello of this brilliant melody of the English musician swirls over its 7 minutes, giving the necessary space for Rudy Adrian to annex on it a multitude of parallel and nearby lines, so creating an immense effect of Spirograph of which the hypnotic loops are besieged by various effects and other sequences which skip such as these graceful water dancers' pairs of legs. Splendid and intrusive, "Summers at Ruby Bay" concludes a Rudy Adrian's very solid album and certainly the best of his Sequencer Sketches adventures. An inescapable for all the fans of sequencer-based style EM, like this good old Berlin School.
Sylvain Lupari (March 31st, 2018) **** ¾*
You will find this album on Groove NL
Un bourdonnement saisit nos oreilles de sa lente agonie. Ces mêmes oreilles entendent des prismes chanter alors que la vibration détache un filet sonore plus éthéré où l'on peut même sentir des voix fredonner entre nos oreilles. Une légère pulsation se pointe. Sautillant comme dans un rodéo sans issu, la structure de "Sisters" invite alors des percussions et des effets percussifs à rejoindre ce mouvement harmonique dont les saccades éventrent un sac d'éléments cosmiques. Douce et flottante, la structure rythmique de "Sisters" coule néanmoins à l'encontre d'autres éléments percussifs et des séquences dominatrices plus limpides, donnant ainsi une dimension plus étoffée à ce titre que Rudy Adrian composait en 1998 pour son album Twilight. Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, réalisé par le label Groove en 2007 était la dernière fiesta de rythmes séquencés que le synthésiste Néozélandais offrait aux amateurs de Berlin School. Et encore là, l'ami Rudy trouvait le moyen d'y insérer des phases ambiantes qui diluaient quelque peu la vision de sa série d'albums Sequencer Sketches. Serti sur 6 splendides joyaux d'une MÉ qui flirte entre les frontières de la Belin School et du style plus mélodieux de la Netherlands School, “Sequencer Rarities” est une mine de séquences qui se confrontent dans d'épiques combats où le rythme et la mélodie ne font aucun vainqueur, sinon l'auditeur. Bien que composé entre différentes époques, la musique coule ici comme un long fleuve de rythmes ambiants, mélodiques et entraînants que Ron Boots a fignolé avec son adresse habituelle. "Solar Flares" suit donc avec les sombres brises égarées de "Sisters". Des nappes de voix et d'effets étendent une marée de mélancolie alors que sonnent en arrière-scène des accords mitigés. Le rythme nait de ces matrices rythmiques séquencées des années 70. Plus spécifiquement l'ère de Tangerine Dream avec un Franke et Baumann aux commandes ainsi qu'un Froese et ses mythiques solos harmoniques qui se dissolvent en étrange brume caramélisée. L'approche mélodieuse unique au style d'Adrian complète cette délicieuse musique composée à l'époque de Concerts in the USA en 2003. Des coups de rames dans l'eau et un large voile de matières soniques iridescentes, "Kinetic Flow" propose une belle introduction d’ambiances mélancoliques avec un synthé très Vangelis qui éparpille sa morosité, tel un saxophoniste à l'âme meurtrie seul dans la nuit. Composé à la même époque de l'album du même nom, 2000, "Kinetic Flow" est le seul titre qui a déjà paru officiellement dans un album de compilations du magazine mensuel Britannique Sequences. La structure proposée est dans la pure tradition Berlin School avec des séquences hypnotiques qui sautillent comme dans une course de poche à patates, avec des coureurs en forme tout de même, où fluctuent des solos de synthé sous formes harmoniques et où s'ajoute aussi un autre filet de séquences rythmiques éclaboussant d'effets sonores.
Ce rythme rempli de boucles oscillatrices débordent pour structurer "Blue Waves", un titre composé en 2005 mais qui sonne drôlement comme "Kinetic Flow". Avec ses 23 minutes, "Wind in The Trees" est la composition la plus récente de “Sequencer Rarities”. Dans une approche semi improvisée, un délicat piano danse avec les ondes sibyllines qui ornent son introduction. La mélodie est mélancolique avec des notes vigoureuses qui résonnent dans ce voile aux effets d'un bleu astral. Mes vieilles oreilles entendent une chorale séraphique, mais elles peuvent aussi bien être dupées par ces lignes qui se fondent dans une continuité harmonique sculptée maintenant par le synthé. Des séquences bousculent ces paisibles moments avec une structure de rythme qui se veut de plus en plus dans le genre de Phaedra. En apportant de subtiles variances à cette structure de rythme ambiante et qui épouse néanmoins la course d'un train à travers des plaines et des montagnes soniques, Rudy Adrian arrose copieusement l'évolution de "Wind in The Trees" avec de bons solos qui sont autant harmoniques que libres de tout apport mélodique. Je trouve beaucoup de similitudes entre ce titre, qui a été composé autour de 2007, et la structure des compositions de Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, notamment avec le titre Bavarian Eagle. Non ce n'est pas Tubular Bells de Mike Oldfield, quoique les notes de piano qui tintent avec éclat dans l'ouverture de "Summers at Ruby Bay", et pourtant…La plus vieille des compositions dans “Sequencer Rarities”, "Summers at Ruby Bay" est ce titre idéal pour expliquer les fondements de la musique minimaliste assistée par un séquenceur. La ritournelle fantôme de cette superbe mélodie du musicien Anglais tournoie sur ses 7 minutes, donnant l'espace nécessaire à Rudy Adrian d'y annexer une multitude de lignes parallèles et contiguës, créant ainsi un immense effet de spirographe dont les boucles hypnotiques sont assiégées par différents effets et autres séquences qui sautillent comme ces gracieuses paires de jambes des danseuses aquatiques. Superbe et envahissant, "Summers at Ruby Bay" conclut un très solide album de Rudy Adrian et certainement le meilleur de ses aventures Sequencer Sketches. Un incontournable pour tous les amateurs de MÉ poussée par des séquenceurs, comme ce bon vieux Berlin School.
Sylvain Lupari 31/03/18

jeudi 29 mars 2018

PRZEMYSLAW RUDZ: Master of Own Fate (2018)

“Again, another solid album of Prog Electronic Rock from the synth wizard of Poland”

1 Afraid of Dawn 6:26
2 Away from Landlubbers 8:13
3 Sharing Thoughts with Waves 9:28
4 Shipwreck Yard 8:45
5 Master of Own Fate 24:32 ‎| GEN CD 044 (CD/DDL 57:24)
(Prog EM)
   **Chronique en français plus bas**
More than one year after the release of the splendid Let Them Float, Przemyslaw Rudz gets back with a new solo album which is again inspired by the sea. This time, the Polish synthesist wizard gives thanks to those who live on it while risking their life to this end; the fishermen and the sailors. With a sound aestheticism and an impeccable production, this “Master of Own Fate” is also carefully presented with another splendid digipack artwork from the Polish label, Generator PL. In all, we find a good 57 minutes of a music here which seems to be in a fight to be ended between the classical form of EM and the style of a more progressive one with violent rhythmic explosions here and there. And according to the signature of Przemyslaw Rudź, his music is also used as a bed for some amazing synth solos while being scrupulously coated with these orchestrations and with these effects which attract the astral marvels between our ears, just like this rather melancholic vision of a brilliant artist who deserves amply to be better known outside his lands.
"Afraid of Dawn" starts things up with floating arpeggios which sparkle in a Milky Way. Some of these arpeggios weave a fine melody which courts the sound elements of this star cluster. And then the emptiness and the humming of its machine! In this environment where celestial bodies glisten of one thousand colors, orchestral synth layers stretch their obituary harmonies which float like these gigantic space shuttles trying to land on the interstellar banks. Cosmic or earthly, the influences from the sound sculptor of Elblag always stay in halftones so giving the gas necessary for the imagination of the carrier of ears to make it glitter in any sphere. Except that with "Away from Landlubbers", there is no doubt! We have here a good and rather energetic electronic rock. The chord's riffs spread clouds of fat, leaving the senses in suspense, whereas nervous arpeggios slide on some invisible slopes. Percussions snatch this uncertain structure with strikes as slim as clapping of hands. A whistler rambling on this feeble rock throws harmonies swallower of eardrums while some arpeggios flight slightly over a nest of percussions which is not in lack of imagination to please a timid ear. The synth solos here are very catchy. Let's underline moreover the presence of the keyboardist Krzysztof Duda, who has already collaborated with Rudź in the Tricity album in spring 2017, on this track.
"Sharing Thoughts with Waves" falls in the intensity and not just a little. Big and loud organ layers, kind of Phantom of the Opera, throw its introduction. This phantasmagorical intro is fast moderated by chants of whales which let themselves lull by some interstellar waves. The white, the black, the celestial bodies, the oceans and the earth are 5 dimensions in constants oppositions in the universe of Przemyslaw Rudź and which nevertheless always end to be bound together. After these chants of whales and of astral mermaids, the jingles of cymbals awaken its old buddies, the percussions and a bass line, in order to plunge "Sharing Thoughts with Waves" into a good Space Funk loaded of connected vibes and orchestral layers a bit melancholic. And the rhythm follows its tangent with good elements of percussions and effects of drama, on its way towards a good well enhanced velocity. "Shipwreck Yard" offers a more complex music and becomes little by little an excellent buffet of tones from the 4 corners of the planet for insatiable ears. The introduction is long of 5 minutes before a disorganized rhythm comes to shake a sea agitated by these elements of ambiences. The long title-track ends this album, which has a vision more rock than ethereal compared to Let Them Float, with a formula of progressive jazz-rock stimulated by some good, and rather brilliant at the level of the effects, percussions and a bed agitated of keen oscillations as furious as this keyboard starved for a big progressive rock. Plentiful with vintage tones, the synth solos are simply furious and some even awaken Keith Emerson's memories, the keyboard too by the way. After this reinvented fury, the music slides towards a festival of effects of ambiences crossed by waves of strange, sometimes inert or stormy, noises. After this long interlude of more or less 6 minutes, the percussions get to restructure quietly the ambiences of "Master of Own Fate" in order to inflate the last moments of an album which divides marvelously intensity and cosmic wandering towards a pattern of progressive electronic rock always haloed with effects of 1001 sound boxes of Przemyslaw Rudź. Not as ethereal as Let Them Float but fiendishly good. Very good should I add!

Sylvain Lupari (March 28th, 2018) *****
You will find this album via P. Rudź' Bandcamp page
Or via the Generator PL web shop
Plus d'un an après la parution du splendide Let Them Float, Przemysław Rudź revient avec un nouvel album solo qui est inspiré à nouveau par la mer. Cette fois-ci, le synthésiste Polonais rend grâce à ceux qui en vivent tout en risquant leur vie pour ce faire; les pêcheurs et les marins. Avec un esthétisme sonore et une production impeccable, ce “Master of Own Fate” est aussi soigneusement présenté avec une autre splendide pochette digipack par le label polonais Generator PL. En tout, on y trouve un bon 57 minutes d'une musique qui semble être dans une lutte à finir entre la MÉ classique et un style de MÉ plus progressive avec de violents élans rythmiques ici et là. Et conformément à la signature de Przemysław Rudź, sa musique sert de lit à de superbes solos de synthé tout en étant scrupuleusement enrobée de ces orchestrations et de ces effets qui attirent les merveilles astrales entre nos oreilles, tout comme cette vision plutôt mélancolique d'un brillant artiste qui mérite amplement d'être mieux connu en dehors de ses terres.
"Afraid of Dawn" débute avec des arpèges flottants qui scintillent dans une Voie lactée. Certains de ces arpèges tissent une fine mélodie qui fait la cour aux éléments sonique de cette galaxie spirale barrée. Et puis le vide et les vrombissements de sa machine! Dans ce milieu où les astres étincèlent de mille couleurs, des nappes de synthé orchestrales étirent leurs harmonies obituaires qui flottent comme ces gigantesques vaisseaux cosmiques tentant de se poser sur des berges interstellaires. Cosmique ou terrestre, les influences du sculpteur de son d'Elblag restent toujours en demi-teintes donnant ainsi le gaz nécessaire à l'imagination du porteur d'oreilles pour la faire miroiter dans n'importe quelle sphère. Sauf qu'avec "Away from Landlubbers", il n'y a pas de doute! Nous avons ici un bon rock électronique plutôt énergique. Des riffs étendent des nuages de gras, laissant les sens en suspense, alors que des arpèges nerveux glissent sur des pentes invisibles. Des percussions happent cette structure incertaine avec des frappes aussi menues que des claquements de mains. Un siffleur se promenant sur ce rock faiblard lance des harmonies croque-tympans alors que les arpèges volètent sur un nid de percussions qui n'est pas en manque d’imagination afin de plaire à une oreille timide. Les solos de synthé ici sont très accrocheurs. Soulignons d'ailleurs la présence du claviériste Krzysztof Duda, qui a déjà collaboré avec Rudź dans l'album Tricity au printemps 2017, sur cette piste.
"Sharing Thoughts with Waves" tombe dans l'intensité et pas juste un peu. Des grosses nappes d'orgue, assez dans le genre Fantôme de l'Opéra, lancent son introduction. Cette intro fantasmagorique est vite tempérée par des chants de baleines qui se laissent bercer par des vagues interstellaires. Le blanc, le noir, les astres, les océans et la terre sont 5 dimensions en constantes oppositions dans l'univers de Przemysław Rudź et qui pourtant finissent toujours par se souder. Après ces chants de baleines et de sirènes astrales, des cliquetis de cymbales éveillent ses vieux potes, les percussions et une ligne de basse, afin de plonger "Sharing Thoughts with Waves" dans un bon Space-funk plein d'ambiances et de nappes orchestrales un peu mélancoliques. Et le rythme suit sa tangente avec de bons éléments de percussions et des effets de drame, en route vers une belle vélocité bien rehaussée. "Shipwreck Yard" offre une musique plus complexe et devient peu à peu un excellent buffet de tonalités des 4 coins de la planète pour oreilles insatiables. L'introduction est longue de 5 minutes avant qu'un rythme désorganisé ne vienne secouer une mer agitée par ces éléments d'ambiances. La longue pièce-titre termine cet album, qui a une vision plus rock qu'éthérée comparativement à Let Them Float, avec une formule de jazz rock progressif stimulée par de bonnes, et géniales au niveau des effets, percussions et un lit agité d'oscillations aussi furieuses que ce clavier affamé pour du gros rock progressif. Abondants avec des tonalités vintage, les solos de synthés sont tout simplement furieux et certains éveillent même des souvenirs de Keith Emerson, le clavier aussi d'ailleurs. Après cette fureur réinventée, la musique glisse vers un festival d'effets d'ambiances traversés par des vagues de bruits bizarres, parfois inertes ou tempétueux. Après ce long intermède de plus ou moins 6 minutes, des percussions restructurent tranquillement les ambiances de "Master of Own Fate" afin de gonfler les derniers instants d'un album qui divise à merveille intensité et errance cosmique vers un pattern de rock électronique progressif toujours nimbé d'effets des 1001 boîtes à sons de Przemysław Rudź. Pas aussi éthéré que Let Them Float mais fichtrement bon. Très bon même.

Sylvain Lupari (28/03/18)

mardi 27 mars 2018

BRAINWORK: Colours of the Soul (2018)

“Colours of the Soul is possibly the best album from Uwe Saher since a long time, if not is best over his long and fructuous career”

1 Dreaming Soul 24:31
2 Pulsating Soul 24:08
3 Wide Soul 10:35

BWCD 18 (CD 59:14)
(Berlin School, Ambient & EDM)
    **Chronique en français plus bas**
A new album of Brainwork arouses as much the curiosity as the craze at the fans of EM and especially his fans' base which follow his activities since the release of Sunrise at the beginning of the 90's. If in these years an album of Brainwork followed one of Element 4, since 2003 Uwe Saher enjoys changing the roles by sticking albums under the name of Brainwork which rather wore the hat of Elment 4. This time “Colours of the Soul” proposes 3 long musical axes where the Berlin School style flirts with Dark Ambient without forgetting the fiery approach of Element 4 with the boiling track "Pulsating Soul".
It's thus with a ritornello fixed on a sequencer rotation that "Dreaming Soul" flows in the hypnotic beauties of a more contemporary Berlin School and of its charms. The initial movement always turning with the same delicacy whereas layers with perfumes ether rise to float and oscillate as if they were activated by a breeze as invisible as so delicate. A shadow of bass exiles itself out from the silence with curt notes which stretch in length their threatening heaviness. The percussions come then! Of a manual genre, they follow the serial and harmonious approach of the sequencer while giving some tonus to this structure which always makes us flirt with a state of hypnosis. It's at the bridge of the 6 minutes that we feel this minimalist approach smelling a light breeze of nuance, modifying the race of "Dreaming Soul" for a slower approach which facilitates the inlay of a synth and of its harmonious airs. Some nice fragrances of Robert Schroeder are floating here. The ritornello of the sequencer isolates itself at around the 12th minute in order to add a chord in plus which limps in the vapors of mist and ether. The nuance is small and nevertheless its impact will modify the pace of "Dreaming Soul" which at the moment remains misted and in the spheres of the 70's. That begins with the arrival of the knockings from a bass line and other knockings of percussions which add stimulus to these continuous repetitions, as harmonious as rhythmic, which swirl like a carousel to which a wheel is always missing. And Schroeder's perfumes return, looping the loop to this long interlude which has that slows down the hypnotic race of "Dreaming Soul" to which Uwe Saher adds percussive ornaments. A superb title which joins the big ones in Brainwork's repertoire!
Why do I have this feeling to hear Born to be Alive from the first blows of keyboard of "Pulsating Soul"? Because this title is all the opposite of "Dreaming Soul" with an approach of Dance Music adorned with the most beautiful assets of the 70's and of the more contemporary years. The structure of "Pulsating Soul" evolves on the same mode as "Dreaming Soul" with a progression in rhythm and in melody which follows its plan, including this little moment when the pulsations sparkle in solo. The music is not as aggressive as we can imagine after its start of hopping pulsations and cymbals tsitt-tsitt. Veils of violins cover these mooses of dance with a mesmerizing ethereal approach. And little by little Uwe (Element 4) Saher add keyboard keys which borrow the little evasive melody from the violins. These violins evolve by soft staccato while another line of the keyboard digs up a melody which evolves in the shade of the leading one. The more the music moves forward and the more we notice its nice effects of percussions, as in the opening track, adding more relief to a music of dance to which one listens to very well. With "Wide Soul", Brainwork attracts us in the Dark Ambient territories with a bed of drones which collects a nice melody with a translucent tone. These divergent elements bring the orchestrations to a very musical level by following the ethereal way of this opalescent line where we can even hear the humming of specters. And the set of these elements are nailing our subconscious in a state of charm since the first hummings of this title surprisingly musical for the kind. Surprising and very good, it concludes one of the best albums from Brainwork.

Sylvain Lupari (March 26th, 2018) ****½*
You will find a way to order this album on Brainwork's Web Shop
Un nouvel album de Brainwork suscite autant de curiosité que d'engouement chez les fans de MÉ et surtout sa base de fans qui suivent ses activités depuis la parution de Sunrise au début des années 90. Si dans ces années un album de Brainwork suivait un de Element 4, depuis 2003 Uwe Saher s'amuse à changer la donne en collant des albums sous le nom de Brainwork qui portait plutôt le chapeau d'Elment 4. Cette fois-ci, “Colours of the Soul” propose 3 longs axes musicaux où le style Berlin School flirte avec le Dark Ambient sans oublier l'approche fougueuse d'Element 4 avec le bouillant "Pulsating Soul".
C'est donc avec une ritournelle fixée à une rotation du séquenceur que "Dreaming Soul" coule dans les beautés hypnotiques du Berlin School et de ses charmes plus contemporain. Le mouvement initial tournant toujours avec la même délicatesse alors que des nappes aux parfums d'éther s'élèvent pour flotter et osciller comme si elles étaient actionnées par une brise aussi invisible que tellement délicate. Une ombre de basse s'exile du silence avec des accords secs qui laissent trainer en longueur leurs menaçante lourdeur. Viennent ensuite les percussions! D'un genre manuel, elles suivent l'approche sérielle et harmonique du séquenceur tout en donnant du tonus à cette structure qui nous fait toujours flirter avec un état d'hypnose. C'est au pont des 6 minutes que l'on sent cette approche minimaliste sentir une légère brise de nuance, modifiant la course de "Dreaming Soul" pour une approche plus lente qui facilite l'incrustation d'un synthé et de ses chants harmoniques. De beaux parfums de Robert Schroeder flottent ici. La ritournelle du séquenceur s'isole vers la 12ième minute afin d'ajouter une touche de plus qui boitille dans des vapeurs de brume et d'éther. La nuance est petite et pourtant son impact modifiera la course de "Dreaming Soul" qui pour l'instant reste embué dans les sphères des années 70. Ça débute avec l'arrivée des cognements d'une ligne de basse et d'autres cognements de percussions qui ajoutent du stimulus à ces répétitions autant harmoniques que rythmiques qui tournoient comme un carrousel auquel il manque toujours une roue. Et les parfums de Schroeder reviennent, bouclant la boucle à cette longue interlude qui n'a que ralentit la course hypnotique de "Dreaming Soul" à laquelle Uwe Saher ajoute des ornements percussifs. Un superbe titre qui s'inscrit dans les grands du répertoire Brainwork!   
Pourquoi ai-je l'impression d'entendre Born to be Alive dès les premiers coups de clavier de "Pulsating Soul"? Parce que ce titre est tout le contraire de "Dreaming Soul" avec une approche de Dance Music paré des plus beaux atouts des années 70 et des années plus contemporaines. La structure de "Pulsating Soul" évolue sur le même mode que "Dreaming Soul" avec une progression en rythme et mélodie qui suit son tracé, incluant ce petit moment où les pulsations pétillent en solitaire. La musique n'est pas aussi agressive que l'on imagine après son départ de pulsations sautillantes et de cymbales tsitt-tsitt. Des voiles de violons recouvrent ces élans de danse avec une envoutante approche éthérée. Et peu à peu Uwe (Element 4) Saher ajoute des accords de clavier qui empruntent quelque peu l'évasive mélodie des violons. Ces violons évoluent en doux staccato alors qu'une autre ligne du clavier déterre une mélodie qui évolue dans l'ombre de la principale. Plus la musique avance et plus on remarque ses beaux effets percussifs, ajoutant plus de relief à une musique de danse qui s'écoute très bien. Avec "Wide Soul", Brainwork nous attire dans les territoires du Dark Ambient avec un lit de ronflements qui recueille une belle mélodie à la tonalité translucide. Ces éléments divergents amènent les orchestrations à un niveau très musical en suivant le chemin éthéré de cette ligne opalescente où l’on peut même entendre les fredonnements de spectres. Et l'ensemble de ces éléments rive notre subconscient dans un état de charme depuis les premiers bourdonnements de ce titre étonnement musical pour le genre. Surprenant et très bon, ça conclut un des meilleurs albums de Brainwork.

Sylvain Lupari 26/03/18

vendredi 23 mars 2018

NUMINA: The Chroma Plateau (2018)

“When ambient music is shaken by sequenced beats or perfumed of sibylline tones along with chthonian moods, you have here soundscapes that will never stop to grow your thirst of great ambient music”

1 Beaming up the Fossils 6:32
2 Bringer of the Beings 9:13
3 Intergalactic Traveller 5:24
4 Where all the Creatures are Dreaming 8:44
5 Mosaic of Whispers 4:17
6 When the Sea Disappears from me 9:42
7 Sky Descender 6:22
8 Living in the Clouds 11:21
9 The Chroma Plateau 9:10

Spotted Peccary ‎| SPM-3601 (CD/DDL 70:44)
(Ambient Music)

   **Chronique en français plus bas**
I know the music of Numina to have heard a jet in the album Broken Stars Through Brilliant Clouds whom he conceived and composed with Zero Ohms in 2015. This “The Chroma Plateau” is thus his 2nd on Spotted Peccary and his 30th, more or less, since that Dreamsleep appeared on his own label in 2000. Always very comfortable in his Dark Ambient style, the stylist of the sounds from Colorado presents here a rather surprising album of ambient music. Playing on his likely influences of Steve Roach, Robert Rich and Byron Metcalf, Jesse Sola, the man behind Numina, proposes an album which plays on the roles, as cosmic, as ethereal and tribal, with an extraordinary dexterity. In fact, “The Chroma Plateau” is one of the rare albums of ambient music to have enchanted me so quickly and by which the level of seduction increases after every new listening. Produced by the label Spotted Peccary, this adventure is carefully presented in a gatefold artwork with all the liner notes, like the times of the vinyl albums, or in high-resolution download. And I was enthralled by this superb album of Numina of which the sound architecture is some pure art for my ears.
The explanation of my charm begins with hollow breezes, and their translucent harmonies sneaking through the cracks of caves, which open the ambient panorama of "Beaming up the Fossils". This background of dark hummings, where are fleeing some translucent lines, is the backdrop of most of the titles of this album. Blades of synths are squeaking on a bed of rocks whereas is continuing this loud muted humming where oozes a choir prisoner between diverse strata of rocks. The music has no ages, as much as these chthonian zones which flirt with the vestiges of humanity with misleading colors. The anfractuous darkness of the slow waltzing movements tries to isolate the brightness of the ambiences with these very bewitching synth layers which hum these harmonies of a synth on an evening of apocalypse seen by Vangelis. For an ambient music, the staging of "Beaming up the Fossils" is totally ear-catchy with its palette of colors which pushes our imagination to invert the roles. Like in "Bringer of the Beings" and its elements of celestial harmonies which sound so much as those tonalities coming from the Serge Modular and of its uncountable possibilities, both at the level of the harmonies and of the ambient dimension. Here's an awesome and intense title. "Intergalactic Traveller" comes along with a beautiful movement of a sequencer of which the crystal clear tones coupled to more discreet shadows sculpture a splendid ambient sequenced ritornello. Clouds of mist, and their beautiful secret impulses, secrete anesthetic drizzle all over these multiple spirals of which the effects of sonic canon sparkle in vapors which are more and more buzzing. It's here that I understood that I had a beautiful little jewel of tones between my hands. "Where all the Creatures are Dreaming" is a little darker title with luminous streaks which make counterweight. These cracks draw bright effects and the winds which push them transform them into fascinating waves of strange singing scattered in this dense envelope of hollow breezes and of light drones.
"Mosaic of Whispers" is less dark and proposes a musical approach which reflects very well the sense of its title because we really hear the sound to whisper in a clearly less tense musical mosaic. A nice title ideal for relaxation. "When the Sea Disappears from me" is in the same vein as "Intergalactic Traveller" but with a darker tint of the sequencer and a more ethereal envelope weaved around cosmic effects and layers of celestial voices. "Sky Descender" sneaks in this lot of 9 titles with an ambient tribal approach bound by riffs of guitar and by manual percussions of an aboriginal kind. The influences of Steve Roach and Robert Rich are omnipresent here. Very good! "Living in the Clouds" is colossal with its procession of knockings which allows us to reach the clouds. Except that here they are slow and immobilized in their membranes of darkness where always spring these epic fights between the luminosity and its contrasts as well as these strange sound murmurs which live throughout the 70 minutes of music here. Let's say that's an intense title with its long circular drones which make us discover a carpet of sounds rich in effects of a parallel universe. The title-track concludes this wonderful Numina album with the same movement of the sequencer which spreads its shadows of charm here with a more vampiric movement. It's love at first sight! And these fascinating voices which pearl with celestial singings through these curtains of drones … A real delight! The best in its kind this year.

Sylvain Lupari (March 23rd, 2018) *****
Available tomorrow on Spotted Peccary Bandcamp

Je connais la musique de Numina pour en avoir écouté un jet dans l'album Broken Stars Through Brilliant Clouds qu'il a conçu et composé avec Zero Ohms en 2015. Ce “The Chroma Plateau” est donc son 2ième sur Spotted Peccary et son 30ième, plus ou moins, depuis que Dreamsleep soit apparu sur son propre label en 2000. Toujours très à l'aise dans son style Dark Ambient, le styliste des sons du Colorado livre ici un album de musique d'ambiances assez surprenant. Jouant sur des probables influences de Steve Roach, Robert Rich et Byron Metcalf, Jesse Sola, l'homme derrière Numina, propose un album qui joue sur les rôles, tant cosmiques, qu'éthérés et tribaux, avec un doigté extraordinaire. En fait, “The Chroma Plateau” est un des rares albums de musique ambiante à m'avoir enchanté aussi rapidement et dont le taux de séduction augmente après chaque nouvelle écoute. Réalisé par le label Spotted Peccary, cette aventure est soigneusement présenté dans une pochette genre portefeuille, comme dans le temps des albums vinyles, ou en format téléchargement de haute résolution. Et j'ai été subjugué par ce superbe album de Numina dont l'architecture sonore est de l'art pour mes oreilles.
L'explication de mon ensorcèlement débute avec des brises caverneuses, et leurs harmonies translucides qui se faufilent à travers les crevasses des grottes, qui ouvrent le panorama ambiant de "Beaming up the Fossils". Ce fond de bourdonnements sombres, où fuient des raies translucides, est la toile de fond de la plupart des titres de cet album. Des lames de synthés crissent sur un lit des roches alors que continue ce lourd bourdonnement sourd où suinte une chorale prisonnière entre les diverses couches des rochers. La musique n'a pas d'âges, autant que ces zones chtoniennes qui flirtent avec les vestiges de l'humanité avec des couleurs trompeuses. L'obscurité anfractueuse des lents mouvements valsant tentent d'isoler la clarté des ambiances avec ces nappes de synthé très enjôleuses qui fredonnent ces harmonies d'un synthé par un soir d'apocalypse vu par Vangelis. Pour une musique d'ambiances, la mise en scène de "Beaming up the Fossils" est totalement séduisante avec sa palette de couleurs qui pousse notre imagination à intervertir les rôles. Comme dans "Bringer of the Beings" et ses éléments d'harmonies célestes qui sonnent tellement comme l'usage du modulaire Serge et de ses innombrables possibilités, tant au niveau des harmonies que des ambiances. Voilà là un titre imposant et intense. "Intergalactic Traveller" s'amène avec un beau mouvement d'un séquenceur dont les tonalités limpides jumelées à des ombres plus discrètes sculptent une splendide ritournelle séquencée ambiante. Des nuages de brume, et leurs belles impulsions secrètes, sécrètent des bruines anesthésiantes tout autour de ces multiples spirales dont les effets de canons scintillent dans des vapeurs de plus en plus bourdonnantes. C'est ici que j'ai compris que j'avais un beau petit bijou sonique entre les mains. "Where all the Creatures are Dreaming" est un titre un peu plus obscur avec des stries lumineuses qui font contrepoids. Ces fissures puisent des effets lumineux et les vents qui les poussent les transforment en de fascinantes ondes de chants éparpillés dans cette dense enveloppe de brises creuses et de bourdonnements légers.
"Mosaic of Whispers" est moins ténébreux et propose une approche musicale qui reflète très bien le sens de son titre puisque l'on entend réellement des chuchotements soniques dans une mosaïque musicale nettement moins tendue. Un beau titre idéal pour la relaxation. "When the Sea Disappears from me" est dans la même veine que "Intergalactic Traveller" mais avec une teinte plus obscure du séquenceur et une enveloppe plus éthérée tissée autour d'effets cosmiques et des nappes de voix célestes. "Sky Descender" se faufile dans ce lot de 9 titres avec une approche tribale ambiante avec ses riffs de guitare et ses percussions manuelles d'un genre aborigène. Les influences de Steve Roach et Robert Rich sont omniprésentes ici. Très bon! "Living in the Clouds" est colossal avec sa procession de cognements qui nous permet d'atteindre des nuages. Sauf qu'ici ils sont lents et immobilisés dans leurs membranes d'obscurité où jaillissent toujours ces épiques combats entre la luminosité et ses contrastes ainsi que ces étranges murmures soniques qui vivent à la grandeur de “The Chroma Plateau”. Disons que c'est un titre intense avec ses longs bourdonnements circulaires qui nous font découvrir un tapis de sons riches en effets d'un univers parallèle. La pièce-titre conclut ce superbe album de Numina avec ce même mouvement du séquenceur qui étend ses ombres de charme ici avec un mouvement plus vampirique. C'est un coup de foudre! Et ces fascinantes voix qui perlent avec des chants célestes au travers ces rideaux de drones…Un vrai délice! Le meilleur en son genre cet année.

Sylvain Lupari 22/03/2018

mardi 20 mars 2018

MOONBOOTER vs BATTERYDEAD (Live Muenster 2017): 2018

“The best of two of the most great albums from MellowJet recently are battling on one night of great music with a thin new touch in the tone and the mission”
1 Tide 3:48
2 This one Place 8:03
3 I remembered Tomorrow 5:33
4 Jet Stream (BatteryDead) 5:29
5 Caught by Melancholy 7:13
6 What if Not 5:58
7 Perfect Strangers 6:58
8 Micro Four Third 5:30
9 Quaoar 6:20
10 Sublime Sunset 5 :38
11 Fata Morgana 7:41
12 Outset of Time + 2011 7:51

MellowJet Records | cdr-sa1801 (CD/DDL 76:02)
(E-Rock and EDM)
   **Chronique en français plus bas**
It's a few weeks before the release of Cosmosonic that this third volume of the series Moonbooter VS... was recorded. Always at the Münster Planetarium, on November 2017, “Moonbooter vs BatteryDead (Live Muenster 2017)” aims at 2 solid albums which were released on the MellowJet Records label these last years; Yield to Gravity from BatteryDead and Cosmosonic from Moonbooter. Besides these albums, both artistic antagonists for an evening of live music offer each some new music and revisit old albums appeared in 2010. In brief, a tempting musical cocktail that should rivet my buttocks on my sofa for more than one hour. And this is what had happened!
"Tide" is a first unreleased piece of music here signed by Bernd (Moonbooter) Scholl. It's an ambient title with a décor filled of cosmic mist where sing and moan a pleiad of synth lines which use a shadow of bass and some bass sequences which pound nervously as backdrop. A countdown means its end and "This one Place" by BatteryDead embarks with a new quieter vision of its rhythm of dance. In fact, there is no dance steps. The heavy and keen pulsations are replaced by good percussive effects and sequences a bit organic. The rhythm is a kind of mid-tempo with good synth effects and great solos which embellish the slow and heavy astral spirals. A good interpretation which helps to follow the musical tangent of the event. "I remembered Tomorrow", from Moonbooter, follows with an approach almost identical to the original version and adopts by the fact the new sound look of "This one Place". The decor and the effects are richer while the melody always remains so mesmerizing. To some nuances near, "Jet Stream" remains as faithful to its version in the album Yield to Gravity. On this album, it takes the shape of the ambiences and it finds a better place here to charm than on the last opus of BatteryDead. The percussive effects, which were a goldmine of pleasure on Yield to Gravity, are always so ear-catching. The same goes for Moonbooter's "Caught by Melancholy"! Except that insert it after nice and morphic down-tempos, this beat becomes a kind of rhythmic guide to “Moonbooter vs BatteryDead”. We are in the phase without surprises of this factual album with a "What if Not" faithful to its original version whereas "Perfect Strangers", a great track by the way, seems more clouded here. "Micro Four Third" is BatteryDead's new track and boy it's quite good. Strongly soaked with very Jarre effects of percussions, the music follows a rivulet of sequences of which the brilliances will be of use as structure to a delicate and very good lunar lullaby. The synth layers are slow with nice and very enveloping orchestral caresses. Some passages of percussions remind those of Revolutions and of the Moon Machine single. That's a great track and its spirit is in the vein of Yield to Gravity.
"Quaoar" is a title of Moonbooter which belongs to the album Cosmologica that I still haven't had the chance to discover up to this day. It's in the kind of EDM with good cosmic and ethereal elements. The sequences and the synth are in mode harmony, there is good synth solos in the beginning of the title, on a good structure of cosmic techno. Good Moonbooter! "Sublime Sunset" is one of the good titles in Yield to Gravity and its interpretation here is as much heavy and slow, but with a more ethereal zest. "Fata Morgana" makes us rediscover the earlier days of BatteryDead with the very first album Deep Discharge (SynGate 2010). And it's a good surprise which begins, and also ends, with a phase filled of paradisiac ether and its very nice lines of flutes and its, a little bit, psychedelic sound effects. Moreover, a strand of those effects get loose to sculpt a stroboscopic line which will feed the power of the Dance Music. The harmonious elements are split up and dissociate themselves in a good phase of rhythm and its percussions of the Jarre kind, from the years Révolutions to En Attendant Cousteau. In order to tie up well this approach, a very good line of sequences flicker with serenity like in the less burning reflections of those of a Dance Ball. “Moonbooter vs BatteryDead (Live Muenster 2017)” ends with a title which also makes us travel in the years of Moonbooter, be in 2010 with the Cosmologica album and its introductory titles; "Outset of Time + 2011". The introduction is one of tribal ambient with singings of monks while the rhythm of 2011 is dynamic with a good fusion of percussions, which are totally superb at times, and lively sequences. Orchestral layers spin like these music ray-beams which wash the dancefloors. The harmonious portion is very solid with airs of synth and keyboard where we recognize frankly the contemporary harmonious touch of Bernd Scholl. A very good title which mixes marvelously the electronic rock to the vision, to the essence of the kind EDM from Moonbooter and which puts an end to the best realization of this concept Moonbooter VS … Actually, I spent a great 76 minutes without one second too many.
Sylvain Lupari (March 21st, 2018) *****
You will find this album on the MellowJet Records shop

C'est quelques semaines avant la parution de Cosmosonic que ce troisième volet de la série Moonbooter VS… fut enregistré. Toujours au Planetarium Münstere  Novembre 2017, “Moonbooter vs BatteryDead (Live Muenster 2017)” vise 2 solides albums qui sont parus sur le label MellowJet Records ces dernières années; Yield to Gravity de BatteryDead et Cosmosonic de Moonbooter. En plus de ces albums, les deux antagonistes artistiques d'un soir sur scène offrent chacun titre inédit et revisitent des vieux albums parus en 2010. Bref, un cocktail de musique alléchant qui devrait me river les fesses sur mon sofa pour plus d'une heure. Et c'est ce qui est arrivé!
"Tide" est un premier titre inédit, signé par Bernd (Moonbooter) Scholl. C'est un titre ambiant avec un décor rempli de brume cosmique où chantent et gémissent une pléiade de lignes d'un synthé qui se sert d'une ombre de basse et de basses séquences qui palpitent nerveusement comme toile de fond. Un décompte signifie sa fin et "This one Place" par BatteryDead embarque avec une nouvelle vision plus tranquille de son rythme de danse. En fait, il n'y a pas de pas de danse. Les lourdes et vives pulsations sont remplacées par de beaux effets percussifs et des séquences un brin organique. Le rythme est d'un genre mid-tempo avec de bons effets de synthé et de bons solos qui ornent les lentes et lourdes spirales astrales. Une bonne interprétation qui aide à suivre la tangente musicale de l'évènement. "I remembered Tomorrow", de Moonbooter, suit avec une approche quasi identique à la version originale et épouse par le fait même le nouveau look sonique de "This one Place". Les décors et les effets sont plus riches alors que la mélodie reste toujours aussi envoûtante. À quelques nuances près, "Jet Stream" reste aussi fidèle à sa version dans l'album Yield to Gravity. Sur cet album, il prend la forme des ambiances et trouve une plus belle place que sur le dernier opus de BatteryDead. Les effets percussifs sont toujours autant séduisants. Idem pour "Caught by Melancholy", de Moonbooter! Sauf qu'insérer après de beaux down-tempos morphiques, elle prend des allures de guide rythmique de “Moonbooter vs BatteryDead”. Nous sommes dans la phase sans surprises de cet album évènementiel avec un "What if Not" fidèle à sa version originale alors que "Perfect Strangers", un superbe titre, semble plus embrumé ici. "Micro Four Third" est une nouveauté de BatteryDead. Fortement imbibée d'effets de percussions très Jarre, la musique suit un ruisselet de séquences dont les miroitements serviront de structure à une délicate et très belle berceuse lunaire. Les nappes de synthé sont lentes avec de belles caresses orchestrales très enveloppantes. Certains passages de percussions rappellent celles de Révolution et du single Moon Machine. J'ai trouvé ça très bien, surtout que ça reste dans l'esprit de Yield to Gravity.
"Quaoar" est un titre de Moonbooter qui appartient à l'album Cosmologica que je n'ai pas encore eu la chance de découvrir à ce jour. C'est un titre du genre EDM avec de beaux éléments cosmiques et éthérés. Les séquences et le synthé sont en mode harmonie, il y a de bons solos de synthé en début du titre, sur une bonne structure de techno cosmique. Du bon Moonbooter quoi! "Sublime Sunset" est un des bons titres de l'album Yield to Gravity et son interprétation ici est aussi lourde et lente, mais plus éthérée. "Fata Morgana" nous fait redécouvrir les débuts de BatteryDead avec le tout premier album Deep Discharge (SynGate 2010). Une belle surprise qui débute, et se termine aussi, avec une phase bourrée d'éther paradisiaque avec ses belles lignes de flûtes et ses effets sonores un peu psychédéliques. D'ailleurs un filament des effets se détachent afin de sculpter une ligne stroboscopique qui alimentera le pouvoir de la Dance Music. Les éléments harmoniques sont morcelés et se distancent dans une belle phase de rythme et de ses percussions du genre Jarre des années Revolutions à En Attendant Cousteau. Afin de bien ficeler cette approche, une bonne et belle ligne de séquences papillonnent avec sérénité comme dans les reflets moins ardents d'une boule de danse. “Moonbooter vs BatteryDead (Live Muenster 2017)” se termine avec un titre qui nous fait aussi voyager dans les années de Moonbooter, soit en 2010 avec l'album Cosmologica et ses titres introductifs "Outset of Time + 2011". L'introduction est de nature tribale ambiant avec des chants de moines alors que le rythme de 2011 est dynamique avec une bonne fusion percussions, qui sont tout à fait splendides par moments, et des séquences vives. Des nappes orchestrales virevoltent comme ces rayons de musique qui essuyaient les planchers de danse. La portion harmoniques est très solide avec des airs de synthé et de clavier où l'on reconnait sans détour la touche harmonique contemporaine de Bernd Scholl. Un très bon titre qui mélange à merveille le rock électronique à la vision, à l'essence du genre EDM de Moonbooter et qui met un point final à la meilleure réalisation de ce concept Moonbooter VS…Effectivement, j'ai passé un très bon 76 minutes où aucune seconde n'était de trop.

Sylvain Lupari 20/03/028

lundi 19 mars 2018

DIGITAL HORIZONS: Ghost Station (2018)

“I had one heck of a good time discovering this Ghost Station! Good beats, great ambiences and a vision that suits very well that of those abandoned old railway stations”

1 Decaying Platforms 6:08
2 Ghost Station 11:41
3 Croix-Rouge (Paris) 6:24
4 Gaudi (Barcelona) 6:43
5 Valkyrie (Oslo) 7:33
6 Dachnoye (St.Petersberg) 15:10
7 183rd Street (New York) 9:26
8 Eureka (San Francisco) 9:59

Digital Horizons Music (DDL 73:07)

(Theme music, E-Rock and England School)
   **Chronique en français plus bas**
Digital Horizons is a new name for me in the field of contemporary EM of an Electronic Rock style or still the Berlin School and its derived. As here, where the flavor of rock incubated in Jean-Michel Jarre's influences and of England School are compatible. New name for me, but not on the scene of English EM, Digital Horizons germinated in Justin Ludford's mind after having discovered the music of Tangerine Dream and having bought a Casio keyboard at the end of the 80's. And little by little, Digital Horizons realized its albums in the form of cassettes 4 tracks, of CD-r with A Face in the Crowd in 2002 and then in CD with Consequence in 2010. We can also find its music on Spotify and on Apple Music, as well as some of its albums on CD Baby. Digital Horizons possesses also its Bandcamp page where I was able to find its last album, “Ghost Station”.
Ringings of big ghost bells as well as souvenirs of diverse noises surrounding a train station which has stopped to exist fill the introduction of "Decaying Platforms". Blades of synth which float and others which fall like curtains of tears, the music and the effects deployed in this opening is as much rich as very enigmatic, even mysterious. These ambiences' effects keep silent when a big bell makes its ringings resound in a more perceptible way at the third minute's point. Some very juicy sequences skip then, annexing their resonances with the ringings of the bell tower. This fascinating union awakens many pulsations which run like hundreds of small pulsating steps, and a little fewer of jingles, in a motionless structure where fall synth layers with abrasive colors. Isolated, the sequences sculpt an embryonic melody which drowns itself below an avalanche of synth layers and of bells' ringings which now melt themselves in the décor of the synths. Lot of tones in so few time! Layers with thin lines of spectral voices and sequences filled of white noises metamorphose a melodious approach whereas the ambiences always flirt with this little spectral side of “Ghost Station”. Many movements, lot of changing ambiences, changes of rhythmic orientation in the same track and nostalgic perfumes beneath a spectral form; you have here the main elements which structure the ambiences, the harmonies and the rhythms of this last opus of Digital Horizons which draws its inspiration from abandoned train stations worldwide. The atmospheres are developed well in this sense, as well as the rhythmic elements of the album, while the harmonious side is defended by compact mists and their hidden voices which sometimes team-up with the melodic sequences. What a nice cocktail for an album which turns out to be a nice discovery! The title-track follows with a structure as animated as the running of a train through electronic landscapes. Perfumes of Kraftwerk can rise up to our ears, but the music doesn't flirt for one ounce with the Düsseldorf School style, aiming rather at the rhythmic and harmonious efficiency of the England School. Let's say that it's after having heard "Ghost Station" that the click was made.
Especially that "Croix-Rouge (Paris)" is rather delicious with its introduction decorated with lugubrious and resonant layers which have a hint of accordion in the tone. The rhythm doesn't make us wait with a series of repetitive knockings, one would say a race with two uneven legs, where the sequencer drops some very fat keys. This structure of sequences is more harmonious and drives us to a feminine choir which throws a cloudy film aura to these ambiences which wrap up a rhythm interrupted by ambiospherical phases with variable intensity but not as much as the one of the rhythm which breaks through with solid percussions towards the finale of "Croix-Rouge (Paris)". Very good! "Gaudi (Barcelona)" proposes a more stellar structure with diverse ringings of sequences in crystal clear and glass tones. The echoes of the ringing sculpt a choreographic arabesque full of graceful movements which resound on a swarm of muted and pulsating sequences, a little in the genre of "Decaying Platforms". Cosmic synth layers are covering here and there, especially in its 2nd part, this wonderful ballet of carillons of which the ringings never stop to amaze my ears. This is a great track which became entrenched behind my eardrums. After many clouds of mists and flutes "Valkyrie (Oslo)" starts up with the pace of a metronome which scatter its amplified motorik knockings such as a one-legged person skipping between two universes. Two universes, as two strata of banged noises and of electronic effects, where a compact and an opaque fog, of which the beauty is stigmatized by these breaths of flutes and the dreamy notes of a piano, which fills our ears of charms by the means of irresistibly attractive sonic accomplices. "Dachnoye (St.Petersberg)" is a long more experimental title which contains nevertheless two very beautiful structures of rhythms in a universe of Free-Jazz. The sonic panorama asks for a little more love and attention if we want to take advantage completely of its evolution. "183rd Street (New York)" propose an introduction full of these mists which hum in the universe of “Ghost Station” before reaching a phase of rhythm. A kind of mid-tempo broken by places and of which the intensity couples with these layers of mists where are hiding voices. At times, this beat could of charm some zombies marinated in THC. "Eureka (San Francisco)" ends this very good album from Digital Horizons with glass tone sequences singing in an ambience that give shivers. Its evolution is a little like a more than once coitus interruptus before it unblocked in a pretty solid final where the intensity espouses an enthusiasm in this macabre chant, and nevertheless enchanter, of these sequences hammered as with a hammer on a crystal anvil.
I spent a great time to discover an album which distinguishes itself in this blazing universe of sounds and of their colors that is the one of synths and sequencers. The effects of mist here, and their layers of hidden voices, play constantly on the nuances, as rhythmic as melodic, of this “Ghost Station”. I have to hear more of Digital Horizons for sure, but what I heard here is a strong kick off.

Sylvain Lupari (March 19th, 2018) *****
You will find this album on Digital Horizons' Bandcamp page

Digital Horizons est un nouveau nom pour moi dans le domaine de la MÉ contemporaine de style Rock Électronique ou encore Berlin School et ses dérivés. Comme ici, où la saveur de rock incubé dans les influences de Jean-Michel Jarre et la England School font bon ménage. Nouveau nom pour moi, mais pas sur la scène de la MÉ Anglaise, Digital Horizons a germé dans la tête de Justin Ludford après avoir découvert Tangerine Dream et s'être acheté un clavier Casio à la fin des années 80. Et peu à peu, Digital Horizons réalisait ses albums sous forme de cassettes 4 pistes, de CD-r avec A Face in the Crowd en 2002 et puis en CD avec ConSequence en 2010. On peut aussi trouver sa musique sur Spotify et sur Apple Music, de même que certains de ses albums sur CD Baby. Digital Horizons possède aussi sa page Bandcamp où j'ai pu trouver son dernier album, “Ghost Station”.
Des tintements de grosses cloches fantômes ainsi que des souvenirs de divers bruits entourant une gare de train qui a cessé d'exister meublent l'introduction de "Decaying Platforms". Des lames de synthé qui flottent et d'autres qui tombent comme des rideaux de pleurs, la musique et les effets déployés dans cette ouverture est aussi riche que très énigmatique, voire mystérieuse. Ces effets d'ambiances se taisent lorsqu'une grosse cloche fait résonner ses coups de façon plus perceptible à l'entrée des 3 minutes. Des séquences bien juteuses sautillent alors, annexant leurs résonnances avec les tintements du clocher. Cette fascinante union éveille moult pulsations qui courent comme des centaines de petits pas pulsatifs, et un peu moins de cliquetis, dans une structure stationnaire où tombent des nappes de synthé aux couleurs abrasives. Isolées, les séquences sculptent une mélodie embryonnaire qui se noie sous une avalanche de nappes de synthés et des tintements de cloches qui maintenant se fondent dans le décor du synthé. Beaucoup de tons en si peu de temps! Des nappes avec des filets de voix spectrales et des séquences gorgée de bruits blancs métamorphosent une approche mélodieuse alors que les ambiances flirtent toujours avec ce petit côté spectrale de “Ghost Station”. Beaucoup de mouvements, beaucoup d'ambiances changeantes, des changements d'orientation rythmique dans la même piste et des parfums nostalgiques sous une forme spectrale; vous avez ici les principaux éléments qui structurent les ambiances, les harmonies et les rythmes de ce dernier opus de Digital Horizons qui puise son inspiration dans des gares abandonnées à travers le monde. Les ambiances sont bien développées en ce sens, de même que les éléments rythmiques de l'album, alors que le côté harmonique est défendu par des brumes et leurs voix cachées qui se joignent parfois à des séquences mélodiques. Un beau cocktail pour un album qui fait du bien de découvrir! La pièce-titre suit avec une structure aussi animée que la course d'un train à travers des paysages électroniques. Des parfums de Kraftwerk peuvent nous monter aux oreilles, mais la musique ne flirte pas pour une once avec le style Düsseldorf School, visant plutôt l'efficacité rythmique et harmonique de la England School. Disons que c'est après avoir entendu "Ghost Station" que le déclic s'est fait.
Surtout que "Croix-Rouge (Paris)" est plutôt appétissant avec son introduction ornée de nappes lugubres et résonnantes qui ont un soupçon d'accordéon dans le ton. Le rythme ne se fait pas attendre avec série de cognements répétitifs, on dirait une course avec deux jambes inégales, où le séquenceur échappe des ions bien gras. Cette structure de séquences est plus harmonique et nous conduit vers une chorale féminine qui jette une aura cinématographique trouble à ces ambiances qui enveloppent un rythme entrecoupé de phases d'ambiances aux intensité variable mais pas tant que le rythme qui défonce de vélocité avec de solides percussions vers la finale de "Croix-Rouge (Paris)". Très bon! "Gaudi (Barcelona)" propose une structure plus stellaire avec divers tintements de séquences aux tonalités limpides et cristallines. Les échos des tintements sculptent une chorégraphie arabesque plein de gracieux mouvements qui résonnent sur un essaim de séquences sourdes et pulsatiles, un peu du genre de "Decaying Platforms". Des nappes de synthé cosmiques recouvrent par endroits, surtout en 2ième partie, ce splendide ballet de carillons dont les tintements ne cessent d'émerveiller mes oreilles. C'est un très beau titre qui est devenu indélogeable sur mes tympans. Après bien des nuages de brumes et de flûtes "Valkyrie (Oslo)" se met en marche avec la cadence d'un métronome qui éparpillent ses cognements motoriques amplifiés tel un unijambiste sautillant entre deux univers. Deux univers, comme deux strates de bruits cognés et d'effets électroniques, où un dense brouillard opaque et compacte, dont la beauté est stigmatisée par ces souffles de flûtes et des accords de piano rêveurs, emplit nos oreilles de charmes avec l'aide de complices soniques irrésistiblement attirants. "Dachnoye (St.Petersberg)" est un long titre plus expérimental qui contient néanmoins deux très belles structures de rythmes dans un univers de Free-Jazz avec un panorama sonique qui demande un peu plus d'amour et d'attention si on veut profiter pleinement de son évolution. "183rd Street (New York)" propose une introduction gorgée de ces brumes qui fredonnent dans l'univers de “Ghost Station” avant d'atteindre une phase de rythme d'un genre mid-tempo fracturé par endroits et dont l'intensité se jumelle aux nappes de voix cachées dans les brumes. Par moments, le rythme pourrait charmer des zombies marinés au THC. "Eureka (San Francisco)" termine ce très bon album de Digital Horizons avec des séquences aux timbres de verre chantant dans une ambiance à donner des frissons. Son évolution est un peu comme un coït interrompu plus d'une fois avant de débloquer dans une belle finale où l'intensité épouse une ardeur dans ce chant macabre, et pourtant enchanteur, de ces séquences martelées comme avec un marteau sur une enclume de cristal.
J'ai passé un très bon moment à découvrir un album qui se démarque dans ce flamboyant univers des sons et de leurs couleurs qu'est celui des synthés et des séquenceurs. Les effets de brume ici, et leurs nappes de voix dissimulées, jouent constamment sur les contrastes tant rythmiques que mélodiques de “Ghost Station”. Il faudrait sans doute que j'en entende plus de Digital Horizons, mais ce que j'ai entendu ici est un très bon départ.

Sylvain Lupari 18/03/2018