mardi 31 octobre 2017

NORD: Shadows of Time (2017)

“17 minutes which are so/so versus a total of 49, it ain't that bad for this 3rd sonic novel from Nord”
1 Introduction to Eternity 6:15
2 Infinity 9:36
3 Clockworks IV & V 14:51
4 Shadows of Time 8:20
5 The Dance of the Gears 10:27

Nord Music (DDL 49:32)
(Mix of Berlin & Romanian Schools with a hint of Rock)
Obsessed by time, from where it comes and where it goes. Can it be really measure? With so many questions and thoughts about time, Nord revives his reflections undertaken in 2016 with the excellent album Pendulum. And like a great majority of sequels, the first episode always remains the most delicious. Nord! So much music in so little time, although 2017 seems to be his least productive. And after albums so solid as Rings of Fire and The Hidden Garden of Semiramis, Sztakics István Attila seems to be short of breath with this “Shadows of Time” which proposes some great titles and others which get stuck in the mud with openings which seek to get out of their dead ends.
A big black breath explodes at the opening of "
Introduction to Eternity". Reverberating waves float there, adding a touch of mystery which is amplified by mute knockings and a vibe almost sibylline with these synth layers which moo and move with the floating of specters. These strident mooing become the harmonies of the ambiences from an opening endowed of an abstruse dimension which wakes up at about the 3rd minute with a race of the sequencer and the percussive effects of hands slamming. Lively and steady for more than 90 seconds, this rhythmic skeleton crosses the back- stage of "Introduction to Eternity" which prefers its lamentations of a synth in spectral mode than its jostling of the rhythm, as shown here when it gets back towards its ambiences of origin. Too bad! The rhythmic section was great but too short versus its long moment of ambiences. "Infinity" is simply magnificent. Its introduction proposes a light upward movement of the sequencer where are also charming some percussive effects. The synth spills laments of the same tone as in "Introduction to Eternity", except that they are softer, dreamier with a cachet filled of melancholy. I like the more solo shape of these harmonies. The rhythm oscillates slowly, freeing an aura of intensity which is also noticeable by the contribution of electronic effects and bluish mist. The orchestrations are soft and the effects flirt with the universe of Electronic Universe from Software. Percussions delicately lead the charge after 5 minutes, restructuring this good cosmic slow dance into a light rock approach which gets wrapped by orchestrations in mode staccato and by splendid synth solos. Present in The Hidden Garden of Semiramis, Kertész Huba loosens his furious guitar with great riffs which are coupled to the orchestrations and big solos which make duel with those of Sztakics István Attila on his synth. A great moment of electronic music! A tick-tock opens the first explorations of the ambiences of "Clockworks IV and V". The 3 first parts of this title being on the Pendulum album, it's a bit of the same essences that we find here. Layers of organ tones, movements of motionless sequences which flickers like a helicopter in mode attack, effects of wooshh and waash, dramatic decoration and a crowd of small noises, percussive as of ambiences, decorate the ambient paths of the first 10 minutes while the finale explodes in a good and very Jarre electronic rock. It's as good as in Pendulum. The title-track is simply magnetizing with its shy arpeggios which sculpture an evasive melody in the chants of a so harmonious synth and very creative with its soft and subtle fluty harmony. In fact, the introduction becomes a mishmash with arpeggios, flutes, cosmic layers and effects which coexist in a heavy and fascinating symbiosis while in the background takes shape a clearly more intense approach. And it's the eagerness of the sequenced arpeggios that puts our ears in appetite. From then on, these fabulous percussive effects of rattling and other effects of arrhythmic pulsations go towards sober percussions, giving more intensity to this cosmic rock also catchy and lively as this small portion of rhythm very Jarre that we find in "Introduction to Eternity". "The Dance of the Gears" ends this last sonic novel from Nord with a noisy opening where is escaping a zigzagging approach of the sequencer and very nice piercing harmonies blown by a synth in mode Mellotron. A panoply of effects, as sonic as percussive, decorate an introduction which stagnates in its spheroidal approach but all the same rich in effects and in intensity. Slightly too long, this introduction migrates with jingles to another roaring of the void before a rhythm, as cosmic as melodic, reverses the psychotronique trend of "The Dance of the Gears" which allows too much time to propose a so beautiful but a too short moment. Like in "Introduction to Eternity "! But 17 minutes which are so/so versus a total of 49, it ain't that bad…

Sylvain Lupari (October 30th, 2107) *****
You will find this album on Nord Bandcamp site
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Obnubilé par le temps, d'où vient-il ou il va et se mesure-t-il réellement avec toute la sophistication de notre connaissance, de nos instruments, Nord relance sa réflexion entreprise en 2016 avec l'excellent album Pendulum. Et comme la très grande majorité des séquelles, le premier volet reste toujours le plus savoureux. Nord! Tellement de musique en si peu de temps, quoique 2017 s'annonce comme étant sa moins productive. Et après des albums aussi solides que Rings of Fire et The Hidden Garden of Semiramis, Sztakics István Attila semble manquer de souffle avec ce “Shadows of Time” qui propose de très grands titres et d'autres qui s'embourbent dans des ouvertures qui cherche comment se sortir de leurs impasses.
Un gros souffle noir explose en ouverture de "
Introduction to Eternity". Des ondes réverbérantes y flottent, ajoutant une touche de mystère qui est amplifiée par des cognements sourds et une ambiance quasi sibylline avec ces nappes de synthé qui mugissent et se déplacent avec les flottements des spectres. Ces meuglements acuités deviennent les harmonies d'ambiances d'une ouverture dotée d'une dimension absconse qui s'éveille vers la 3ième minute avec une course du séquenceur et des claquements de mains percussifs. Vif et soutenu pour plus de 90 secondes, cette ossature rythmique traverse l'arrière-scène de "Introduction to Eternity" qui préfère ses lamentations d'un synthé en mode spectral que son bousculade du rythme, comme en fait foi ce retour vers ses ambiances d'origine. Dommage, le rythme était bon, mais trop court versus les ambiances. "Infinity" est tout simplement superbe. Son introduction propose un léger mouvement ascensionnel du séquenceur où charment quelques effets percussifs. Le synthé étend des complaintes d'une même tonalité que dans "Introduction to Eternity", sauf qu'elles sont plus douces, plus rêveuses avec un cachet imprégné de mélancolie. On apprécie la forme plus en solo de ces harmonies. Le rythme oscille doucement, étalant une tension qui se remarque aussi par l'apport d'effets électroniques et de brume bleutée. Les orchestrations sont moelleuses et les effets flirtent avec l'univers d'Electronic Universe par Software. Des percussions sonnent délicatement la charge après les 5 minutes, restructurant ce beau slow cosmique en une approche plus rock léger qui se laisse envelopper par des orchestrations en mode staccato et de splendides solos de synthé. Présent dans The The Hidden Garden of Semiramis, Kertész Huba délie sa furieuse guitare avec de bons riffs qui sont jumelés aux orchestrations et de gros solos qui font duel avec ceux de Sztakics István Attila au synthé. Un grand moment de musique! Un tic-tac ouvre les premières explorations d'ambiances de "Clockworks IV & V". Les 3 premières parties de ce titre étant sur l'album Pendulum, ce sont un peu les mêmes essences que nous y trouvons ici. Nappes d'orgues, mouvements de séquences stationnaire qui papillonne comme un hélicoptère en mode attaque, effets de wooshh et de waash, décor dramatiques et une foule de petits bruits, percussifs et d'ambiances, ornent les sentiers ambiants des 10 premières minutes alors que la finale explose dans un bon rock électronique très Jarre. C'est aussi bon que dans Pendulum. La pièce-titre est tout simplement magnétisante avec ses arpèges timides qui sculptent une mélodie évasive dans les chants d'un synthé aussi harmonieux et très créatif avec sa douce et subtile harmonie flûtée. En fait, l'introduction devient un micmac où les arpèges, les flûtes, les nappes cosmiques et les effets coexistent dans une lourde et fascinante symbiose alors qu'en arrière-plan se dessine une approche nettement plus intense. Et c'est l'excitation des arpèges séquencés qui nous met les oreilles en appétit. Dès lors, ces fabuleux effets de crotales percussifs et des effets de pulsations arythmiques se dirigent vers de sobres percussions, donnant plus d'intensité à ce rock cosmique aussi enlevant que cette petite portion de rythme très Jarre que l'on retrouve dans "Introduction to Eternity". "The Dance of the Gears" termine cette dernière parution de Nord avec une ouverture tapageuse d'où s'échappe une démarche zigzagante du séquenceur et de très belles harmonies stridentes soufflées par un synthé en mode Mellotron. Une panoplie d'effets, tant sonores que percussifs, ornent une introduction qui stagne dans son approche sphéroïdale mais tout de même riche en effets et en intensité. Un peu trop longue, cette introduction migre avec des cliquetis vers un autre hurlement du vide avant qu'un rythme aussi cosmique que mélodique renverse la tendance psychotronique de "The Dance of the Gears" qui concède trop de temps afin de proposer un si beau mais trop court moment. Comme dans "Introduction to Eternity"! Mais 17 minutes moyennes sur un total de 49, ce n'est pas si mal.

Sylvain Lupari 30/10/2017

dimanche 22 octobre 2017

MICHAEL BRÜCKNER: Trees of Olivandá (2017)

“A very poetic artwork and a very lyrical ode, Trees of Olivandá is at the height of both qualities. A splendid Neo Berlin School style album and the best of Mister Brückner

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 Trees of Olivandá


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 Trees of Olivandá

dimanche 15 octobre 2017

SVERRE KNUT JOHANSEN: Resurrection (2017)

“Resurrection is an album of peaceful music where SKJ is on a quest about a biblical subject over a very cinematographic music”
1 Heaven and Earth 7:27
2 Resurrection 8:36
3 Jonah and the Huge Fish 5:27
4 The Light 3:35
5 Dry Land 2:51
6 Dawn 2:15
7 Resurrection Pt.2 3:35
8 Revelation 21 3:59
(…a new heaven and a new earth)
9 Revelation 22 5:33
(…water of life)

Sverre Knut Johansen Music (DDL 61:58) ***
(Ambiant orchestral spiritual music)

Sverre Knut Johansen's third album in 2017, “Resurrection” aims to be an album of reflection, an album with biblical vocation on a subject which has been extrapolated many a time in the course of the centuries. Divided between rhythms held in control by luxurious orchestrations and ambiences sewn of white silk, this last opus of the Norwegian composer is doubtless the most occult of that I heard from him. Very filmic, the music always breathes of this duality between the divine light and the darkness. A little as if its author was always ambiguous but also very eager to put in music his faiths and his romanticism.
"Heaven and Earth" thus begins this philosophic quest with a very cinematic approach. Layers of violins upon layers float in shoals of celestial harmonies where roam more austere effects which try to bring this highly meditative music in a fall towards the somber nothingness. But the music holds out and the seraphic vibes remain. With its bells which ring and its synth layers which appear as the sun stealing shadows to the night, the title-track drags its mysteries on a hill as the pain which crawls in our body. The music tells its meets with Bohemians who dance in the sounds of tribal percussions whereas we constantly have the impression to live back to front where the day was stolen its clarity. "Jonah and the Huge Fish" is also built on the same principle of balance between the rhythm and the ambient moments which are under the high surveillance of orchestrations always in mode; make me raise the hairs of my arms! "The Light" inhales all of its meaning with a contemplative ode in the colors of serenity. "Dry Land" is all the opposite with its dark breezes which are stigmatized by a fusion between violins controllers of vibes and layers of rather discreet voices. But throughout this very contemplative work, Sverre Knut Johansen multiplies the layers of orchestrations which espouse his film vision of its last project. "Dawn" is the last den where the rhythm lives a little in a structure which would suited pretty well in a Steve Roach's repertory. The last 3 titles of “Resurrection” are soundscapes pictured with beautiful peaks of emotionalism, like in "Resurrection Pt.2", whereas "Revelation 21" and "Revelation 22" are more in a kind of meditative waltzes perfumed of dark shadows.
If you like a relaxing music with a Hebraic vision which breathes cheerfully in decorations of old Jerusalem, “Resurrection” is a work which will know how to seduce you. Me!? I heard better from Sverre Knut Johansen. But I have to admit that the chosen subject is a matter of heresy and that breathes comfortably the chosen purpose and the ideas of his author. For fans of spiritual meditative music.

Sylvain Lupari (October 16th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to buy this album on Sverre Knut Johansen Bandcamp page
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Troisième album de Sverre Knut Johansen en 2017, “Resurrection” se veut un album de réflexion, un album à vocation biblique sur un sujet mainte fois extrapoler au fil des siècles. Divisé entre des rythmes tenus en contrôle par de somptueuses orchestrations et des ambiances cousues de soie blanche, ce dernier opus du compositeur Norvégien est sans doute le plus occulte de que j'ai entendu de lui. Très cinématographique, la musique respire toujours de cette dualité entre la lumière divine et les ténèbres. Un peu comme si son auteur était toujours confus mais toujours très désireux de mettre en musique ses croyances et romances.
"
Heaven and Earth" débute donc cette quête philosophique avec une approche très filmique. Des nappes de violon flottent en bancs d'harmonies célestes où rôdent des effets plus austères qui tentent d'amener cette musique hautement méditative dans une chute vers le sombre néant. Mais la musique tient le coup et les ambiances séraphiques demeurent. Avec ses cloches qui tintent et ses nappes de synthé qui surgissent comme le soleil volant les ombres à la nuit, la pièce-titre traîne ses mystères sur une colline comme la douleur qui rampe dans notre corps. La musique raconte ses rencontres avec des bohémiens qui dansent aux sons des percussions tribales tandis que nous avons continuellement l'impression de vivre à l'envers où le jour s'est fait dérober sa clarté. "Jonah and the Huge Fish" est également construit sur ce même principe d'équilibre entre le rythme et les ambiances qui sont sous la haute surveillance d'orchestrations toujours en mode; fais-moi lever le poils des bras! "The Light" respire sa signification avec une ode contemplative aux couleurs de la sérénité. "Dry Land" est tout le contraire avec ses brises sombres qui sont stigmatisées par une fusion entre violons contrôleurs et nappes de voix assez discrètes. Mais tout au long de cette œuvre très contemplative, Sverre Knut Johansen multiplie les couches d'orchestrations qui épousent sa vision cinématographique de son dernier projet. "Dawn" sera le dernier repaire où le rythme vit quelque peu dans une structure qui irait bien dans le répertoire de Steve Roach. Les 3 derniers titres de “Resurrection” sont des paysages sonores portraitisés avec de belles pointes d'émotivité, comme dans "Resurrection Pt.2", tandis que "Revelation 21" et "Revelation 22" sont plus du genre valse méditative d'ombres noires.
Si vous aimez une musique relaxante avec une vision hébraïque qui respire allègrement dans des décors de vieux Jérusalem, “
Resurrection” est une œuvre qui saura vous séduire. Moi!? J'ai entendu mieux de Sverre Knut Johansen. Mais je dois admettre que le sujet choisi relève de l'hérésie et qu'il respire confortablement le but choisi et les idées de son auteur. Pour fans de musique méditative spirituelle.
Sylvain Lupari (16/10/2017)

samedi 14 octobre 2017

ARC: Fleet (2017)

“What we have here is a splendid album, from start to end, which will blow your ears away with a loud and fast sequencer-based style England School”
1 Fleet 8:38
2 Soar 8:37
3 Surge 12:23
4 Escape 8:07
5 Crux 13:59
6 Runner 12:01
7 Howl 10:42

DiN 53 (CD/DDL 74:34) *****
(Loud and fast sequencer-based style England School)
At each new album of Arc, we ask ourselves the question to know if the English duet would surpass its previous album. I devoured every album of Arc and more specially Umbra and its live reconstitution in the striking Arclight. Since Church, Ian Boddy and Mark Shreeve polish their style with new gear and they push an EM which wins in intensity as the seconds flee meters. The last studio and live album let emerge strong the finales, constituted of the gloomy and explosive Panthera and Cherry Bomb, which are for me the quintessence of the England School style. So, the bar was very high for “Fleet”, an album of original material that Arc performed at the famous E-Scape Festival earlier this year. “Fleet” proposes one 75 minutes of an EM which reaches new summits for Arc with a superb symbiosis between the ambiences, the rhythms and the melodies which are constantly peppered by perfect sound and percussive effects. Always whipped by good structures of rhythms (as we expected, the sequences are dominant and excellent), “Fleet” will know a finale as convincing as the one in Umbra.
If we remember correctly the
E-Scape 2017 album, Arc has interpreted a Mark Shreeve title, System Six, in this compilation album which gathers the artists present at this festival. I bring this fact, because the music of “Fleet” really sounds strangely like the universe of the one to whom we owe the Legion album. Maybe it's because he has mixed and masterised it. But whatever, it's on this mold that the title-track approaches our ears. Chthonian breaths embalm the moods of a sinister theatrical approach which is amplified by knockings of percussions coming from the outer-world. A line of bass polished the heavy relief of "Fleet" which is proud of its introduction with thick layers of a Gothic organ from a dark Mellotron and a chthonian choir which galvanizes its presence with a delicious cinematographic ode. The rhythm skipping weakly in these splendid luciferian arrangements, "Fleet" orientates again its dark axis with an attractive harmonious approach a little after the 4 minutes point. The arpeggios which sparkle here have this scent of John Carpenter and/or Legion in a heavy pattern where whistle shadows and specters with an attractive fusion between the singing of a synth and its orchestrations which reign over this structure as much lively than a gooseflesh which is afraid of the wind. Now each title here is interrupted by applauses. They are witness of an audience of connoisseurs of the Arc style from where "Soar" escapes with its lively structure. To say the least for its first 4 minutes. The rhythm is fluid and tied up on a line of bass sequences in mode; run after my keys! Another line of sequences gets grafted at this race, adding a more harmonious section to the rhythm and in the many sound effects of "Soar" which will dive into a phase of ambiences and of Mephistophelian effects where this harmonious line of sequences will weaken its last ounces of charm in one of the rare quiet moments of “Fleet”. The first moments of "Surge" are also of ambient nature with foggy breezes and layers of sibylline voices which float in an embryo of rhythm split up by yet uncertain rush. Except for a bass line which is always lively and stuck in a universe of perdition where also sparkle keyboard keys which are soaked of the sweet perfumes of Ian Boddy. Since its introduction, we smell that "Surge" is going to explode right in our face. And that starts with a livelier structure at the edge of the 4 minutes with a meshing between motionless sequences and percussions in mode rock which push the music towards a strong structure of electronic rock covered by layers and squeaking of synths. A pure moment of euphoric trance is going on and is provided by the wonderful quality of the duel of synths and of their vampiric effects. A little as in "Soar", "Surge" reveals its structure of rhythm with sequences beating without blanket which charm so much with these rolling of balls very in mode Chris Franke.
The heavy layers which cover the hesitating and at the end more coherent movement of "
Escape" bring to us not too distant memories with the approach of Panthera. In a structure which also unifies heaviness and suppleness, the music remains more harmonious and less stormy in this title fed by superb percussive effects as harrowing as these layers of Mellotron which wrap a structure supported in an approach always very theatrical. The first 4 minutes of "Crux" are also fed by delicious luciferian vibes. The rhythm which hatches is lively with sustained bass pulsations and movements of sequences which activate their crisscrossed loops like flights of bats in a haunted cave. "Runner" is a little bomb with its rhythm knotted around strange cawing of the sequencer and the line of bass pulsations in mode techno/dance. The synths are very harmonious and our starving ears have difficulty in seizing this whole fauna of percussive effects which surrounds a charmingly bumpy structure and of which the charms stay in these synths in mode Jarre and his Pop years. But a Pop here which loses this nuance of fragility with a rhythmic envelope as heavy as the vibes which surround the 7 tracks of this very strong opus from Arc. The 2nd part is clearly more explosive and in mode Shreeve of the Assassin times. With its approach skillfully weaved in a sound tension, "Howl" wants to make counterweight to the very overexcited Cherry Bomb and to the powerful Veil (Church). And that works! Here, as on many titles in “Fleet”, the tension in the introduction cogitates in the first 4 minutes. And then … Bang! "Howl" explodes between our ears with a heaviness and a fluidity up to here unequalled in the repertoire of Arc. The synths spit solos as much furious as those in Cherry Bomb and this in a heaviness assumed by layers of wild and boosted riffs. A slight moment of calm ambiences and bang! "Howl" explodes again and this time the solos whistle such as those of a heavy metal guitar in a structure just as much greedy for heavy electronic metal. An explosive finale for an album which doesn't disappoint at all and which is delicious from start to end. Misters Boddy and Shreeve, the bar will still be very high to surpass this “Fleet”. But I feel that you are capable! This is what I call an unescapable and perfect loud and fast sequencer-based style album, Enjoy my friends!

Sylvain Lupari (October 14th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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À chaque nouvel album d'Arc on se pose la question à savoir si le duo Anglais surpasserait son précédent album. J'ai dévoré chaque album d'Arc et plus spécialement Umbra et sa restitution en spectacle avec le percutant Arclight. Depuis Church, Ian Boddy et Mark Shreeve fignolent une MÉ qui gagne en intensité à mesure que les secondes fuient les compteurs. Et les finales, constituées des sombres et explosifs Panthera et Cherry Bomb sont pour moi la quintessence de la England School. La barre était donc bien haute pour “Fleet”, un album de matériel original qu'Arc a performé au fameux E-Scape 2017. “Fleet” propose un 75 minutes d'une MÉ qui atteint des nouveaux sommets avec une superbe symbiose entre les ambiances, les rythmes et les mélodies qui sont constamment pimentés de superbes effets sonores et percussifs. Toujours fouetté par de bonnes structures de rythmes, comme on s'y attend les séquences sont dominantes et excellentes, “Fleet” connaîtra une finale aussi convaincante qu'Umbra.
Si l'on se souvient de l'album E-Scape 2017, Arc interprétait une pièce du répertoire de Mark Shreeve, System Six, dans cet album compilation qui réunit les artistes présents à ce festival. J'amène ce fait, car la musique de “Fleet” ressemble drôlement à l'univers de celui à qui l'on doit l'album Legion. Et c'est aussi dans ce moule que la pièce-titre aborde nos oreilles. Des souffles chtoniens embaument les ambiances d'un sinistre approche théâtral qui est amplifié par des cognements de percussions venant d'outre-monde. Une ligne de basse poli le lourd relief de "Fleet" qui enorgueillit son introduction avec d'épaisses nappes d'un orgue gothique et une chorale chtonienne qui galvanise sa présence avec une délicieuse ode cinématographique. Le rythme sautillant mollement dans ces superbes arrangements lucifériens, "Fleet" réoriente son axe ténébreux avec une séduisante approche harmonique un peu après les 4 minutes. Les arpèges qui y scintillent ont cette odeur de John Carpenter et/ou de Legion dans un lourd canevas où sifflotent ombres et spectres avec une séduisante fusion entre le chant d'un synthé et ses orchestrations qui règnent sur cette structure aussi enlevante qu'une chair de poule qui a peur du vent. Chaque titre est entrecoupé par des applaudissements qui est le témoin d'une audience connaissante du style Arc d'où "Soar" s'échappe avec sa structure vive. À tout le moins pour ses 4 premières minutes. Le rythme est fluide et conçu sur une ligne de basse séquences en mode court après mes ions. Une autre ligne de séquences se greffe à cette course, ajoutant une section plus harmonieuse au rythme et aux moult effets sonores de "Soar" qui plongera dans une phase d'ambiances et d'effets Méphistophéliques où cette ligne de séquences harmonique étiolera ses dernières onces de charme dans un des rares moments de calme de “Fleet”. Les premiers instants de "Surge" sont aussi de nature ambiante avec des brises brumeuses et des nappes de voix sibyllines qui flottent dans un embryon de rythme fragmenté par des éclats encore incertains. Sauf pour une ligne de basse qui est toujours vivante et plaquée dans un univers de perdition où scintillent aussi des accords de claviers qui sont imbibés des doux parfums d'Ian Boddy. Depuis son introduction, nous sentons que "Surge" va nous sauter en pleine gueule. Et ça débute par une structure plus entrainante à l'orée des 4 minutes avec un maillage entre séquences stationnaires et percussions en mode rock qui poussent la musique vers une solide structure de rock électronique recouvert par des nappes et des crissements de synthé. Un pur moment de transe euphorique transmise par une superbe qualité du duel des synthés et de leurs effets vampiriques. Un peu comme dans "Soar", "Surge" dénude sa structure de rythme avec des séquences sans couverture qui charment avec des roulements très Chris Franke.
Les lourdes nappes qui recouvrent le mouvement hésitant et finalement cohérent de "Escape" imposent des souvenirs pas trop lointains avec la démarche de Panthera. Dans une structure qui unifie aussi lourdeur et agilité, la musique reste plus harmonique et moins tempétueuse dans ce titre nourri de superbes effets percussifs aussi angoissants que ces nappes de Mellotron qui enveloppent une structure soutenue dans une approche toujours très théâtrale. Les 4 premières minutes de "Crux" sont aussi nourries par de belles ambiances lucifériennes. Le rythme qui éclot est vif avec des basses pulsations soutenues et des mouvements de séquences qui activent leurs boucles entrecroisées comme des vols de chauve-souris dans une grotte hantée. "Runner" est une petite bombe avec son rythme noué autour d’étranges croassements du séquenceur et d’une ligne de basses pulsations en mode techno/danse. Les synthés sont très harmonieux et nos oreilles affamées peinent à saisir cette faune d'effets percussifs qui entoure une structure délicieusement cahoteuse et dont les charmes restent ces synthés en mode Jarre et ses années de Pop. Mais du Pop ici qui perd cette nuance de fragilité avec une enveloppe rythmique aussi lourde que les ambiances. La 2ième partie est nettement plus explosive et en mode Shreeve des années Assassin. Avec son approche habilement tissée dans une tension sonore, "Howl" veut faire contrepoids au survolté Cherry Bomb et au puissant Veil (Church). Et ça fonctionne! Ici, comme sur bien des titres de “Fleet”, la tension dans l'introduction cogite dans les 4 premières minutes. Et puis…Bang! "Howl" explose entre nos oreilles avec une lourdeur et une fluidité jusqu'ici inégalées dans le répertoire d'Arc. Les synthés crachent des solos aussi furieux que dans Cherry Bomb et ce dans une lourdeur assumée par des couches de riffs sauvages et surexcités. Un léger moment d'ambiances et bang! "Howl" explose à nouveau et cette fois-ci les solos sifflent comme ceux d'une guitare heavy métal dans une structure tout autant heavy métal. Une finale explosive pour un album qui ne déçoit pas et qui est exquis du début à la fin. Messieurs Boddy et Shreeve, la barre sera encore très haute afin de surpasser ce “Fleet”. Mais je sens que vous en êtes capable! Un incontournable album sans faille.
Sylvain Lupari (16/10/2017)

mardi 10 octobre 2017

CAUSTIC REVERIE: Here and Away (2017)

“Dark ambient music built upon layers of abstract confettis and effects of guitar delays, Here and Away is before everything for those who enjoy something more than the usual thing”
1 Night Trip 1:32
2 Ordered and Filed 6:48
3 Composition Book 1:50
4 Family Gathering 1:01
5 End Credits 1:10
6 Reconstruction 1 3:22
7 Reconstruction 2 6:51
8 Reconstruction 3 5:08
9 Reconstruction 4 3:11
10 Reconstruction 5 2:45
11 Reconstruction 6 3:38
12 Reconstruction 7 3:12
13 End Credits (Extended) 2:37

Caustic Reverie Music (DDL 40:31) ***½
(Dark ambient and experimental music)
Here, we are in the spheres of very dark ambient music with an experimental approach which flirts almost with an abstract music. Caustic Reverie, a name which says it all, is the project of Bryn Schurman, a sound engineer from Miami and a supporter of EM built on the effects of delays and reverberations as the kind of Robert Fripp and his Frippertronic. Inspired by cosmos and novelties about science fiction, he already has a novel in his portfolio, Bryn Schurman is a kind of artist who touches at everything. Musician, sound designer, radio man, writer, computer programmer and video player, he adores walking in the Keys in Florida and recording the noises of nature, of a city and of all the noises which drag in his everyday life. Offered only in download on the Bandcamp site of Caustic Reverie, “Here and Away” disposes of its 40 minutes in 2 chapters, more or less identical, of which the first part is the music is the soundtrack of a short film of the same name made by Abby Sirwatka in 2016.
Our ears welcome "Night Trip" and its long hollow breezes which are lulled by a nice poetic approach. "Ordered and Filed" follows with a ballet for idle layers which float among strange sibylline murmurs. Two lines of synth/guitar criss-cross their contrasting phases in a soft movement of floating vibes which is briefly disrupted by more shadowed winds at the gate of 4 minutes. The short "Composition Portfolio" espouses the same principle but with an incursion in a parallel universe while that "Family Gathering" lulls the whole thing with a more poetic approach. "End Credits" ends the music of Abby Sirwatka's movie with a more rhythmic approach fed by fascinating percussions which structure a kind of native trance. The layers of voice are superb here. This short segment of a dozens of minutes is rather attractive and promising. Except that the 2nd part of “Here and Away” is soberer and exploits a little more the universe of samplings and effects of reverberations in a less poetic approach, less animated by the visual suggestions of the American movie director. So "Reconstruction 1" begins this 2nd phase with more metallic flavored layers which melt between our ears by creating a feeling of emptiness around us. Some effects sweep the sonic horizons and pull the music, too short according to me, towards a finale without explanations. Cut in 7 very different parts but nevertheless connected by the same visions, the "Reconstruction" saga flows between our ears like 7 chapters of ambient music and elements which mix emotionalism and passivity at some different degrees. The color of the tones and the soundscapes are separated between good effects of reverberations and synth layers which cuddle depths rather colorful painted by very diversified samplings. The sibylline and psychotronic sides are elements that we remark a little bit better after more than one listening. And contrary to the addicting and delicious rhythm of "End Credits", "End Credits (Extended)" ends this 20th album from Caustic Reverie with a more ambient and especially more melodious approach. But all in all, Bryn Schurman's music is constantly evolving between two universes where fright is never too far from a strange paranormal sweetness. A fascinating album which will please the amateurs of a music built in the art to seduce eardrums with an approach clearly bore by a vision for the abstract art.

Sylvain Lupari (December 10th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ici, nous sommes dans les sphères de la musique ambiante très sombre avec une approche expérimentale qui flirte avec une musique abstraite. Caustic Reverie, un nom qui veut tout dire, est le projet de Bryn Schurman, un ingénieur en sons de Miami et un adepte de la MÉ construite sur les effets de délais et de réverbérations du genre Robert Fripp et ses Frippertronic. Inspiré par le cosmos et les nouvelles de science-fiction, il a déjà un roman à sa fiche, Bryn Schurman est un genre de touche à tout. Musicien, sculpteur de sons, animateur de radio, écrivain, programmeur en électronique et joueur de jeu vidéo, il adore se promener dans les Keys en Floride et enregistrer les bruits extérieurs, de même que les bruits qui entourent le déroulement du quotidien. Offert seulement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Caustic Reverie, “Here and Away” dispose de ses 40 minutes en 2 chapitres, à peu près identiques, dont le premier est la musique du court métrage du même nom réalisé par Abby Sirwatka en 2016.
Nos oreilles accueillent "Night Trip" et sa longue brise caverneuse qui est bercée par une belle approche poétique. "Ordered and Filed" suit avec un ballet pour nappes oisives qui flottent parmi d'étranges murmures sibyllins. Deux lignes de synthé/guitare entrecroisent leurs phases contrastantes dans un tendre mouvement d'ambiances qui est brièvement perturbé par des vents plus ombragés vers les 4 minutes. Le court "Composition Book" épouse le même principe mais avec une incursion dans un univers parallèle alors que "Family Gathering" balance le tout avec une approche plus poétique. "End Credits" termine la musique du film d'Abby Sirwatka avec une approche plus rythmique nourrie par de fascinantes percussions qui structurent un genre de transe indigène. Les nappes de voix sont superbes ici. Ce court segment d'une douzaine de minutes est assez séduisant et plutôt prometteur. Sauf que la 2ième partie de “Here and Away” est plus sobre et exploite un peu plus l'univers des échantillonnages et des effets de réverbérations dans une approche moins poétique, moins animée par les suggestions visuelles de la réalisatrice américaine. Ainsi "Reconstruction 1" débute cette 2ième phase avec une nappe à saveur plus métallisée qui fond entre nos oreilles en créant un sentiment de vide autour de nous. Des effets balaient les horizons soniques et entraînent la musique, trop courte selon moi, vers une finale sans explication. Coupé en 7 parties bien distinctes mais néanmoins rattachées par les mêmes visions, la saga "Reconstruction" coule entre nos oreilles comme 7 chapitres de musique ambiante et d'ambiances qui entremêlent émotivité et passivité dans des degrés différents. La couleur des tons et les horizons soniques sont départagés entre de bons effets de réverbérations et des nappes de synthé qui cajolent des profondeurs plutôt bigarrées peintes d'échantillonnages très diversifiés. Les côtés sibyllin et psychotronique sont des éléments qui ressortent un peu mieux après plus d'une écoute. Et contrairement au rythme addictif et savoureux de "End Credits", "End Credits (Extended)" termine ce 20ième album de Caustic Reverie avec une approche plus ambiante et surtout plus mélodieuse. Mais l'un comme dans l'autre, la musique proposée ici par Bryn Schurman évolue constamment entre deux univers où l'effroi n’est jamais trop loin d'une étrange douceur paranormale. Un fascinant album qui plaira aux amateurs d'une musique construite dans l'art de séduire les tympans avec une approche nettement portée par les méandres de l'art abstrait.
Sylvain Lupari (10/10/2017)

dimanche 8 octobre 2017

GIVENS & PADILLA: Being of Light (2017)

“Exquisite music which oscillates wonderfully between rhythms for soft legs and ambient structures of a sound aestheticism rich in forms and in tonal colors”
1 Clearing the Mind 13:09
2 Threads of Thought 14:34
3 A Contemplative State 30:30
4 Being of Light 10:20

Spotted Peccary ‎– SPM 9094 (CD/DDL 68:26) ****½
(Pacific Shool, Ambient Music)
Sound reflections dance in troubled waters while a heavy dark veil covers the static agitations of "Clearing the Mind"s introduction. Multiple chords turn and stroll there, like sonic verses which try to get out of a musical manuscript, entailing in a harmonious trail these sweet nightingale singings sculptured in synths as analog as digital. The whole thing releases a structure of embryonic rhythm of which the fluidity is flooded in an intense veil of immersive tones. And from the first moments on this 2nd collaboration Givens/Padilla, we notice the depth of this delicious pallet of sounds and among which the switching phases between electronic, electric and acoustic have made the delights of Life Flows Water. Discreet, the piano becomes more and more incisive, throwing a more dramatic shade to a phase which already goes in transit towards another one which is more poetic. Our ears are attracted to a well of sounds which spin like these dusts of prisms that a camera picks in a dainty swirl of dust and pollen by a radiant afternoon at springtime. Very lyrical, this second phase of "Clearing the Mind" spreads its charms and its synth beams which give a so tonal flavor and celestial than very esoteric to the music of the American duet. A movement of rhythm, always so silent as at the beginning, add a more intense depth to this dance of prism and to this embryonic melody of a piano always in mode evasive and melancholic. It's the piano, and its notes divided between the black and the white, which guides the lyrical dance of "Clearing the Mind" and who quietly drains its energy in a more ethereal finale.
Produced by the label
Spotted Peccary, “Being of Light” is proposed as a manufactured CD with a very beautiful digipack 4 panels artwork as well as in download of high quality on the Bandcamp site of the American label. And this 2nd collaboration between Howard Givens and Craig Padilla is in the same dimension as Life Flows Water with a music which oscillates wonderfully between rhythms for soft legs and ambient structures of a sound aestheticism rich in forms and in tonal colors. "Threads of Thought" follows with slow movements of scarlet colors anesthetic layers which rush towards our ears at the same speed as these gigantic ink stains from a majestic octopus which melt in the ocean. A delicious line of bass pulsations weaves a delicate rhythm to which is added a guitar and from which the persevering harmonies decrease the load of these layers which finally give a spectral touch to "Threads of Thought". The sequences limp and galvanize a structure of ambient rhythm and of which the sound duel between both surrounding areas of Givens/Padilla gives a dimension of organic life. "A Contemplative State" manages its 30 minutes with a meditative approach which depicts the depth of its title. It's very ambient with sometimes contrasted movements and interlacing of apathetic lines which melt themselves with very subdued points of harmonies and intensity which take shape in the gravity of tones. This is a long apathetic journey that we have to follow closely in order to differentiate these more celestial passages which escape from this rather esoteric landscape. The title-track is as much beautiful as "Threads of Thought", in fact the floating movements of the layers are drawn in the same elegance. There is a very beautifully morphic melody forged on a superb circular movement of the sequencer to which is added a poignant line of bass. The whole approach coupled to the endorphin layers of Craig Padilla, and I am not far from the shivers that I had with the wonderful Until We Meet the Sky from Solar Fields. A very strong title and a jewel of emotionalism my friends which concludes a splendid album from the duet Givens/Padilla. Yes, the ambient music and the music of ambiences can be very beautiful!

Sylvain Lupari (October 8th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on Spotted Peccary Bandcamp webshop here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des reflets soniques dansent en eaux troubles alors qu'un lourd voile obscur recouvre les agitations statiques de l'introduction de "Clearing the Mind". De multiples accords y tournaient et flânent comme des vers soniques qui tentent de sortir d'un manuscrit, entraînant dans un sillage harmonique ces fins chants de rossignol sculptés dans des synthés autant analogiques que digitaux. Le tout dégage une structure de rythme embryonnaire dont la fluidité est noyée dans un intense voile de tons immersifs. Et dès les premiers instants de cette 2ième collaboration Givens/Padilla, on remarque la profondeur de cette délicieuse palette de sons et dont les mutations entre l'électronique, l'électrique et l'acoustique avaient fait les délices de Life Flows Water. Discret, le piano devient de plus en plus incisif, jetant une ombre plus dramatique à une phase qui transite déjà vers une autre qui est plus poétique. Nos oreilles sont attirées vers un puits de sons qui virevoltent comme ces poussières de prismes qu'une caméra cueille dans un léger tourbillon de poussières et de pollen par un radieux après-midi de printemps. Très lyrique, cette seconde phase de "Clearing the Mind" étend ses charmes et ses rayons de synthétiseurs qui donnent une saveur tonale aussi céleste que très ésotérique à la musique du duo américain. Un mouvement de rythme, toujours aussi muet qu'au début, ajoute une profondeur plus intense à une danse de prisme et à une mélodie embryonnaire d'un piano toujours en mode évasif et mélancolique. C'est le piano, et ses accords dédoublés entre le noir et le blanc, qui guide la danse lyrique de "Clearing the Mind" et qui tranquillement épuise ses réserves dans une finale plus éthérée.
Produit par le label Spotted Peccary, “Being of Light” est proposé en CD manufacturé avec une très belle jaquette en format digipack ainsi qu'en téléchargement de haute qualité sur le site Bandcamp du label américain. Et cette 2ième collaboration Howard Givens et Craig Padilla est dans la même dimension que Life Flows Water avec une musique qui oscille merveilleusement entre rythmes pour jambes molles et structures ambiantes d'un esthétisme sonore riche en formes et en couleurs tonales. "Threads of Thought" suit avec de lents mouvements de nappes anesthésiantes, aux couleurs écarlates, qui foncent vers nos oreilles à la même vitesse que ces gigantesques taches d'encre d'une majestueuse pieuvre qui fondent dans l'océan. Une délicieuse ligne de basses pulsations tisse un rythme délicat auquel s'ajoute une guitare et dont les harmonies persévérantes diminuent la charge de ces nappes qui finalement donnent une touche spectrale à "Threads of Thought". Des séquences clopinent et galvanisent une structure de rythme ambiant et dont le duel sonique entre les deux approches de Givens et Padilla donne une dimension de vie organique. "A Contemplative State" gère ses 30 minutes avec une approche méditative qui dépeint la profondeur de son titre. C'est très ambiant avec des mouvements parfois contrastés et des entrelacements de lignes atones qui se fondent avec des pointes d'harmonies, très effacées, et d'intensité qui prennent forme dans la gravité des tons. C'est un long voyage atone qu'il faut traverser afin de différencier ces passages plus célestes qui s'échappent de ce paysage assez ésotérique. La pièce-titre est aussi belle que "Threads of Thought", en fait les mouvements flottants des nappes y sont puisés dans la même élégance, avec une très belle mélodie morphique forgée sur un superbe mouvement circulaire du séquenceur auquel s'ajoute une poignante ligne de basse. Le tout jumelé aux nappes endormitoires de Craig Padilla et ne suis pas loin des frissons que j'ai eu dans le superbe Until We Meet The Sky de Solar Fields. Un titre très fort et un joyau d'émotivité mes amis qui conclut un splendide album du duo Givens/Padilla. Oui, la musique ambiante et d'ambiances peut être très belle!
Sylvain Lupari (08/10/2017)

vendredi 6 octobre 2017

JUTA TAKAHASHI: Albion

“Albion is a little sound treasury intended for the music lovers of meditative ambiences who like when a harmonious approach hides in these high walls of intensive drones”
1 Silver Waves 13:52
2 Frozen Day 13:18
3 Shining Valley 14:56
4 Maeve 13:58
5 Summits 16:28

Lunisolar Records ‎– LR014 (CD 73:02) ****½
(Ambient music)
It's been a while since I heard new music from the Japanese Steve Roach, Juta Takahashi. The last album was The Door into Winter in 2015 which was a remaster of an album initially made in 2007. In fact, we need to go back as far as 2013 to hear the last original meditative mass of the mixed-tones line sculptor from Japan with the splendid album Angel of which we can hear sonic dust here and there on this last album of his. “Albion” is Juta's 11th album and honestly I do not know what Juta did during this period, but I suspect that he studied his music to give it a new more melodious orientation. His music is always thought in order to make float sound arcs and translucent reverberations which are filled of drones sometimes hungry and sometimes more nuanced. A rather shady ambient music which seems to wake up to the joy of the meditative melodies.
"
Silver Waves" rings like some good old Juta Takahashi with a heap of floating interlacing waves which drift with peaks of emotionalism and anesthetic breezes more shadowy. The crossbreeding of both poles sculptures a sound horizon closer to cosmos with effects which sparkle as the singing of stars in an intersidereal space embellished of images well shaped by the analog tone from the synths of the Japanese master of esoteric vibes. The melodious term is very subjective in the universe of ambient music. The well advised ears are very capable of catching these melodious waves in the grasps of two tones, while absent-minded ears miss this delicate meeting point. It's more convincing in the very beautiful "Frozen Day" and its notes of a piano which losts its feeling of solitude through the rangy waves of synth and its colors tinted with a suspicion of ether and with powder of metal. Layers of voices, as some passive drones, enclose these note which moan in a slow whirlwind of sinusoidal waves which oscillate constantly between two universes. There is some Steve Roach in there and one listens to this piece of music marvelously with Structures from Silence. A very solid title of Juta Takahashi which makes rise recollections of his very beautiful album Angel, made in 2012.
"
Shining Valley" is a very dark title sculptured around resonating drones which also sing in a platonic way with the sound arcs a little more floodlit. Arcs which get rid of their circular forms to follow the walls of nothingness with of beautiful transitory floating movement. These songs, rather of a spectral kind, illuminate the rather low and very shaded sound ceiling. I have this delicious impression to drift in the cosmos with songs of intersidereal whales which try to lull my innocence. There are flavors of Vangelis, period Blade Runner, which ooze throughout my cosmic odyssey. Intense and very enveloping! If I do not make a mistake, "Maeve" is the most beautiful title of Juta Takahashi's repertoire. A magnificent melody, delicately put down by a piano in a minimalist mode, deploys its embrace with a series of juvenile ritornellos which twirl such as astral ballerinas on a carpet of cosmic mists and prisms. The reverberating effects of the synth waves become as honeyed as this virgin melody which haunts our ears, always full of mist, well beyond this last time that I listened to it. Splendid candy for the ears my friends! The atmospheres of "Summits" and the structures of its sound arcs depict marvelously the sense of its title. It's a long and a hefty ambient movement sculptured in the emotionalism with heavy drones which are like these moments when the air is lacking in our lungs. I have no difficulty in imagining myself to be on summits with winds without oxygen to contemplate a gigantic panorama where a piano tries to breathe by a melody scattered in this ballet of drones and waves with contrasting colors and emotions.
Albion” is a little jewel intended for the music lovers of meditative ambiences who like when a harmonious approach hides in these high walls of intensive drones. Juta Takahashi goes beyond his very beautiful album Angel with a touch which freed itself from the dark model sieved by a strong nostalgia. If the melancholic side is always present in the music of the Japanese synth wizard, there is now a smile of drawn above and of which the borders even brush a more accessible musicality up to here absent in his repertoire. A wonderful album which lulls my preludes to sleep since about ten days.Sylvain Lupari (October 6th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on CD Baby and on Juta's own label
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ça faisait un bail que je n'avais pas entendu la musique du Steve Roach japonais, Juta Takahashi. Le dernier album en liste fut The Door into Winter en 2015 qui était un remaster d'un album initialement paru en 2007. En fait il faut remonter jusqu'en 2013 pour entendre la dernière messe méditative originale du sculpteur d'ondes métissées du Japon. “Albion” est son 11ième album et honnêtement je ne sais pas ce que Juta Takahashi a fait durant cette période, mais je soupçonne qu'il s'est penché sur sa musique afin de lui donner une nouvelle orientation plus mélodieuse. Sa musique est toujours pensée afin de faire flotter des arcs sonores et des réverbérations translucides qui sont bourrées de bourdonnements tantôt faméliques et tantôt plus nuancés. Une musique d'ambiances plutôt ombrageuses qui semble s'éveiller aux joies des mélodies méditatives.
"Silver Waves" sonne comme du bon vieux Juta Takahashi avec un amas d'entrelacements d'ondes flottantes qui dérivent avec des pointes d'émotivité et des brises anesthésiantes plus ombrageuses. L'embranchement des deux pôles sculpte un horizon sonore plus près du cosmos avec des effets qui scintillent comme le chant des étoiles dans un vide intersidéral bien imagé par la tonalité analogue des synthés du maître japonais des ambiances ésotériques. Le terme mélodieux est bien subjectif dans l'univers de la musique ambiante. Les oreilles avisées sont bien capables de capter ces ondes mélodieuses au travers les enlacements de deux tonalités, alors que des oreilles distraites manquent ce délicat point de rencontre. C'est plus probant dans le très beau "Frozen Day" et ses notes d'un piano qui égare son sentiment de solitude au travers les longilignes ondes de synthé aux barioles teintées d'un soupçon d'éther et de poudre de métal. Des nappes de voix, comme des bourdonnements passifs, enserrent ces notes qui gémissent dans un lent tourbillon d'ondes sinusoïdales qui oscillent constamment entre deux univers. Il y a du Steve Roach là-dedans et ça s'écoute à merveille avec Structures from Silence. Un très grand titre de Juta Takahashi qui fait monter des réminiscences de son très bel album Angel, paru en 2012.
"Shining Valley" est un titre très sombre sculpté autour de drones dont les résonnances chantent de façon platonique avec des arches sonores un peu plus illuminés. Des arches qui se défont de leurs formes circulaires afin de longer les murs du néant avec de beaux mouvement transitoires flottant. Ces chants, plutôt d'un genre spectral, illuminent le plafond sonore assez bas et très ombragé. J'ai cette délicieuse impression de dériver dans le cosmos avec des chants de baleines intersidérales qui tentent de bercer mon innocence. Il y a des parfums de Vangelis, période Blade Runner, qui suintent tout au long de mon odyssée cosmique. Intense et très enveloppant! Si je ne me trompe pas, "Maeve" est le plus beau titre du répertoire de Juta Takahashi. Une splendide mélodie, délicatement déposée par un piano en mode minimaliste, étend son emprise avec une série de ritournelles juvéniles qui tournoient comme des ballerines astrales sur un tapis de brumes et de prismes cosmiques. Les effets réverbérant des ondes de synthé deviennent aussi doucereux que cette mélodie virginale qui hante nos oreilles, toujours pleines de brume, bien au-delà de cette dernière fois que je l'ai écouté. Du splendide bonbon mes amis! Les ambiances de "Summits" et les structures de ses arches sonores dépeignent à merveille le sens de son titre. C'est un long, et lourd, mouvement d'ambiances sculpté dans l'émotivité avec des drones pesants qui sont comme ces moments où l'air manque à nos poumons. Je n'ai aucune difficulté à m'imaginer être sur des sommets uniques avec des vents sans oxygène à contempler un panorama gigantesque où un piano tente de respirer par une mélodie éparpillée dans ce ballet de drones et d'ondes aux couleurs et aux émotions contrastantes.
Albion” est un petit bijou destiné aux amateurs de musique d'ambiances méditatives qui aiment lorsqu'une approche harmonieuse se tapit dans ces murailles de bourdonnements intensifs. Juta Takahashi va au-delà de son très bel album Angel avec une touche qui s'affranchie du modèle sombre et tamisé par une forte nostalgie. Si le côté mélancolique est toujours imprégné dans la musique du Japonais, il y a maintenant un sourire de dessiné dessus et dont les frontières effleurent même une musicalité plus accessible jusque-là absente de son répertoire. Un splendide album qui berce mes nuits depuis une dizaine de jours.

Sylvain Lupari 06/10/2017

mercredi 4 octobre 2017

SPYRA: Requiem (Featuring Roksana Vikaluk) (2017)

“This album is a breath of fresh air where the pastoral music goes very well with the effects of decrepit monasteries and of a latent form of Électronica”


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 Requiem 


Cette Kro a été déplacée sur le nouveau website de SynthSequences.com
Requiem 

mardi 3 octobre 2017

SEQUENTIAL DREAMS: Metamorphic Waves (2017)

“With some solid and very catch E-Rock filled of nice winks to the period of Tangerine Dream's Force Majeure, this album  acts like the best and the most personal one from Ron Charron”
1 The Last Ship 9:00
2 Beyond Darkness 11:38
3 The Submariners 9:36
4 The Search 10:08
5 The Island 11:44
6 Antarctica Base 10:20

Sequential Dreams (CD/DDL 62:26) ****½
(Electronic Rock & Berlin School)
This time, Ron Charron laid the foundations of “Metamorphic Waves” alone. No collaboration coming from the 4 corners of the planet and that suits him very well. I would even dare to move forward that this last album of Sequential Dreams is the most inspired and most inspiring album of the project of the Quebec musician. Of course the Tangerine Dream's essences are still present there, in particular those of Edgar Froese with a greater use of a guitar which is as melancholic as in the structures of Dalinotopia, I think among others of "The Island" and its approach more inspired by the Sonic Poem Series. But little by little we feel a detachment. We feel this will that has Ron Charron to release himself from the influences of his inspirations to have his own signature. And at this level, we can say that “Metamorphic Waves” makes a big step forward.
"
The Last Ship" begins by a sea agitated of its oscillating waves. They mutter and resound, swallowing even the charms of a light and small serpentine of sequences which loses its brightness. Some 45 seconds farther, a line of the sequencer jumps up with its keys which dance freely. The percussions which arrive confirm the spasmodic approach to the rhythm which explodes with salvoes of guitar. Dark chords and other livelier arpeggios squabble in the background while the rhythm always remains so convulsive up until it hits an uncertain phase. While the sequences flicker in breezes, grave chords resound of their austere tones, injecting a small dramatic dose enriched by layers of voices. This transitory interlude will lead "The Last Ship" towards a structure amplifying of intensity which is abundantly watered by guitar solos and by riffs of an acoustic guitar. We feel Edgar's presence, especially at the level of the effects, without having the impression on the other hand of an imitation. "Beyond Darkness" bears its name marvelously. The introduction is dark and weaved of lugubrious effects. Fluty breaths and mysterious breezes flood my ears, while very Floydian chords meditates on Ron's keyboard. A gradation attracts the vibes towards a mistier passage but nevertheless charming with arpeggios which melt once they have reach my ears. A strange choir settles down a little before the 4th minutes, exciting of their pinkish breaths a heavy movement of the sequencer which spreads the bases of an ambient electronic rock loaded by the memories of TD in their Force Majeure era. A period, according to me, too short in the history of the Dream. Surfing between the ambient and the cerebral rhythm mode, "Beyond Darkness" changes of skin. Bringing face to face a synth and its solos against a howling guitar. There is no room for drowsiness in this “Metamorphic Waves” because Ron Charron plays constantly on his phases by placing elements of highly varied rock in electronic decorations which go back in time. At this level, "The Submariners" is a big title with a beautiful complexity in its evolution which plunges us into the universe of Force Majeure. This is huge music! "The Search" is another huge title with a very lively rhythm hammered by good and powerful percussions. The rhythm is steady, a little as in Silver Scale (as reference point), with sequences which run under the intensive bludgeoning of the percussions. Keyboards throw riffs as well as good very harmonious effects. The music also dives into rather lugubrious ambiospherical phase at the mid-point, before getting out with nervous jingles and finally with percussions very rock where guitar and synth are exchanging some very good solos. Sequences which oscillate deeply, as the reflections of a silvered fish beneath the sun, and lamentations of a synth in mode guitar open the first 3 minutes of "The Island". Afterward, a furious and very rock rhythm harpoons my ears with a bludgeoning of percussions over hyperactive sequences. "The Island" blows rhythm, elements of ambience and a wonderful melody on a structure became scenic with a very lugubrious approach which drops its last charms in a phase of ambient vibes. A title which asks for some listening, so much the explosion of the homogeneity assaults our ears in the first attempt. But it's this splendid melodious manoeuvre which pushes "The Island" towards its last furies which will remain well anchored in the ears. After 3 solids but very solid titles, the bar was high for "Antarctica Base" to ends “Metamorphic Waves” in a good way. The title has half succeed. If the very rock electronic approach is forged by the kicks of the sequencer and the synth solos are weaved in charms, the last 3 minutes are rather kind of candy-pink to the ears with a too ethereal voice for the furies of the guitar solos. But when there is just that which hits a snag… it's like to split a hair in 4!
Metamorphic Waves” is an album of electronic rock which has the pins and needles in one's legs! Its 62 minutes, distributed well on 6 structures, are in evolutionary mode and in constant permutation of the phases of rhythms and of ambient moods. There are few melodies, if it's only moments of storm that fascinate and disturb. Everything turns around hyperactive sequences and percussions, synths as well as guitars, as electric as acoustic which scatter solos, chords and riffs over a well measured electronic rock which makes superb winks to the period of Tangerine Dream's Force Majeure.

Sylvain Lupari (October 3rd, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Cette fois-ci, Ron Charron a jeté les bases de “Metamorphic Waves” en solitaire. Pas de collaboration venant des 4 coins de la planète et ça lui va plutôt bien. J'oserais même avancer que ce dernier album de Sequential Dreams est le plus inspiré et le plus inspirant album du projet du musicien québécois. Les essences de Tangerine Dream y sont encore présentes, notamment celles d'Edgar Froese avec une utilisation accrue d'une guitare qui est aussi mélancolique que dans les structures de Dalinotopia, je pense entre autre à "The Island" et son approche plus inspirée par la Sonic Poem Series. Mais peu à peu on sent un détachement. Nous sentons cette volonté qu'a Ron Charron de se libérer des emprises de ses inspirations afin d'avoir sa propre signature. Et à ce niveau, on peut dire “Metamorphic Waves” fait un grand pas en ce sens.
"The Last Ship" débute par une mer agitée de ses ondes oscillantes. Elles grondent et résonnent, avalant même les charmes d'un léger et petit serpentin de séquences qui perd son éclat. Quelques 45 secondes plus loin, une ligne du séquenceur bondit avec des ions qui dansent librement. Les percussions qui arrivent confirment l'approche spasmodique du rythme qui explose avec des salves de guitare. Des accords sombres et d'autres arpèges plus vivants se chamaillent en arrière-plan alors que le rythme reste toujours aussi convulsif jusqu'à ce qu'il frappe une phase incertaine. Alors que les séquences papillonnent dans des brises, des accords gravent résonnent de leurs tonalités austères, injectant une petite dose dramatique enrichie par des nappes de voix. Cette intermède transitoire conduira "The Last Ship" vers une structure amplifiante d'intensité qui est copieusement arrosée par des solos de guitare et des riffs de guitares acoustiques. On sent la présence d’Edgar, surtout au niveau des effets, sans par contre avoir l'impression d'une imitation. "Beyond Darkness" porte son nom à merveille. L'introduction est sombre et tissée d'effets lugubres. Des souffles flûtés et des brises mystérieuses inondent mes oreilles, alors que des accords très Floydien méditent sur le clavier de Ron. Une gradation attire les ambiances vers un passage plus nébuleux mais néanmoins enchanteur avec des arpèges qui fondent après avoir atteint mes oreilles. Une étrange chorale s'installe un peu avant les 4 minutes, excitant de leurs haleines rosées un mouvement lourd du séquenceur qui étend les bases d'un rock électronique ambiant qui se gave des souvenirs de TD et de la période Force Majeure. Une période, selon moi, trop courte dans l'histoire du Dream. Surfant entre l'ambiant et un mode de rythme cérébral, "Beyond Darkness" change de peau, confrontant un synthé et ses solos contre une guitare rugissante. Il n'y a pas de place pour la somnolence dans “Metamorphic Waves” car Ron Charron joue constamment sur les phases en plaçant des éléments de rock très variés dans des décors électroniques qui remontent le temps. À ce niveau, "The Submariners" est un grand titre avec une belle complexité dans son évolution qui nous plonge dans l'univers de Force Majeure. C'est de la grosse musique! "The Search" est un autre titre très fort avec un rythme enlevant et martelé de bonnes et puissantes percussions. Le rythme est soutenu, un peu comme dans Silver Scale (comme point de référence), avec des séquences qui courent sous le matraquage intensif des percussions. Les claviers lancent des riffs ainsi que de bons effets très harmonieux. Le titre plonge aussi dans un mi-parcours ambiosphérique assez lugubre avant de ressortit avec des cliquetis nerveux et finalement avec des percussions très rock où guitare et synthé s'échangent de très bons solos. Des séquences qui oscillent aussi vivement que les reflets d'un poisson argenté au soleil et des lamentations d'un synthé en mode guitare ouvrent les 3 premières minutes de "The Island". Par la suite, un furieux rythme très rock harponne mes oreilles avec un matraquage de percussions sur séquences hyperactives. "The Island" souffle rythmes, éléments d'ambiance et une splendide mélodie sur structure devenue scénique avec une approche très lugubre qui échappe ses derniers ensorcellements dans une phase d'ambiances. Un titre qui commande quelques écoutes, tant l'éclatement de l'homogénéité agresse à la première tentative. Mais c'est ce superbe filon mélodieux qui pousse "The Island" vers ses dernières fureurs qui nous restera planté dans les oreilles. Après 3 solides, mais très solides, titres la commande était de taille pour que "Antarctica Base" termine “Metamorphic Waves” sur une bonne note. Le titre réussi à moitié. Si l'approche très rock électroniques forgée par les ruades du séquenceur et les solos de synthé sont tissés dans le charme, les 3 dernières minutes sont plutôt du genre rose-bonbon avec une voix trop éthérée pour la rage des solos de guitares. Mais lorsqu'il y a juste cela qui achoppe…C'est comme fendre un cheveu en 4!
Metamorphic Waves” est un album de rock électronique qui a la bougeotte! Ses 62 minutes, bien réparties sur 6 structures, sont en mode évolutive et en constante permutation des phases de rythmes et d'ambiances. Il y a peu de mélodies, si ce ne sont que des moments de tourmente qui fascinent que déroutent. Tout tourne autour de séquences et de percussions hyperactives et des synthés ainsi que des guitares, autant électriques qu'acoustiques, qui éparpillent solos, accords et riffs sur du rock électronique bien calibré qui fait de splendides clins d'œil à la période Force Majeure de Tangerine Dream.

Sylvain Lupari (03/10/2017)