samedi 31 mars 2018

RUDY ADRIAN: Sequencer Rarities (2017)

“Sequencer Rarities is certainly the best of Rudy's Sequencer Sketches adventures and  an inescapable for all the fans of sequencer-based style EM, like this good old Berlin School”

1 Sisters 6:25
2 Solar Flares 5:59
3 Kinetic Flow 8:42
4 Filter Blue 3:46
5 Wind in the Trees 23:01
6 Summers at Ruby Bay 6:55
(Berlin and Netherlands School)
   **Chronique en français plus bas**
A humming is seizing our ears of its slow agony. The same ears hear prisms singing whereas the vibration unties a more ethereal sound thread where we can even feel voices humming between our ears. A slight pulsation turns up. Hopping as in a rodeo without a way out, the structure of "Sisters" invites then some percussions and other percussive effects to join this harmonious movement of which the jerks tear up a bag of cosmic elements. Soft and floating, the rhythmic structure of "Sisters" pours nevertheless against other percussive elements and more crystal clear dominating sequences, so giving a more detailed dimension to this title that Rudy Adrian composed in 1998 for his Twilight album. Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, realized by Groove in 2007 was the last fiesta of sequenced rhythms that the New Zealand synthesist offered to the Berlin School aficionados. And still there, our friend Rudy found a way to insert a lot of ambient phases which had diluted a little the vision of his suite of Sequencer Sketches albums. Setting on 6 superb jewels of an EM which flirts between the borders of the Belin School and the melodious sequenced approaches of the Netherlands School, “Sequencer Rarities” is a mine of sequences which confront and melt together in epic fights where the rhythms and the melodies are not doing any winner, otherwise the audiophile. Although written between various periods, the music here flows like a long river of ambient, melodic and lively rhythms which Ron Boots has polished up with his usual dexterity. "Solar Flares" is thus following the path with the somber lost breezes of "Sisters". Layers of voice and of effects lay down a tide of melancholy whereas are tinkling in the background some reserved chords. The rhythm arises from these sequenced rhythmic matrices of the 70's. More specifically the era of Tangerine Dream with Franke and Baumann on board as well as Froese and his mythical harmonious solos which liquefy in strange caramelized mist. The melodious approach unique to the style of Adrian completes this delicious music composed at the time of Concerts in the USA, back in 2003. Knocks of reams in the water and a wide veil of opalescent sounds substance, "Kinetic Flow" proposes a nice introduction of melancholic vibes with a very Vangelis synth which scatters its gloom such as a saxophonist and his bruised soul lonely at midnight. Written at the same time of the album of the same name in on 2000, "Kinetic Flow" is the only title which has already appeared officially in an album of compilations from the British monthly magazine Sequences. The proposed structure is in the pure Berlin School tradition with hypnotic sequences which skip such as in a potato bags races, with runners in shape all the same, where fluctuate synth solos under harmonious forms and where is also added another thine line of rhythmic sequences which is splashing of sound effects.
This rhythm filled with oscillating loops overflows into structure "Blue Waves", a title composed in 2005 but which strangely sounds very much like "Kinetic Flow". With its 23 minutes, "Wind in The Trees" is the most recent composition in “Sequencer Rarities”. In an approach semi improvised, a delicate piano dances with the sibylline synth waves which decorate its introduction. The melody is melancholic with strong notes which resound in this veil of effects of an astral blue. My old ears hear a seraphic choir, but they can be fooled as well by these lines which melt themselves in a harmonious continuity sculptured now by the synth. The sequences jostle these peaceful moments with a structure of rhythm which aims to be more and more in the kind of Phaedra. By bringing subtle variances to this structure of ambient rhythm and which adopts nevertheless the pace of a train through cosmic plains and mountains, Rudy Adrian sprays abundantly the evolution of "Wind in The Trees" with good solos which are as much harmonious as free of any melodic contributions. I find many similarities between this title, which was written in 2007, and the structure of compositions in Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, in particular with the title Bavarian Eagle. No it's not Tubular Bells from Mike Oldfield, although the notes of piano which tinkle brightly in the opening of "Summers at Ruby Bay", and nevertheless … The oldest of the compositions in “Sequencer Rarities”, "Summers at Ruby Bay" is this ideal title to explain the foundations of the minimalist music assisted by a sequencer. The ghost ritornello of this brilliant melody of the English musician swirls over its 7 minutes, giving the necessary space for Rudy Adrian to annex on it a multitude of parallel and nearby lines, so creating an immense effect of Spirograph of which the hypnotic loops are besieged by various effects and other sequences which skip such as these graceful water dancers' pairs of legs. Splendid and intrusive, "Summers at Ruby Bay" concludes a Rudy Adrian's very solid album and certainly the best of his Sequencer Sketches adventures. An inescapable for all the fans of sequencer-based style EM, like this good old Berlin School.
Sylvain Lupari (March 31st, 2018) **** ¾*
You will find this album on Groove NL
Un bourdonnement saisit nos oreilles de sa lente agonie. Ces mêmes oreilles entendent des prismes chanter alors que la vibration détache un filet sonore plus éthéré où l'on peut même sentir des voix fredonner entre nos oreilles. Une légère pulsation se pointe. Sautillant comme dans un rodéo sans issu, la structure de "Sisters" invite alors des percussions et des effets percussifs à rejoindre ce mouvement harmonique dont les saccades éventrent un sac d'éléments cosmiques. Douce et flottante, la structure rythmique de "Sisters" coule néanmoins à l'encontre d'autres éléments percussifs et des séquences dominatrices plus limpides, donnant ainsi une dimension plus étoffée à ce titre que Rudy Adrian composait en 1998 pour son album Twilight. Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, réalisé par le label Groove en 2007 était la dernière fiesta de rythmes séquencés que le synthésiste Néozélandais offrait aux amateurs de Berlin School. Et encore là, l'ami Rudy trouvait le moyen d'y insérer des phases ambiantes qui diluaient quelque peu la vision de sa série d'albums Sequencer Sketches. Serti sur 6 splendides joyaux d'une MÉ qui flirte entre les frontières de la Belin School et du style plus mélodieux de la Netherlands School, “Sequencer Rarities” est une mine de séquences qui se confrontent dans d'épiques combats où le rythme et la mélodie ne font aucun vainqueur, sinon l'auditeur. Bien que composé entre différentes époques, la musique coule ici comme un long fleuve de rythmes ambiants, mélodiques et entraînants que Ron Boots a fignolé avec son adresse habituelle. "Solar Flares" suit donc avec les sombres brises égarées de "Sisters". Des nappes de voix et d'effets étendent une marée de mélancolie alors que sonnent en arrière-scène des accords mitigés. Le rythme nait de ces matrices rythmiques séquencées des années 70. Plus spécifiquement l'ère de Tangerine Dream avec un Franke et Baumann aux commandes ainsi qu'un Froese et ses mythiques solos harmoniques qui se dissolvent en étrange brume caramélisée. L'approche mélodieuse unique au style d'Adrian complète cette délicieuse musique composée à l'époque de Concerts in the USA en 2003. Des coups de rames dans l'eau et un large voile de matières soniques iridescentes, "Kinetic Flow" propose une belle introduction d’ambiances mélancoliques avec un synthé très Vangelis qui éparpille sa morosité, tel un saxophoniste à l'âme meurtrie seul dans la nuit. Composé à la même époque de l'album du même nom, 2000, "Kinetic Flow" est le seul titre qui a déjà paru officiellement dans un album de compilations du magazine mensuel Britannique Sequences. La structure proposée est dans la pure tradition Berlin School avec des séquences hypnotiques qui sautillent comme dans une course de poche à patates, avec des coureurs en forme tout de même, où fluctuent des solos de synthé sous formes harmoniques et où s'ajoute aussi un autre filet de séquences rythmiques éclaboussant d'effets sonores.
Ce rythme rempli de boucles oscillatrices débordent pour structurer "Blue Waves", un titre composé en 2005 mais qui sonne drôlement comme "Kinetic Flow". Avec ses 23 minutes, "Wind in The Trees" est la composition la plus récente de “Sequencer Rarities”. Dans une approche semi improvisée, un délicat piano danse avec les ondes sibyllines qui ornent son introduction. La mélodie est mélancolique avec des notes vigoureuses qui résonnent dans ce voile aux effets d'un bleu astral. Mes vieilles oreilles entendent une chorale séraphique, mais elles peuvent aussi bien être dupées par ces lignes qui se fondent dans une continuité harmonique sculptée maintenant par le synthé. Des séquences bousculent ces paisibles moments avec une structure de rythme qui se veut de plus en plus dans le genre de Phaedra. En apportant de subtiles variances à cette structure de rythme ambiante et qui épouse néanmoins la course d'un train à travers des plaines et des montagnes soniques, Rudy Adrian arrose copieusement l'évolution de "Wind in The Trees" avec de bons solos qui sont autant harmoniques que libres de tout apport mélodique. Je trouve beaucoup de similitudes entre ce titre, qui a été composé autour de 2007, et la structure des compositions de Par Avion - Sequencer Sketches Vol. 4, notamment avec le titre Bavarian Eagle. Non ce n'est pas Tubular Bells de Mike Oldfield, quoique les notes de piano qui tintent avec éclat dans l'ouverture de "Summers at Ruby Bay", et pourtant…La plus vieille des compositions dans “Sequencer Rarities”, "Summers at Ruby Bay" est ce titre idéal pour expliquer les fondements de la musique minimaliste assistée par un séquenceur. La ritournelle fantôme de cette superbe mélodie du musicien Anglais tournoie sur ses 7 minutes, donnant l'espace nécessaire à Rudy Adrian d'y annexer une multitude de lignes parallèles et contiguës, créant ainsi un immense effet de spirographe dont les boucles hypnotiques sont assiégées par différents effets et autres séquences qui sautillent comme ces gracieuses paires de jambes des danseuses aquatiques. Superbe et envahissant, "Summers at Ruby Bay" conclut un très solide album de Rudy Adrian et certainement le meilleur de ses aventures Sequencer Sketches. Un incontournable pour tous les amateurs de MÉ poussée par des séquenceurs, comme ce bon vieux Berlin School.
Sylvain Lupari 31/03/18

jeudi 29 mars 2018

PRZEMYSLAW RUDZ: Master of Own Fate (2018)

“Again, another solid album of Prog Electronic Rock from the synth wizard of Poland”

1 Afraid of Dawn 6:26
2 Away from Landlubbers 8:13
3 Sharing Thoughts with Waves 9:28
4 Shipwreck Yard 8:45
5 Master of Own Fate 24:32 ‎| GEN CD 044 (CD/DDL 57:24)
(Prog EM)
   **Chronique en français plus bas**
More than one year after the release of the splendid Let Them Float, Przemyslaw Rudz gets back with a new solo album which is again inspired by the sea. This time, the Polish synthesist wizard gives thanks to those who live on it while risking their life to this end; the fishermen and the sailors. With a sound aestheticism and an impeccable production, this “Master of Own Fate” is also carefully presented with another splendid digipack artwork from the Polish label, Generator PL. In all, we find a good 57 minutes of a music here which seems to be in a fight to be ended between the classical form of EM and the style of a more progressive one with violent rhythmic explosions here and there. And according to the signature of Przemyslaw Rudź, his music is also used as a bed for some amazing synth solos while being scrupulously coated with these orchestrations and with these effects which attract the astral marvels between our ears, just like this rather melancholic vision of a brilliant artist who deserves amply to be better known outside his lands.
"Afraid of Dawn" starts things up with floating arpeggios which sparkle in a Milky Way. Some of these arpeggios weave a fine melody which courts the sound elements of this star cluster. And then the emptiness and the humming of its machine! In this environment where celestial bodies glisten of one thousand colors, orchestral synth layers stretch their obituary harmonies which float like these gigantic space shuttles trying to land on the interstellar banks. Cosmic or earthly, the influences from the sound sculptor of Elblag always stay in halftones so giving the gas necessary for the imagination of the carrier of ears to make it glitter in any sphere. Except that with "Away from Landlubbers", there is no doubt! We have here a good and rather energetic electronic rock. The chord's riffs spread clouds of fat, leaving the senses in suspense, whereas nervous arpeggios slide on some invisible slopes. Percussions snatch this uncertain structure with strikes as slim as clapping of hands. A whistler rambling on this feeble rock throws harmonies swallower of eardrums while some arpeggios flight slightly over a nest of percussions which is not in lack of imagination to please a timid ear. The synth solos here are very catchy. Let's underline moreover the presence of the keyboardist Krzysztof Duda, who has already collaborated with Rudź in the Tricity album in spring 2017, on this track.
"Sharing Thoughts with Waves" falls in the intensity and not just a little. Big and loud organ layers, kind of Phantom of the Opera, throw its introduction. This phantasmagorical intro is fast moderated by chants of whales which let themselves lull by some interstellar waves. The white, the black, the celestial bodies, the oceans and the earth are 5 dimensions in constants oppositions in the universe of Przemyslaw Rudź and which nevertheless always end to be bound together. After these chants of whales and of astral mermaids, the jingles of cymbals awaken its old buddies, the percussions and a bass line, in order to plunge "Sharing Thoughts with Waves" into a good Space Funk loaded of connected vibes and orchestral layers a bit melancholic. And the rhythm follows its tangent with good elements of percussions and effects of drama, on its way towards a good well enhanced velocity. "Shipwreck Yard" offers a more complex music and becomes little by little an excellent buffet of tones from the 4 corners of the planet for insatiable ears. The introduction is long of 5 minutes before a disorganized rhythm comes to shake a sea agitated by these elements of ambiences. The long title-track ends this album, which has a vision more rock than ethereal compared to Let Them Float, with a formula of progressive jazz-rock stimulated by some good, and rather brilliant at the level of the effects, percussions and a bed agitated of keen oscillations as furious as this keyboard starved for a big progressive rock. Plentiful with vintage tones, the synth solos are simply furious and some even awaken Keith Emerson's memories, the keyboard too by the way. After this reinvented fury, the music slides towards a festival of effects of ambiences crossed by waves of strange, sometimes inert or stormy, noises. After this long interlude of more or less 6 minutes, the percussions get to restructure quietly the ambiences of "Master of Own Fate" in order to inflate the last moments of an album which divides marvelously intensity and cosmic wandering towards a pattern of progressive electronic rock always haloed with effects of 1001 sound boxes of Przemyslaw Rudź. Not as ethereal as Let Them Float but fiendishly good. Very good should I add!

Sylvain Lupari (March 28th, 2018) *****
You will find this album via P. Rudź' Bandcamp page
Or via the Generator PL web shop
Plus d'un an après la parution du splendide Let Them Float, Przemysław Rudź revient avec un nouvel album solo qui est inspiré à nouveau par la mer. Cette fois-ci, le synthésiste Polonais rend grâce à ceux qui en vivent tout en risquant leur vie pour ce faire; les pêcheurs et les marins. Avec un esthétisme sonore et une production impeccable, ce “Master of Own Fate” est aussi soigneusement présenté avec une autre splendide pochette digipack par le label polonais Generator PL. En tout, on y trouve un bon 57 minutes d'une musique qui semble être dans une lutte à finir entre la MÉ classique et un style de MÉ plus progressive avec de violents élans rythmiques ici et là. Et conformément à la signature de Przemysław Rudź, sa musique sert de lit à de superbes solos de synthé tout en étant scrupuleusement enrobée de ces orchestrations et de ces effets qui attirent les merveilles astrales entre nos oreilles, tout comme cette vision plutôt mélancolique d'un brillant artiste qui mérite amplement d'être mieux connu en dehors de ses terres.
"Afraid of Dawn" débute avec des arpèges flottants qui scintillent dans une Voie lactée. Certains de ces arpèges tissent une fine mélodie qui fait la cour aux éléments sonique de cette galaxie spirale barrée. Et puis le vide et les vrombissements de sa machine! Dans ce milieu où les astres étincèlent de mille couleurs, des nappes de synthé orchestrales étirent leurs harmonies obituaires qui flottent comme ces gigantesques vaisseaux cosmiques tentant de se poser sur des berges interstellaires. Cosmique ou terrestre, les influences du sculpteur de son d'Elblag restent toujours en demi-teintes donnant ainsi le gaz nécessaire à l'imagination du porteur d'oreilles pour la faire miroiter dans n'importe quelle sphère. Sauf qu'avec "Away from Landlubbers", il n'y a pas de doute! Nous avons ici un bon rock électronique plutôt énergique. Des riffs étendent des nuages de gras, laissant les sens en suspense, alors que des arpèges nerveux glissent sur des pentes invisibles. Des percussions happent cette structure incertaine avec des frappes aussi menues que des claquements de mains. Un siffleur se promenant sur ce rock faiblard lance des harmonies croque-tympans alors que les arpèges volètent sur un nid de percussions qui n'est pas en manque d’imagination afin de plaire à une oreille timide. Les solos de synthé ici sont très accrocheurs. Soulignons d'ailleurs la présence du claviériste Krzysztof Duda, qui a déjà collaboré avec Rudź dans l'album Tricity au printemps 2017, sur cette piste.
"Sharing Thoughts with Waves" tombe dans l'intensité et pas juste un peu. Des grosses nappes d'orgue, assez dans le genre Fantôme de l'Opéra, lancent son introduction. Cette intro fantasmagorique est vite tempérée par des chants de baleines qui se laissent bercer par des vagues interstellaires. Le blanc, le noir, les astres, les océans et la terre sont 5 dimensions en constantes oppositions dans l'univers de Przemysław Rudź et qui pourtant finissent toujours par se souder. Après ces chants de baleines et de sirènes astrales, des cliquetis de cymbales éveillent ses vieux potes, les percussions et une ligne de basse, afin de plonger "Sharing Thoughts with Waves" dans un bon Space-funk plein d'ambiances et de nappes orchestrales un peu mélancoliques. Et le rythme suit sa tangente avec de bons éléments de percussions et des effets de drame, en route vers une belle vélocité bien rehaussée. "Shipwreck Yard" offre une musique plus complexe et devient peu à peu un excellent buffet de tonalités des 4 coins de la planète pour oreilles insatiables. L'introduction est longue de 5 minutes avant qu'un rythme désorganisé ne vienne secouer une mer agitée par ces éléments d'ambiances. La longue pièce-titre termine cet album, qui a une vision plus rock qu'éthérée comparativement à Let Them Float, avec une formule de jazz rock progressif stimulée par de bonnes, et géniales au niveau des effets, percussions et un lit agité d'oscillations aussi furieuses que ce clavier affamé pour du gros rock progressif. Abondants avec des tonalités vintage, les solos de synthés sont tout simplement furieux et certains éveillent même des souvenirs de Keith Emerson, le clavier aussi d'ailleurs. Après cette fureur réinventée, la musique glisse vers un festival d'effets d'ambiances traversés par des vagues de bruits bizarres, parfois inertes ou tempétueux. Après ce long intermède de plus ou moins 6 minutes, des percussions restructurent tranquillement les ambiances de "Master of Own Fate" afin de gonfler les derniers instants d'un album qui divise à merveille intensité et errance cosmique vers un pattern de rock électronique progressif toujours nimbé d'effets des 1001 boîtes à sons de Przemysław Rudź. Pas aussi éthéré que Let Them Float mais fichtrement bon. Très bon même.

Sylvain Lupari (28/03/18)

mardi 27 mars 2018

BRAINWORK: Colours of the Soul (2018)

“Colours of the Soul is possibly the best album from Uwe Saher since a long time, if not is best over his long and fructuous career”

1 Dreaming Soul 24:31
2 Pulsating Soul 24:08
3 Wide Soul 10:35

BWCD 18 (CD 59:14)
(Berlin School, Ambient & EDM)
    **Chronique en français plus bas**
A new album of Brainwork arouses as much the curiosity as the craze at the fans of EM and especially his fans' base which follow his activities since the release of Sunrise at the beginning of the 90's. If in these years an album of Brainwork followed one of Element 4, since 2003 Uwe Saher enjoys changing the roles by sticking albums under the name of Brainwork which rather wore the hat of Elment 4. This time “Colours of the Soul” proposes 3 long musical axes where the Berlin School style flirts with Dark Ambient without forgetting the fiery approach of Element 4 with the boiling track "Pulsating Soul".
It's thus with a ritornello fixed on a sequencer rotation that "Dreaming Soul" flows in the hypnotic beauties of a more contemporary Berlin School and of its charms. The initial movement always turning with the same delicacy whereas layers with perfumes ether rise to float and oscillate as if they were activated by a breeze as invisible as so delicate. A shadow of bass exiles itself out from the silence with curt notes which stretch in length their threatening heaviness. The percussions come then! Of a manual genre, they follow the serial and harmonious approach of the sequencer while giving some tonus to this structure which always makes us flirt with a state of hypnosis. It's at the bridge of the 6 minutes that we feel this minimalist approach smelling a light breeze of nuance, modifying the race of "Dreaming Soul" for a slower approach which facilitates the inlay of a synth and of its harmonious airs. Some nice fragrances of Robert Schroeder are floating here. The ritornello of the sequencer isolates itself at around the 12th minute in order to add a chord in plus which limps in the vapors of mist and ether. The nuance is small and nevertheless its impact will modify the pace of "Dreaming Soul" which at the moment remains misted and in the spheres of the 70's. That begins with the arrival of the knockings from a bass line and other knockings of percussions which add stimulus to these continuous repetitions, as harmonious as rhythmic, which swirl like a carousel to which a wheel is always missing. And Schroeder's perfumes return, looping the loop to this long interlude which has that slows down the hypnotic race of "Dreaming Soul" to which Uwe Saher adds percussive ornaments. A superb title which joins the big ones in Brainwork's repertoire!
Why do I have this feeling to hear Born to be Alive from the first blows of keyboard of "Pulsating Soul"? Because this title is all the opposite of "Dreaming Soul" with an approach of Dance Music adorned with the most beautiful assets of the 70's and of the more contemporary years. The structure of "Pulsating Soul" evolves on the same mode as "Dreaming Soul" with a progression in rhythm and in melody which follows its plan, including this little moment when the pulsations sparkle in solo. The music is not as aggressive as we can imagine after its start of hopping pulsations and cymbals tsitt-tsitt. Veils of violins cover these mooses of dance with a mesmerizing ethereal approach. And little by little Uwe (Element 4) Saher add keyboard keys which borrow the little evasive melody from the violins. These violins evolve by soft staccato while another line of the keyboard digs up a melody which evolves in the shade of the leading one. The more the music moves forward and the more we notice its nice effects of percussions, as in the opening track, adding more relief to a music of dance to which one listens to very well. With "Wide Soul", Brainwork attracts us in the Dark Ambient territories with a bed of drones which collects a nice melody with a translucent tone. These divergent elements bring the orchestrations to a very musical level by following the ethereal way of this opalescent line where we can even hear the humming of specters. And the set of these elements are nailing our subconscious in a state of charm since the first hummings of this title surprisingly musical for the kind. Surprising and very good, it concludes one of the best albums from Brainwork.

Sylvain Lupari (March 26th, 2018) ****½*
You will find a way to order this album on Brainwork's Web Shop
Un nouvel album de Brainwork suscite autant de curiosité que d'engouement chez les fans de MÉ et surtout sa base de fans qui suivent ses activités depuis la parution de Sunrise au début des années 90. Si dans ces années un album de Brainwork suivait un de Element 4, depuis 2003 Uwe Saher s'amuse à changer la donne en collant des albums sous le nom de Brainwork qui portait plutôt le chapeau d'Elment 4. Cette fois-ci, “Colours of the Soul” propose 3 longs axes musicaux où le style Berlin School flirte avec le Dark Ambient sans oublier l'approche fougueuse d'Element 4 avec le bouillant "Pulsating Soul".
C'est donc avec une ritournelle fixée à une rotation du séquenceur que "Dreaming Soul" coule dans les beautés hypnotiques du Berlin School et de ses charmes plus contemporain. Le mouvement initial tournant toujours avec la même délicatesse alors que des nappes aux parfums d'éther s'élèvent pour flotter et osciller comme si elles étaient actionnées par une brise aussi invisible que tellement délicate. Une ombre de basse s'exile du silence avec des accords secs qui laissent trainer en longueur leurs menaçante lourdeur. Viennent ensuite les percussions! D'un genre manuel, elles suivent l'approche sérielle et harmonique du séquenceur tout en donnant du tonus à cette structure qui nous fait toujours flirter avec un état d'hypnose. C'est au pont des 6 minutes que l'on sent cette approche minimaliste sentir une légère brise de nuance, modifiant la course de "Dreaming Soul" pour une approche plus lente qui facilite l'incrustation d'un synthé et de ses chants harmoniques. De beaux parfums de Robert Schroeder flottent ici. La ritournelle du séquenceur s'isole vers la 12ième minute afin d'ajouter une touche de plus qui boitille dans des vapeurs de brume et d'éther. La nuance est petite et pourtant son impact modifiera la course de "Dreaming Soul" qui pour l'instant reste embué dans les sphères des années 70. Ça débute avec l'arrivée des cognements d'une ligne de basse et d'autres cognements de percussions qui ajoutent du stimulus à ces répétitions autant harmoniques que rythmiques qui tournoient comme un carrousel auquel il manque toujours une roue. Et les parfums de Schroeder reviennent, bouclant la boucle à cette longue interlude qui n'a que ralentit la course hypnotique de "Dreaming Soul" à laquelle Uwe Saher ajoute des ornements percussifs. Un superbe titre qui s'inscrit dans les grands du répertoire Brainwork!   
Pourquoi ai-je l'impression d'entendre Born to be Alive dès les premiers coups de clavier de "Pulsating Soul"? Parce que ce titre est tout le contraire de "Dreaming Soul" avec une approche de Dance Music paré des plus beaux atouts des années 70 et des années plus contemporaines. La structure de "Pulsating Soul" évolue sur le même mode que "Dreaming Soul" avec une progression en rythme et mélodie qui suit son tracé, incluant ce petit moment où les pulsations pétillent en solitaire. La musique n'est pas aussi agressive que l'on imagine après son départ de pulsations sautillantes et de cymbales tsitt-tsitt. Des voiles de violons recouvrent ces élans de danse avec une envoutante approche éthérée. Et peu à peu Uwe (Element 4) Saher ajoute des accords de clavier qui empruntent quelque peu l'évasive mélodie des violons. Ces violons évoluent en doux staccato alors qu'une autre ligne du clavier déterre une mélodie qui évolue dans l'ombre de la principale. Plus la musique avance et plus on remarque ses beaux effets percussifs, ajoutant plus de relief à une musique de danse qui s'écoute très bien. Avec "Wide Soul", Brainwork nous attire dans les territoires du Dark Ambient avec un lit de ronflements qui recueille une belle mélodie à la tonalité translucide. Ces éléments divergents amènent les orchestrations à un niveau très musical en suivant le chemin éthéré de cette ligne opalescente où l’on peut même entendre les fredonnements de spectres. Et l'ensemble de ces éléments rive notre subconscient dans un état de charme depuis les premiers bourdonnements de ce titre étonnement musical pour le genre. Surprenant et très bon, ça conclut un des meilleurs albums de Brainwork.

Sylvain Lupari 26/03/18

vendredi 23 mars 2018

NUMINA: The Chroma Plateau (2018)

“When ambient music is shaken by sequenced beats or perfumed of sibylline tones along with chthonian moods, you have here soundscapes that will never stop to grow your thirst of great ambient music”

1 Beaming up the Fossils 6:32
2 Bringer of the Beings 9:13
3 Intergalactic Traveller 5:24
4 Where all the Creatures are Dreaming 8:44
5 Mosaic of Whispers 4:17
6 When the Sea Disappears from me 9:42
7 Sky Descender 6:22
8 Living in the Clouds 11:21
9 The Chroma Plateau 9:10

Spotted Peccary ‎| SPM-3601 (CD/DDL 70:44)
(Ambient Music)

   **Chronique en français plus bas**
I know the music of Numina to have heard a jet in the album Broken Stars Through Brilliant Clouds whom he conceived and composed with Zero Ohms in 2015. This “The Chroma Plateau” is thus his 2nd on Spotted Peccary and his 30th, more or less, since that Dreamsleep appeared on his own label in 2000. Always very comfortable in his Dark Ambient style, the stylist of the sounds from Colorado presents here a rather surprising album of ambient music. Playing on his likely influences of Steve Roach, Robert Rich and Byron Metcalf, Jesse Sola, the man behind Numina, proposes an album which plays on the roles, as cosmic, as ethereal and tribal, with an extraordinary dexterity. In fact, “The Chroma Plateau” is one of the rare albums of ambient music to have enchanted me so quickly and by which the level of seduction increases after every new listening. Produced by the label Spotted Peccary, this adventure is carefully presented in a gatefold artwork with all the liner notes, like the times of the vinyl albums, or in high-resolution download. And I was enthralled by this superb album of Numina of which the sound architecture is some pure art for my ears.
The explanation of my charm begins with hollow breezes, and their translucent harmonies sneaking through the cracks of caves, which open the ambient panorama of "Beaming up the Fossils". This background of dark hummings, where are fleeing some translucent lines, is the backdrop of most of the titles of this album. Blades of synths are squeaking on a bed of rocks whereas is continuing this loud muted humming where oozes a choir prisoner between diverse strata of rocks. The music has no ages, as much as these chthonian zones which flirt with the vestiges of humanity with misleading colors. The anfractuous darkness of the slow waltzing movements tries to isolate the brightness of the ambiences with these very bewitching synth layers which hum these harmonies of a synth on an evening of apocalypse seen by Vangelis. For an ambient music, the staging of "Beaming up the Fossils" is totally ear-catchy with its palette of colors which pushes our imagination to invert the roles. Like in "Bringer of the Beings" and its elements of celestial harmonies which sound so much as those tonalities coming from the Serge Modular and of its uncountable possibilities, both at the level of the harmonies and of the ambient dimension. Here's an awesome and intense title. "Intergalactic Traveller" comes along with a beautiful movement of a sequencer of which the crystal clear tones coupled to more discreet shadows sculpture a splendid ambient sequenced ritornello. Clouds of mist, and their beautiful secret impulses, secrete anesthetic drizzle all over these multiple spirals of which the effects of sonic canon sparkle in vapors which are more and more buzzing. It's here that I understood that I had a beautiful little jewel of tones between my hands. "Where all the Creatures are Dreaming" is a little darker title with luminous streaks which make counterweight. These cracks draw bright effects and the winds which push them transform them into fascinating waves of strange singing scattered in this dense envelope of hollow breezes and of light drones.
"Mosaic of Whispers" is less dark and proposes a musical approach which reflects very well the sense of its title because we really hear the sound to whisper in a clearly less tense musical mosaic. A nice title ideal for relaxation. "When the Sea Disappears from me" is in the same vein as "Intergalactic Traveller" but with a darker tint of the sequencer and a more ethereal envelope weaved around cosmic effects and layers of celestial voices. "Sky Descender" sneaks in this lot of 9 titles with an ambient tribal approach bound by riffs of guitar and by manual percussions of an aboriginal kind. The influences of Steve Roach and Robert Rich are omnipresent here. Very good! "Living in the Clouds" is colossal with its procession of knockings which allows us to reach the clouds. Except that here they are slow and immobilized in their membranes of darkness where always spring these epic fights between the luminosity and its contrasts as well as these strange sound murmurs which live throughout the 70 minutes of music here. Let's say that's an intense title with its long circular drones which make us discover a carpet of sounds rich in effects of a parallel universe. The title-track concludes this wonderful Numina album with the same movement of the sequencer which spreads its shadows of charm here with a more vampiric movement. It's love at first sight! And these fascinating voices which pearl with celestial singings through these curtains of drones … A real delight! The best in its kind this year.

Sylvain Lupari (March 23rd, 2018) *****
Available tomorrow on Spotted Peccary Bandcamp

Je connais la musique de Numina pour en avoir écouté un jet dans l'album Broken Stars Through Brilliant Clouds qu'il a conçu et composé avec Zero Ohms en 2015. Ce “The Chroma Plateau” est donc son 2ième sur Spotted Peccary et son 30ième, plus ou moins, depuis que Dreamsleep soit apparu sur son propre label en 2000. Toujours très à l'aise dans son style Dark Ambient, le styliste des sons du Colorado livre ici un album de musique d'ambiances assez surprenant. Jouant sur des probables influences de Steve Roach, Robert Rich et Byron Metcalf, Jesse Sola, l'homme derrière Numina, propose un album qui joue sur les rôles, tant cosmiques, qu'éthérés et tribaux, avec un doigté extraordinaire. En fait, “The Chroma Plateau” est un des rares albums de musique ambiante à m'avoir enchanté aussi rapidement et dont le taux de séduction augmente après chaque nouvelle écoute. Réalisé par le label Spotted Peccary, cette aventure est soigneusement présenté dans une pochette genre portefeuille, comme dans le temps des albums vinyles, ou en format téléchargement de haute résolution. Et j'ai été subjugué par ce superbe album de Numina dont l'architecture sonore est de l'art pour mes oreilles.
L'explication de mon ensorcèlement débute avec des brises caverneuses, et leurs harmonies translucides qui se faufilent à travers les crevasses des grottes, qui ouvrent le panorama ambiant de "Beaming up the Fossils". Ce fond de bourdonnements sombres, où fuient des raies translucides, est la toile de fond de la plupart des titres de cet album. Des lames de synthés crissent sur un lit des roches alors que continue ce lourd bourdonnement sourd où suinte une chorale prisonnière entre les diverses couches des rochers. La musique n'a pas d'âges, autant que ces zones chtoniennes qui flirtent avec les vestiges de l'humanité avec des couleurs trompeuses. L'obscurité anfractueuse des lents mouvements valsant tentent d'isoler la clarté des ambiances avec ces nappes de synthé très enjôleuses qui fredonnent ces harmonies d'un synthé par un soir d'apocalypse vu par Vangelis. Pour une musique d'ambiances, la mise en scène de "Beaming up the Fossils" est totalement séduisante avec sa palette de couleurs qui pousse notre imagination à intervertir les rôles. Comme dans "Bringer of the Beings" et ses éléments d'harmonies célestes qui sonnent tellement comme l'usage du modulaire Serge et de ses innombrables possibilités, tant au niveau des harmonies que des ambiances. Voilà là un titre imposant et intense. "Intergalactic Traveller" s'amène avec un beau mouvement d'un séquenceur dont les tonalités limpides jumelées à des ombres plus discrètes sculptent une splendide ritournelle séquencée ambiante. Des nuages de brume, et leurs belles impulsions secrètes, sécrètent des bruines anesthésiantes tout autour de ces multiples spirales dont les effets de canons scintillent dans des vapeurs de plus en plus bourdonnantes. C'est ici que j'ai compris que j'avais un beau petit bijou sonique entre les mains. "Where all the Creatures are Dreaming" est un titre un peu plus obscur avec des stries lumineuses qui font contrepoids. Ces fissures puisent des effets lumineux et les vents qui les poussent les transforment en de fascinantes ondes de chants éparpillés dans cette dense enveloppe de brises creuses et de bourdonnements légers.
"Mosaic of Whispers" est moins ténébreux et propose une approche musicale qui reflète très bien le sens de son titre puisque l'on entend réellement des chuchotements soniques dans une mosaïque musicale nettement moins tendue. Un beau titre idéal pour la relaxation. "When the Sea Disappears from me" est dans la même veine que "Intergalactic Traveller" mais avec une teinte plus obscure du séquenceur et une enveloppe plus éthérée tissée autour d'effets cosmiques et des nappes de voix célestes. "Sky Descender" se faufile dans ce lot de 9 titres avec une approche tribale ambiante avec ses riffs de guitare et ses percussions manuelles d'un genre aborigène. Les influences de Steve Roach et Robert Rich sont omniprésentes ici. Très bon! "Living in the Clouds" est colossal avec sa procession de cognements qui nous permet d'atteindre des nuages. Sauf qu'ici ils sont lents et immobilisés dans leurs membranes d'obscurité où jaillissent toujours ces épiques combats entre la luminosité et ses contrastes ainsi que ces étranges murmures soniques qui vivent à la grandeur de “The Chroma Plateau”. Disons que c'est un titre intense avec ses longs bourdonnements circulaires qui nous font découvrir un tapis de sons riches en effets d'un univers parallèle. La pièce-titre conclut ce superbe album de Numina avec ce même mouvement du séquenceur qui étend ses ombres de charme ici avec un mouvement plus vampirique. C'est un coup de foudre! Et ces fascinantes voix qui perlent avec des chants célestes au travers ces rideaux de drones…Un vrai délice! Le meilleur en son genre cet année.

Sylvain Lupari 22/03/2018

dimanche 18 mars 2018

COMMON GROUND: Common Ground (2015)

“Between the magical world of Hollan Holmes and a dark form of ambient music of Resonant Drift, Common Ground will let you spent good moments of listening ambient music”

1 Many Voices 10:07
2 Finding our Way 5:52
3 Spirited Encounter 6:36
4 Ancient Whispers 4:50
5 The Apollo Frequency 6:06
6 Edge of Tranquility 5:54
7 Tempest Rising 8:31
8 Long Voyage Home 5:53
9 The Ties that Bind 6:58

Common Ground Music (CD/DDL 60:42)

(Pacific School Ambient Music)
   **Chronique en français plus bas**
After the album Incandescent, Hollan Holmes has joined Bill Olien (synths, samples and drones) and the guitarist Gary Johnson, to form the project Common Ground. For the story, Bill Olien and Gary Johnson are the duet Resonant Drift which realized 7 albums of ambient music since 2004. This union for the less promising gives an album where the very poetic touch of Hollan Holmes on synths and sequencer is linking at the symphonies of the hollow breezes and drones in tints contrasted of the American duet. And this first album left me a beautiful imprint in my ears which had to tame at first this abrasive color of the multi-lines from the synths and the guitars of Resonant Drift.
It's with avian singing exercises that begins the immersive adventure of “Common Ground”. These chants, shouts and dialogues of paradisiac birds are pecking at one dense veil of heavy mist where waits a first hatching of the sequencer. Already, the wealth of the ambiances in "Many Voices" floods my ears ready to confront this new project of Hollan Holmes and of the members of Resonant Drift. The sequencer loosens a circular line which makes its wide circles with fine oscillating nuances, while a line of bass gives us shivers with its harmonious and rhythmic perfumes of Patrick O'Hearn beneath a sonic sky which gets fill of luminous streaks and of another layer of mist a little more seraphic. "Finding our Way" follows with an ascent of warm layers which crack out and let leak out streaks, then strata full of opaline squealing. One has to get used to it, because the cradle of the enigmatic vibes of this album takes shape here. The ample undulations of the more or less hollow breezes meet a thick cloud of jingles which tinkle and resound as in a sort of spasmodic electronic dance before the symphony of breezes means taking its rights. There is a lot of intensity in this track and behind the bulwarks of ambiences of this eponym album to the Common Ground band. In fact, these ambiences would rather serve a title like "Spirited Encounter"! Except that here a guitar crumbles its notes which resound on the ice floes of mists and its vertical waving lines which dance slightly and sparkle in their curtains of contrasting tones as in the most inexplicable auroras borealis. The mass of sound is very good, as well as this song whistled by sharp breezes which by moments is giving me shivers to my soul. And at times, I imagine a solitary wolf howling under a Scandinavian full moon. Is it normal that I think of Richard Burmer here?
"Ancient Whispers" is a title with a tribal spirit born of an intense dance of percussions. Still here, this shrill chant which has pierced the mists of "Finding our Way" is as much effective as these percussions of which we have difficulty in discerning those more tribal of those more rock. This duel between these synth scarlet lines and others darker and/or warmer is overflowing on this enormous fall of lines and waves of synths which darkens the introduction of "The Apollo Frequency"; a linear track which develops slowly with a compact tone of minimalist ambiences. Then "Edge of Tranquility" follows with a movement always linear to where is agglutinating a carpet of hummings and more radiant synth lines, cutting out at cold the solitude of both sound entities. "Tempest Rising" proposes a crossing of warmer vibes where from emerge these lively and jerky structures of rhythm, like these movements of spasmodic sequences on Steve Roach's first albums. The tones are changing with continuous squealing, but the rhythm is always hooked to it with the coming of percussions and of bass pulsations which add to the wealth nevertheless sowed well by a music which arrives just in time here. "Long Voyage Home" is like a long odyssey of a desert taken by diverse storms which put some sand in the linear breaths and which are translated by diverse tones. And arrived here, I have to admit that "The Ties that Bind" comes just in time. Its sonic envelope is clearly warmer, thus ended these sibylline airs and breezes where I heard this thick cloud of crystals frozen while it was whistling these lances of spar. The synth waves are warm and charismatic in the ear and the diverse tinkling which adorn this décor of the Pacific are stolen in the beauties of "Finding our Way". There where these dusts of crystals took exactly root and which give to “Common Ground” this cachet which distinguishes it from other albums of the same genre.

Sylvain Lupari (March 17th 2018)
You will find this album on Common Ground's Bandcamp page
Après l'album Incandescent, Hollan Holmes se joignait à Bill Olien (synthés, échantillonnages et drones) et au guitariste Gary Johnson, afin de former le projet Common Ground. Pour la petite histoire, Bill Olien et Gary Johnson forment le duo Resonant Drift qui a réalisé 7 albums de musique d'ambiances depuis 2004. Cette union pour le moins prometteuse donne un album où la touche très poétique d'Hollan Holmes au séquenceur et au synthé rejoint les symphonies de brises caverneuses et de drones aux teintes contrastés du duo américain. Et ce premier album m'a laissé une belle empreinte dans mes oreilles qui ont dû apprivoiser cette couleur abrasive des multi lignes des synthés et des guitares de Resonant Drift.
C'est avec des vocalises aviaires que débute l'aventure immersive de “Common Ground”. Ces cris, ces chants et ces dialogues d'oiseaux paradisiaques picorent une dense voile de brume lourde où attend une première éclosion du séquenceur. Déjà, la richesse des ambiances de "Many Voices" inonde mes oreilles prêtes à se mesurer à ce nouveau projet d'Hollan Holmes et des membres de Resonant Drift. Le séquenceur délie une ligne circulaire qui effectue ses larges ronds avec de fines nuances oscillantes, alors qu'une ligne de basse nous donne des frissons avec son parfum harmonique et rythmique de Patrick O'Hearn sous un ciel sonore qui s'emplit de stries lumineuses et d'une autre nappe de brume un peu plus séraphique. "Finding our Way" suit avec une montée de nappes chaleureuses qui se fissurent et laissent filtrer des stries, puis de strates aux crissements opalins. Va falloir s'y faire car le berceau des ambiances énigmatiques de cet album prend forme ici. Les amples ondulations des brises plus ou moins caverneuses rencontrent une nuée de cliquetis qui tintent et résonnent comme dans une forme de danse électronique spasmodique avant que la symphonie des brises revienne prendre ses droits. Il y a beaucoup d'intensité dans ce titre et derrière les murailles d'ambiances de cet album éponyme au groupe Common Ground. En fait, ces ambiances serviraient plutôt un titre comme "Spirited Encounter"! Sauf qu'ici une guitare émiette ses notes qui résonnent sur des banquises de brumes et de ses vagues verticales qui dansottent et scintillent dans leurs rideaux de tonalités contrastantes comme dans les plus inexplicables des aurores boréales. La masse de son est très bonne, de même que ce chant siffloté par des brises aigues qui par moments donnent des frissons à mon âme. Et par moments, j'imagine un loup solitaire ululer sous une pleine lune nordique. Est-ce normal que je pense à Richard Burmer ici?
"Ancient Whispers" est un titre à saveur tribale né d'une intense danse de percussions. Encore ici, ce chant strident qui a percé les brumes de "Finding our Way" est aussi efficace que ces percussions dont on peine à discerner celles plus tribales de celles rock. Ce duel entre ces lignes de synthé écarlates et d'autres plus ténébreuses et/ou chaleureuses déborde sur cette énorme chute de lignes et d'ondes de synthés qui noircie l'introduction de "The Apollo Frequency"; un autre titre linéaire qui se développe lentement avec une compacte sonorité d'ambiances minimalistes. "Edge of Tranquility" suit avec un mouvement toujours linéaire où s'agglutinent une carpette de bourdonnements et des lignes de synthé plus radiantes, découpant à froid la solitude des deux entités sonores. "Tempest Rising" propose une traversée d'ambiances plus chaleureuses d'où émerge ces structures de rythme vives et saccadées, comme ces mouvements de séquences spasmodiques des premiers albums de Steve Roach. Les tons changent avec des crissements continus, mais le rythme s'accroche toujours avec l'ajout de percussions et de basses pulsations qui ajoutent à la richesse pourtant bien ensemencée d'une musique qui arrive à point dans cet album. "Long Voyage Home" est comme une traversée d'un désert au prise avec diverses tempêtes qui mettent du sable dans les souffles linéaires et qui se traduisent par diverses tonalités. Et rendu ici, je dois admettre que "The Ties that Bind" arrive à point. Son enveloppe sonique est nettement plus chaleureuse, donc terminé ces chants sibyllins où j'entendais une nuée de cristaux se figer dans des sifflements de lances de spath. Les ondes synthétisées sont chaleureuses et charismatiques à l'oreille et les divers tintements qui ornent ce décor du Pacifique sont dérobés dans les beautés de "Finding our Way". Là où prenaient justement racine ces poussières de cristaux qui donnent à “Common Ground” ce cachet qui le distingue des autres albums du même genre.

Sylvain Lupari 17/03/2018

vendredi 16 mars 2018

HOLLAND HOLMES: Incandescent (2015)

“Here's the perfect mixture of ambient and sequence structures loaded of multiple sound effects and soundshines which oversize incredibles soundscapes”

1 First Light 7:59
2 The Year's First Rain 7:39
3 Letting Go 7:35
4 Valley of the Rocks 7:08
5 Earth Song 8:05
6 Interstellar Lullaby 5:35
7 The Inevitability of Change 8:09
8 Ancient Atmosphere 7:54
9 Incandescent 7:25

Hollan Holmes Music (CD/DDL 67:47)
(Sequenced and ambient Pacific School)

   **Chronique en français plus bas**
2018 is literally underway with an avalanche of musical productions which does not stop accumulating on my desk. But there is always of these pearls which date from 2 to 3 years, sometimes even more, and that we sent me to charm even more my ears. And these ears, which are constantly soaked with music, are indeed amazed and question my brain to know where was I when this album landed on the Net or in tubs. “Incandescent” is among this list of albums which have escaped my attention in 2015. And nevertheless, I had been totally conquered by the brilliant The Spirits of Starlight which was realized one year earlier. First of all, let's greet this complete artist that is Hollan Holmes. In the era of the digital technology and albums in downloadable format, the Texan sculptor of soundscapes feels at ease as well in the visual arts as with musical instruments. Wrapped in a nice eco-cartoon artwork of 6 panels embellished with great paints and pictures that he designed by itself, this 5th album of Hollan Holmes is dedicated to the late Richard Burmer, an American artist and a musician who is the vein of Steve Roach, Robert Rich and others. Artists who influenced the music of Hollan Holmes.
"First Light" begins this album mainly desirable for meditation with a music which goes reverse of my last words. The rhythm is animated in a state of static with sequences which quickly alternate. These keen oscillations sculpt a volley of scissors' blows which cut out about ten crumbs of notes by minute. These fragments fall in a random way to be transformed into electronic effects which are at the diapason of an astral luminosity. Musical and lyrical, "First Light" is delicately propelled by the impulses of a bass line and\or by an accumulation of the static effects which repulses the rhythmic crumbs of fascinating phantom impulses. A music which joins with dignity in Steve Roach's influences and his chronic Now/Traveller. The music of “Incandescent” seems to describe a journey. A journey in the Monument Valley from where is pulled the artwork of the album. Taking away the threat of thunders, "The Year's First Rain" is a little jewel where pearls a swarm of sequences and carillons which run on the same pace. Lines of synth wave with the same appetite of the motionless beat which aims to be extremely musical and poetic. Bells, sequences and undulating lines form a strong hypnotic symbiosis where hang onto some ferocious bass pulsations and layers of seraphic voices. The sound aestheticism here is at its high with this pleiad of elements which converge on the same destination without having the same artifices. Another solid title! I wrote higher about the influences of Steve Roach on the music of Hollan Holmes, "Letting Go" does nothing to dilute this perception. The sequencer is more alert, more incisive than on "First Light" whereas impulses of bass sequences dominate this perception that the music travels like a race of clouds. Let's say that I spent a great 23 minutes of Pacific School style EM as I love them. "Valley of the Rocks" starts the ambient ascent of “Incandescent”. A bank of mist filled with sound particles moves forward as a threat between my ears. Ambient but intense! It's the most honest description to describe well the ambient music of the Texan musician. Helped by effects of cymbals, the music progresses by fattening its structure with a multitude of lines in tones and in ill-assorted forms. And its climb is knotted up and propelled by other effects of sound backwashes, so creating a poignant and intense climate of ascension. A strange whistling decorates even more our fascination at the very end. It's a piece of piccolo composed and played by Richard Burmer a few years ago. A delight!
"Earth Song" sinks between our ears with an anesthetic heaviness. Wide layers of tones wrap us in a meditative state while the intensity of the music, and of its parallel effects, nails us literally on the spot, open-mouthed. I like these sound elements which decorate the music of Hollan Holmes of scarlet streaks and of lunar effects which are without doubts the nightly reflections beneath the stars in the immense plains of the American deserts where cactus, and other botanical elements, are as specters congealed in the night-coldness. "Interstellar Lullaby" is a jewel of tenderness that I prescribed you without hesitation. It's one of the most beautiful sound poems than I heard. Simply wonderful and impossible to describe. "The Inevitability of Change" is more in the linear, in the minimalist kind with its strong advance of mist packed by striations which filter lines illuminated of incarnate elements. "Ancient Atmosphere" is more peaceful with its carpet of tonal winds which floats against an armada of more warlike breezes. The meeting between two vast fields of winds creates a big stir in the sky which bubbles like a hurricane without appetite. The title-track exploits themes already exploited in this album with another gravitational structure which moves forward without wanting to make of concession, except that to conclude an impressive journey of Hollan Holmes in the lands in colors of “Incandescent”. I would have reorganized the order of the titles but for the rest, it's a wonderful album which gives the taste to discover the music of this brilliant sculptor of musical panoramas who comes to us from a region where this kind came resolutely from somewhere else. Now that's an exploit my dear Hollan!
Sylvain Lupari (March 15th, 2018) ****½*
You will find this album on Hollan Holmes' Bandcamp page

2018 est littéralement en marche avec une avalanche de productions musicales qui ne cesse de s'accumuler sur mon bureau. Mais il y a toujours de ces perles qui datent de 2 à 3 ans, des fois plus, et que l'on m’a fait parvenir afin de charmer encore plus mes oreilles. Et ces oreilles, qui sont continuellement imbibées de musique, s'émerveillent effectivement et questionne mon cerveau à savoir où j'étais lorsque cet album atterrissait sur le Net ou dans les bacs. “Incandescent” fait partie de ces albums qui ont échappé à mon attention en 2015. Et pourtant, j'avais été totalement conquis par le brillant The Spirits of Starlight qui fut réalisé un an plus tôt. Tout d'abord, saluons cet artiste complet qu'est Hollan Holmes. À l'ère du numérique et des albums en format téléchargeable, le sculpteur d'ambiances Texan est aussi à l'aise dans les arts visuels qu'avec des instruments de musique. Enveloppé dans une belle pochette avec 6 panels bien imagés et conçu par lui-même, ce 5ième album d'Hollan Holmes est dédié à Richard Burmer, un artiste et musicien américain qui est de la trempe de Steve Roach, Robert Rich et autres. Des artistes qui ont influencé la musique d'Hollan Holmes.
"First Light" débute cet album majoritairement souhaitable pour la méditation avec une musique qui va à contresens de mes derniers propos. Le rythme est animé dans un état statique avec des séquences qui alternent vivement. Ces vives oscillations sculptent une volée de coups de ciseaux qui découpent une dizaine miettes de notes à la minute. Ces fragments chutent d'une façon aléatoire pour se transformer en effets électronique qui sont au diapason d'une luminosité astrale. Musical et lyrique, "First Light" est délicatement propulsé par des impulsions d'une ligne de basse et/ou par une accumulation de l'effet statique qui refoule les miettes rythmiques des fascinants élans fantôme. Une musique qui s'inscrit dignement dans les influences de Steve Roach et sa chronique sonique Now/Traveller. La musique de “Incandescent” semble décrire un voyage. Un voyage dans le Monument Valley d'où est tiré la pochette de l'album. Éloignant la menace des tonnerres, "The Year's First Rain" est un petit bijou où perle un essaim de séquences et de carillons qui roulent sur la même cadence. Des lignes de synthé ondulent avec le même appétit pour du rythme casanier qui se veut extrêmement musical et poétique. Clochettes, séquences et ondulations forment une forte symbiose hypnotique où s'accrochent de féroces pulsations de basse et des nappes de voix séraphique. L'esthétisme sonore ici est à son comble ici avec cette pléiade d'éléments qui convergent vers la même destination sans avoir les mêmes artifices. Un autre titre solide! Je vous parlais de l'influence de Steve Roach sur la musique d'Hollan Holmes, "Letting Go" ne fait rien pour diluer cette perception. Le séquenceur est plus alerte, plus incisif que sur "First Light" tandis que des impulsions de basses séquences dominent cette perception que la musique voyage comme une course des nuages. Disons que je viens de me farcir près de 23 minutes de MÉ du style Pacific School comme je les aime. "Valley of the Rocks" entame l'ascension ambiante de “Incandescent”. Un banc de brume rempli de particules soniques avance comme une menace entre mes oreilles. Ambiant mais intense! C'est le descriptif le plus honnête afin de bien décrire la musique d'ambiances du musicien Texan. Aidée par des effets de cymbales, la musique progresse en engraissant sa structure avec une multitude de lignes aux tonalités et aux formes disparates. Et sa montée est nouée et propulsée par d'autres effets de ressac sonores, créant ainsi un climat d'ascension intense et poignant. Un étrange sifflement orne encore plus notre fascination à la toute fin. Il s'agit d'un morceau de piccolo composé et joué par Richard Burmer il y a quelques années. Un délice!
"Earth Song" s'enfonce entre nos oreilles avec une lourdeur anesthésiante. De larges nappes de tons nous enveloppe dans un état méditatif alors que l'intensité de la musique, et de ses effets parallèles, nous cloue littéralement sur place, bouche bée. J'aime ces éléments soniques qui décorent la musique d'Hollan Holmes de stries écarlates et d'effets lunaires qui sont sans doutes les reflets d'une nuit sous les étoiles dans les immenses plaines des déserts américains où les cactus, et autres éléments botaniques, sont comme des spectres figés dans les froideurs nocturnes. "Interstellar Lullaby" est un bijou de tendresse que je vous prescrits sans hésitation. C'est un des plus beaux poèmes soniques que j'ai entendu. Tout simplement superbe et impossible à décrire. "The Inevitability of Change" est plus dans le genre linéaire, minimaliste avec sa forte avancée de brume paquetée de striures qui filtrent des raies illuminées de matières incarnates. "Ancient Atmosphere" est plus paisible avec sa carpette de vents tonals qui flotte contre une armada de brises plus belliqueuses. La rencontre entre les deux vastes champs de vents crée un grand remous dans le ciel qui bouillonne comme un ouragan sans appétit. La pièce-titre exploite les thèmes déjà exploités dans cet album avec une autre structure gravitationnelle qui avance sans vouloir faire de concession, sinon que de conclure un impressionnant voyage d'Hollan Holmes sur des terres aux couleurs de “Incandescent”. J'aurais réaménagé l'ordre des titres mais pour le reste, c'est un magnifique album qui donne le goût de découvrir la musique de ce brillant sculpteur de panoramas musicaux qui nous vient d'un endroit où ce genre venait résolument d'ailleurs. Ça c'est un exploit mon cher Hollan!

Sylvain Lupari 15/03/2018