samedi 27 janvier 2018

PERCEPTUAL DEFENCE & SYNDROMEDA: Live at Cosmic Nights 2017 (2018)

“In a pretty good balance between ambient and rhythmic phase, this Live at Cosmic Nights 2017 shows above anything that the Gabriele Quirici and Dany Budts are not at the end of resources”
1 Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1 16:52
2 Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 2 16:29
3 Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 3 12:40
4 Sounds from the Obscurity of the Dark Matter 8:13
5 Twilight Experience 19:45

Luna PDSS004 (CD-r/DDL 74:00)
(Cosmic Berlin School)
         **Chronique en Français plus bas**
The End of the Universe was supposed to loop the loop of the intersidereal adventures of the duet Perceptual Defence/Syndromeda. This last album was the most ambient of the trilogy and followed this merciless logic that after the end.... there is nothing more. The thing is, the Italo-Belgian duo was preparing in their respective studio an unexpected suite which would be revealed within the framework of this important festival of EM; Cosmic Nights. And the duet could not hope to find better as place of preference than this disused factory of compressed air failed on the ice floes of the Earth at Heusden-Zolder, Belgium, to performance its new intergalactic odyssey. It's under the stars, and in a stunning décor, on an evening of May 2017 that the long act of Two Aliens conversating in the Silent Space took place. And it’s important to specify it and to take good note there, because “Live at Cosmic Nights 2017” belongs to a tangible suite to The End of the Universe.
Noises of a space shuttle which has reached the end of its cosmic trip open "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1". A dialogue between a man and a woman settles down then. Breaking a heavy silence, the woman asks where they are. They are at the end of everything, of the universe where there is nothing more… except silence. This staging is followed by a fields magnetic of sound waves with some long oscillating lines which undulate in a horizontal structure where the space waltzes with its sound elements, of which a constant rush of stellar waves. The slow introduction of "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1" is well decorated with these swells of stars and where get add hollow breezes, cosmic chirpings and muffled snores of a subterranean machine. It's moreover these humming which become the rhythmic armature of a long introduction. The rhythm skips with a tonal color as organic as vintage. Clatter get grafted, introducing a very good movement of the sequencer which releases another livelier and more adventurous line of rhythm. Although always ambient, and always under the hold of stellar waves, this motionless rhythm, rich in random beatings of sequences, decreases a little its cadence, and its tonal strength, to stimulate the synths which throw solos and phases of lunar harmonies as much disparate than the fruit of the sequencers. A structure faithful to the artistic vision of the duet with 6 minutes of rhythm for 10 minutes of cosmic atmospheric elements. A structure that we also find in "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 2" where this time the rhythm buzzes in the middle of the track and in a decor of dark and shady lunar atmospheres. On a phase of 5 good minutes, Perceptual Defence and Syndromeda lay down here a structure which bubbles a la Silver Scale, there will be no explosion however, where synth layers, very Tangerine Dream of the same time, are as much charming as unexpected.
"Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 3" reaches a kind of zenith here for the ambient noises and effects of rhythm which circulate like the slings of a huge catapult. The meshing of these effects gives a fascinating dimension and it's with amazement that a structure of rhythm spreads its vampiric shadows and is gamboling like a stride of kicks from wild ponies. Perceptual Defence and Syndromeda structure parallel rhythms patterns which make their lines oscillate in good interlaced impetus. Percussive noises add weight to this structure a bit wild which stretches the fruits of the sequencer for a good 6 minutes before that "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 3" ends Two Aliens conversating in the Silent Space in the greediness starving of nothingness. The best of “Live at Cosmic Nights 2017” is here. Although the encore, "Sounds from the Obscurity of the Dark Matter", is not bad at all with a strong presence of the sequencers which make roll their sound balls on a mad conveyor. A little as in the structure of rhythm in "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1", it's the dance of sequenced balls in a sound textile without oxygen, and those who like these spasmodic rhythms and without girdle of cohesion will be delighted again.

The album includes a title composed by distance, between Italy and Belgium, and recorded in studio; "Twilight Experience". We seize very well Gabriele Quirici's presence with the pack of oscillating lines which undulate swiftly and coo as the dialect of a troop of pigeons under hypnosis. After a short period of atmospheres of an abandoned land, the universe of Syndromeda blows between our ears with a movement of organic sequences of which the fragile ascent crosses a wall of glass dusts and quirky noises which we can certainly associate with the tonal colors of twilight. And so go the visions of Perceptual Defence and Syndromeda who through this “Live at Cosmic Nights 2017” seem, but not at all, at the end of resources.
Sylvain Lupari (January 27th, 2018) ***¾**
You will find this album on SynGate Bandcamp site
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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The End of the Universe était censé boucler la boucle des aventures intersidérales du duo Perceptual Defence/Syndromeda. Ce dernier album était le plus ambiant de la trilogie et suivait cette implacable logique qu'après la fin…il n'y avait plus rien. Mais voilà, le duo Italo-Belge préparait dans leur studio respectif une suite inattendue qui serait dévoilée dans le cadre de cet important festival de MÉ; le Cosmic Nights. Et le duo ne pouvait espérer trouver mieux comme endroit de prédilection que cette usine d'air comprimé désaffectée échouée sur les banquises de la Terre à Heusden-Zolder, Belgique, afin de performer sa nouvelle odyssée intergalactique. C'est sous les étoiles, et dans un décor ahurissant, par un soir de Mai 2017 que le long acte de Two Aliens conversating in the Silent Space s'est déroulé. Et c'est important de la préciser et d'en prendre note, car “Live at Cosmic Nights 2017” est une suite tangible à The End of the Universe.
Des bruits d'un vaisseau spatiale rendu au bout de sa route ouvrent "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1". Un dialogue entre un homme et une femme s'installe alors. Brisant un silence lourd, la femme demande où ils sont. Ils sont au bout de tout, de l'univers où il n'y a plus rien…sauf le silence. Cette mise en scène est suivie par un champs magnétique d'ondes sonores avec des longilignes qui ondulent dans une structure horizontale où le vide valse avec ses éléments sonores, dont une constante poussée de vagues stellaires. La lente introduction de "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1" est bien décorée avec ces houles d'étoiles et où s'ajoutent des brises creuses, des cosmiques gazouillis et des ronflements sourds d'une machine souterraine. Ce sont d'ailleurs ces vrombissements qui deviennent l'armature rythmique d'une longue introduction. Le rythme sautille avec une couleur tonale tant organique que vintage. Des cliquetis se greffent, initiant un très bon mouvement du séquenceur qui libère une autre ligne de rythme plus vive et plus aventureuse. Quoique toujours ambiant, et toujours sous l'emprise de vagues stellaires, ce rythme stationnaire, riche en battements aléatoires des séquences, diminue un peu sa cadence, et sa force tonale, afin de stimuler les synthés qui lancent des solos et des phases d'harmonies lunaires aussi disparates que le fruit des séquenceurs. Une structure fidèle à la vision artistique du duo avec 6 minutes de rythme pour 10 minutes d'éléments atmosphériques cosmiques. Une structure que l'on retrouve aussi dans "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 2" où cette fois-ci le rythme bourdonne en mi-parcours dans un décor d'ambiances lunaires sombres et troubles. Sur une phase de 5 bonnes minutes, Perceptual Defence et Syndromeda couchent ici une structure qui bouillonne à la Silver Scale, il n'y aura pas d'explosion, où les nappes, très Tangerine Dream de la même époque, sont aussi enchanteresses qu'inattendues.
"Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 3" atteint une sorte de zénith pour les bruits ambiants et des effets de rythme qui circulent comme les frondes d'une catapulte géante. Le maillage de ces effets donne une fascinante dimension et c'est avec étonnement qu'une structure de rythme déploie ses ombres vampiriques et gambade comme une foulée de ruades de poneys sauvages. Perceptual Defence et
Syndromeda structurent des figures de rythmes contiguës qui font osciller leurs lignes dans de bons élans entrelacés. Des bruits percussifs ajoutent du poids à cette structure un brin sauvage qui étire les fruits du séquenceur pour un bon 6 minutes avant que "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 3" ne termine Two Aliens conversating in the Silent Space dans l'avidité affamée d'un néant. Le meilleur de “Live at Cosmic Nights 2017” se trouve ici. Quoique le rappel, "Sounds from the Obscurity of the Dark Matter", n'est pas vilain du tout avec une solide présence des séquenceurs qui font rouler leurs billes soniques sur un convoyeur en folie. Un peu comme dans la structure de rythme dans "Two Aliens conversating in the Silent Space Phase 1", c'est la danse des billes séquencées dans un tissu sonore sans oxygène, et ceux qui aiment ces rythmes spasmodiques et sans gaine de cohésion seront encore ravis.

L'album comprend un titre composé à distance, entre l'Italie et la Belgique, et enregistré en studio; "Twilight Experience". On saisit très bien la présence de Gabriele Quirici avec la meute de lignes oscillatrices qui ondulent vivement et roucoulent comme le dialecte d'une horde de pigeons sous hypnose. Après une courte période d'ambiances d'un monde abandonné, l'univers de Syndromeda souffle entre nos oreilles avec un mouvement de séquences organiques dont la fragile ascension traverse une muraille de poussières de verre et de bruits biscornus que l'on peut certes associer aux couleurs tonales du crépuscule. Et ainsi vont les visions de Perceptual Defence et de Syndromeda qui, à travers ce “Live at Cosmic Nights 2017” ne semble pas, mais pas du tout, à bout de ressources.
Sylvain Lupari 27/01/2018

vendredi 26 janvier 2018

ANDY PICKFORD: Harmonics in the Silence (24bit Individual Track Version) 2017

“Now in its 24bit Individual Track Version, this album lives up to the challenge of its sweet madness”
1 Harmonics in The Silence I 14:47
2 Harmonics in The Silence II 13:49
3 Harmonics in the Silence III 14:12
4 Harmonics in the Silence IV 14:13
5 Harmonics in the Silence V 12:19
6 Harmonics in the Silence VI 13:07
7 Harmonics in the Silence VII 15:52
8 Harmonics in the Silence VIII 14:51
9 Harmonics in the Silence IX 14:03
10 Harmonics in the Silence X 14:30
11 Harmonics in the Silence XI 14:21
12 Harmonics in the Silence XII 15:05
13 Harmonics in the Silence XIII 13:50
14 Harmonics in the Silence XIV 14:13

15 Harmonics in the Silence XV 14:40
Andy Pickford Music (DDL 214:00)
(Minimalist, ambiospherical and slow beats)
     **Chronique en français plus bas**
Well it's done now! After a few weeks of tergiversation, because the sum of listening hours is rather voluminous, I finally dealt with this 24bit Individual Track Version of “Harmonics in the Silence”. I remember that Andy Pickford cherished this idea last autumn. But to do this, he had to give up these bridges of ambiences and transition, these crossfade phases which unite the 15 parts in this impressive musical mosaic. And AP held to it. He simply adores these sound links which throw so much mysticism and so much cachet around his music. Well, it was the sacrifice to make so that “Harmonics in the Silence”, and it will be the same for Shadow at The Gate, Orgonon and Pareidolia, has to be separated in 15 acts at each album. Is there any difference? Is the sound better? I made the exercise with my ears of soon to be 60 years. And it's a thing which obsesses me since the arrival of Bandcamp and the music streaming. I have an Hi-Fi Network Player from Cambridge (the CXN) and I did several tests. In fact, I made a panoply of tests which only just gave me good consciousness. First of all, those 4 mega suites of AP are not remasterised. They are only republished in a 24 Bits format to favor better indexes between each segment. Having said that, and after those multiple tests, I found out that the sound seemed heavier and that it reflected more enjoyable roundness. Thus stronger and more precise, nothing more! In fact, the most interesting thing in this version are the possibilities which offer to us. The possibilities of jumping a track to go to another one, or to re-hear a part as often as we want are so easier. In what concerned the crossfades, Andy Pickford has added additional minutes of ambiences to each part, lengthening by the fact this album of about 20 minutes. And another very interesting possibility is to be able to make our own version of 4 long acts of this impressive saga by realizing a mix of our choice. So, all and only good things… And I like this range of possibilities, as well as the sound which goes out of my loudspeakers which seem to appreciate a bit better this 24Bits version. But there I would say that it's rather subjective. One thing's for sure in all this; it's Andy Pickford's musical and artistic genius who has just succeed to dip back me in his fabulous saga that my ears are going to devour with this new 24Bits version of this musical quadrilogy introduced exactly by “Harmonics in the Silence” at the end of 2016.
Sylvain Lupari (January 26th, 2018) ***½**
You will find this album on AP Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Voilà c'est fait! Après quelques semaines de tergiversation, parce que la somme de travail auditif est assez volumineuse, je me suis finalement penché sur cette version 24 Bit Individual Track Version de “Harmonics in the Silence”. Je me souviens qu'Andy Pickford caressait cette idée l'automne dernier. Mais pour ce faire il devait renoncer à ces fondues, à ces ponts d'ambiance et de transition, à ces cross-fade qui unissaient les 15 parties dans cette impressionnante mosaïque musicale. Et AP y tenait. Il adore même ces liens soniques qui jettent tant de mysticisme et injectent autant de cachet autour de sa musique. Eh bien c'était le sacrifice à faire afin que Harmonics in the Silence, et ça sera la même chose pour Shadow at The Gate, Orgonon et Pareidolia, soit séparer les 15 actes de chaque album. Y a-t'il une différence? Est-ce que le son est meilleur? J'ai fait l'exercice avec mes oreilles vieilles de bientôt 60 ans. Un truc qui m'obsède depuis l'arrivée de Bandcamp et du streaming. Je possède un lecteur réseau de haute-gamme en un Cambridge CXN, Et j'en ai effectué des essais. J'ai effectué une panoplie de tests qui m'ont juste donné bonne conscience. Tout d'abord, les 4 méga suites d'AP ne sont pas remasterisé. Ils sont seulement réédité en format 24 Bits afin de mieux favoriser les index entre chaque segment.
Ceci étant dit, et après plusieurs essais, j'ai trouvé que le son semblait plus lourd et qu'il réfléchissait de plus belles rondeurs. Donc plus fort et plus précis, sans plus! En fait, le plus intéressant dans cette version est les possibilités qui s'offrent à nous. Les possibilités de sauter une piste pour aller à l'autre, ou de réentendre une partie autant de fois que l'on veut, sont ainsi plus faciles. En ce qui a trait aux cross-fades (fondues), Andy Pickford ajoute des minutes supplémentaires d'ambiances dans chaque section, allongeant par le fait même cet album-ci de près de 20 minutes. Et une autre possibilité très intéressante est de pouvoir piger un peu partout dans les 4 longs actes de cette impressionnante saga et de réaliser un mix de notre choix. Bref, que du bon…Et j'aime bien cet éventail de possibilités, de même que le son qui sort de mes haut-parleurs qui semblent mieux apprécier cette version 24Bits. Mais là, je dirais que c'est assez subjectif. Une chose est certaine dans tout cela; c'est le génie d'Andy Pickford qui vient de réussir à me replonger dans cette fabuleuse saga que mes oreilles vont dévorer avec cette nouvelle version 24Bits d'une quadrilogie musicale initiée justement par “Harmonics in the Silence” à la fin de 2016.

Sylvain Lupari (26/01/2018)

jeudi 25 janvier 2018

NOMAD HANDS: Space Watch (2017)

“This is a strong, a huge opus of pure EM wonders which follows the main lines of The Tape, the best album of 2014”
1 Twice 5:52
2 Peter is Bach 6:40
3 Cognitive Connection 13:17
4 What Time is it? 6:40
5 Making Sense 4:28
6 Le Mécanisme d'Anthicythère 11:44
7 You Must Play Monotonus 7:44
8 L'Horloge Cosmique 223 14:12

Patch Work Music (CD 70:51)
(Berlin School, French School)
Do you remember this splendid album The Tape which was released on PWM by December 2014? This surprising album was going to become my preferred of this year, and for a good reason! Helped by Mourad Ait Abdelmalek on drums and percussions on half of the album, Olivier Briand knitted wonderful synth solos which sent us back in the beautiful years of the duet Klaus Schulze/Harald Grosskopf. Some 3 years farther, Olivier Briand and Mourad Ait Abdelmalek does it again by forming the band Nomad Hands (a very appropriate name for 2 artists who have some very agile and explorer hands). They present us a first opus entitled “Space Watch”. An album which is in the continuity of The Tape with a priceless connection between both musicians who offers us quite a whole journey in the lands of EM.
Delicate arpeggios which skip and sparkle in crystal tones give a first very vintage electronic finery to "Twice". Clatters of cymbals tinkle in a parallel rhythmic vision while the sequencer loosens a line of bass sequences which oscillates heavily and gets melt with the dance of cymbals, leaving the melodious arpeggios melt in a sound decor which prioritizes a style of Jazz fusion by its nervous rhythm. Olivier Briand textures here good harmonious solos which are like the whistles of a dreamer dancing against the flow of his musing. More centered on the melodious approach of the synth, the arpeggios are truly sculpting some silvery earworms, "Twice" lays down nevertheless between our ears a double, even a triple, structures of rhythm which invent a fascinating ball of beats where the electronics and the acoustics already give thirst to the ears. After this first rather nice title, "Peter is Bach" tumbles with a series of sequences and of which the keen oscillations awake the spirits of a spasmodic E-rock. Mourad Ait Abdelmalek's percussions are completely freed of shyness now with quick and curt strikes where the tight skins resound with a fascinating and ear-catchy tone. The sequencer well settled, so that it can proposes small variations in its structure, Olivier Briand is busy with his synth (and Mellotron?) in order to weave these foggy layers which gave so much depth to the ambiences of that time and specially to sculpt solos and harmonious phases which, if my ears don't play me trick, sound strangely like Peter Baumann. In fact, only the percussions take us away from these reminiscences. After 2 first titles rather easy to gob, "Cognitive Connection" brings us to another level. The introduction is painted of mystery and of mysticism with layers of mists which seem to inhale and to hide imperfect beings, whereas a stream of clatters and of eddy noises haunts the Gothic atmospheres. In fact, one would imagine to be in the Usher house. A soft rhythm, crawling without much conviction, extricates itself from these shitty abysses a little after the point of 5 minutes. I hear of Heldon here! Especially with this line of bass sequence which crawls with noises of gurgling and these clatters of metallic elytron gigging on cymbals. The clatters exchange the metal tones for a wooden tap-dancing. And always this somber vampiric shadow which spreads its coat of suspense over the ambiences in mutation of "Cognitive Connection". And then poof! The music is melting in an avant-gardist décor where the ghosts of Heldon watch the evolution of an extra sensorial music which hears itself to be pecked by agile, and sometimes heavy even murderer, percussions of Mourad Ait Abdelmalek while Olivier Briand is the elegance itself behind his synth and his solos as charming as provocative for a sense of hearing eager for pure and sophisticated EM.
A very good title which is followed by the heavy and slow, almost theatrical, rhythm of "What Time is it?". The synth layers throw an aura as so misty as a new Phantom of the Opera while the percussions are always clearly incisive with a MAA which bangs and confronts his beatings of skin with a bed of sequences as fluid as a soft rhythmic river. "Making Sense" is a good hymn of a very Berliner E-rock. Still here, the tacticians of rhythm whom is Nomad Hands show a very beautiful chemistry by harmonizing sequences and percussions, leaving all the space to the imagination free of everything of all hinders Olivier Briand in the art to create harmonious fantasies a bit near psychosis, otherwise near this impression of anxiety, even if always very melodious, on this structure semi wild and semi accessible that is "Making Sense". "Le Mécanisme d'Anthicythère" is THE title of “Space Watch” and the title which gets closer the most to this illusion of Schulze/Grosskopf that we found in the magnificent The Tape. In a free style where the whole thing goes in perfect symbiosis, Olivier's solos set back to emphasize the surgical strikes of Mourad Ait Abdelmalek on drums and cymbals. We surpass here these landscapes of ethereal layers where roamed the arms of Grosskopf. The rhythm is frantic with short jerky strata and it's rather a human octopus and its long tentacles which hammer the drums and cymbals with a surprising variation and precision in the sharing of its two rhythmic values. This is an outstanding track my friends that I never stopped to listening to since! "You Must Play Monotonus" brings us back to the ground with a very energizing EM which is as lively as the best of Synth-Pop of New Order. Very awake and alert behind his keyboard, Olivier Briand throws beautiful harmonious phases which fit the precision and the liveliness of Mourad Ait Abdelmalek's hands on drums. The vocoder? Bah we notice it hardly. It's some solid E-rock polyphased which turns around short harmonious phases equal to a fall of stars on snowy tops. "L'Horloge Cosmique 223" ends this wonderful album with airs of Jazz fusion. The title has all the secrets of Berlin School with a floating introduction which quietly sets the tone to a disheveled structure of rhythm where spin the synth solos and where the bass sequences fight for their survival in front of a brilliant bludgeoning of the percussions. WoW, what an album my friends! An unavoidable and a pure monument of EM as a la Belle Époque. Like The Tape!
Sylvain Lupari (January 25th, 2018) ****½*
You will find a way to buy this album on PWM web shop
here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Vous vous rappelez du superbe album The Tape qui est sorti sur PWM en Décembre 2014? Ce surprenant album allait devenir mon préféré de cette année-là, et pour cause! Secondé par Mourad Ait Abdelmalek à la batterie et aux percussions sur la moitié de l'album, Olivier Briand tricotait de superbes solos de synthé qui nous renvoyait aux belles années du duo Klaus Schulze/Harald Grosskopf. Près de 3 ans plus loin, Olivier Briand et Mourad Ait Abdelmalek remettent ça en formant le groupe Nomad Hands (un nom très approprié pour 2 artistes aux mains agiles et exploratrices). Ils nous présentent un premier opus intitulé “Space Watch”. Un album qui est dans la continuité de The Tape avec une précieuse connexion entre les deux musiciens qui nous offre tout un voyage au pays de la MÉ.
De délicats arpèges qui sautillent et scintillent dans des tonalités de cristal donnent une première parure très électronique vintage à "Twice". Des cliquetis de cymbales tintent dans une vision rythmique parallèle alors que le séquenceur délie une ligne de basse séquence qui oscille lourdement et fusionne avec les cymbales, laissant les arpèges mélodieux fondent dans un décor sonique qui priorise un style de Jazz fusion dans son rythme nerveux. Olivier Briand texture ici de beaux solos harmoniques qui sont comme les siffles d'un rêveur dansant à contretemps de ses rêveries. Plus centré sur l'approche mélodieuse du synthé, les arpèges sculptent de vrais petits ver-d'oreille argentée, "Twice" pose néanmoins entre nos oreilles des structures de rythme qui s'inventent un fascinant bal où l'électronique et l'acoustique donne déjà soif aux oreilles. Après ce premier titre plutôt sympa, "Peter is Bach" déboule avec une série de séquences dont les vives oscillations entraînent une base de rock électronique spasmodique. Les percussions de Mourad Ait Abdelmalek se dégênent totalement avec des frappes rapides et promptes où les futs résonnent avec une fascinante et séduisante tonalité. Le séquenceur bien réglé, afin qu'il puisse proposer de petites variations dans sa structure, Olivier Briand s'affaire à son synthé (et Mellotron?) afin de tisser ces nappes brumeuses qui donnaient tant de rondeur aux ambiances de l'époque et surtout à sculpter des solos et des phases harmoniques qui, si mes oreilles ne me trompent pas, sonnent étrangement comme du Peter Baumann. En fait, seules les percussions nous soutirent de ces réminiscences. Après 2 premiers titres assez accessible, "Cognitive Connection" nous amène à un autre niveau. L'introduction est peinte de mystère et de mysticisme avec des nappes de brumes qui semblent respirer et cacher des êtres imparfaits, tandis qu'une kyrielle de cliquetis et de bruits de remous hantent des ambiances gothiques. En fait on se croirait dans la maison Usher. Un rythme mou, rampant sans grande conviction, s'extirpe de ces abysses foireux un peu après la barre des 5 minutes. J'entends du Heldon ici! Surtout avec cette ligne de basse séquence qui rampe avec des bruits de gargouillements et ces cliquetis d'élytres métallique giguant sur des cymbales. Les cliquetis troquent le métal pour des claquettes de bois. Et toujours cette sombre ombre vampirique qui étend son manteau de suspense sur les ambiances en mutation de "Cognitive Connection". Et pouf! La musique fond dans un décor avant-gardiste où les fantômes d'Heldon veillent sur l'évolution d'une musique extra sensorielle qui s'entend être picoré par les percussions agiles, et tantôt lourdes voire assassines, de Mourad Ait Abdelmalek alors qu'Olivier Briand est l'élégance même derrière son synthé et ses solos aussi enchanteurs que provocateurs pour une ouïe avide de MÉ pure et raffinée.
Un très bon titre qui est suivi du rythme lourd et lent, quasi théâtrale, de "What Time is it?". Les nappes de synthé jettent une aura aussi nébuleuse qu'un nouveau fantôme de l'Opéra alors que les percussions sont toujours nettement incisives avec un MAA qui laboure et confronte ses battements de fûts avec un lit de séquences aussi fluide qu'une douce rivière rythmique. "Making Sense" est un bel hymne de rock électronique très Berliner. Encore ici, les tacticiens du rythme qu'est Nomad Hands font montre d'une très belle chimie en harmonisant séquences et percussions, donnant libre cours à l'imagination libre de tout entrave d'Olivier Briand dans l'art de créer des lubies harmoniques un tantinet près de la psychose, sinon de cette impression d'angoisse, et ce même si toujours très mélodieux, sur cette structure mi- sauvage et mi- accessible qu'est "Making Sense". "Le Mécanisme d'Anthicythère" est LE titre de “Space Watch” et le titre qui se rapproche le plus de cette illusion de Schulze/Grosskopf que nous trouvions dans le splendide The Tape. Dans un style libre où le tout se moule en parfaite symbiose, les solos d'Olivier sont en retrait afin de mettre tout en valeur les frappes chirurgicales de Mourad Ait Abdelmalek. On dépasse ici ces paysages de nappes éthérées où couraient les bras de Grosskopf. Le rythme est frénétique avec de courtes strates saccadées et c'est plutôt une pieuvre humaine et ses longs tentacules qui labourent tambours et cymbales avec une étonnante variation et précision dans le partage de ses deux valeurs rythmiques. Un titre grandiose mes amis que je ne cesse d'écouter depuis! "You Must Play Monotonus" nous ramène sur terre avec une MÉ très énergisante et aussi vivante que le meilleur des Synth-Pop de New Order. Très allumé derrière son clavier, Olivier Briand lance de belles phases harmoniques qui s'ajustent à la précision et la vivacité des mains de Mourad Ait Abdelmalek sur les fûts. Le vocodeur? Bah…on le remarque à peine. Du solide rock électronique polyphasé qui tourne autour de courtes phases harmoniques égales à une chute d'étoiles sur des cimes enneigées. "L'Horloge Cosmique 223" termine ce superbe album avec des airs de Jazz fusion. Le titre à tous les secrets de la Berlin School avec une introduction planante qui tranquillement met la table à une structure de rythme échevelée où virevoltent les solos de synthé et où les basses séquences luttent pour leur survie face à un brillant matraquage des percussions. Ouf, quel album mes amis! Un incontournable et un pur monument de MÉ…comme à la belle époque. Comme The Tape!

Sylvain Lupari 25/01/2018
Peter is Bach

mercredi 24 janvier 2018

BYSENSES: People (2018)


 “People is a very beautiful and poetic album of BySenses which continues where Frigments-fragments had stopped, but with a dose of new boldness in more”
CD1 (72:58)
1 Intro 3:28
2 People 19:13
3 Sensitivity 19:26

4 Before Birth 7:49

5 Short Memo 3:06
6 Nightdancer 6:53
7 Why Hurry@Midnight 6:41
8 Whispering 3:58
9 Nobody's Name Ends 2:20
CD2 (43:13)
10 People (Guy TALLO Mix) 5:35
11 Before Birth (Extended Version) 13:55
12 Long Memo 6:25
13 Live Post X Sessions 7:46
14 The Messias 9:30
BySenses Music (CD/DDL 116:10) (EM without  borders) **CHRONIQUE en FRANÇAIS au bas de la page**
Less than 4 years after the fascinating Frigments-Fragments, BySenses goes again with an album as much puzzling where the surprises, good or bad, follow one another in a sonic décor simply outside of some hearing tolerances. Because, and as was Frigments-Fragments, “People” is an audacious album. Less psychedelic in its effects but not in its vision, I would even say daring  with a superb way of cajoling the senses and the ears by its structures in movement where the snake bites itself the tail and others which have this stability of the good hymns of sequenced rock a la German sauce. This album, a very intimist one from Didier Dewachtere, turns around his reflections and around his inner emotions that the Belgian musician has lived and situations where he won during his last 4 years. For this album, Didier Dewachtere carried his music towards true voices which adjust their timbres to the curves of the moods and of the passages, so giving a new dimension to BySenses' arc of creativity.
And that begins with the rumblings of machines and the noises of metal which we murder, before a layer of ethereal voices calms down the temporary anger of the short "Intro". And the opposite occurs! While everything is serenity with a seraphic choir and strata of cinematographic violins, the finale stumbles towards the cacophony of its introduction. These structures in continual struggling are the witnesses of an approach all in contrasts and all in conflictual of BySenses. The title-track drags us into the universe of boldness and of delights of “People”. The music trades its minutes for phases of ambiences and of very Berlin School structures of rhythm and others which flirt with Byron Metcalf's shamanic illusions, otherwise of Steve Roach, but less frantic. Thomas Betsens recites a text on the importance of people and their silences which bring our society on the edge of the abyss. The word belongs to people and when people will speak … These texts were recorded on the music and it's with fascination that we follow a curve of repressed violence which is inspired by a music always on the edge of exploding without ever going there. A little as the accommodating silence of a society in lack of leaders. Does the voice disturb? We get use to it because of its symbiosis with the dramatic elements of the music which is perfectly balanced here. The timber goes from Timothy Leary to Wayne Hussey, the singer of The Mission, especially on the following track. Thus, we are in good company! "Sensitivity" is the survival to a love story and puts again the pasty and hallucinogenic voice of Thomas Betsens in a structure always divided between rhythms, which are less present here, and ambient vibed which are fed by the disharmonious elements of "Intro". This long structure of 20 minutes scatters very well its sound effects, some are of an attractive organic tone, and the rise of its rhythms which are like an anger reasoned by invisible arms. The texts and the voice of Timothy Leary remain elements difficult to tame, except that they clearly give more depth to an ambivalent structure and to its phases of ambiences which are hard to the hearing by moments.
It's the very opposite with "Before Birth" whose phases of ambient elements quaver like these spasmodic whispers bound to the tribal universe of Byron Metcalf and of Steve Roach, in particular because of the presence of guttural hummings which seem to be taken from an effect of Didgeridoo. Written while he learnt that he was going to be a grandfather, the music here offers a good balance between the phases of ambiences decorated of sonic honey and these bits of evanescent rhythms which come and disappear in the oral caresses, and at times very childish, of Greet Laebens. "Before Birth (Extended Version)" just brings additional minutes to the counter and they are concentrated on the forms of rhythm in this title which benefits of a very nice tone at the level of synths. We pass at another level with the heavy, muffled and jerky rhythm of "Short Memo" which is a pure retro Berlin School. The movement reminds to me of the impetuous and delicious Overture by Christian Richet whom we find on his album The First which was released in 1989. Its older brother of tones, "Long Memo" is very welcome in my ears. "Nightdancer" is too by the way, and its heavy and lively rhythm which breaks the house down, in particular thanks to Frakke on drums, runs beneath some superb synth solos with forms and with astronomical colors. The music and the moods of "Why Hurry@Midnight" inhale the spirit of the title. A nice synth wave walks under the breezes of a magic night on which glitters the notes of a pensive piano. "Whispering" proposes a structure as ambivalent as on "People" and "Sensitivity", while "Nobody's Name Ends" is a title of ambient vibes which rumble with furious elements in an intense approach which rises in crescendo. The CD2 offers small presents with titles which show a bigger length to the counter or new mixes, as "People (Guy TALLO Mix)" which turns into a title of dance music. I had some difficulties in assimilating well the magic of "Live Post X Sessions" where the voice of Thomas Betsens sounds as if it was coming from the entrails of the Earth with its lot of ambient vibes and elements which are not so too much far from this possibility. The difficulty becomes especially more marked when the effects of echo turn up between my ears. And when I have to close my eyes in hoping that it will end soon…This is the only small moment which is in conflict with my ears in this very beautiful and poetic album of BySenses which continues where Frigments-Fragments had stopped, but with a dose of boldness in more. “People” is available in a CD manufactured version with an outstanding digipack 6 panels artwork and/or in DDL on BySenses Bandcamp site where a bonus track is waiting for you. Namely "The Messias" which is built upon an ambient beat and wrapped of a very angelic approach where a celestial choir and ethereal layers adorn the ringings of a melody which is dragging its soul in the steps of a new Messiah…For those who believe.
Sylvain Lupari (January 23rd, 2018) ****½*
You will find this album at BySenses Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Moins de 4 ans après le fascinant Frigments-Fragments, BySenses remet cela avec un album tout aussi déroutant où les surprises, bonnes ou mauvaises, se succèdent dans un décor sonique tout simplement hors de certaines portées auditives. Car, et comme l'était Frigments-Fragments, “People” est un album audacieux. Moins psychédélique dans ses effets mais non sa vision, il est osé même avec une superbe façon d'amadouer les sens et les oreilles par ses structures en mouvement où le serpent se mord la queue et d'autres qui ont cette stabilité des bons hymnes de rock séquencé à la sauce Allemande. Cet album, très intimiste de Didier Dewachtere, tourne autour de réflexions et des émotions personnelles que le musicien Belge a vécu et vaincu au cours de ses 4 dernières années. Pour cet album, le musicien Belge a porté sa musique vers de vrais voix qui ajustent leurs timbres aux courbes des ambiances et de passages, donnant ainsi une nouvelle dimension à l'arc de créativité de BySenses.
Et ça débute avec des grondements de machines et des bruits de métaux que l'on assassine, avant qu'une nappe de voix éthérés calme la colère passagère du court "Intro". Et l'inverse se produit! Alors que tout est sérénité avec un chœur séraphique et des strates de violons cinématographiques, la finale trébuche vers la cacophonie de son introduction. Ces structures en continuel tiraillement sont les témoins d'une approche tout en contraste et en contradictions de BySenses. La pièce-titre nous plonge dans l'univers d'audace et de délices de “People”. La musique échange ses minutes pour des phases d'ambiances et des structures de rythme très Berlin School, et d'autres qui flirtent avec les illusions chamaniques de Byron Metcalf, sinon de Steve Roach, mais en moins frénétiques. Thomas Betsens récite un texte sur l'importance des peuples et de leurs silences qui amènent notre société sur le bord du gouffre. La parole est aux gens et lorsque les gens parleront…Ces textes ont été enregistrés sur la musique et c'est avec fascination que l'on suit une courbe de violence refoulée qui s'inspire d'une musique toujours sur le bord d'exploser, sans jamais y parvenir. Un peu comme le silence complaisant d'une société en manque de leaders. Est-ce que la voix dérange? On s'y fait car sa symbiose avec les éléments dramatiques de la musique est parfaitement équilibrée. Le timbre va de Timothy Leary à Wayne Hussey, chanteur de The Mission, spécialement sur le titre suivant. Donc, nous sommes en bonne compagnie! "Sensitivity" est la survie à une histoire d'amour et replace la voix pâteuse et hallucinogène de Thomas Betsens dans une structure toujours divisée entre les rythmes, qui sont moins présents ici, et des ambiances qui sont nourries par les éléments disharmoniques de "Intro". Cette longue structure de 20 minutes éparpille très bien ses effets sonores, quelques-uns sont d'une attirante tonalité organique, et la montée de ses rythmes qui sont comme une colère ramenée et raisonnée par des bras invisibles. Les textes et la voix de Timothy Leary restent des éléments difficiles à dompter, sauf qu'ils donnent nettement plus de profondeur à une structure ambivalente et ses phases d'ambiances qui sont dures pour l'ouïe.
C'est tout le contraire avec "Before Birth" dont les phases d'ambiances chevrotent comme ces chuchotements spasmodiques liés à l'univers tribal de Byron Metcalf et Steve Roach, notamment en raison de la présence de bourdonnements gutturaux qui semblent être soutiré à un effet de Didgeridoo. Composée alors qu'il apprenait qu'il allait être grand-père, la musique ici offre une belle balance entre les phases d'ambiances ornées de miel sonique et ces bouts de rythmes évanescents qui viennent et disparaissent dans les caresses orales et par moments très enfantines de Greet Laebens. "Before Birth (Extended Version)" apporte juste des minutes supplémentaires qui sont concentrées sur les tournures de rythme dans ce titre qui bénéficie d'une belle tonalité au niveau des synthés. On passe à un autre niveau avec le rythme lourd, sourd et saccadé de "Short Memo" qui est un Berlin School rétro. Le mouvement me rappelle l'impétueux et délicieux Overture de Christian Richet que l'on retrouve sur son album The First sorti en 1989. Son grand frère de tons, "Long Memo" est le bienvenu dans mes oreilles. "Nightdancer" aussi en passant avec son rythme lourd et entraînant qui casse la baroque, notamment grâce à Frakke à la batterie, et court sous de superbes solos aux formes et aux couleurs astronomiques. La musique et les ambiances de "Why Hurry@Midnight" respirent la signification du titre. Une belle onde synthétisée se promène sous les brises d'une nuit magique qui resplendit sur les notes d'un piano pensif. "Whispering" propose une structure aussi ambivalente que dans "People" et "Sensitivity", alors que "Nobody's Name Ends" est un titre de pures ambiances qui grondent avec des éléments rageurs dans une approche intense qui monte en crescendo. Le CD2 offre de petits cadeaux avec des titres qui affichent une plus grande longueur au compteur ou un nouveau mix, comme "People (Guy TALLO Mix)" qui devient un titre de Dance Music. J'ai eu quelques difficultés à bien assimiler la magie de "Live Post X Sessions" où la voix de Thomas Betsens sonne comme si elle provenait des entrailles de la terre avec son lot d'ambiances qui ne sont aussi pas trop loin de cette possibilité. La difficulté s'accentue surtout lorsque les effets d'écho se pointent entre les oreilles. Lorsque l'on ferme les yeux pour espérer que ça passe…C'est le seul petit moment qui est en discordance avec mes oreilles dans ce très bel et poétique album de BySenses qui poursuit là où Frigments-Fragments s'était arrêté, mais avec une dose d'audace en plus. “People” est disponible en version CD manufacture avec une splendide pochette 6 côtés dans un format digipack, et/ou en format téléchargeable sur le site Bandcamp de BySenses où un titre en prime vous attend. Soit "The Messias" qui est serti sur un rythme ambiant et enveloppé d'une approche très angélique où une chorale céleste et des nappes éthérées ornent les tintements d'une mélodie qui traînent son âme dans les pas d'un nouveau Messie…Pour ceux qui y croient.

Sylvain Lupari 23/01/2018

lundi 22 janvier 2018

EAGLE (SYNTH MUSIC): The Lost Kosmonaut (2018)

“The Lost Kosmonaut is a very nice album which deserves certainly to be submitted to the fans of Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre and Vangelis”
1 Out of the Blue 4:49
2 The Bookworm 5:38
3 The Superclean Dreammachine 5:27
4 The Forgotten 4:07
5 Mount Kailash 5:43
6 The Lost Kosmonaut 7:20
7 The Physics of Wormholes 4:27
8 Summerdream 4:42
9 Martian Winter 4:22
10 Deckard's Dream 6:50
11 The Last Page of the Book 8:21

Eagle (Synth.Music) Music (DDL 61:53)
(E-Rock with cosmic and orchestral textures)

My first and only contact with the music of Arend Westra, the man behind Eagle (Synth.Music), goes back to the album Breaking the Laws of Physics from the planetary duo Parallaxe at the at the end of 2015. And if I remember well, I had enjoyed quite much the melodious approach which served well the source of influences of both musicians; Arend Westra, from the Netherlands, and Brian Brylow an American of Wisconsin. “The Lost Kosmonaut” is the 3rd solo album of Eagle (Synth.Music) and I find with pleasure a collection of 11 titles which flow agreeably between the ears with a not too much complicated electronic rock and with what just it needs as sound effects and electronic adornments to arouse quite well the lover of sounds in us.
The introduction of "Out of the Blue" is sewn of multiple orchestral layers which waltz weakly. Some tears get loose and moan on this zigzagging bed whereas isolated sequences skip on the spot, waiting for other elements of rhythm which will solidify the base some 2 minutes farther. The tears are switching for songs of specters hooting over this amorphous rhythm which is divided between percussive pulsations and sequences which sing such as glass nuggets. So shared between these sequences and some keyboard chords strummed by a dreamy pianist, the harmonious portion of "Out of the Blue" is dense and diversified with ethereal lassoes which run in circle in the background décor. Easy to like, you have in this title, which however puts down its finale on a too quick fade-out, the main lines at the level of compositions and structures of “The Lost Kosmonaut”. The electronic vision of the Dutch musician hits his aim with the ambient rhythm of "The Bookworm" which swirls as an endless spiral and where roam notes of an intergalactic cowboy. The arrangements are quite effective and the attention to details in the very melodious approaches of Arend Westra is the equivalent of a Chris Franke on sequencer. And this, without taking away a thing about his rhythmic structures. Awakened by a good percussive fauna, "The Superclean Dreammachine" drags us to the borders of cosmos with a circular tension of which the stroboscopic outlines imprison a nice fusion of harmonious elements. "The Forgotten" is a beautiful electronic serenade living on a fleet of violin layers which move forward as so slowly as these mislaid prisms which try to shape a harmonious bed. The movement drifts with its soft moving groans which collapse in a rise of intensity create by the ascendency of a bass line a little after the 3 minutes. If we are of a romantic soul, another nice ballad waits for us with "Summerdream" which is, on the other hand, more enlivened.
Defying the rules of homogeneity, Arend Westra strolls our emotions from a style to another with the very good and filmic "Mount Kailash" where the rollings of big timpani drums imitate the sound descriptions already established in the domain. I think among others of Mike Oldfield and of Vangelis at the doors of his celebrity. This is a very good piece of music which follows a velocity abundantly watered by some very harmonious synth solos. The title-track is a solid E-Rock with a very allegorical vision of the synthesizers and the beatboxes. It's a lively track with effects of arcade games where swirl and sing, very well I have to admit, these solos which are as much harmonious as acrobatic in this universe of “The Lost Kosmonaut”. I feel an influence of Peter Mergener here. Which is kind of very rare and this is why we hook rather fast to this good Berliner rock. "The Physics of Wormholes" also prioritizes a sound eagerness with some effects borrowed from the universe of Jean-Michel Jarre and layers which float like those of
Vangelis on a structure of rhythm animated by a good play of the sequencer which spreads a good energizing dose with keys which fidget as iron balls on a conveyor. "Martian Winter" is another good title. Slow, the rhythm moves forward with a meshing of sequenced pulsations which remind me a little of Johannes Schmoelling's evolutionary rhythm in Wuivend Riet. The synth layers interlace in a cosmic and seraphic approach in what sounds like a kind of communication by drums between distant tribes. "Deckard's Dream" is a title filled of intensity with poignant layers which whistle with their dusts of orange rust. Ambient with implosions which propel secret movements, the music scatters phases of rhythms which are driven by some kind of catapult where pile up banks of emotionalism. Fragments of harmonies come and go in this monolithic structure, adding more charms to a music which the source of origin would have been easily guessed. "The Last Page of the Book" ends a rather pleasant listening with a very approach Tangerine Dream and of a unification of the fragrances from the vintage years and of MIDI. After a rather austere introduction, a nice flute sings on a bed of sequences which sparkle with whipped impulses of the kicking. The hold of a layer of dark voices doesn't give an inch to the moods while that some thin lines of voices moiré give a sibylline aspect to this choir soaked with the coat of arms of TD of the Exit years. Except that behind this décor snores a structure of rhythm which will explode with the awakening of the sequencer and with splendid percussive effects a little after 3 minutes, giving the best moment of “The Lost Kosmonaut” which deserves certainly to be submitted to the fans of Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre and Vangelis with elements, as much in the rhythms, melodies and orchestrations, which cannot be denied as being the pond of influences of Eagle (Synth.Music).

Sylvain Lupari (January 22nd, 2018) *** ½**
You will find this album in DDL only at Eagle (Synth.Music) Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Mon premier et seul contact avec la musique d'Arend Westra, l'homme derrière Eagle (Synth.Music), remonte à l'album Breaking the Laws of Physics, du duo planétaire Parallaxe, à la fin de 2015. Et si je me souviens bien, j'avais bien aimé l'approche mélodieuse qui servait très bien la cause des influences des deux musiciens; Arend Westra, des Pays-Bas, et Brian Brylow un américain du Wisconsin. “The Lost Kosmonaut” est le 3ième album solo d'Eagle (Synth.Music) et je retrouve avec plaisir une collection de 11 titres qui coulent bien entre les oreilles avec un rock électronique pas trop compliqué et avec juste ce qu'il faut comme effets sonores pour bien attiser l'amateur de sons en nous.
L'introduction de "Out of the Blue" est cousue de nappes orchestrales qui valsent mollement. Des larmes se détachent et gémissent sur ce lit zigzaguant tandis que des séquences isolées trépignent sur place, attendant d'autres éléments de rythme qui solidifieront la base quelques 2 minutes plus loin. Les larmes se transforment en des chants de spectres ululant sur ce rythme mollasse qui est partagé entre des pulsations processionnées et des séquences qui chantent comme des pépites de verre. Partagée entre ces séquences et des accords de clavier pianotés par un pianiste rêveur, la portion harmonique de "Out of the Blue" est dense et diversifiée avec des lassos éthérés qui roulent en rond dans le décor. Facile à aimer, vous avez dans ce titre, qui dépose cependant sa finale sur un fade-out trop rapide, les lignes maitresses au niveau des compositions et structures de “The Lost Kosmonaut”. La vision électronique du musicien Néerlandais est au point avec le rythme ambiant de "The Bookworm" qui tournoie comme une spirale sans fin où rôdent des accords de cowboy intergalactiques. Les arrangements sont efficaces et le souci des détails dans les approchent mélodieuses d'Arend Westra est l'équivalent d'un Chris Franke au séquenceur. Et ceci, sans rien enlever à ses structures rythmiques. Éveillé par une bonne faune percussive, "The Superclean Dreammachine" nous amène aux frontières du cosmos avec une tension circulaire dont les contours stroboscopiques emprisonnent une belle fusion d'éléments harmoniques. "The Forgotten" est une belle sérénade électronique créchant sur une flotte de nappes violonées qui avancent aussi lentement que ces prismes égarés qui tentent de façonner un lit harmonique. Le mouvement dérive avec ses tendres gémissements émouvant qui s'effondrent dans une montée d'intensité crée par l'emprise d'une ligne de basse un peu après les 3 minutes. Si on est du style romanesque, une autre belle ballade nous attend avec "Summerdream" qui est par contre plus animée.
Défiant les règles de l'homogénéité, Arend Westra promène nos émotions d'un style à l'autre avec le très beau et cinématographique "Mount Kailash" où les roulements de grosses caisses imitent les descriptifs sonores déjà établis dans le domaine. Je pense entre autre à Mike Oldfield et à un Vangelis aux portes de sa célébrité. C'est une très belle pièce de musique qui suit une escalade copieusement arrosée par un synthé aux solos bien harmoniques. La pièce-titre est un solide rock électronique avec une vision très allégorique des synthétiseurs et des boîtes à rythmes. Il s'agit d'un titre vivant avec des effets de jeux d'arcades où tournoient et chantent, fort bien je dois admettre, ces solos qui sont aussi harmoniques qu'acrobatiques dans l'univers de “The Lost Kosmonaut”. Je sens une influence de Peter Mergener ici. Ce qui assez rare et c'est pour ça qu'on accroche assez vite à ce bon rock Berliner. "The Physics of Wormholes" priorise aussi une effervescence sonore avec des effets empruntés à l'univers de Jean-Michel Jarre et des nappes qui flottent comme celles de Vangelis sur une structure de rythme vivifiée par un bon jeu du séquenceur qui déploie une belle dose énergisante avec des ions qui frétillent comme des billes sur un convoyeur. "Martian Winter" est un autre bon titre. Lent, le rythme avance avec un maillage de pulsations séquencées qui me rappellent un peu le rythme évolutif de Johannes Schmoelling avec Wuivend Riet. Les nappes de synthé s'entrelacent dans une approche cosmique et séraphique dans ce qui, de loin, ressemble à un genre de communication par tambours entre peuples éloignés. "Deckard's Dream" est un titre rempli d'intensité avec des nappes poignantes qui sifflent avec leurs poussières de rouille orangée. Ambiante avec des implosions qui propulsent des mouvements secrets, la musique éparpille des phases de rythmes qui sont propulsées par des genres de lance-pierres où s'entassent des bancs d'émotivité. Des bribes d'harmonies vont et viennent dans cette structure monolithique, ajoutant plus de charmes à une musique dont on aurait aisément deviné la source d'origine. "The Last Page of the Book" termine une écoute assez agréable avec une approche très Tangerine Dream et d'une unification des fragrances des années vintages et des années MIDI. Après une introduction assez austère, une belle flûte chante sur un lit de séquences qui pétillent avec des soubresauts dans les élans fouettés. L'emprise d'une nappe de voix sombres ne cède aucun pouce alors que des filets de voix plus moirées donne un aspect sibyllin à cette chorale imbibée des armoiries de TD des années Exit. Sauf que derrière ce décor ronfle une structure de rythme qui explosera avec l'éveil du séquenceur et de splendides effets percussifs un peu après les 3 minutes, réservant le meilleur moment de “The Lost Kosmonaut” qui mérite certainement d'être soumis aux fans de Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre et Vangelis avec des éléments, autant dans les rythmes, les mélodies et les orchestrations, qui ne peuvent être reniés comme étant le bassin d'influences de Eagle (Synth.Music).

Sylvain Lupari 20/01/2018

samedi 20 janvier 2018

STAN DART: Supernova (2018)

“This is another solid album from Stan Dart who starts the activities 2018 of SynGate on the right foot”
1 Duality 9:11
2 Zero G 8:26
3 Supernova 8:16
4 Seed of Life 12:48
5 Supernova (Video Mix) (Bonus track) 4:02
6 Zero G (Alma Drone Mix) (Bonus track) 4:31

SynGate Wave SD04 (CD-r/DDL 47:17)
(EDM, E-Rock, Ambient)
Richard Hasiba fast became a very important pillar for the division Wave of the German label SynGate. The one that we discovered for his collaboration with Alien Nature, the album Accelerator in 2015, really put into gear in 4th speed with his concept album Ecclesia appeared last June. “Supernova” is an E.P. of about forty of minutes (sic!) that the Austrian musician offers as a contribution for the opening of the new ESO Supernova Planetarium situated near Munich, Garching to be more precise, in Germany. And as we know that Stan Dart likes a lively form of EM which is closer to Synth-pop, I try to make a link between the music of “Supernova” and the astronomical vocation of this new planetarium. But let us rather begin with the high-resolution 24 Bits format which SynGate offers on its Bandcamp download platform. A wonderful initiative! The sound attacks our ears with an incredible precision and a strength, that we can easily compare with the 2 bonus tracks offered in 16 Bits with the purchase of this EP that I would qualify somewhat as a complete album with its length of 39 minutes, and even more with the 2 bonus titles which lengthen the duration of 8 minutes. Yes, yes, but music?! It is as good as the sound can be awesome!
The creativity and the research in tones of Stan Dark is as meticulous as very magnetizing. Mounted on good percussive effects and lively percussions, "Duality" sets the tone with a good mid-tempo which can be danced rather well. The decor is multicolored by puny layers which moan such as cosmic cats while that arpeggios give some tonus to a rhythm which makes us skip on the spot, the ideas well planted in space. It's some good rock, with a rather funky presence I would say, where the elements of a music created of all pieces by synths and sequencers give phases of respite to old legs become soft. "Zero G" is divided in two parts. Its first 4 minutes are weaved in elements of atmospheres where cosmic voices and arpeggios tinkling as a xylophone of glass unite their diversity beneath a shower of good and very harmonious synth solos. An intensity increases its embrace on this ambiospherical opening, announcing a rhythmic rise which bursts with a 2nd heavy and dynamic part which has to nothing envy to the best of Moonbooter, or yet to Jean-Michel Jarre in his good flashes of his 2 Électronica albums. The Alma Drone Mix version favors the very furious rhythm, I believe that that more hits hard, of this 2nd part. Speaking of Jarre, the title-track feeds on his influences with a very cosmic vision on a steady rhythm of dance. Still here, the synth solos dominate a long structure of dance music. The Video Mix version is just more shortened and we can view and hear it here on Stan Dart's Web site. Elements of cosmic atmosphere revolve all around the rhythms of “Supernova”. And they dominate the space of "Seed of Life". Short rhythmic phases breathe here and there, adding a more musical dimension to this thick cloud of dark hummings which floats with slow oscillations in a linear movement. Layers of voices and some felted explosions excite the senses as much as the embryonic states of the rhythms reorientate the colors of the ambiences which pass from somber to a more translucent and less intimidating canvas as "Seed of Life" reaches its door on infinity.
The link?! Well Stan Dart manages to forge a cosmic universe around his rhythms which take stunning proportions on the 2 bonus tracks. The numerous synth solos are a surprise with this Berlin School approach whipped by good rhythms which are not too much draining for our eardrums. At this level, Richard Hasiba succeeds to find the right balance. It clicked for me when I was listening carefully the title-track. Then, nothing else could break the link. It's solid EM with a right vision of what Berlin School can bring to EDM. At the end, this is a very good album which starts the activities 2018 of SynGate on the right foot.

Sylvain Lupari (January 18th, 2018) ***¾**
You will find this album on SynGate Bandcamp site
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Richard Hasiba est vite devenu un pilier très important pour la division Wave du label Allemand SynGate. Celui que l'on a découvert pour sa collaboration avec Alien Nature, l'album Accelerator en 2015, a vraiment embrayé en 4ième vitesse avec son album concept Ecclesia paru en Juin dernier. “Supernova” est un E.P. d'une quarantaine de minutes (sic!) que le musicien Autrichien offre en contribution pour l'ouverture du nouveau planétarium ESO Supernova situé près de Munich, à Garching plus précisément, en Allemagne. Et comme on sait que Stan Dart affectionne une MÉ vivante qui est plus près de la Synth-Pop, je tente de faire un lien entre la musique de “Supernova” et la vocation astronomique de ce nouveau planétarium. Mais débutons plutôt avec la format haute résolution de 24 Bits que SynGate offre sur sa plateforme de téléchargement Bandcamp. Superbe initiative! Le son attaque nos oreilles avec une précision et une force inouïes, que l'on peut aisément comparer avec les 2 titres en prime offert à l'achat de cet EP que je qualifierais plutôt d'album avec sa longueur de 39 minutes, et même plus avec les 2 titres additionnels qui allongent la durée de 8 minutes. Oui oui, mais la musique? C'est aussi bon que le son peut être top notch!
La créativité et la recherche tonale de
Stan Dark est aussi minutieuse que très magnétisante. Serti sur de bons effets percussifs et de bonnes percussions entraînantes, "Duality" donne le ton avec un bon mid-tempo qui se danse plutôt bien. Le décor est bariolé de nappes chétives qui gémissent comme des chats cosmiques alors que des arpèges donnent du tonus à un rythme qui nous fait sautiller sur place, les idées bien plantées dans l'espace. C'est du bon rock, avec une présence assez Funk je dirais, où les éléments d'une musique créée de toutes pièces par synthés et séquenceurs donnent des phases de répit à de vieilles jambes devenues molles. "Zero G" est divisé en deux parties. Ses 4 premières minutes sont tissées dans des éléments d'ambiances où des voix cosmiques et des arpèges tintant comme un xylophone en verre unissent leur diversité sous une pluie de beaux solos de synthé très harmoniques. Une intensité accroit son emprise sur l'ouverture ambiosphérique de "Zero G", annonçant une montée rythmique qui éclate avec une 2ième partie lourde et vivante qui n'a rien à envier au meilleur de Moonbooter, ou encore Jean-Michel Jarre dans ses quelques flash lumineux de ses albums Électronica. La version Alma Drone Mix privilégie le rythme très endiablé, je crois que ça frappe plus fort, de cette 2ième partie. Parlant Jarre, la pièce-titre se nourrit de ses influences avec une vision très cosmique sur un rythme de danse soutenu. Encore ici, les solos de synthé dominent une longue structure de musique de danse. Sa version Vidéo Mix est juste plus écourtée et on peut l'entendre ici sur le site web de Stan Dart. Des éléments d'ambiance cosmique gravitent tout autour des rythmes de Supernova. Et ils dominent dans "Seed of Life". De courtes phases rythmiques respirent ici et là, ajoutant une dimension plus musicale à cette nuée de bourdonnements sombres qui flotte avec de lentes oscillations dans un mouvement linéaire. Des nappes de voix et des explosions feutrées excitent les sens autant que les états embryonnaires des rythmes réorientent les couleurs des ambiances qui passent du sombre à une toile plus translucide et moins intimidantes à mesure que "Seed of Life" atteint la porte de l'infini.
Le lien?! Eh bien Stan Dart réussit à forger un univers cosmique autour de ses rythmes qui prennent des proportions stupéfiantes sur les 2 titres en bonus. Les nombreux solos de synthé surprennent avec cette approche de Berlin School fouettée par de bons rythmes qui ne sont pas trop éreintant pour nos tympans. À ce niveau, Richard Hasiba réussit à faire la juste part des choses. C'est en écoutant attentivement la pièce-titre que le déclic s'est fait. Par la suite je n'ai plus cherché à vraiment comprendre. Un bel album qui démarre les activités 2018 de SynGate sur le bon pied.

Sylvain Lupari (18/01/2018)