mercredi 29 août 2018

SAYER: A Different Side of Normal (2018)

“A Different Side of Normal is a big step in Sayer's career who now can structures his rhythms with the use of many new synths. It turns out to be a strong E-Rock album”

1 New Horizons 6:46
2 Emergence 6:50
3 Progressions 6:16
4 Berliner 8:32
5 Motions 7:37
6 Onward 6:49
7 Open Spaces 6:35
8 On the Road 7:39
9 Intricacies 5:59
10 Enchanted by Thunder 6:28
11 When It Rains 7:22
Sayer Music (CD/DDL 76:57)
              **Chronique en français plus bas**
A kind of snoring precedes a slight movement of the sequencer which draws the lines of a beautiful ballad, a little like a lullaby, which contort in the dense anesthetic layers in mode charm, with a big C. Bass sequences sculpt a more pulsating movement and the layers unfold their orchestrations which are in mode extreme charm. Always with a big C! Although there are few ballads in this last opus of Sayer, the others being "Open Spaces" and the superb "Intricacies", "New Horizons" graciously gives the tone to “A Different Side of Normal”. Available in DDL and CD and built on 11 tracks with an average duration of 7 minutes, this latest work by the American synthesist offers a series of titles, very disconnected from each other, with rhythms which are constantly in motion. Over the past few years, Sayer Seely has built a good and comfortable home studio and has also stored a plethora of synths that are featured in this album, giving thus a sound texture not only very assorted but also quite different in tones from the cosmic moods of his first albums. New textures that sound astonishingly familiar to my ears. Despite this new depth in his compositions, we are indeed in the universe of Sayer here with an album of electronic rock well coated of some cosmic substances, sometimes even organic, slightly different and whose cinematic vision is better defined here than elsewhere in his other albums. And if I'd like to compare, I would associate “A Different Side of Normal” to the electronic rock side of Moonbooter as well as Nattefrost's first albums.
More representative of the next 70 minutes of “A Different Side of Normal”, "Emergence" offers a lot of movement within its 7 minutes. The sequencer activates nervously behind hoarse breaths which turn into huge synth caresses. These pads weave some very extraterrestrial harmonies with an air of apocalypse in the tones whereas the rhythm, febrile and atypical, mutates constantly in different races without obstacles. "Progressions" also proposes a cosmic environment but with a melodious approach more in the bucolic baroque kind. If the sequencer is juicy and dark, its rhythm is resonant and slow with good percussive effects, the synth melody salivates perfumes of distress well finalize between brightness and a more diaphanous filter.  The introduction of "Berliner" is striking. The synth lines are like those circular lights of a lighthouse with a strand of fatality in the tone on a furtive movement of the sequencer, amplifying even more this feeling of threat. The movement accelerates the pace, taking the shape of a good electronic rock with sequences which roll in madness. The layers floating with vampiric harmonies and the elusive rhythm which plays constantly on its speed, this "Berliner" has a little something very attractive and which constantly reminds me of something that I just can't identify. By the way, I had this perception in a few places in this Sayer album. But in the end, "Berliner" is a title that hooks the senses on its first listen, like some others in this “A Different Side of Normal”. I wouldn't say the same thing of "Motions" which lands with another moving structure where the sequencer uses its tones and colors to confuse our listening. The synths always launch monstrous melodious layers and veils with this zest of intensity and apprehension which marks the distance between this last album of Sayer compared to his others.
"Onward" offers a stationary rhythm that our fingers struggle to imitate, so much the velocity is fierce. The scenery is still very much like in a disaster movie with battles between humans and Aliens. Always on the move, the rhythm comes off in order to embrace a convulsive phase whose charm and daring don't escape the ear. "Open Spaces" is a good lunar ballad not too complicated with a very harmonious movement of the sequencer and whose infinite seraphic rise takes place under some good layers of a soft synth nebulous of its texture. In a more ambient rhythm, "On the Road" comes to us with percussion elements perfumed of Jean-Michel Jarre's Révolutions era. These effects remain vaporous and are pretexts for a seductive line of sequences which unfolds a fascinating spheroidal structure. The structure evolves within its parameters, offering a diversity in the colors of a synth still as creative as the sequencer. These elements flirt with an organic vision that will be more present in the evolution of "Intricacies", a little gem which reflects quite well the depth of its meaning. This strange electronic ballad breathes through a pulsating and circular rhythm that is rooted in an organic texture. The sound fauna is seductive and probably would not be so attractive without these tears and lines of synth which inject sound effects (at times I would believe to be in the bottom of an ocean), anesthetic layers and nebulous melodies. We hang on at the first listen of this title, while "Enchanted by Thunder" will seduce more by the richness of its melodious and apocalyptic synth pads. The sequencer feeds this perception very well with a line of sequences which resonates by its threatening hue, whereas another one traces a zigzagging course that has nothing to do with the ambiances of the title, giving this atypical depth to multiple developments in the rhythms of “A Different Side of Normal”. And how to finish an opus of this scale? By a title that stands out! "When It Rains" offers a seductive approach of a military genre with a strange parade unified by synth lines whose seraphic approach infiltrates the harmonies of a victorious Goblin army. At ease in its convoluted structures, the sequencer picks up these percussions that have shaken a little the universe of "Enchanted by Thunder" in order to create a more compact than complex structure which is at the origin of the many charms of “A Different Side of Normal”. Charms with a big C!
Sylvain Lupari (August 29th, 2018) *****
Available on Sayer Bandcamp

                                   CHRONIQUE en FRANÇAIS

Un genre de ronflement précède un léger mouvement du séquenceur qui trace les lignes d'une superbe ballade, un peu comme une berceuse, qui se contorsionne dans les denses nappes anesthésiantes en mode charmes avec un gros C. Des basses séquences sculptent un mouvement plus pulsatoire et les nappes déploient leurs orchestrations qui sont en mode charme extrême. Toujours avec un gros C! Bien qu'il y ait peu de ballades dans ce dernier opus de Sayer, les autres étant "Open Spaces" et le superbe "Intricacies", "New Horizons" donne gracieusement le ton à “A Different Side of Normal”. Disponible en DDL et en CD et monté sur 11 titres d'une durée moyenne de 7 minutes, ce dernier ouvrage du synthésiste Américain propose une série de titres, très disconnectés les uns des autres, avec des rythmes qui sont constamment en mouvements. Au fil des dernières années, Sayer Seely s'est construit un très beau et confortable studio et a aussi emmagasiné une pléthore de synthés qui sont en vedette dans cet album, donnant ainsi une texture sonore non seulement très diversifiée mais aussi assez différente des ambiances cosmiques de ses premiers albums. Des textures nouvelles qui sonnent étonnement familier à mes oreilles. Malgré cette nouvelle profondeur dans ses compositions, nous sommes bel et bien dans l'univers du synthésiste Américain avec un album de rock électronique bien enrobé d'une substance cosmique, parfois même organique, légèrement différente et dont la vision cinématographique est mieux définie ici qu'ailleurs dans ses autres albums. Et si je voudrais faire dans du comparatif, j'associerais “A Different Side of Normal” au côté rock électronique de Moonbooter ainsi qu’au début de carrière de Nattefrost.
Plus représentatif des 70 prochaines minutes de “A Different Side of Normal”, "Emergence" propose beaucoup de mouvements à l'intérieur de ses 7 minutes. Le séquenceur s'active nerveusement derrière des souffles rauques qui se transforment en immense nappes synthé. Ces nappes tissent des harmonies très extra-terrestres avec un air d'apocalypse alors que le rythme, fébrile et atypique, mute constamment en différentes courses sans obstacles. "Progressions" propose aussi un décor cosmique mais avec une approche mélodieuse plus dans le genre baroque bucolique. Si le séquenceur est juteux et noir, son rythme est résonnant et lent avec de bons effets percussifs, la mélodie du synthé écume des parfums de détresse bien fignolés entre la luminosité et un filtre plus diaphane. L'introduction de "Berliner" est fumante. Des lignes de synthé ondoient comme les lueurs circulaires d’un phare avec un brin de fatalité dans le ton sur un mouvement furtif du séquenceur, amplifiant encore plus cette sensation de menace. Le mouvement accélère la cadence, épousant un bon rock électronique avec des séquences qui roulent en folie. Les nappes flottant avec des harmonies vampiriques et le rythme insaisissable qui joue constamment sur sa vitesse, ce "Berliner" a un petit quelque chose de bien séduisant et me rappelle constamment un truc que je n'arrive pas à identifier. D'ailleurs, j'ai eu cette perception à quelques endroits dans cet album de Sayer. Mais au final, "Berliner" est un titre qui accroche dès sa première écoute, comme quelques autres dans ce “A Different Side of Normal”. Je ne dirais pas la même chose avec "Motions" qui débarque avec une autre structure en mouvement où le séquenceur utilise ses tons et ses couleurs afin de bien confondre notre écoute. Les synthés lancent toujours de monstrueuses nappes mélodieuses avec ce zest d'intensité et d'appréhension qui marque la distance entre ce dernier album de Sayer par rapport à ses autres.
"Onward" propose un rythme stationnaire que nos doigts peinent à imiter, tant la vélocité est féroce. Le décor fait encore très film de catastrophe avec des combats entre humains et Aliens. Toujours en mouvement, le rythme se détache pour embrasser une phase convulsive dont le charme et l'audace n'échappent pas à l'oreille. "Open Spaces" est une belle ballade lunaire pas trop compliquée avec un mouvement très harmonieux du séquenceur et dont l'infinie ascension séraphique se déroule sous de belles nappes d'un synthé tendre et nébuleux de sa texture. Dans un rythme plus ambiant, "On the Road" nous arrive avec des éléments de percussions parfumés de l'ère Revolutions de Jean-Michel Jarre. Ces effets restent vaporeux et sont prétextes pour qu'une séduisante ligne de séquences déroule une fascinante structure sphéroïdale. La structure évolue à l'intérieur de ses paramètres, offrant une diversité dans les couleurs d'un synthé toujours aussi créatif que le séquenceur. Ces éléments flirtent avec une vision organique qui sera plus présente dans l'évolution de "Intricacies", un petit bijou qui reflète assez bien la profondeur de son sens. Cette étrange ballade électronique respire par un rythme pulsatoire et circulaire qui est enraciné dans une texture organique. La faune sonore est séduisante et ne serait sans doute pas si attrayante sans ces larmes et ces lignes de synthé qui injectent effets sonores (par moments je me croirais dans le fond d'un océan), nappes anesthésiantes et mélodies nébuleuses. On accroche tout de go à la première écoute de ce titre, alors que "Enchanted by Thunder" séduira plus par la richesse de ses nappes de synthé à la fois mélodieuses et apocalyptiques. Le séquenceur alimente très bien cette perception avec une ligne de séquences qui résonnent de sa teinte menaçante, alors qu'une autre trace un parcours zigzagant qui n'a rien à voir avec les ambiances du titre, donnant ainsi cette profondeur atypique aux multiples évolutions dans les rythmes de “A Different Side of Normal”. Et comment terminer un opus de cette envergure? Par un titre qui s'en démarque! "When It Rains" propose une séduisante approche d'un genre militaire avec une étrange parade unifiée par des lignes de synthé dont l'approche séraphique infiltre les harmonies d'une armée de Gobelins victorieux. À l'aise dans ses structures alambiquées, le séquenceur ramasse ces percussions qui secouaient un peu l'univers de "Enchanted by Thunder" afin de créer une structure plus compacte que complexe qui est à l'origine des nombreux charmes de “A Different Side of Normal”. Charmes avec un gros C!

Sylvain Lupari 29/08/18

lundi 27 août 2018

DAVID WRIGHT: Stranger Days (2018)

“Stranger Days presents David Wright's nearly 30-year of career in a strong double album where all styles and years coexist inside the same artwork”
CD 1 75:50
1 A Moment’s Contemplation 3:04
2 Re-Connected 7:34
3 Beyond Glass Mountains 5:20
4 Walking with Ghosts Fantasy 6:59
5 Krystal Halls 6:24
6 Always Tomorrow 4:35
7 Once Upon a Dream 6:16
8 Stranger Days (Parts 1-7) 35:10
CD 2 77:47
9 Rysheara (2018 version) 8:40
10 Call to Me (2018 remix) 8:43
11 Walking with Ghosts (Chilled remix) 5:10
12 Melt Away 6:16
13 Harmonic Heaven (Parts 1 & 2) 13:50
14 Light Source (Parts 1 & 2) 10:51
15 Colours of the Night 4:40
16 The Forgotten Symphony (Movements 1-4) 19:24
AD Music | AD188CD (CD/DDL 153:37)
(Berlin & England Schools, New Age)
  **Chronique en français plus bas**
What makes a new David Wright album a highly anticipated event in EM circles? However, the friendly English musician has nothing to do with the Berlin School style for a long time. Moreover, his very melodious and symphonic approach, which I consider equal to that of Vangelis since the album Direct published in 1988, led him to flirt with the borders of a New Age worthy of the voracity of the media and the public American. Yet despite this approach, his albums follow each other and show much more depth than New Age. Expected for a long time, and repeatedly postponed, “Stranger Days” is still the umpteenth proof. Behind a flawless production driven by arrangements as intricate as highly stigmatized in the crystal of emotions, this imposing double album is in fact an improbable overview of the career of the greatest melodist in EM. Through some new pieces of music and long concept tracks that will amaze on a first listen and will seduce on each new one, also are hiding old titles and some recent ones that have been reworked to the full satisfaction of this artist who is behind this wave of the England School style in the mid-80's.
This new adventure begins with the slow astral flight of tender layers full of seraphic violins of "A Moments' Contemplation". Composed specifically like the desired opening of “Stranger Days”, the music reflects the spirit of its title with a contemplative vision composed with the idea of igniting the flame of our emotions from the first moments of this double album. It's almost successful. Otherwise, it's an excellent prelude to the superb and very catchy "Re-Connected" that was on the EP Walking with Ghosts (The Remixes), made in early June 2018. The titles "Walking with Ghosts Fantasy" and "Walking with Ghosts (Chilled remix)" were also part of this 40-minute auditory adventure. I wasn't really sure, I don't have the artwork beneath my eyes, but it seemed to me that I had already heard "Beyond Glass Mountains". And that's true since it's a reworked version of Glass Mountains appeared on Ocean Watch. The version proposed here is more orchestral with new electronic effects and the sweet voice of Carys gives a depth to this title became more heavenly. A very New Age lunar ballad! "Krystal Halls" is a title composed with Klaus Hoffmann-Hoock which was interpreted by Code Indigo on the album E-Scape 2018. Now, let's talk about the new music! "Always Tomorrow" is a sweet electronic ballad typical of David Wright's signature. Beautiful and catchy, we can't just not like its simplicity. Probably inspired by the Miramar years of Tangerine Dream, with its effects of sweet and distant voices and its bongos, "Once Upon a Dream" is also in the well-known David's register with a nervous rhythm encircled by multiple synth textures including one with saxophone aromas which is charmer of senses. From the top of its 35 minutes and its 7 parts, the title-piece is a real monument of modern EM where rhythm, atmosphere and melody flirt in an environment where multiple sound effects are as synonymous of researches and as well dosed. A cosmic breeze lands on a sequencer which sculpts a slow and ominous pulsating rhythm. Sonic filaments whirl around this opening, drifting into a black hole where sound beings are formed. Intense, the slow procession is covered with a layer of tones that a synth pierces with its melodious approach. This synth goes on with its solos and harmonies in a second part whose rhythm takes more shape and turns into a mini Silver Scale of Tangerine Dream. Guitar riffs whip this very Berlin School rhythmic invasion that rolls like a train going up a hill. Tinkling and seductive percussive effects give tonus to this structure well decorated by solos that roll in loops and in effects that give it a slightly spicy velvet texture. We arrive at Part 4 and the rhythm is always hypnotic in a sonic uproar that keeps us awake and keeps our ears on the alert. Coated of orchestral layers a little more melodious, the part 5 keeps its rhythmic instinct which will gradually fade out in the ambiances of the 7th part. An epic title which shows that David Wright can be at ease as much as in the melodic structures easy to commercialize than in a very good Berlin School visited with a creative approach. We get a grip on ourselves and put the CD 2 in the player.
That's with a revamped version of an old David Wright's classic that awaits our ears. Performed in concert, "Rysheara (2018 version)" evolves in electronic rock mode well played and where the synth of David Wright and the guitar of Lee Morant exchange very good solos. The identity of the original title, which appears on the Dissimilar Views album, is almost intact, even in its more rock approach and stretched out of more than 3 minutes. "Call to Me (2018 remix)" is already in its third remix since it was released on Beyond the Airwaves Volume 2. It's still a light track, Carys' voice goes very well with David Wright's ethereal harmonies, very close to the borders of Enigma, just like "Melt Away", and which also has some Lounge or Chill Out essences. "Harmonic Heaven (Parts 1 & 2)" bears the colors of its title with a slow exploration in an astral universe. Voices of nymphs from the heavens adorn a landscape of celestial ambiences that reach back to our ears with slow movements of violins, leading a semi-nervous and semi-controlled rhythm with a good mesh of sequences and percussions in the 2nd part. That remains a symphonic music that befits well in the territories of an ambient New Age. "Light Source (Parts 1 & 2)" is on the other hand more animated and loaded with good synth solos whose signature of David Wright is undeniable. The music switches to a good rock with an amazing play of percussions. The harmonies are woven by the continuous presence of solos and David puts down here and there effects that constantly charm the listening, including one where the movement of percussion stumbles. It's very close to David Wright's first albums. The second part exposes a violin texture in the solos and the rhythm breathes more of its heaviness with a good presence of the bass. Taken out, in order to have a sonic surgery, from the Marylinmba album back in 1998, "Colors of the Night" is another good electronic ballad with a synth whose violins and flute harmonies are very poignant. A unique ballad in the very romantic style of David Wright. Arranged with Robert Fox, "The Forgotten Symphony (Movements 1-4)" completes this massive work with a music gently animated by an ambient vision. The rhythm barely breathes with a bass sequences' pattern and a bass line behind the barrage of violins where some fragile piano notes are preludes to harmonious passages, including this nice peasant flute with the bucolic charms of The Keep. Provided with beautiful winks to the great masters of EM, the music is based on intense orchestrations lying by a very emotional play of the Mellotron. And when it's not this Mellotron flute that assails our emotions, it's the piano that triturates them with excellent passages just as poignant. Original sound effects, such as the laughing laughter of a strange bird or the clatter of a deregulated clock, adorn this fascinating procession which ends with a clannish dance approach and a strong oriental fragrance.
Monumental in all aspects, this “Stranger Days” presents David Wright's nearly 30-year of career in a solid double album where all styles and years coexist inside the same artwork. Around 16 tracks and more than 2:30hrs of music, David Wright displays his immense melodic talent in a music which flirts bluntly between the borders of Easy Listening, New Age, England School and Berlin School with a little more creative zest in long structures, especially in "Stranger Days (Parts 1-7)". Without being essential, the remixes are quite delicious to the ears. But aren't those small details that make of a new album of David Wright a highly anticipated event in the circles of the EM?
Sylvain Lupari (August 27th, 2018) ****½*
Available on AD Music web store

                              CHRONIQUE en FRANÇAIS

Qu'est-ce qui fait qu'un nouvel opus de David Wright soit un évènement très attendu dans les cercles de la MÉ? Pourtant, le sympathique musicien Anglais n'a rien à voir avec le style Berlin School depuis longtemps. D'ailleurs son approche très mélodieuse et symphonique, que je considère égale à celle de Vangelis depuis l'album Direct paru en 1988, l'a amené à flirter avec les frontières d'un New Age digne de la voracité des médias et du public américain. Pourtant et malgré cette approche, ses albums se suivent et démontrent nettement plus de profondeur que le New Age. Attendu depuis fort longtemps, et maintes fois reporté, “Stranger Days” en est encore l'ixième preuve. Derrière une production sans failles conduite par des arrangements aussi alambiqués que très stigmatisés dans du cristal d'émotions, cet imposant album double est en fait un improbable survol de la carrière de celui qui a fondé le label AD Music. Au travers quelques nouveautés et de longs titre-concepts qui étonneront à la 1ière écoute et séduiront à chaque nouvelle, se cachent aussi de vieux titre et d'autres plus récents qui ont été retravaillé jusqu'à l'entière satisfaction de cet artiste qui est derrière la vague de la England School du milieu des années 80.
Cette nouvelle aventure débute avec la lente envolée astrale des tendres nappes de violons séraphiques de "A Moments' Contemplation". Composée spécifiquement comme l'ouverture souhaitée de “Stranger Days” la musique reflète l'esprit de son titre avec une vision contemplative composée avec l'idée d'allumer la flamme de nos émotions dès les premiers instants de ce double album. C'est quasiment réussi. Sinon, c'est un excellent prélude au superbe et très accrocheur "Re-Connected" qui était sur le E.P. Walking with Ghosts (The Remixes), réalisé en début Juin 2018. Les titres "Walking with Ghosts Fantasy" et "Walking with Ghosts (Chilled remix)" faisaient aussi parti de cette aventure auditive de 40 minutes. Je n'étais pas vraiment certain, je n'ai pas la pochette sous les yeux, mais il me semblait que j'avais déjà entendu "Beyond Glass Mountains". Et c'est vrai puisqu'il s'agit d'une version retravaillée de Glass Mountains qui figure sur Ocean Watch. La version proposée ici est plus orchestrale avec des nouveaux effets électroniques et la suave voix de Carys qui donne toute une profondeur à ce titre devenu plus céleste. Une ballade lunaire très New Age! "Krystal Halls" est un titre composé avec Klaus Hoffmann-Hoock qui fut interprété par Code Indigo sur l'album E-Scape 2018. Maintenant, place au nouveau matériel! "Always Tomorrow" est une douce ballade électronique typique à la signature de David Wright. Belle et accrocheuse, on ne peut ne pas aimer sa simplicité. Sans doute inspiré des années Miramar de Tangerine Dream, avec ses effets de voix suaves et lointaines et ses bongos, "Once Upon a Dream" est aussi dans le registre très connu du musicien Britannique avec un rythme nerveux encerclé par de multiples textures de synthé dont une aux arômes de saxophone charmeur de sens. Du haut de ses 35 minutes et de ses 7 parties, la pièce-titre est un véritable monument de MÉ moderne où rythme, ambiance et mélodie flirtent dans un environnement où les multiples effets sonores sont autant synonymes de recherche que bien dosés. Une brise cosmique atterrit sur un séquenceur qui sculpte un rythme pulsatoire lent et sinistre. Des filaments soniques tournoient autour de cette ouverture, dérivant dans un trou noir où se forment des êtres de sons. Intense, la lente procession se recouvre d'une nappe de tons qu'un synthé perce de son approche mélodieuse. Ce synthé poursuit sa route avec ses solos et ses harmonies dans une 2ième partie dont le rythme prend plus sa forme et se transforme en un mini Silver Scale de Tangerine Dream. L'intensité est encore plus cinématographique avec une légère accélération du rythme qui grimpe par secousses dans l'ombre de cognements insistants et dans ces effets qui cisaillent une texture minimaliste et hypnotique tout au long de son processus introductif. Des riffs de guitare flagelle cette invasion rythmique très Berlin School qui roule comme un train montant une colline. Des tintements et de séduisants effets percussifs donnent du tonus à cette structure bien décorée par des solos qui tournent en boucles et des effets qui lui donnent une texture de velours légèrement piquant. On arrive à la partie 4 et le rythme reste toujours hypnotique dans un tintamarre sonique qui nous tient éveillé et qui garde nos oreilles sur le qui-vive. Enduit de nappes orchestrales un peu plus mélodieuses, la partie 5 garde son instinct rythmique qui se fanera graduellement dans les ambiances de la 7ième partie. Un titre épique qui démontre que David Wright peut faire autant de structures mélodiques faciles à commercialiser comme du très bon Berlin School visité avec une approche créative. On reprend nos esprits et on met le CD 2 dans le lecteur.
C'est une version revampé d'un vieux succès de David Wright qui attend nos oreilles. Interprété en concert, "Rysheara (2018 version)" évolue en mode rock électronique bien joué où le synthé et la guitare de Lee Morant s'échangent de très bon solos. L'identité du titre original, qui figure sur l'album Dissimilar Views, est quasi intacte, même dans son approche plus rock et étirée de plus de 3 minutes. "Call to Me (2018 remix)" en est déjà à son 3ième remix depuis sa parution sur Beyond The Airwaves Volume 2. Ça reste un titre léger, la voix de Carys va à merveille avec les harmonies teintées d'éther de David Wright, qui est aussi très près des frontières d'Enigma, tout comme "Melt Away", et qui possède aussi des essences de Lounge ou de Chill Out. "Harmonic Heaven (Parts 1 & 2)" porte les couleurs de son titre avec une lente exploration dans un univers astral. Des voix de nymphes des cieux ornent un paysage d'ambiances célestes qui remontent jusqu'à nos oreilles avec de lents mouvements de violons, conduisant un rythme semi-nerveux, semi-contrôlé par un bon maillage de séquences et de percussions dans la 2ième partie. Ça reste une musique symphonique qui sied bien dans les territoires d’un New Age ambiant. "Light Source (Parts 1 & 2)" est en revanche plus animé et pourvu de bons solos de synthé dont la signature de David Wright est indéniable. La musique permute en un bon rock avec un étonnant jeu de percussions. Les harmonies sont tissées par la présence continue des solos et David pose ici et là des effets qui charment constamment l'écoute, dont celui où le mouvement des percussions trébuche. C'est très proche des premiers albums de David Wright. La 2ième partie expose une texture de violon dans les solos et le rythme respire plus sa lourdeur avec une bonne présence de la basse. Soutiré, afin d'avoir une chirurgie sonique, de l'album Marilynmba, sorti en 1998,"Colours of the Night" est une autre belle ballade électronique avec un synthé dont les nappes de violons et les harmonies flûtées sont très poignantes. Une ballade unique au style très romancé de David Wright. Arrangé avec Robert Fox, "The Forgotten Symphony (Movements 1-4)" termine cette œuvre massive avec une musique doucement animée par une vision ambiante. Le rythme respire à peine avec une séquence basse et une ligne de basse derrière ce barrage de violons où se posent de fragiles notes de piano qui sont les préludes à des passages harmonieux, dont cette superbe flûte paysanne aux charmes bucoliques à The Keep. Parsemée de superbes clins d'œil aux grands maîtres de la MÉ, la musique repose sur d'intenses orchestrations couchées par un jeu très émotif du Mellotron. Et lorsque ce n'est pas cette flûte de Mellotron qui assaille nos émotions, c'est le piano qui les triture avec d'excellents passages tout aussi poignants. Des effets sonores originaux, comme des rires moqueurs d'un étrange oiseau ou des cliquetis d'une horloge dérèglée, ornent cette fascinante procession qui se termine avec une approche de danse clanique et un fort parfum oriental.
Monumental dans tous les aspects, “Stranger Days” nous présente les presque 30 ans de carrière de David Wright dans un solide double album où tous les styles et les ans cohabitent à la même enseigne. Autour de 16 titres et plus de 2:30hres de musique, David Wright fait un étalage de son immense talent de mélodiste dans une musique qui flirte sans ambages entre les frontières du Easy Listening, du New Age, de l'England School et du Berlin School avec un petit zest de créativité plus poussé dans de longues structures, notamment dans "Stranger Days (Parts 1-7)". Sans être essentiels, les remixes sont tout à fait délicieuses aux oreilles. Mais n'est-ce pas ces petits détails qui font qu'un nouvel opus de David Wright soit un évènement très attendu dans les cercles de la MÉ?
Sylvain Lupari 27/03/18 

vendredi 24 août 2018

CHRIS RUSSELL: Echo (2018)

“From the void, came the sound. This music is an experience with the intention to take the listener on a Journey”

1 Echoes 2:57
2 Radium 6:05
3 Orix 4:46
4 Varuna 6:40
5 Nilium 3:24
6 Sparse 10:56
7 Odjek 8:31
8 Transverter 4:32
9 Abandoned 13:20
(Experimental Ambient Music)
  **Chronique en français plus bas**
From the void, came the sound. This music is an experience with the intention to take the listener on a journey” These words come from Chris Russell when he talks about his latest album, “Echo”. And we can't that the man is off the track! But which journey exactly? Carved around unlikely and barely recognizable sounds, “Echo” is indeed a journey into the land of tones where the colorful sounds, created from A to Z by the imagination of the American musician, merge into an astonishing symphony of experimental ambient music. The ears are put to the test for at least the half of this album with titles created in a cinematic vision that would go quite well with the science-fiction world of Ridley Scott, if not horror or fantasy as in the film scenes such as Legend, Prometheus and Alien. An imagination in good shape that hears the corridors of spaceships rumbling of mystery through a clever mix of tones and atmospheres stuffed with sonic granules from another dimension. An openness and understanding of Chris Russell's artistic approach is therefore essential if one wants to travel comfortably in the depths of “Echo”. And it doesn't start easily!
A beating slumps, like a heavy step of a giant, and a sound fauna, torn between the sibylline approach of the synth waves and the melting of tonal metals, broadens its horizons with a strange experience of a suspense or science-fiction movie. The thematic is intense with these big blows well scheduled in the 3 minutes of ''Echoes'' where my ears hear the whispers and the brouhahas from the lair of Drakness, the Beast in the Legend movie. From this kind of cinematic ambience, we dive into a storm on Mars with the introduction of "Radium" which becomes more musical with its two phases of concertos for chimes. "Orix" extends its bed of industrial buzzes filled by tones of discrete cracklings and of the echo effects in the multiplication of drone lines. The softness of "Varuna", whose jingles of various gongs and Tibetan percussions remind me of the good moments of Ray Lynch in Deep Breakfast, tempers a little this climate of tension that emanates from the first titles of “Echo”. The tone is always straddling metal screeches, aquatic murmurs and synth waves that you have to imagine. The texture of percussive effects and of anesthetic mists gives it this fascinating morphic softness. I enjoyed this title to his third listening, so everything is possible along the discoveries of this second album of Chris Russell on Spotted Peccary. After a "Nilium" made of cavernous breezes and dramatic effects in the thrust of stratified lines of iodine dust, "Sparse" will reconcile lovers of music more ... let say more musical with a nice structure reminiscence of Robert Rich where the rhythm, always ambient, is animated by good percussions whereas the atmospheres transit between the worlds of Robert Rich, Steve Roach for the stars in the night and Erik Wollo for the coldness in the intensity. A very good title that sways the rest of “Echo” in a second part where the ambient music is more accessible. And even if "Odjek" and its strata stigmatized in the mooing of the blue steel can make the ears squeak. "Transverter" is carved a little in the mold of "Nilium", but it's just the cavernous breezes and edible sound granules that fill the ambiences slightly variegated of unique sound effects. "Abandoned" ends “Echo” with an approach aimed to the most fertile imaginations. Very edible to the ears, the music breathes these waves of serenity driven by desert winds. On the other hand, the moods are tinted with a vision of an abandoned society. A ghost town where drag wandering dogs and roar the ghosts of the past whose worn-out murmurs are lost in the movement of the winds. Sometimes sibylline and at times very dreamlike, "Abandoned" shows how comfortable Chris Russell can be at ease in superb movements that have nothing to envy to master Steve Roach. In the end, and all things considered, “Echo” is worth discovering in full because its best moments can also spring in its darkest and most experimental textures.
Sylvain Lupari (August 24th, 2018) ***½**
Available on Spotted Peccary Webshop and Bandcamp

                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Du vide, est venu le son. Cette musique est une expérience destinée à emmener l'auditeur dans un voyage” Ces propos viennent de Chris Russell lorsqu'il parle de son dernier opus, “Echo”. Et on ne peut pas dire qu'il est à côté de la track! Mais de quel voyage au juste? Sculpté autour de sons improbables et à peine reconnaissables, “Echo” est effectivement un voyage dans le pays des tons où les sons bigarrés, créés de toutes pièces par l'imaginaire du musicien américain, finissent par se fusionner en une étonnante symphonie de musique ambiante expérimentale. Les oreilles sont mises à l'épreuve pour au moins la moitié de cet album avec des titres créés dans une vision cinématographique qui iraient assez bien avec l'univers de science-fiction de Ridley Scott, sinon d'horreur ou de fantaisie comme dans les ambiances de films tel que Legend, Prometheus et Alien. Une imagination en bonne forme qui entend les couloirs des vaisseaux spatiaux grondés de mystère par un habile mélange de tons et d'atmosphères bourrés de granules sonores d'une autre dimension. Une ouverture d'esprit et une compréhension de l'approche artistique de Chris Russell est donc essentielle si on veut voyager confortablement dans les profondeurs de “Echo”. Et ça ne démarre pas facilement!
Un battement s'affaisse comme un pas lourd et une faune sonore, partagée entre l'approche sibylline des ondes et la fonte de métaux tonals, élargie ses horizons avec une étrange expérience de cinéma de suspense ou de science-fiction. La thématique est intense avec ces gros cognements bien cédulés dans les 3 minutes de "Echoes" où mes oreilles entendent les murmures et les brouhahas des ambiances du repaire de Darkness, la Bête dans le film Legend. De ce genre d'ambiances cinématographiques, nous plongeons dans une tempête sur Mars avec l'introduction de "Radium" qui devient plus musical avec ses deux phases de concertos pour carillons. "Orix" étend son lit de bourdonnements industriels remplis de tonalités de discrets grésillements et d'effets d'écho dans la multiplication des lignes de drones. La douceur de "Varuna", dont les tintements de divers gongs et de percussions Tibétaines me rappellent les bons moments de Ray Lynch dans Deep Breakfast, tempère un peu ce climat de tension qui émane des premiers titres de “Echo”. La tonalité est toujours à cheval entre des crissements de métaux, des murmures aquatiques et des ondes de synthé qu'il faut imaginer. La texture des effets percussifs et des brumes anesthésiantes lui donne cette fascinante douceur morphique. J'ai apprécié ce titre vers sa 3ième écoute, donc tout est possible au long des découvertes de ce 2ième album de Chris Russell sur Spotted Peccary. Après un "Nilium" fait de brises caverneuses et d'effets dramatiques dans la poussée des lignes stratifiées de poussière d'iode, "Sparse" saura réconcilier les amateurs d'une musique plus...disons plus musicale avec une belle structure à la Robert Rich où le rythme, toujours ambiant, est animé par de belles percussions alors que les ambiances transitent entre les univers de Robert Rich, Steve Roach pour les étoiles dans la nuit et Erik Wollo pour la froideur dans l'intensité. Un très bon titre qui fait balancer le reste de “Echo” dans une 2ième partie où la musique ambiante est plus accessible. Et ce même si "Odjek" et ses strates stigmatisées dans le bleu acier meuglant peut faire grincer des oreilles. "Transverter" est sculpté un peu dans le moule de "Nilium", mais ce sont juste les brises caverneuses et les granules de sons comestibles qui remplissent des ambiances un peu bariolées d'effets sonores uniques. "Abandoned" termine “Echo” par une approche destinée aux imaginations les plus fertiles. Très comestible pour les oreilles, la musique respire ces flots de sérénité poussés par des vents du désert. Par contre, les ambiances sont teintées par une vision d'une société abandonnée. Une ville fantôme où trainent des chiens errants et mugissent les fantômes du passé dont les murmures usés se perdent dans les mouvements des vents. Tantôt sibyllin et par moments très onirique, "Abandoned" démontre à quel point Chris Russell peut être à l'aise dans de superbes mouvements qui n'ont rien à envier au maître Steve Roach. Au final, et tout bien considéré, “Echo” vaut la peine d'être découvert au complet puisque ses meilleurs moments jaillissent aussi dans ses textures les plus sombres et les plus expérimentales.

Sylvain Lupari 23/08/18

jeudi 23 août 2018

STEVE ROACH: Electron Birth (2018)

“That's got to be a wonderful trip in time where Traveler and Empetus were going to guide the destinies of Dreamtime Return, of the Electron Birth”

1 Electron Birth 54:49
2 Cloud Currents 12:14
Timeroom Editions ‎– TM45
  **Chronique en français plus bas**
While he was giving his concert to celebrate the 30th anniversary of Dreamtime Return, Steve Roach also performed nearly an hour of additional music in front of his fans. “Electron Birth” is the result of this overflow of creativity from the leader of the Pacific School. Empetus and Stormwarning were monuments of rhythms driven by crazy sequencers. Subsequently, Steve Roach scattered his few sequencer-based style opuses in his impressive discography. I think of Life Sequence, Storm Surge: Live at NEARfest, Proof Positive and a few others that I could forget. But in recent years, the American musician-synthesist surprised us by reintroducing works pushed by sequencers, sometimes soft sometimes ambient and sometimes violent as with Skeleton Keys, Live in Tucson: Pinnacle Moments and some segments in albums such as Spiral Revelation or Emotion Revealed. But Nothing like in here. In this last monument of rhythm pushed by a sequencer in madness; Electron Birth. Except that this time, the title track of "Electron Birth" propels us in the main axes of Empetus and Stormwarning, at this time when Steve Roach could compete hand high with the masters of the genre of the Berlin School style.
The synth wave has just risen that already is swarming a feverish rhythmic membrane sculpted by a sequencer and a furious oscillating line of bass sequences whose keen dancing chords succeed each other at such a speed that we think to hear two lines. Already a little subtlety in this rhythmic decor catches the movement which presents a continuous flow of lively chords where some are struggling to follow this furious linear dance. Other sequences and other lines of sequences get grafted here, structuring a rare mosaic of multi sequenced lines which interact with the different flows and/or slightly modified cadences. And those who think about this furious rhythmic flow that ended Poland with the Horizon finale, that's exactly what "Electron Birth" is made of. Except here, the flow is sustained throughout its 55 minutes. Quieter moments are in 2 or 3 places, except that the rhythm remains nervously floating with chords which sizzle or flicker on the spot, waiting for the docking of another rhythm structure. The rhythmic multi layers of "Electron Birth" are carved in a minimalist vision whose snags, stumbling chords or yet another exit of the rhythmic highway mitigates a rate that will be vivified again a few oscillating loops further. This tapestry of incessant rhythms flows with such fluidity in its changes of direction that even the more ambient phases fly like dragonfly wings in the eye of a living kaleidoscope. This giant minimalist skeleton doesn't generate any moment of weariness or boredom since Steve Roach adjusts the pace after brief encounters with more morphic synths, like the 24th to the 27th minute when "Electron Birth" takes a more organic texture in a cadence reoriented towards a clanic trance spirit to burn the soles of the feet. A pure genius track that must end one of these days and it's done smoothly from the 50th minute when the last beats of the sequencer are dying in these anesthetic synth layers unique to the signature of Steve Roach. And it's a bit what is "Cloud Currents"; a long breeze of ambient elements which clings to the last shivers of "Electron Birth" in order to explore another level where Roach excels. Be the music of ambiences, with a nice intensity in its first 8 minutes where layers of synths scream to the moon before offering their sweetness by a symphony of cavernous breezes.
We must remember this 30th anniversary of Dreamtime Return, because Steve Roach has put us the ears full with two opuses of an EM in tune with all our greediness and our expectations. Even those that some didn't expect any more, like this "Electron Birth" and especially of its title-track. A trip back in time, in these beautiful years where Traveler and Empetus were going to guide the destinies of Dreamtime Return. Memorable!
Sylvain Lupari (August 22nd, 2018) *****
Available on Steve Roach Webshop and/or Bandcamp

                                           CHRONIQUE en FRANÇAIS

Lors de son concert afin de célébrer le 30ième anniversaire de Dreamtime Return, Steve Roach a aussi performé près d'une heure de musique additionnelle devant ses fans. “Electron Birth” est le résultat de ce trop-plein de créativité du leader de la Pacific School. Empetus et de Stormwarning ont été des monuments pour les rythmes montés sur des séquenceurs fous. Par la suite, Steve Roach éparpillait ses quelques œuvres du même genre dans son imposante discographie. Je pense entre autres à Life Sequence, Storm Surge: Live at NEARfest, Proof Positive et quelques autres que j'ai pu oublier. Mais dans les dernières années, le musicien-synthésiste Américain nous a surpris en réintroduisant des œuvres menées par des séquenceurs, parfois doux tantôt ambiants et parfois violents comme avec Skeleton Keys, Live in Tucson: Pinnacle Moments et de longs segments dans des albums tel que Spiral Revelation ou encore Emotion Revealed. Mais aucun d'entre eux n'a atteint le niveau proposé ici. Donc, voici son dernier monument de rythme poussé par un séquenceur en folie;
"Electron Birth". Sauf que cette fois-ci, la pièce-titre de “Electron Birth” nous propulse dans les grands axes d'Empetus et de Stormwarning, à cette époque où Steve Roach pouvait faire compétition la main haute avec les maîtres du genre dans le style Berlin School.
L'onde du synthétiseur vient à peine de se lever que déjà fourmille une fébrile membrane rythmique sculptée par un séquenceur et une furieuse ligne oscillatrice de basses séquences dont la vive gigue des accords se succèdent à une telle vitesse qu'on pense entendre deux lignes. Déjà une petite subtilité dans ce décor rythmique attrape le mouvement qui présente un flot continue d'accords vifs où quelques-uns peinent à suivre cette furieuse danse linéaire. D'autres séquences et d'autres lignes de séquences se greffent, structurant une rare mosaïque de multi-lignes de séquences qui interagissent avec les flux différents et/ou légèrement modifiés de la cadence. Et ceux qui pensent à ce furieux débit rythmique qui clôturait Poland par la finale d'Horizon, c'est exactement de quoi est fait "Electron Birth". Sauf qu'ici, le débit est soutenu tout au long de ses 55 minutes. Des moments plus calmes se pointent à 2 ou 3 endroits, sauf que le rythme reste nerveusement flottant avec des accords qui grésillent ou qui papillonnent sur place, attendant l'arrimage d'une autre structure de rythme. Les multi couches rythmiques de "Electron Birth" sont taillées dans une vision minimaliste dont les accrocs, les trébuchages des accords hébétés ou encore une autre sortie de l'autoroute rythmique atténue une cadence qui sera vivifiée à nouveaux quelques boucles oscillatrices plus loin. Cette fresque de rythmes incessants coule avec une telle fluidité dans ses changements de direction que même les phases plus ambiantes volètent comme les ailes de libellules dans l'œil d'un kaléidoscope vivant. Cette géante ossature minimaliste n'engendre aucun moment de lassitude ou d'ennuie puisque Steve Roach ajuste la cadence après de brèves rencontres avec des ailes de synthé plus morphique, comme de la 24 à la 27ième minute où "Electron Birth" prend une texture plus organique dans une cadence réorientée vers de la transe clanique à brûler la plante des pieds. Du pur génie qui doit bien finir et ça se fait en douceur à partir de la 50ième minute où les derniers battements du séquenceur rendent vie dans ces couches anesthésiantes uniques à la signature de Steve Roach. Et c'est un peu ce qu'est "Cloud Currents"; un long souffle d'ambiances qui s'accroche au derniers frissons de "Electron Birth" afin d’explorer un autre niveau où Roach excelle. Soit la musique d'ambiances, avec une belle pointe d'intensité dans ses 8 premières minutes où les couches de synthés crient à la lune des déserts avant d’offrir leurs douceurs par une symphonie de brises caverneuses. 
Il faut se souvenir de ce 30ième anniversaire de Dreamtime Return, car Steve Roach nous a en mis plein les oreilles avec deux opus d'une MÉ au diapason de toutes nos gourmandises et nos attentes. Même celles que certains n'attendaient plus, comme ce “Electron Birth” et surtout de sa pièce-titre. Un voyage dans le temps, dans ces belles années où Traveler et Empetus allaient guider les destinées de Dreamtime Return. Mémorable!

Sylvain Lupari 22/08/18

mardi 21 août 2018

STEVE ROACH: Return to The Dreamtime (2018)

 “Return to The Dreamtime follows the logic and stands out as the perfect sequel, if not the perfect companion, for the 30 years of Dreamtime Return”
 CD 1
1 Towards the Dream (2018) 39:57
2 The Continent (2018) 13:18
3 Songline (2018) 5:11
4 The Ancients’ Way 14:31
CD 2
1 Magnificent Gallery (2018) 10:52
2 A Circular Ceremony (2018) 17:31
3 Looking for Safety (2018) 13:57
4 Towards the Continuum 15:05
5 After the Return 14:57
Timeroom Editions 44 (CD) (CD/DDL 145:22)
(Ambient Tribal, Pacific & Berlin Schools)
  **Chronique en français plus bas**
Dreamtime Return is undoubtedly the first album of Steve Roach to have given him a global visibility. The skilful mix of electronic equipment with tribal vibes of the first peoples of Australia not only added more credibility to his creativity but also opened doors to what is now called tribal ambient music. For Steve Roach and his artistic entourage, it was out of the question to pass the 30th anniversary of this cult album in silence. The basic idea was to go back into the atmospheres of those years by searching through the archives of this project composed between 1987 and 88. Fortunately, everything was sorted in the impressive archives, both sound and photographic, and sketches from this work of Steve Roach. Archives and sound sources that have survived to many traverses of continents from the American musician. And so after several months of research, both spiritual and musical, and reflections was born the project “Return to The Dreamtime” and whose outcome was an international broadcast by SomaFM of a concert performed at Galactic Center in Tucson, Arizona, on February 10, 2018. Recorded by sound engineer Rusty Hodge, reworked by Steve Roach and finally remastered by Howard Givens, this double album features a top nickel recording with well-known titles from Dreamtime Return, but performed in a more elaborate vision of Steve, and nearly 45 minutes of new music which fits admirably in the sets of the original work.
And it's with over 33 minutes of extra music that "Towards the Dream (2018)" explains the new sound realities of “Return to The Dreamtime”. Preceded by songs from the inhabitants of the Australian jungle, the rhythm is much more fluid than in the original version. The movement of the sequences is also more in Berlin School mode with a fast pace which is woven in a series of oscillating loops scrolling at high speed. The organic texture arrives a few seconds later, but with a clear decrease in resonance. Slender and degraded movements show beautiful inclinations in the structure which makes detours, as subtle as musical, in this rhythmic labyrinth which plays constantly within its minimalist pattern. Nearly 40 minutes, is it too much? Not really since Steve Roach constantly plays with the nuances in his rhythmic frame where percussions get also grafted in order to solidify an approach which becomes more trance, as in the original version but with a more contemporary tone. Well adorned with electronic elements which cleverly blend the tones of yesterday and today, the long journey of "Towards the Dream (2018)" reaches a point of breathlessness around the 21st minute. Thus slower, the movement undulates with light descents and ascent, as in the beautiful analog years, before regaining strength and complete its longest exploration in the atmospheres of its opening. Stretched of nearly ten minutes, "The Continent (2018)" is closer to the realities of the original title with fascinating percussions whose echoes are crumbled by soft rubber tones which are resounding of enchantment. The synth pads are always very enveloping and the additional minutes express more the ambiences which have guided the final of the original title. I imagine the difficulties encountered with the rhythm of frenetic tribal dance that we found in the original version of Songline. In an extended version of more than 130 seconds, "Songline (2018)" is yet rather close with a slightly more aggressive rhythm and these unmissable Didgeridoo textures.
First novelty, "The Ancients' Way" adopts a little bit the essences of Airtribe Meets the Dream Ghost, especially in terms of vibes and scenery. The rhythm is on the other hand more luxuriant in percussion and more sustained, in accordance with the first 60 minutes of “Return to The Dreamtime”. "Magnificent Gallery (2018)" is essentially based on its origins, even with almost 5 minutes more on the clock. It's a very nice track of meditative moods which continues its path of cavernous textures in the introduction of "A Circular Ceremony (2018)", a title which used to precede it in the original version of Dreamtime Return. The ambiences and this soft rhythm are at the rendezvous. Since Steve Roach revisits his work, everything seems better balanced here with a clear distinction between synth layers, rain effects and celestial voices. Subsequently, we drift to a new version of "Looking for Safety (2018)". Amputated of 18 minutes, the structure here is more intense and proposes an evolution towards a softer rhythm. This intense phase, these ambiences and the effects of wild jungle get thrown into the introduction of "Towards the Continuum", a second novelty. Under a rich sound fauna, the rhythm deploys an oscillating approach which releases some fragrances of Berlin School, Empetus or just a little livelier than in the last part of "Towards the Dream (2018)". The synth attacks this structure with sound rays of circular mists which envelop a superb tonal texture in a small treasure of creativity from the sequencer. It's a kind of rebirth of “Return to The Dreamtime” and the concert performance ends in a quieter finale of this title that stretches its ethereal breezes throughout "After the Return".
Return to The Dreamtime” is a solid concert performance of an extraordinary album that which deserves nothing less than this re-editing by Steve Roach. One could not hope so much and yet it's a tour de force that he realizes by bringing a contemporary vision to textures which mingle the two temporal distances without altering of an iota the depths of this timeless work. And in the end, “Return to The Dreamtime” follows the logic and stands out as the perfect sequel, if not the perfect companion, for the 30 years of Dreamtime Return. Well done Steve!
Sylvain Lupari (August 21st, 2018) *****
Available on Steve Roach Webshop and/or Bandcamp

                                      CHRONIQUE en FRANÇAIS

Dreamtime Return est sans doute le premier album de Steve Roach à lui avoir procuré une visibilité planétaire. L'habile mélange d'équipements électroniques aux ambiances tribales des premiers peuples d'Australie avait non seulement ajouté plus de crédibilité à sa créativité mais allait aussi ouvrir des portes à ce qu'on nomme aujourd'hui la musique ambiante tribale. Pour Steve Roach et son entourage artistique, il était hors de question de passer le 30ième anniversaire de cet album culte sous silence. L'idée de base était de se replonger dans les ambiances de ces années en fouillant dans les archives de ce projet composé entre 1987 et 88. Heureusement, tout était catalogué dans les impressionnantes archives, tant sonores que photographiques, et esquisses des travaux de Steve Roach. Archives et sources sonores qui ont survécus à moult traversés des continents du musicien Américain. Et c'est ainsi qu'après plusieurs mois de recherches, tant spirituelles que musicales, et de réflexions qu'est né le projet “Return to The Dreamtime” et dont l'aboutissement fut une diffusion internationale par SomaFM d'un concert performé au Galactic Center de Tucson, en Arizona, le 10 Février 2018. Enregistré par l'ingénieur de sons Rusty Hodge, retravaillé par Steve Roach et finalement remasterisé par Howard Givens, ce double album propose un enregistrement top nickel avec des titres connus de Dreamtime Return, mais performés dans une vision plus élaborée de Steve, et près de 45 minutes de musique nouvelle qui survit admirablement bien dans les décors de l'œuvre originale.
Et c'est avec plus de 33 minutes de musique supplémentaire que "Towards the Dream (2018)" explique les nouvelles réalités sonores de “Return to The Dreamtime”. Précédé par des chants des habitants de la jungle Australienne, le rythme est nettement plus fluide que dans la version originale. Le mouvement des séquences est aussi plus en mode Berlin School avec une cadence vive qui est tissée dans une série de boucles oscillatrices défilant à vive allure. La texture organique arrive quelques secondes plus tard, mais avec une nette diminution dans les résonnances. De longilignes mouvement dégradés étalent de belles inclinations dans la structure qui fait des détours aussi subtils que musicaux dans ce labyrinthe rythmique qui joue constamment sur ses inclinations. Près de 40 minutes, est-ce trop? Pas vraiment puisque Steve Roach joue constamment avec les nuances dans son armature rythmique où se greffent aussi des percussions afin de solidifier une approche qui devient plus transique, comme dans la version originale mais avec une tonalité plus contemporaine. Bien orné par des éléments électroniques qui mélangent habilement les tonalités d'hier et d'aujourd'hui, la longue virée de "Towards the Dream (2018)" atteint un point d'essoufflement autour de la 21ième minute. Ainsi plus lent, le mouvement ondule avec des légères descentes et remontées, comme dans les belles années analogues, avant de reprendre plus de force et terminer sa plus longue exploration dans les ambiances de son ouverture. Allongé d'une dizaine de minutes, "The Continent (2018)" est plus près des réalités du titre original avec des fascinantes percussions dont les échos émiettés par des tonalités en caoutchouc mou résonnent avec enchantement. Les nappes de synthé y sont toujours très enveloppantes et les minutes additionnelles expriment plus les ambiances qui guidaient la finale du titre original. J'imagine les difficultés rencontrées avec le rythme de danse tribale frénétique que nous retrouvions dans la version originale de Songline. Étiré de plus de 130 secondes, "Songline (2018)" est pourtant tout près avec un rythme un peu plus agressif et ces immanquables textures de Didgeridoo.
Première nouveauté, "The Ancients' Way" adopte un peu les essences de Airtribe Meets the Dream Ghost, notamment au niveau des ambiances et du décor. Le rythme est par contre plus fourni en percussions et plus soutenu, en conformité avec les 60 premières minutes de “Return to The Dreamtime”. "Magnificent Gallery (2018)" s'appuie essentiellement sur ses origines, même avec près de 5 minutes en plus au compteur. C'est un beau titre d'ambiances méditatives qui poursuit sa route de textures caverneuses dans l'introduction de "A Circular Ceremony (2018)", un titre qui le précédait pourtant dans la version originale de Dreamtime Return. Les ambiances et le rythme mou sont au rendez-vous. Puisque Steve Roach revisite son œuvre, tout semble mieux balancé ici avec une nette distinction entre les nappes, les effets de pluie et les voix célestes. Par la suite, nous dérivons vers une nouvelle version de "Looking for Safety (2018)". Amputée de 18 minutes, la structure est plus intense ici et propose une évolution vers un rythme mou. Cette phase très intense, ces ambiances et des effets de jungle sauvage se jettent dans l'introduction de "Towards the Continuum", une 2ième nouveauté. Sous une foisonnante faune sonore, le rythme déploie une approche oscillatrice qui dégage les fragrances de la Berlin School, d'Empetus ou encore juste un peu plus vivant que dans la dernière partie de "Towards the Dream (2018)". Le synthé attaque cette structure avec des rayons de brumes sonores circulaires qui enveloppent d'une superbe texture tonale un petit trésor de créativité du séquenceur. C'est un genre de renaissance de “Return to The Dreamtime” et dont la prestation en concert se termine dans une finale plus tranquille de ce titre qui étire ses brises éthérées tout au long de "After the Return".
Return to The Dreamtime” est une solide interprétation en concert d'un album extraordinaire qui méritait rien de moins que cette réédification par Steve Roach. On ne pouvait espérer autant et pourtant c'est tout un tour de force que ce dernier réalise en apportant une vision contemporaine à des textures qui métissent les deux distances temporelles sans que cela n'altère d'un iota les profondeurs de cette œuvre intemporelle. Et au final, “Return to The Dreamtime” suit la logique et s'impose comme la suite parfaite, sinon le compagnon idéal, pour les 30 ans de Dreamtime Return. Bravo Steve!

Sylvain Lupari 20/08/18