mardi 27 février 2018

ROBERT RICH: The Biode (2018)

“Nice ambient beats in a landscape of the most creative, The Biode is like a botanic field where we can hear breathing this fascinating garden of unusual tones”
1 Recalcitrant Malfeasance 3:14
2 Particles 4:34
3 Protista Mephista 8:21
4 Elevate the Hive Mind 7:28
5 Behind the Staminode 5:26
6 A Porous Membrane 4:40
7 Permeate the Divide 5:32
8 Galvanic Response 8:29
9 Aerosols for Pluviculture 2:27
10 Witchetty Vartu 7:21

Soundscape | SP031 (CD 57:32)
(Progressive ambient EM)
 **Chronique en français plus bas**
Glaucous knockings and noises assail our ears at the opening of "Recalcitrant Malfeasance". These sounds seem filled with water, one would say a frogman playing Didgeridoo in a pond, and they murmur a sordid incantation which remains the only harmonious element of this symphony for muddy tones. Little by little, these knockings become a base of ambient rhythm where every tone stretches its note towards the following one in order to weave an impenetrable wall of tones which caw such as batrachians in heat. Expect the unexpected! This proverb suits marvelously the boldness of a musician who challenges his instruments just to go where nobody will go. And it's also the theme of “The Biode”; a biomic node, the nexus or the gathering place where a community of organisms combines to become a unit of individuality or of consciousness. This little lexicon is a part of an observation that Robert Rich shares inside the digipack six-panels artwork colors and in a vision so realist of an album rich in very quirky tones where the psybient and the Electronica hang onto ambiences which never stop to amaze. It's also possible read this observation on the Bandcamp page of “The Biode”.
Using to satisfaction the Haken Continuum, Robert Rich weaves some totally nutty choirs Like this one of the deformed specters on the non-rhythm of "Particles" and its line of bass which sighs in its rhythmic solitude. The bah-bah-bah-bah flows like viscous grass-snakes, clearing a linguistic code which seems to stick to the language of micro-organisms. This is Robert Rich and we sway on the perfumed structures of his steel-guitar and of his anesthetic synth layers which ooze shyly in the crumbling of the rhythmic skeleton of "Protista Mephista". Wearing earphones is strongly advised to seize the pleasant melodies of octaves sculpted in the possibilities of the Haken Continuum. These octaves introduce the fluty song of "Elevate the Hive Mind" which waddles on a bewitching rhythm while causing a squabble of carillons which run away such as the snakes' skeletons on a bed of bells. The steel-guitar is as good as the flute. I've hooked straight away to the decor of this slow and magnetizing rhythm. The same goes for the very organic mid-tempo of "Behind the Staminode" which switches for a good up-tempo abundantly watered with the possibilities of the Haken. After the very ambient soundscape of "A Porous Membrane", "Permeate the Divide" brings back the beat with a good structure of more or less tribal rhythm decorated with the magnificent lamentations of the steel-guitar. A very intense title and wonderfully ornamented by a sound fauna which has changed tone since "Elevate the Hive Mind". The presence of the conventional synths is more noticed on these last titles, as well as on another landscape of ambient elements in "Galvanic Response" which keeps a link of fascination with those organic clucking. "Aerosols for Pluviculture" is another title for meditation with nice synth lines and waves to the colors of a night under the stars. "Witchetty Vartu" ends this other fascinating journey in the core of Robert Rich's imagination with a soft rhythm structured on pulsations and percussions always so viscous. This hypnotic rhythm is at first charmed by a very nice flute. The ambiences reach a phase of intensity unique to the aestheticism tonal of this surprising album from the Californian multi-instrumentalist where some slow orchestrations caress this duel voice/flutes which is part of this sound effervescence of an album which goes beyond the limits of our imagination.

Sylvain Lupari (February 27th, 2018) *****
This album is available via Amazon and Robert Rich
web site

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des cognements et des bruits glauques assaillent nos oreilles en ouverture de "Recalcitrant Malfeasance". Ces sons semblent gorgés d'eau, on dirait un homme-grenouille jouant du Didgeridoo dans un étang, et murmurent une sordide incantation qui reste le seul élément harmonique de cette symphonie en tons vaseux. Peu à peu, ces cognements deviennent une base de rythme ambiant où chaque tonalité étire sa note vers la suivante afin de tisser une impénétrable muraille de tonalités qui croassent comme des batraciens en chaleur. Attendez-vous à de l'inattendu! Cet adage sied à merveille l'intrépidité d'un musicien qui défie ses instruments afin d'aller là où personne n'ira. Et c'est aussi la thématique de “The Biode”; un terme pour désigner un nœud biologique où une communauté d'organismes se combine pour devenir une unité d'individualité ou de conscience. Ce petit lexique fait partie d'une observation que Robert Rich partage à l'intérieur de la pochette six-côtés digipack aux couleurs et à la vision si réaliste d'un album riche en tonalités très biscornues où le psybient et l'Électronica s'accrochent à des ambiances qui n'en finissent plus d'étonner. On peut aussi lire cette observation sur la page Bandcamp de “The Biode”.
Usant à satiété du Haken Continuum, Robert Rich tisse des chorales totalement déjantées. Comme celle des spectres difformes sur le non-rythme de "Particles" et de sa ligne de basse qui soupire dans sa solitude rythmique. Les bah-bah-bah-bah coulent comme des couleuvres visqueuses, défrichant un code linguistique qui semble coller au langage des micro-organismes. C'est du Robert Rich et on tangue sur des structures parfumées de sa Steel-guitare et de ses nappes de synthé anesthésiantes qui suintent timidement dans l'émiettement du squelette rythmique de "Protista Mephista". Le port d'écouteurs est fortement conseillé afin de saisir les suaves mélodies d'octaves sculptées dans les possibilités du Haken Continuum. Ces octaves initient le chant flûté de "Elevate the Hive Mind" qui se dandine sur un rythme envoûtant tout en provoquant une guéguerre de carillons qui s'enfuient tel des serpents squelettes sur un lit de clochettes. La Steel-guitare est aussi belle que la flûte. J'ai accroché tout de go sur le décor de ce rythme lent et magnétisant. Idem pour le mid-tempo très organique de "Behind the Staminode" qui permute en un bon up-tempo copieusement arrosé des possibilités du Haken. Après le paysage sonique très ambient de "A Porous Membrane", "Permeate the Divide" revient avec une autre bonne structure de rythme plus ou moins tribal orné des magnifiques lamentations de la Steel. Un titre très intense et superbement bien décoré par une faune sonore qui a changé de ton depuis "Elevate the Hive Mind". La présence des synthés conventionnels est plus remarquée sur ces derniers titres, de même que sur un autre paysage d'éléments d'ambiances en "Galvanic Response" qui conserve un lien de fascination avec des gloutonnements organiques. "Aerosols for Pluviculture" est un autre titre pour méditation avec des belles lignes et ondes de synthés au couleurs de la nuit sous les étoiles. "Witchetty Vartu" termine cet autre fascinant voyage au cœur de l'imaginaire de Robert Rich avec un doux rythme structuré sur des pulsations et percussions toujours aussi visqueuses. Ce rythme hypnotique est charmé en premier lieu par une très belle flûte. Les ambiances atteignent une phase d'intensité unique à l'esthétisme tonale de ce surprenant album du multi-instrumentaliste de la Californie où de lentes orchestrations caressent ce duel voix/flûtes qui fait partie de cette effervescence sonore d'un album qui va aux limites de notre imagination.

Sylvain Lupari 27/02/2018

mardi 20 février 2018

ROBIN BANKS & STEVE SMITH: Stealing Time (2017)

“This is a huge E-rock music made with the pure essences of this English style which knows so much how to bring constantly the music towards other levels”
1 Space & Time 8:48
2 Lost in 1969 10:11
3 Time Machine 7:18
4 Alternating Timeflow 12:00
5 Transmutation 11:24
6 The Morning After 8:26
7 Rock of Ages 8:59

Groove | GR-235 (CD/DDL 68:07)
(England School E-Rock)
Here is an album of the typically England School EM. “Stealing Time” is the artistic fruit of a meeting between two musicians who were in a bad patch. Robin Banks is a pianist of classical formation who wrote music for TV and commercial jingles for radio besides having played for diverse rock bands, among which one with Steve Smith. Disillusioned by the industry of music and affected by Ménière's Disease, he abandons his musical ambitions. Steve Smith is a character relatively known in the milieu. He is half of Volt duet and a member of the famous trio Tylas Cyndrome. Suffering from a deep depression, he considers that working on a new project could help him with his depression. He succeeds to make his old friend change his mind who accepts to visit him in his studio. In spite of their divergent points of view on music and in the way of writing it, Robin Banks and Steve Smith sign a little jewel where the differences turned into perfect symbioses.
A ballet of shooting stars and percussive effects introduce the awakening of “Stealing Time”. A piano lays down a short evasive melody throughout a veil of sound effects and two minutes later, "Space & Time" takes the guides of a good electronic rock. The structure of rhythm is weaved in a formula which changes visage between its lively approach, where the strummed melody becomes as lively as this stream of sequences of which the keys tumble swiftly in mode Poland, and a less livened up vision, where the effects dance with the percussions and the riffs nevertheless starved for the next phase. And then the rhythm starts again! The melody of the piano is taken back by a creative synth and its superb solos which coo within layers of mumbling voices. With its structure of want- don't want, "Space & Time" opens the way to a wonderful album built around some very beautiful melodic phases and where the rhythms are born and dying in some harmonious pearls or still in very good ambiospherical passages. The musical adventure of “Stealing Time” develops with rippling layers which decorate the atmospheric setting of "Lost in 1969", a title of lost ambient elements that the duet found again in the corridors of time. We hear dialogues felted by an effect of interstellar distance here while that 70 seconds farther, a first pulsating movement opens an ambient rhythm. Each pulsation amplifies the presence of the intergalactic noises. The synths throw waves of charms and harmonious solos which sing among the murmured hummings of an astral choir. These quiet chants live in harmony with a rhythmic progression which increases serenely its intensity to eventually implodes after the point of 7:30 minutes. Heavy, slow and decorated by pretty good layers of old organ, this tempo always bears the acrobatic chants of the synths which sound like two philosophers dreaming about ancient times where we could possibly modify the course of events. Intergalactic dusts welcome a distant voice which explains how to build a time machine. And after the tick-tock of uses, "Time Machine" proposes a rhythm which skips slowly. This mid-tempo ornamented by a flotilla of motionless sequences is revamped by a good circular line of bass. The percussions are sober and follow a pace divided quite often by phases of ambiences but especially of harmonies which catch immediately our attention. Reflections of sequences dance with the bass line whereas the synth espouses the rotatory motion of the bass. The phases of harmonies are devastating to every music lover. They circulate by a beautiful piano and its astral notes as well as a guitar with very David Gilmour solos. Besides the effects of voices, of narration smothered by a long distance and of universal tick-tock, violins lines hatch the movement with effects staccato. This is a great track which has landed in my iPod, section better titles of 2017!
We fall in the phase of big electronic hard rock of “Stealing Time” and its furious rhythms which are interrupted by ethereal passages where the melodies live on their charms to make the strings of our soul vibrate. "Alternating Timeflow" develops with an ambiospherical vision. The sequences, perfumed slightly of Richard Pinhas' attractions in his period East/West, swirl in the background, in a rippling mist where mutter guitar riffs. Riffs and solos cry in an electronic setting which gets enriched by its thicker mists, by lunar chords and by orchestrations. The pot bubbles with these elements while a tear of cello captures the intensity by inviting a piano to play a short melody. A good phase of English electronic rock clubbed by good percussions follows and the layers of voices are powerless in front of the domination of the guitar solos which turn into some delicious synth solos. The piano phase comes back to charm our senses. The rhythm comes back either to shake them! This structure of want-don't want also shapes the polyphased approach of "Transmutation" which invites an organ to oversize this musical depth already very rich of “Stealing Time” which breathes of its permutations surprisingly and splendidly coherent. Slower, "The Morning After" lays down some good melodious lines with an exchange between a superbly romantic piano and a synth which likes bringing some modifications to the tenderness of the piano. It's like a duel between Richard Clayderman and Paul Nagle. "Rock of Ages" is a big rock, with less crazy moments, where the synths exclaim in the fury of the percussions which are hit with drive. Riffs of guitar roars endlessly and follow the keen kicks of this big heavy and lively electronic rock. The piano always remains dominated by this electronic envelope and in front of these synths which have this possibility of bringing the melodious lines in luxuriant gardens of colorful tones. It's possibly the most homogeneous structure of an album which flirts constantly with the universes of Pink Floyd, Pyramaxx, Andy Pickford and Wavestar. “Stealing Time”!? It's English electronic rock at its best!

Sylvain Lupari (February 20th, 2018) ****½*
You will find this album at Groove nl.

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Voici un album de MÉ typiquement Anglais. “Stealing Time” est le fruit artistique d'une rencontre entre deux musiciens qui étaient dans une mauvaise passe. Robin Banks est un pianiste de formation classique qui a composé de la musique pour la télé et des jingles commerciaux pour la radio en plus d'avoir joué pour divers groupes, dont un avec Steve Smith. Désillusionné par l'industrie de la musique et atteint de la maladie de Menière, il abandonne ses ambitions musicales. Steve Smith est une figure relativement connue dans le milieu. C'est la moitié du duo Volt et un membre du célèbre trio Tylas Cyndrome. Souffrant d'une profonde dépression, il estime que de travailler sur un nouveau projet pourrait l'aider à s'en sortir. Il réussit à faire changer d'idée ce vieil ami qui accepte son invitation à visiter son studio. En dépit de leurs points de vue divergents sur la façon de composer la musique, Robin Banks et Steve Smith signent un petit bijou où les différences se transforment en parfaites symbioses.
Un ballet d'étoiles filantes et des effets percussifs initient l'éveil de "
Stealing Time". Un piano étale une courte mélodie évasive au travers un voile d'effets sonores et deux minutes plus tard, "Space & Time" prend les guides d'un bon rock électronique. La structure de rythme est tissée dans une formule qui change de visage entre son approche vive, où la mélodie pianotée devient aussi vivante que ce chapelet de séquences dont les ions déboulent vivement en mode Poland, et une vision moins animée, où les effets dansent avec les percussions et des riffs pourtant affamés pour la suite des choses. Et le rythme reprend! La mélodie du piano est reprise par un synthé créatif et ses superbes solos qui roucoulent avec des nappes de voix. Avec sa structure de veut-veut pas, "Space & Time" ouvre la voie à un splendide album construit autour de très belles phases mélodiques où des rythmes naissent et meurent dans des perles harmonieuses ou encore dans de très beaux passages ambiosphériques. L'aventure musicale de “Stealing Time” se développe avec des nappes ondoyantes qui ornent le décor atmosphérique de "Lost in 1969", un titre d'ambiances perdues que le duo a retrouvé dans les corridors du temps. On y entend des dialogues feutrés par un effet de distance interstellaire alors que 70 secondes plus loin, un premier mouvement pulsatoire ouvre un rythme ambiant. Chaque pulsation amplifie la présence des bruits intergalactiques. Les synthés lancent des ondes de charmes avec des solos harmonieux qui chantent parmi les fredonnements murmurés par une séduisante chorale astrale. Ces chants tranquilles vivent en harmonie avec une progression rythmique qui accroit sereinement son intensité pour finir par imploser après les 7:30 minutes. Lourd, lent et agrémenté par des belles nappes de vieil orgue, ce tempo supporte toujours les chants des synthés qui sonnent comme deux philosophes rêvant des temps anciens où l'on pourrait éventuellement modifier le cours des choses. Des poussières intergalactiques accueillent une voix lointaine qui explique comment construire une machine à voyager dans le temps. Et après les tic-tac d'usage, "Time Machine" propose un rythme qui sautille lentement. Ce mid-tempo orné d'une flottille de séquences stationnaires est revampé par une bonne ligne de basse circulaire. Les percussions sont sobres et suivent une cadence mainte fois divisée par des phases d'ambiances mais surtout d'harmonies qui accrochent immédiatement notre attention. Des reflets de séquences dansent avec la ligne de basse alors que le synthé épouse la marche rotatoire de la basse. Les phases d'harmonies sont dévastatrices pour tout amateur de musique. Elles circulent par un beau piano et ses notes astrales ainsi qu'une guitare aux solos très David Gilmour. En plus des effets de voix, des voix narratrices étouffées par une longue distance et des tic-tac universels, des violons hachurent le mouvement par des effets de staccato. Un très bon titre qui a atterri dans mon iPod, section meilleurs titres de 2017!
On tombe dans la phase de gros hard-rock électronique de “Stealing Time” et de ses rythmes endiablés qui sont entrecoupées de passage éthérée où les mélodies vivent de leurs charmes à faire vibrer les cordes de notre âme. "Alternating Timeflow" se développe avec une vision ambiosphérique. Des séquences, parfumées légèrement des attraits de Richard Pinhas dans sa période East/West, tournoient en arrière-plan dans une brume ondoyante où grondent des riffs de guitare. Des riffs et des solos pleurent dans un décor électronique qui s'enrichi de ses brumes plus denses, d'accords lunaires et d'orchestrations. La marmite bouillonne de ces éléments alors qu'une larme de violoncelle capture l'intensité en invitant un piano jouer une courte mélodie. S'ensuit une bonne phase de rock électronique Anglais matraquée par de bonnes percussions et où les nappes de voix sont impuissantes face à la domination des solos de guitare qui se transforme en délicieux solo de synthé. La phase de piano revient charmer nos sens. Le rythme revient aussi les secouer! Cette structure de veut-veut pas forme aussi l'approche polyphasée de "Transmutation" qui invite un orgue a surdimensionné cette profondeur musicale déjà très riche de “Stealing Time” qui respire de ses permutations étonnement et splendidement cohérentes. Plus lent, "The Morning After" étale de belles lignes mélodieuses avec un échange entre un piano superbement romantique et un synthé qui aime apporter quelques modifications à la tendresse du piano. C'est comme un duel entre Richard Clayderman et Paul Nagle. "Rock of Ages" est un gros rock, avec des moments moins fous, où les synthés s'exclament dans la furie des percussions qui sont tapochées avec entrain. Des riffs de guitare hurlent sans fin et suivent les vives ruades de ce gros rock électronique lourd et entraînant. Le piano reste toujours dominé par cette enveloppe électronique et face à ces synthés qui ont cette possibilité d'amener les lignes mélodieuses dans un luxuriant jardins de tonalités bigarrées. Il s'agit de la structure la plus homogène d'un album qui flirte continuellement avec les univers de Pink Floyd, de Pyramaxx, d'Andy Pickford et de Wavestar. “Stealing Time”!? C'est le rock électronique Anglais à son meilleur!
Sylvain Lupari 20/02/2018
Lost in 1969

lundi 19 février 2018

SVERRE KNUT JOHANSEN: Distant Shore (94-14)

“This is a surprising album where the talent of Sverre Knut Johansen at the level of composition shows similarities with the great Mike Oldfield”
1 Distant Shore 9:54
2 Nippon Dawn 4:36
3 Ascension 9:28
4 Hovering in Thin Air 5:52
5 Fragments 8:46
6 Eruption 6:25
7 The Seed 6:04
8 Transition Suite 17:39
9 Distant Shore II (2014) 6:47

Sverre Knut Johansen Music (CD/DDL 75:51)
(Orchestral, cinematographic and E-Rock)
I like to review these albums which were released in the 90's. In the finest hour of an electronic rock MIDItized, of the over sampling and of the New Age which had won the first round over this EM of the Berlin School style. It's at this time that was conceived Sverre Knut Johansen's very first album! Realized and distributed by the Norwegian label Origo Sound, “Distant Shore” respected literally the new perspectives of EM with rock and pop structures sprinkled of sonic honey. Nice arrangements, nice melodies. Cinematographic visions, saxophone, guitar and beat boxes! We have all these elements here which invent a music without soul or a music as rich and stunning as the immense creative possibilities of Sverre Knut Johansen. Let's go for option 2!
And we find these ingredients in the title-track which allies good orchestral arrangements, by the presences of violins, cellos and pianos, into some phases more rock, amiability of Børge Pettersen Øverleir on guitars, and other more disturbing phases with a surprising layer of old organ as much intense as unexpected. Here, as in most of the titles which compose this album, the opening is built on luxuriant soundscapes which glitter of the meaning, otherwise of the sound visions of the Norwegian musician. The music thus flirts with these elements, structuring an evolutionary rhythm which caresses some romantic passages, and others more poignant with guitar solos raging of tears and vibratory notes from an overexcited piano. And we have to get used to these structures which move immensely in short lapses of time. They are legion on “Distant Shore”. Now, imagine the evolutionary structure of "Distant Shore" with perfumes of East and imagine Kitaro doing Pop and you have "Japanese Dawn". Built around good arrangements and a very alive and melodious panpipe, played by Roar Engelberg, the music lulls between a rock, the percussions are not unconnected to the rock appetites of the album, and an approach of Japanese romance linked by good arrangements and by some fluty harmonies which give the shiver. "Ascension Day" is a more interesting title with a music which is more in the kind of Yanni, Keys to Imagination and Out of silence era. And like the percussions, the guitar also injects a more rock dose into this music as well as all over the album by the way. Far from being usual, "Hovering in Thin Air" is a title without rhythmic life but endowed of an incredible liveliness. The saxophone of Torus Brunborg multiplies its harmonious lamentations, which melt sometimes into the layers of voices and/or synth, on a nervous texture sculpted by motionless riffs. The play of Brunborg is simply striking.
We also find his perfumes in "Fragments", where he doesn't appear in the musicians' list, another title constructed on the bases of classical music which gets transformed into a contemporary electronic ballet. The dance of swans is simply masterful. And there is a passage in this title which is filled with effects of percussions so simply overturning for that era. "Eruption" is a big nervous and noisy electronic rock which leans strongly on the orientations of Tangerine Dream from the 90's, when Linda Spa and Zlatko Perica were aboard in the Seattle years. We can say the same thing about "The Seed" and its effects of saxophone on a soft structure is more in a style of electronic ballad of another kind. It's really in the spirit of the 90's when the EM of the 70's looked for its origins through many styles. "Transition Suite" is a track in constant movement with a very cinematographic vision in a dreamy introduction which is sculpted in meditative orchestrations. These orchestral areas are going adrift with a quiet swiftness in the tone, mainly propelled by a Babylon approach from the orchestral drums. One would say a Stomu Yamashta in a music school of Vangelis. It's moreover these big bass drums which drive the music towards a more Dance style of the Disco years with nervous riffs and these layers of violin which filled the airs of secondary harmonies. The music evolves then towards a mood of electronic Flamingo with the agile fingers of Børge Pettersen Øverleir on guitar. The transition goes to a soft but lively electronic rock mode. The guitar is so much seductive and its solos lead "Transition Suite" towards an ambient phase where diverse sound elements shake up its orientation. Little by little, the music finds its balance with an electric six-strings inspired and in fire. Its solos weave sharp allegories which go in transit towards another brief structure of melody which make our soul sigh. The last transitions of "Transition Suite" go by a duel between an electric guitar with rock solos and an acoustic guitar in mode Flamingo. Another section of melody, weaved by a Chinese violin, buds and calms the pain connected to the numerous transformations of this long title which at the end goes out in a distant shore. The album was reedited in 2014 by Sverre Knut Johansen's label; Origin Music. Available as much in CD as in downloadable format, this new version includes a bonus track; "Distant Shore II (2014)" which proposes a more rock vision of the title-track.
I may not like the kind, but I have to admit that this “Distant Shore” has literally seduced me. And at many levels! Nevertheless, my first attempt has given me a rash! New Age, Easy Listening and rose water orchestrations… I have already given when Berlin School EM had totally vanished out of my landscapes in the years 80-90. Except that “Distant Shore” is more than this in the end. Beyond all this are nesting some great arrangements as well as cinematographic visions and ambiences which add constantly treasures, especially at the level of the melodies and the effects which are just in time, on a music which surprises by its multiple evolutions. And if I am surprised in 2018, imagine a little those who discovered this album in 1994!

Sylvain Lupari (February 18th, 2018) *****
You will find this album on Sverre Knut Johansen's Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'aime bien chroniquer ces albums qui sont apparus dans les années 90. En pleine heure de gloire du rock électronique MIDItisé, du sur échantillonnage et du New Age qui avait gagné la première manche sur la MÉ de style Berlin School. C'est à cette époque que fut composé le tout premier album de Sverre Knut Johansen! Réalisé et distribué par le label Norvégien Origo Sound, “Distant Shore” respectait à la lettre les nouvelles perspectives de la MÉ avec des structures de rock et de pop saupoudrées de miel sonique. De beaux arrangements, de belles mélodies. Des visions cinématographiques, du saxophone, des guitares et des percussions en boîtes! Nous avons là ces éléments qui soit inventent une musique sans âme ou une musique aussi riche et stupéfiante que les immenses possibilités créatrices de Sverre Knut Johansen. Allons-y pour l'option 2!
Et on retrouve ces ingrédients dans la pièce-titre qui allie de bons arrangements orchestraux par les présences de violons, violoncelles et pianos à des phases plus rock, gracieuseté de Børge Pettersen Øverleir aux guitares, et d'autres phases plus troublantes avec une surprenante nappe de vieil orgue aussi intense qu'inattendue. Ici, comme dans la plupart des titres qui composent cet album, l'ouverture est construite sur de luxuriantes images cinématographiques qui resplendissent la signification, sinon l'étendue, des visions soniques du musicien Norvégien. La musique flirte donc avec ces éléments, structurant un rythme évolutif qui caresse des passages romanesques, et d'autres plus poignants avec des solos de guitare rageant de larmes et des notes vibratoires d'un piano survolté. Et il faut s'habituer à ces structures qui bougent énormément dans de courts laps de temps. Elles sont légion sur “Distant Shore”. Maintenant, imaginer la structure évolutive de "Distant Shore" dans des parfums d'Orient et imaginer Kitaro faire dans du pop et vous avez "Nippon Dawn". Construit autour de bons arrangements et une flûte de Pan très vivante et mélodieuse, jouée par Roar Engelberg, le titre tangue entre un rock, les percussions ne sont pas étrangères aux appétits rock de l'album, et une approche de romance nippone liée à de bons arrangements et des harmonies flûtées qui donnent le frisson. "Ascension" est un titre plus intéressant avec une musique qui est plus dans le genre Yanni, Keys To Imagination et Out of Silence. La guitare injecte aussi une dose plus rock à cette musique de même qu'à l'environnement de “Distant Shore”. Loin d'être banale, "Hovering in Thin Air" est un titre sans vie rythmique mais dotée d'une incroyable vivacité. Le saxophone de Tore Brunborg multiplie ses lamentations harmoniques, qui se fondent par moments dans des nappes de voix et/ou de synthé, sur une texture nerveuse sculptée par des riffs stationnaires. Le jeu de Brunborg est tout simplement saisissant.
On retrouve ses parfums dans "Fragments", où il n'apparaît tout simplement pas dans la liste de musiciens, un autre titre construit sur des bases de musique classique qui se transforme en un ballet électronique contemporain. La danse des cygnes est tout simplement magistrale. Et il y a un passage dans ce titre qui est rempli d'effets de percussions tout simplement renversant pour l'époque. "Eruption" est un gros rock électronique nerveux et bruyant qui s'appuie fortement sur les orientations du Dream dans les années 90, lorsque Linda Spa et Zlatko Perica étaient à bord des années Seattle. On peut dire la même chose de "The Seed" et ses effets de saxophone sur une structure douce est plus dans le style ballade électronique non conventionnelle. C'est vraiment dans l'esprit des années 90 où la MÉ des années 70 recherchait ses origines à travers moult styles. "Transition Suite" est un titre en constant mouvement avec une vision très cinématographique dans une introduction rêveuse qui est sculptée dans des orchestrations méditatives. Ces étendues orchestrales dérivent avec une tranquille vélocité dans le ton, principalement propulsée par une approche babylonnesque des grosses caisses. On dirait du Stomu Yamashta dans une école de musique de Vangelis. Ce sont d'ailleurs ces grosses caisses qui conduisent la musique vers un style plus Dance des années Disco avec des riffs nerveux et ces nappes de violon qui remplissaient les airs d'harmonies secondaires. La musique évolue ensuite vers une ambiance de Flamingo électronique avec les doigts agiles de Børge Pettersen Øverleir à la guitare. La transition passe en mode rock électronique mou mais entraînant. La guitare est très attirante et ses solos conduisent "Transition Suite" vers une phase ambiante où divers éléments sonores bousculent son orientation. Peu à peu, la musique retrouve son équilibre avec une six-cordes électrique inspirée et enflammée. Ses solos tissent des allégories acuités qui transitent vers une autre brève structure de mélodie à faire soupirer l'âme. Les dernières transitions de "Transition Suite" passent par un duel entre une guitare électrique aux solos rock et une guitare acoustique en mode Flamingo. Une autre portion de mélodie tissée par un violon chinois bourgeonne et apaise la douleur liée aux nombreuse métamorphoses de ce long titre qui à la fin s'éteint dans une rive lointaine. L'album fut réédité en 2014 par le label de Sverre Knut Johansen; Origin Music. Disponible autant en CD qu'en format téléchargeable, cette nouvelle version comprend un titre additionnel; "Distant Shore II (2014)" qui propose une vision plus rock de la pièce-titre.
J'ai beau ne pas aimer le genre, mais je dois admettre que ce “Distant Shore” m'a littéralement séduit. Et à bien des niveaux! Pourtant, ma première tentative m'a donné des boutons! Du New Age, du Easy Listening et des orchestrations à l'eau-de-rose…J'ai déjà donné lorsque la MÉ de style Berlin School s'est effacée de mes paysages dans les années 80-90. Sauf que “Distant Shore” est plus que cela au final. Au-delà de tout cela nichent des arrangements ainsi que des visions cinématographiques et d'ambiances qui ajoutent constamment des trésors, surtout au niveau des mélodies et des effets qui sont juste à point, sur une musique qui surprend par ses multiples évolutions. Et si je suis étonné en 2018. Imaginez un peu ceux qui ont découvert cet album en 1994!

Sylvain Lupari 18/02/2018

mercredi 14 février 2018

JESPER SORENSEN: Outer Limits (2018)

“Like Dark Star, Outer Limits is a well made album with just with it needs to please those who enjoy an easy going EM with good harmonious lines on soft beats”
1 Gamma Leonis 6:23
2 A New World 5:22
3 The Halo 11:00
4 Beta Tauri 7:35
5 Althena 7:28
6 The Long Run 8:46
7 Transmission 5:46
8 Outer Limits 6:37
9 Sector 20 7:21
10 Exosphere 9:34

Jesper Sorensen Music (DDL 76:13)
(Melodious and catchy EM)
      **Chronique en français plus bas**

I had liked quite well my discovery of Jesper Sorensen's universe with his last album Dark Star. Released just one day before, it's completely justified to say that “Outer Limits” has traced the sonic furrows of Dark Star. More in the Berliner genre, we find very IC essences here, than this last album, “Outer Limits” proposes 10 titles gathered around 76 minutes of an EM carefully structured on the jumping up style, a kind of cosmic Hip-hop, which has given this second run-up to the Berlin School at the turning of the 80's.
"Gamma Leonis" begins with an astral dance of arpeggios and sequences which tinkle in the nuances of a layer of absent voices. Some 45 seconds farther, hammering of bass drums awaken these ambiences and divert them towards an electronic rock to which we bind a soupçon of Techno because of the robotic percussions. But the rhythm stays rather in a rock cocoon with an ascending and spheroidal structure attached by a meshing of sequences lines and of which some jolts flirt with a stroboscopic vision. The melodious approach is shared between a creative keyboard, synth harmonies and layers of ethereal voices which sculpt an approach of New Age melody. One likes it? "Althena" espouses a bit the same model. The rhythm flaccid and hopping. Effects of cosmic games awaken our attention and the harmonies fertilize moments of New Age's ecstasy. "A New World" proposes a heavy and slow rhythm with sober percussions and sequences which cackle under the caresses of really good synth tunes. These harmonies, which sometimes stretch under the form of solos, offer two very different tints and are at the heart of this simple but really effective title for a dance on sleeping drugs. This style of sober rock very motorik is popular in this album. It serves very well the purposes of a synth in mode charming and harmonious. After an interesting ambiospherical introduction, "The Halo" structures an uncertain rhythm. A hesitating rhythm with very fat chords which seem to open a cadence of cosmic Cha-Cha. The harmonious elements abound around these 11 minutes with effects of guitars with charms of old westerns which roam in a sibylline mist. The rhythmic décor is not outdone by the fall of percussions, just before the 5 minutes, which make heavy the always ambivalent rhythm and nevertheless well decorated with sequences which let escape some fine stroboscopic strands. To this time, we swim in an album easy to tame.
And these big juicy chords open the borders of "Beta Tauri" which shudders on nervous percussions and on a bed of sequences which skip on the spot. Always active, the synth throws harmonious solos whereas the sequences bubble at some spots. The music, and especially the rhythm, suggests me to listen to Double Fantasy and the album Universal Ave., released on IC in 1987. No matter the structures, Jesper Sorensen waters them abundantly by good synth solos that he maintains in a high level of creativity and of complicity throughout “Outer Limits”. "The Long Run" is the liveliest title of this album. The percussions and the sequences unite their strengths in order to create a structure a bit syncopated which merges very well with the energetic electronic rock approach of "The Long Run". Except for the effects of voices, of which one of an Elvish nymphet, and electronic effects preppy, the synth draws good evasive solos and harmonious passages which are noteworthy. "Transmission" is a little bit in the same style than "A New World". The harmonious movement is more spheroidal with an effect as so mysterious than hypnotic in its strange intergalactic dialogue. The title-track also favors a heavy and slow structure with muffled pulsations and percussions adorned of nice percussive effects. The rhythm here is more present than the harmonious approach which is more discreet. "Sector 20" is more in the synth-pop style of the New Wave years with flickering sequences as well as heavy and very sparkling percussions. An effect of vocoder gives a very 80's style which corresponds moreover quite well with the orientations of the music. A beautiful lunar melody was only missing in order to achieve the harmonious course of this 9th album from the English musician. And it thus goes to "Exosphere". This track ends “Outer Limits” with a good electronic ballad where the arpeggios evolve in a minimalist pattern, so giving the chance to the synth to establish a last nice connection with our neurons. It's very nice and well written. And it's just like this Jesper Sorensen album who is satisfied to enrich our neurons with a well done EM and without too much flamboyance but skillfully well served.
Sylvain Lupari (February 14th, 2018) ***½
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You will find this album on Jesper Sorensen Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'avais bien apprécié ma découverte de l'univers Jesper Sorensen avec son dernier album Dark Star. Paru tout juste une journée avant, il est tout à fait justifié de dire que “Outer Limits” a tracé les sillons soniques de Dark Star. Plus dans le genre Berliner, on y trouve des essences très IC, que ce dernier album, “Outer Limits” propose 10 titres rassemblés autour de 76 minutes d'une MÉ soigneusement structurée sur le style bondissant, un genre de Hip-Hop cosmique, qui a donné ce second élan à la Berlin School au tournant des années 80.
"Gamma Leonis" débute avec une danse astrale d'arpèges et de séquences qui tintent dans les nuances d'une nappe de voix absente. Quelques 45 secondes plus loin, des martèlements de caisson bas éveille ces ambiances et les détournent vers un rock électronique dont on lie un soupçon technoïde de par les percussions robotiques. Mais le rythme reste plutôt dans un cocon rock avec une structure ascendante et sphéroïdale attachée par un maillage de lignes de séquences et dont quelques soubresauts flirtent avec une vision stroboscopique. L'approche mélodieuse est partagée entre un clavier créatif, des harmonies synthétisées et des nappes de voix éthérées qui sculptent une approche de mélodie New Age. On aime? "Althena" épouse un peu le même modèle. Le rythme mollasse et sautillant. Des effets de jeux cosmiques éveillent notre attention et les harmonies fécondent des moments d'extase New Age. "A New World" propose un rythme lourd et lent avec des percussions sobres et des séquences qui caquètent sous les caresses de bons refrains synthétisés. Ces harmonies, qui parfois s'étirent sous formes de solos, offrent deux teintes bien distinctes et sont au cœur de ce titre simple mais drôlement efficace pour une danse sous somnifères. Ce style de sobre rock très motorik a la cote dans cet album. Il sert plutôt bien de base à un synthé en mode charme harmonique. Après une intéressante introduction ambiosphérique, "The Halo" structure un rythme incertain. Un rythme hésitant avec des accords bien gras qui semblent se destiner à ouvrir une cadence de Cha-Cha cosmique. Les éléments harmoniques foisonnent autour de ces 11 minutes avec des effets de guitares aux charmes de vieux westerns qui errent dans une brume sibylline. Le décor rythmique n'est pas en reste avec la tombée des percussions, juste avant les 5 minutes, qui alourdissent le rythme toujours ambivalent et pourtant bien décoré de séquences qui laissent échapper de fins filaments stroboscopiques. À date, nous nageons dans un album facile à apprivoiser.
Et ces gros accords juteux ouvrent les frontières de "Beta Tauri" qui tressaille sur des percussions nerveuses et un lit de séquences qui sautillent sur place. Toujours actif, le synthé lance des solos harmoniques alors que des séquences bouillonnent par endroits. La musique, et surtout le rythme, me propose d'écouter du Double Fantasy ‎et l'album Universal Ave., paru sur IC en 1987. Peu importe les structures, Jesper Sorensen les arrose copieusement de bons solos de synthé qu’il maintient dans un haut niveau de créativité et de complicité tout au long de “Outer Limits”."The Long Run" reste le titre le plus vivant, le plus entraînant de cet album. Percussions et séquences unissent leurs forces afin de créer une structure un brin syncopée qui fusionne très bien avec l'approche rock électronique énergique de "The Long Run". Hormis des effets de voix, dont une de nymphette Elfique, et des effets électroniques bon chic bon genre, le synthé trace de bons solos évasifs et des passages harmonieux dignes de mention. "Transmission" est un peu dans le même genre que "A New World". Le mouvement harmonique est plus sphéroïdale avec un effet aussi mystérieux qu'hypnotique dans son étrange dialogue intergalactique. La pièce-titre privilégie aussi une structure lourde et lente avec des pulsations sourdes et des percussions enjolivées d'effets percussifs. Le rythme ici est plus présent que l'approche harmonique qui est plus discrète. "Sector 20" est plus dans le synth-pop des années New Wave avec des séquences papillonnantes ainsi que des percussions lourdes et bien entraînantes. Un effet de vocodeur donne un style très années 80 qui correspond d'ailleurs assez bien avec les orientations de la musique. Il ne manquait seulement qu'une belle mélodie afin de parfaire le parcours harmonique de ce 9ième album du musicien Anglais. Et cela revient donc à "Exosphere" qui clôture “Outer Limits” avec une belle ballade électronique où les arpèges évoluent dans un pattern minimaliste, donnant ainsi la chance au synthé d'établir une dernière belle connexion avec nos neurones. C'est beau et bien composé. Et c'est à l'image de cet album de Jesper Sorensen qui se contente juste d'enrichir notre cerveau avec du bien fait, sans trop de prétention mais habilement bien servi.

Sylvain Lupari 13/02/2018

samedi 10 février 2018

BREIDABLIK: Penumbra (2017)

“Penumbra is a good little find that will please undoubtedly the aficionados of the retro Berlin School style where the gloomy ambiences were the dens of structures in continual movements”
1 Penumbra pt. I 19:29
2 Penumbra pt. II 11:07
3 Nehalennia 4:34
4 The Chariots of the Sun 5:14

Breidablik Music (DDL 40:24)
(Berlin School)
No, our ears are not dreaming! A layer of drones where glisten organic noises, introduces a line of foggy Mellotron with a fluty tint which floats with nobility until the first waddling of a line of sequences. As if by magic, fragrances of Ricochet and Phaedra jump in our ears while "Penumbra pt. I" is drifting with its buzzing layers to get lost in this movement of ambient rhythm on where are grafted here and there church bells. A line of melody binds itself to this rhythm, evaporating even its traces to reign solo with anesthetic lines. Layers of voice spread a savor of mysticism, whereas the sequencer, taken out of its hiding place, traces a superb zigzagging movement. Its figures of crisscrossed 8 are getting melt in a sound decor rich of its layers of voices and of its antipyretic mists, whereas the implosions of bass lines add a dramatic ingredient to this introduction in the universe of Breidablik. Another short phase of rhythm arises of this fascinating symbiosis between synth layers among which the macabre tones and the absent voices weave the heart and the soul of this “Penumbra”. Navigating between phases of ephemeral rhythms and soundscapes of Mephistophelian ambiences, the slow gestation of "Penumbra pt. I" also fills itself of layers of vampiric drones which hum with astral synth lines and cosmic elements. The migrations of the bass layers and of the radiations of the azure winds add to the well-crafted twilights of this long evolutionary title which is "Penumbra pt. I" until a real phase of rhythm breathes by the means of lively sequences which skip with velocity in this decor which gives all the nobility to the use of the analog synthesizers. The sequences which go out of the mouth of the winds, around the 12th minute, sculpt a slightly spheroidal motionless structure and of which the ascending movement sparkles between some lines of synth loaded of those philharmonic flavors of Tangerine Dream and layers of iridescent voices. A line of bass pulsations invites itself in this vertical dance, giving a livelier dimension to this short rhythmic passage which lasts hardly 4 minutes. A note, a single note survives to this merciless wall of atmospheres, among which a very acuteness layer which aims to be master on board. A dreamy note which roams and finds an astral road at the very end of "Penumbra pt. I".
Breidablik is my very last discovery in this immense cosmic ocean which is contemporary EM. Doing old in a spirit of modernity, such is Morten Birkeland Nielsen's prerogative. Using mainly analog synthesizers, this Norwegian musician builds soundscapes as epic as in the 70's. The music is dark with a strong chthonian accent which wraps the rhythms, the harmonies and the jets of ambiences from a sound flora as intriguing as fascinating. “Penumbra” is his first album and follows a series of 3 E.P. which testifies of a diversity without borders in the world of the darkness which is apparently inspired by Tangerine Dream albums, from Phaedra to Cyclone. "Penumbra pt. II" starts in a sound magma in full ebullition. Hits of bass drums and sound pearls falling from their necklace decorate a macabre decor in which breathes a luminous flute. Sonic waves, swirling as the light signals of a lighthouse, add a pallet of tones which undulate of its threatening reverberations. Besides this nice flute line which is dragging here and there, we find cosmic elements which were borrowed from the kingdom of Ashra, period 77-78. The structure of rhythm which emerges is activated by a bass pulsation. Its oscillating dance awakes some good memories while the sound elements vary between layers of voice, rushes of dark winds and electronic chirpings which remind to us that we don't listen to Tangerine Dream. Shorter and very catchy, "Penumbra pt. II" ends its race like in the first part where a movement of sequences is resuscitating to be taken away by an astral divinity. Two short titles complete this album of forty-something minutes, giving an overview of both faces of Breidablik. Very cinematographic, kind of dread and of dramatic intensity, "Nehalennia" blows our ears with an intense synth line in the flavors of old organ which amasses diverse scattered tones to forge one dense tonal magma which withers in winds and void where survives a bizarre frog isolated. On the other hand, "The Wagons of the Sun" is all in rhythm with a movement of the sequencer in mode Popcorn, the hit of the 70's, but in lento. The beat is pleasant with a shower of lines which drag at horizontal in a structure created for the ambient but really effective rhythm.
Penumbra” is a good little find that will please undoubtedly the aficionados of the retro Berlin School style where the gloomy ambiences were the dens of structures in continual movements. Very good and available only in download format on the Bandcamp site of Breidablik where other beautiful finds wait for you.

Sylvain Lupari (February 10th, 2018) ****¼*
You will find this album on the Bandcamp page of Breidablik
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Non, nos oreilles ne rêvent pas! Une couche de bourdonnements où brasillent des bruits organiques, introduit une ligne de Mellotron brumeuse avec un teint fluté qui flotte avec noblesse jusqu'au premier dandinement d'une ligne de séquences. Comme par magie, des fragrances de Ricochet et de Phaedra sautent aux oreilles alors que "Penumbra pt. I" dérive avec ses nappes bourdonnantes pour s'égarer dans ce mouvement de rythme ambiant où se greffent momentanément des cloches d'église. Une ligne de mélodie s'arrime à ce rythme, évaporant même ses traces pour régner en solitaire avec des lignes anesthésiantes. Des couches de voix répandent un parfum de mysticisme, tandis que le séquenceur, sorti de sa cachette, trace un superbe mouvement zigzagant. Ses figures de 8 entrecroisées se fondent dans un décor sonore riche de ses nappes de voix et de ses brumes antipyrétiques, alors que les implosions de lignes de basse ajoutent un ingrédient dramatique à cette introduction à l'univers de Breidablik. Une autre courte phase de rythme surgit d'entre cette fascinante symbiose entre des couches de synthé dont les tons macabres et les voix absentes tissent le cœur et l'âme de “Penumbra”. Voguant entre des phases de rythmes éphémères et des paysages d'ambiances méphistophéliques, la lente gestation de "Penumbra pt. I" se gave aussi de nappes de drones vampiriques qui ronronnent avec des lignes de synthé astrales et des éléments cosmiques. Les migrations des nappes de basse et les radiations des vents azurés ajoutent aux pénombres bien agencés de ce long titre évolutif qu'est "Penumbra pt. I" les jusqu'à ce qu'une véritable phase de rythme respire par le biais de séquences vives qui sautillent avec vélocité dans ce décor qui donne toute la noblesse à l'utilisation des synthétiseurs analogiques. Les séquences qui sortent de la bouche des vents, autour de la 12ième minute, sculptent une structure stationnaire légèrement sphéroïdale et dont le mouvement ascendant scintille entre des lignes de synthé aux parfums philarmoniques de Tangerine Dream et des nappes de voix irisées. Une ligne de basse pulsation s'invite à cette danse verticale, donnant une dimension cadencée plus entraînante à ce court passage rythmique qui dure à peine 4 minutes. Une note, une seule note survit à cet implacable muraille d'ambiances dont une nappe très acuité se veut maître à bord. Une note rêveuse qui déambule et trouve une route astrale à la toute fin de "Penumbra pt. I".
Breidablik est ma toute dernière découverte dans cet immense océan cosmique qu'est la MÉ contemporaine. Faire du vieux dans un esprit de modernité, tel est l'apanage de Morten Birkeland Nielsen. Utilisant principalement des synthétiseurs analogues, ce musicien Norvégien construit des paysages soniques aussi épiques que dans les années 70. La musique est sombre avec un fort accent chtonien qui enduit ainsi les rythmes, harmonies et jets d'ambiances d'une flore sonore aussi intrigante que fascinante. “Penumbra” est son premier album et suit une série de 3 E.P. qui témoigne d'une diversité sans frontières dans le monde des ténèbres qui est visiblement inspiré des albums de Tangerine Dream, de Phaedra à Cyclone. "Penumbra pt. II" débute dans un magma sonore en pleine ébullition. Des coups de grosses caisses et des perles soniques détachées de leur collier ornent un décor macabre dans lequel respire une flûte lumineuse. Des ondes sonores, tournoyant comme les signaux lumineux d'un phare, ajoutent une palette de tons qui ondoient de ses menaçantes réverbérations. Outre cette belle ligne de flûte qui y traîne, on retrouve des éléments cosmiques qui ont été empruntés au royaume d'Ashra, période 77-78. La structure de rythme qui émerge est activée par une basse pulsation. Sa danse oscillante réveille de bons souvenirs alors que les éléments soniques varient entre des nappes de voix, des rushs de vents sombres et des gazouillis électroniques qui nous rappellent que l'on n'écoute pas du Tangerine Dream. Plus court et plus accrocheur, "Penumbra pt. II" termine sa course comme la 1ière partie où un mouvement de séquences se réanime afin d'être emporté par une divinité astrale. Deux courts titres complètent cet album d'une 40taine de minutes, donnant un aperçu des deux visages de Breidablik. Très cinématographique, genre angoisse et intensité dramatique, "Nehalennia" souffle nos oreilles avec une intense ligne de synthé aux parfums de vieil orgue qui amasse diverses tonalités éparpillées afin de forger un dense magma tonal qui flétrit dans des vents et le vide du temps où survit une étrange grenouille isolée. Par contre, "The Chariots of the Sun" est tout en rythme avec un mouvement du séquenceur en mode Pop-Corn, le hit des années 70, en lento. La marche est agréable avec une ondée de lignes qui trainent à l'horizontal dans une structure créée pour du rythme ambiant mais drôlement efficace.
Penumbra” est une belle petite trouvaille qui plaira assurément aux aficionados du style Berlin School rétro où les ambiances ténébreuses étaient les tanières de structures en continuels mouvements. Très bon et disponible uniquement en format téléchargement sur le site Bandcamp de Breidablik où d'autres belles trouvailles nous attendent.

Sylvain Lupari 10/02/2018

mercredi 7 février 2018

CENTROZOON: 217 III (2018)

“There is a fascinating symbiosis behind all this noise which in the end finishes to be an intelligent mix between an abstract concerto and progressive electronic music”
1 Chez Thomas 1 16:07
2 Chez Thomas 2 13:43
3 Chez Thomas 3 8:25
4 Chez Thomas 4 17:12
5 Chez Thomas 5 11:40
6 Chez Thomas Soundcheck 2:34
Iapetus Records (DDL 69:45)
(Ambiosonical, neo-prog electronic and abstract music)
   **Chronique en français plus bas**
Cracklings, white noises and statics sizzlings accompany the soft floating waves which pave the way of "Chez Thomas 1" towards our ears. Layers of a very touching voice and notes of a wandering guitar adorn an electronic landscape of which the sweetness is multiplied by these synth layers and lines which travel between cosmos and Chez Thomas. This opening of the last offering of Centrozoon amazes by its musicality and its tenderness. Hears well that Markus Reuter is starved for bizarre sounds with his guitar and his noisy layers/riffs which make very contrast with the soft chords and layers from Bernhard Wöstheinrich's synth and keyboard. But Centrozoon being what he is, the tumult sprays the serenity of "Chez Thomas 1" towards a cacophony where all the sound elements communicate in a tower of Babel. And like each time, we are being surprised by this din which eventually lays a fascinating cohesion. Melodious? Hardly! As far as we like the signature of King Crimson's improvisations, we plunge cheerfully in the universe of this duet with a very eclectic vision of progressive electronic music. The rhythm becomes very pulsating with a flow always increasing and a meshing between a movement of sequences and a line of percussions which dismember an already spasmodic skeleton. Markus Reuter's guitar roams like the specter of Robert Fripp on this last portion of "Chez Thomas 1" which is surprisingly musical.
We keep following the North American tour of Centrozoon by the means of a series of recordings of these concerts that the duet Wöstheinrich/Reuter proposes on the download site of Iapetus. “217 III” is a part of an impressive collection of these recordings which now counts12 albums, all available in digital format only. This last stop brings us in the city of Mount Laurel, in New Jersey, more exactly at Chez Thomas on November 5th of 2016. The recording is presented such as recorded, that is without fineries nor gilt, and proposes 5 evolutionary structures which go from noisy ambient moments to cacophonous progressive E- rock which are more attractive than repellent. In brief, EM without brands. Otherwise abstract music! But a rendezvous with Centrozoon always stays something very satisfying. Let's hear "Chez Thomas 2" which proposes a concert of very diversified bells in order to conquer our ears. The movement is without rhythm, but very noisy with good percussive effects which sneaks throughout a thick painting of colorful chimings. A bass line snores in the background while the angelus pursues its tinkled homily. Very frankly, "Chez Thomas 2" seem to go nowhere. And the last moments prove us that one should never throw the towel too fast with Centrozoon, because the title stretches a finale in a slow but lively evolutionary phase. "Chez Thomas 3" comes along with a heavy, ambient and gradually cacophonic structure. After an introduction of dissonant ambiences, the riffs of guitar and the percussions get bickering. And it's this latter which win the debate by structuring a rhythm clearly more lively which melts on the other hand rather quickly in this blaring ambience stoned to death by riffs and by good effects of percussions. "Chez Thomas 4" sows confusion between ambiences, noisy rhythms and these melodic effects shucked like shame in time. The bass line waves lustfully on a structure sometimes seraphic, moved by a nice layer of voices, and sometimes cacophonous propelled by riffs, jingles and noisy effects. "Chez Thomas 5" offers another structure signed Centrozoon. A structure where reigns a disorder semi harmonious and semi organized and where the chaos of sounds and of the percussive effects sculpts transitory rhythms before benefiting from a more serene second part with stars which tinkle on riffs always thirsty but more and more satisfied. And if you have this desire to kick down wide open your ears or to scare off the neighborhood, one puts the volume of "Chez Soundcheck" at its highest point and we wait and we listen the storm passed by… There is a fascinating symbiosis behind all this noise. For a public fond of sounds above all!
Sylvain Lupari (February 7th, 2018) ***½**

You will find this album on Iapetus Bandcamp site
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des grésillements, des bruits blancs et statique accompagnent les douces vagues flottantes qui pavent la voie de "Chez Thomas 1" vers nos oreilles. Des nappes de voix très ombrageuses et des accords d'une guitare errante ornent un paysage électronique dont la douceur est multipliée par ces nappes de synthé qui voyagent entre le cosmos et Chez Thomas. Cette ouverture de la dernière offrande de Centrozoon étonne par sa musicalité et sa tendresse. En entend bien que Markus Reuter est affamée de bizarretés soniques avec sa guitare et ses couches/riffs tapageurs qui fait très contraste avec les doux accords et les tendres nappes de synthé et de clavier de Bernhard Wöstheinrich. Mais Centrozoon étant ce qu'il est, le tumulte pulvérise la sérénité de "Chez Thomas 1" vers une cacophonie où tous les éléments sonores communiquent dans une tour de Babel. Et comme à chaque fois, on se laisse surprendre par ce tintamarre qui finit par coucher une fascinante cohésion. Mélodieux? À peine! Pour autant que l'on aime la signature des improvisations de King Crimson, on nage allégrement dans l'univers de ce duo à la vision très éclectique de la musique électronique progressive. Le rythme devient très pulsatif avec un débit toujours croissant et un maillage entre un mouvement de séquences et une ligne de percussions qui démembrent une ossature déjà spasmodique. La guitare de Markus Reuter rôde comme le spectre de Robert Fripp sur cette dernière portion de "Chez Thomas 1" qui est étonnement musical.
On continue de suivre la tournée Nord-Américaine de Centrozoon par le biais d'une série d'enregistrements de ces concerts que le duo Wöstheinrich/Reuter propose sur le site de téléchargement de Iapetus. “217 III” fait partie d'une impressionnante collection de ces enregistrements qui compte actuellement 12 albums, tous disponibles en format numérique seulement. Ce dernier arrêt nous amène en la ville de Mount Laurel, au New Jersey, plus précisément au Chez Thomas le 05 Novembre 2016. L'enregistrement est et présenté tel qu'enregistré, soit sans parures ni dorures, et propose 5 structures évolutives qui transitent entre de l'ambiant tapageur et des rythmes cacophoniques plus séduisants que repoussants. Bref, de la bonne musique électronique progressive sans étiquettes. Sinon abstraite! Mais un rendez-vous avec Centrozoon reste toujours quelque chose de très satisfaisant. Entendons "Chez Thomas 2" qui propose un concert de tintements, très diversifiés, afin de conquérir nos oreilles. Le mouvement est sans rythme, mais très bruiteux avec de bons effets percussifs qui s'insinuent au travers une épaisse toile de tintements bigarrés. Une ligne de basse ronfle en arrière-plan alors que l'angélus poursuit son homélie carillonnée. Bien franchement, "Chez Thomas 2" ne semble aller nulle part. Et les derniers instants nous prouvent qu'il ne faut jamais lancer la serviette trop vite avec Centrozoon, car le titre étire une finale dans une lente phase évolutive vivante. "Chez Thomas 3" s'amène avec une structure lourde, ambiante et graduellement tintamarresque. Après une introduction d'ambiances cacophoniques, les riffs de guitare et les percussions se chamaillent. Et ce sont ces dernières qui remportent le débat en structurant un rythme nettement plus enlevant qui fond par contre plutôt rapidement dans cette ambiance tonitruante lapidée de riffs et de bons effets de percussions. "Chez Thomas 4" sème la confusion entre ambiances, rythmes tapageurs et ces effets mélodique égrenés comme une honte dans le temps. La ligne de basse ondule vicieusement sur une structure tantôt séraphique, mue par une belle nappe de voix, et tantôt cacophonique et propulsée par des riffs, des cliquetis et des effets cogneurs. "Chez Thomas 5" offre une autre structure signé Centrozoon. Une structure où règne un désordre semi harmonique et semi organisée où le chaos des sons et des effets percussifs sculpte des rythmes transitoires avant de bénéficier d'une seconde partie plus sereine où tintent des étoiles sur des riffs toujours assoiffés mais de plus en plus rassasiés. Et si vous avez le goût de vous défoncer les oreilles ou de faire fuir le quartier, on met le volume de "Chez Soundcheck" et on attend et on entend la tempête passée… Il y a une fascinante symbiose derrière tout ce tapage. Pour un public friand des sons avant tout!

Sylvain Lupari 07/02/2018

mardi 6 février 2018

FORREST FANG: Scenes From A Ghost Train (2018)


Eclectic by its tones palette intertwined of complex themes, Scenes From A Ghost Train lives with this perfect balance between intense ambient beats and intense ambient elements
1 Part I Five-Mile Crater 5:07
2 Part II Koch's Veil 5:35
3 Part III A Meeting of Totems 5:30
4 Part IV The Pulse of the Stars 5:14
5 Nocturnum 6:17
6 Freefall 5:56
7 Enfolding 9:43
8 The Great Migration 20:00
9 Waning Crescent 5:51

(Tribal ambient, ambient beats)
   **Chronique en français plus bas**
The title says it all! One would put in images the ambiences of “Scenes From A Ghost Train” that the music would complete this connection between the eyes, the brain and the ears which are opened on a world of imagination. Divided in 2 times and in 2 tints, this last Forrest Fang's album proposes an ambiospherical vision more dominant than the rhythms which, under the colors of the iguana, lift these landscapes with tonal colors as charming as intriguing.
A very welcoming foretaste which turns up between our ears as soon as the opening of "Scenes from a Ghost Train - I. Five-Mile Crater". A breeze whispers in our ears whereas synth lines spread colors and voices which awaken a delicate rhythm set on two juxtaposed lines; one of percussions and another one of sequences. Sequences and little tom-toms dance in this heavy sound framework of which the opacity and the more and more enveloping effects quiet down a sequence of rhythm which little by little fades away just before these elements of ambiences. Built on 4 parts, each independent from the others, this sonic roman-fleuve of “Scenes From A Ghost Train” continues with a bath of mysticism from where emerges a very pensive piano. The atmospheres, always very enveloping, of "Scenes from a Ghost Train - II. Koch's Veil" are weaved in layers of voices and in a musical mist where the breaths of flute play with the understanding of our ears. "Scenes from a Ghost Train - III. A Meeting of Totems" comes to wake these odd vibes with a nice structure of rhythm created on tribal percussions which dance in a sound veil weaved in complexity. In fact, one of the charms of these 4 acts is this sound texture which is undefinable, so much there is convergence of elements and where float multi-lines of synth to colors sometimes bright and often dark. This architecture of the soundscapes gives a dimension which suits well to a story embroidered around this ghost train. Less livened up, but just as much sculpted in ambient rhythm, "Scenes from a Ghost Train - IV. The Pulse of the Stars" brings a kind of cacophony of tones which is inspired by its title. Afterward, we fall in the phases of ambiences and of tranquility of “Scenes From A Ghost Train”, exception made of the nervous "Freefall" which also shakes and stirs in a dense magma of sounds. "Nocturnum" is a linear structure weaved around a meshing of hummings, of voices and of hollow breezes which float among seraphic elements. Cradling itself in a state of contemplative ecstasy, "Enfolding" is for relaxation. "The Great Migration" is another title which would lend itself very well in big movements of nomadic peoples. The opening is intense and one imagines very well a mass of people to migrate into the unknown and of its uncertainty. That does very Steve Roach at moments, especially near the 14th minute spot when some Indonesian percussions lift up a clearly more musical, even spiritual, rhythm. "Waning Crescent" ends this last opus of the Sino-American musician with an ode to serenity where the percussions sound like smothered gongs in another dense sound décor.
More ambient, with much cinematographic phases, than Forrest Fang's last opuses, “Scenes From A Ghost Train” is what I call an album without borders. These some phases of rhythms are equal to these textures which sculpt ambiences from another world which is not nevertheless very far from us … Just behind our imagination which travels according to a music so full of images.
Sylvain Lupari (February 6th, 2018) *****
You will find this album on
Projekt Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Le titre veut tout dire! On mettrait en images les ambiances de “Scenes From A Ghost Train” que la musique complèterait cette connexion entre les yeux, le cerveau et les oreilles qui sont ouvertes sur un monde d'imagination. Divisé en 2 temps et en 2 tintes, ce dernier album de Forrest Fang propose une vision ambiosphérique plus dominante que les rythmes qui, sous les couleurs de l'iguane, soulèvent ces paysages aux couleurs tonales aussi enchanteresses qu'intrigantes. Un avant-goût très accueillant se pointe entre nos oreilles dès l'ouverture de "Scenes from a Ghost Train - I. Five-Mile Crater". Une brise chuchote à nos oreilles alors que des lignes de synthé étalent couleurs et voix qui éveillent un délicat rythme serti sur deux lignes juxtaposées; une de percussions et l'autre de séquences. Les séquences et les petits tam-tam dansent dans cette lourde trame sonore dont l'opacité et les effets de plus en plus enveloppants atténuent une séquence de rythme qui peu à peu s'évapore avant les éléments d'ambiances. Montée sur 4 volets, tous indépendants l'un de l'autre, la saga sonique des 4 volets de “Scenes From A Ghost Train” se poursuit avec un bain de mysticisme d'où émerge un piano très songeur. Les ambiances, toujours très enveloppantes, de "Scenes from a Ghost Train - II. Koch's Veil" sont tissées de nappes de voix et de brume musicale où des souffles de flûte jouent avec la compréhension de nos oreilles. "Scenes from a Ghost Train - III. A Meeting of Totems" vient réveiller ces ambiances avec une belle structure de rythme tissée sur des percussions tribales qui dansent dans un tissu sonore créé dans la complexité. En fait, l'un des charmes de ces 4 actes est cette texture sonore qui est indéfinissable, tant il y a convergence d'éléments et des multi lignes de synthé aux couleurs tantôt éclatantes et souvent sombres. Cette architecture des paysages soniques donne une dimension qui sied bien à une histoire brodée autour de ce train fantôme. Moins animé, mais tout autant sculpté dans le rythme ambiant, "Scenes from a Ghost Train - IV. The Pulse of the Stars" amène un genre de cacophonie des tons qui s'inspire de son titre. Par la suite, nous tombons dans les phases d'ambiances et de tranquillité de “Scenes From A Ghost Train”, exception faite du nerveux "Freefall" qui s'agite aussi dans un dense magma de sons. "Nocturnum" est une structure linéaire tissée autour d'un maillage de bourdonnements, de voix et de brises creuses qui flottent parmi des éléments séraphiques. Se berçant dans un état d'extase contemplative, "Enfolding" est pour la relaxation. "The Great Migration" est un autre titre qui se prêterait très bien aux grandes mouvements des peuples nomades. L'ouverture est intense et on imagine très bien une masse de gens migrer vers l'inconnu et son incertitude. Ça fait très Steve Roach par moments, surtout vers la 14ième minute où des percussions indonésiennes soulèvent un rythme nettement plus musical, voire spirituel, qu'animé. "Waning Crescent" termine ce dernier opus du musicien sino-américain une ode à la sérénité où des percussions tintent comme des gongs étouffés dans un autre dense décor sonique.
Plus ambiant, avec des phases très cinématographiques, que les derniers opus de Forrest Fang, “Scenes From A Ghost Train” est ce que j'appelle un album sans frontières. Les quelques phases de rythmes sont égales à ces textures qui sculptent des ambiances d'un autre monde qui n'est pourtant pas très loin de nous…Juste derrière notre imagination qui voyage au gré d'une musique tellement pleine d'images.
Sylvain Lupari 05/02/2018