jeudi 28 septembre 2017

IAN BODDY & MARKUS REUTER: Stay (2017)

“Stay is a very imposing ambient opus where Ian Boddy remains a musician for whom a challenge becomes a banality”
1 Waken 8:18
2 Haze 9:41
3 Vesper 10:02
4 Shore 9:05
5 Aeolian 9:30
6 Stay 9:09

DiN DDL19 (DDL 55:48) ****
(Dark ambient floating music)
A little bit as Derwish versus Unwound, “Stay” is the dark side of Momento. During the recording sessions of the 5th album of Boddy/Reuter, there was a huge bundle of recordings and tapes lost in the final selection of Momento's tracks. A package of lost ideas that Ian Boddy reworked and mixed in a clearly more ambient approach. Even if the album is totally stripped of rhythms, our senses travel with the slow impulses of the synth lines and of their frequencies of the twists which get intertwined like in a choreography where the dancers are carried by the cobwebs of the cosmos. And this, even if Momento has absolutely nothing to do with the intersidereal space. My ears have found here a very nice album of ambient music with a fascinating harmonious aspect and with some poignant passages which hide themselves behind a heap of synths lines and/or the wanderings of Markus Reuter's guitars who seems to me less present on this other side of Momento.
A murmur of synthesizer cries at the opening of "Waken", dragging in its nostalgic sound furrow a tiny quantity of lines among which the whimpering and the solos are more discreet and a little darker. This duality between the colors of the floating prayers of the synth assails our ears with the harmonious charms of the Ondes Martenot and plunge our senses into a profound astral meditation. We have now entered in the world of “Stay”. "Haze" also floats in a cosmic cocoon, but with more slowness and more intensity in its elongated movements. The effect of weightlessness and of floating in space is very striking. "Vesper" is also intimidating for the ears than the previous tracks with these slow movements of cosmic drift which leave a huger imprint, due to the presence of the of the Serge Modular swooshes. The movement reaches a summit of sound intensity unique to the grave tones of the Serge Modular, a synth which can offers two faces, two contrasting harmonies in the same furrow. "Shore" is just as much august with its perfumes of Roach and of Stearns in the same fight where the sibylline harmonies have some silvery reflects. It's a very beautiful title, my preferred one, where our subconscious can perceive layers of voices as much discreet than the murmurs of the fairies. In spite of its sweetness, "Aeolian" develops with an intensity which reaches new barometers here. Very full of imagery, the title takes off softly, collides violent breezes and closes as it has opened. "Stay" is the most disturbing title of “Sway” with its heavy hummings which cross the areas of quietude. A little like a black sky which threatens the tranquility of a meditation site.
I have found this “Stay” very imposing! Ian Boddy pursues here this adventure of meditative exploratory, with a very cosmic spirit, that he has developed in a more supported way with the coming of his Din DDL Bandcamp site. Always very skillful in the art to exploit the borders of the ambient music with a touch of musicality, due to the uncountable floating solos, and with a melodious side which suits becomes very well to this fascinating adventurous idea to dismantle and to amend a version and a vision of a previous work, Ian Boddy remains a musician full of resources for whom a challenge becomes a banality.

Sylvain Lupari (September 27th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on DiN's Bandcamp shop
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Un peu comme Derwish versus Unwound, “Stay” est la face cachée de Momento. Lors des sessions d'enregistrement du 5ième album du duo Boddy/Reuter, il restait encore du matériel qu'Ian Boddy a retravaillé et mixé dans une approche nettement plus ambiante. Même si l'album est totalement dénudé de rythmes, nos sens voyagent avec les lentes impulsions des lignes de synthé et de leurs longilignes tortillages qui s'entremêlent comme dans une chorégraphie où danseurs et danseuses sont portés par les toiles du cosmos. Et ce même si Momento n'a absolument rien à voir avec le vide intersidéral. Je trouve que c'est un très bel album de musique ambiante avec un fascinant aspect harmonique et même des passages poignants qui se dissimulent derrière un amas de lignes de synthés et/ou des guitares de Markus Reuter qui me semble moins présent sur cet autre côté de Momento.
Un murmure de synthétiseur pleure en ouverture de "Waken", entraînant dans son nostalgique sillon une infime quantité de lignes dont les larmoiements et solos sont plus discrets et un peu plus sombres. Cette dualité entre les couleurs des oraisons flottantes du synthé assaille nos oreilles avec les charmes harmoniques des Ondes Martenot et plongent nos sens dans une profonde méditation astrale. "Haze" flotte aussi dans un cocon cosmique, mais avec plus de lenteur et plus d'intensité dans ses oblongs mouvements. L'effet d’apesanteur et de flottement dans l'espace est très saisissant. "Vesper" est tout aussi intimidant pour les oreilles des autres avec ces lents mouvements de dérive cosmique qui laisse une empreinte plus géante à cause la présence des ondes du modulaire Serge. Le mouvement atteint des sommets d'intensité sonore unique aux graves tonalités du Serge Modular, un synthé qui peut offrir deux figures, deux harmonies contrastantes dans le même sillon. "Shore" est tout autant auguste avec ses parfums de Roach et Stearns dans un même combat où les harmonies sibyllines ont des reflets argentés. C'est un très beau titre, mon préféré, où notre subconscient peut percevoir des nappes voix aussi discrètes que les murmures des fées. Malgré sa douceur, "Aeolian" se développe avec une intensité qui atteint des nouveaux baromètres ici. Très imagé, le titre décolle avec douceur, percute des brises violentes et se referme tout en douceur. "Stay" est le titre le plus dérangeant de “Sway” avec ses lourds bourdonnements qui traversent des espaces de quiétude. Un peu comme un ciel noir qui menace la tranquillité d'un site de recueillement.
J'ai trouvé “Stay” très imposant! Ian Boddy poursuit ici cette aventure de MÉ méditative exploratoire, à essence très cosmique, qu'il a développé d’une façon plus soutenue avec la venue de son étiquette Din DDL. Toujours très habile dans l'art d’exploiter les frontières de la musique ambiante avec une touche de musicalité, de par les innombrables solos flottants, et avec un côté mélodieux qui sied très bien à cette fascinante idée aventureuse de démanteler et d'amender une version et une vision d'une œuvre antérieure, Ian Boddy reste un musicien plein de ressources pour qui un défi devient une banalité.

Sylvain Lupari (27/09/2017)

lundi 25 septembre 2017

STEVE ROACH: Live in Tucson: Pinnacle Moments (2016)

“Honestly I don't know how the man does it, but yet Steve Roach released a wonderful live album in Live in Tucson: Pinnacle Moments. One of his best and yet he has so many”
1 Desert Eternal 17:31
2 Endorphin Dreamtime 8:09
3 Going Gone 20:33
4 Skeleton Passage 13:28
5 Spiral Passage 14:09

Timeroom Editions | TM37 (CD 78:28) *****
(Driven sequencer-based styles tribal music)
In February 2015, Steve Roach gave two performances at the Tucson's Galactic Center in Arizona. “Live in Tucson: Pinnacle Moments” proposes the best moments of these two performances which were described as being pure moments of magic. Played and recorded on the evening of 13th, "Desert Eternal" plunges us in the middle of in full nature with a concerto of stridulation. Layers of fairy voices and of synth breezes caress this chant of crickets while our senses perceive a gradation at the level of the ambience which reaches its meditative nirvana with the arrival of percussions a little bit after the 3 minutes' spot. From then on, the very mesmerizing rhythm of "Desert Eternal" rocks delicately, as in a sort of astral communion. The layers of voices become spectral breaths, even sibylline murmurs, whereas the music, the percussions helping, continues its gradation towards the tops of a contemplative dusty night. The night's depths wrap and immobilize this cerebral trance, plunging the music of "Desert Eternal" into a cover of desert and of hollow vibes which exhale at times these so remote perfumes of Desert Solitaire, but with a more contemporary touch and especially darker because of an avalanche of layers of which the contrasting colors still resound between my ears. "Endorphin Dreamtime" follows with a rhythmic structure as so splendid as unexpected. A fluid movement of the sequencer makes roll its keys which glitter in an organic sound cloth. Very regular pulsations push a minimalist structure which supports wonderfully the sinusoidal effects of the sequences. The layers are also rich and less crepuscular than in "Desert Eternal", irradiating even the intensities of the wind gushes that we find in Empetus. We are not at the end of our delight when "Going Gone" pulls us towards these tribal vibes unique to Steve's repertoire. Here, the rhythm is nuanced and its fury is retained by layers of tribal flutes which throw these unique essences of the aboriginal peoples. One imagines easily a Steve Roach orchestrating a sound cataclysm by untying little by little the rhythmic skeleton of this long titre-fleuve, which flirts with a sort of tribal psychedelism, and accentuates its speediness by an accentuation of the percussions and of the sequencer lines. The strength and the interbreeding of the sound effects seems to break out as these speeded-up images of night tormented by fires, winds and earth disasters. I rarely heard such a tribal approach so much disproportionate and wild of Steve Roach that here. AWESOME! Especially that "Skeleton Passage" loosens a movement of sequencer in mode: Free the wild keys! The movement is lively, for the neurons, with a crossroads of sinusoidal and spasmodic sequenced lines which interlace their differences and their aestheticism in a rhythmic broth as explosive as implosive. The percussive effects and these rattlers which ring with fascination are simply joyous for my ears eager of percussions and of sequences which revolve in an intense and dense magma of gravitational tones. A blast! And one should not forget that Steve Roach is alone on stage (I saw a picture of him on guitar!). Thus he acts like a conductor in front of his equipment in an improvisation of sequenced rhythms that he paints of contrasting tones and of organic effects under a sky blazing of his scarlet colors. It's a huge track with a blast of 20 minutes of pure madness that will astonish your ears due to counting all the lines of sequences which parade at full speed. Even if "Spiral Passage" was recorded the evening after the 13, it sticks perfectly to the finale of "Skeleton Passage" that one would want endless. Its opening accepts the mitigation of frantic movement of "Skeleton Passage" in order to lead it through oscillating repetitive loops where the color of the tones deforms the perception of hypnosis of this title which concludes quietly one of Steve Roach's best opuses at the level of beats and rhythms. A video of this event will be the cherry on the top of a sundae.
Sylvain Lupari (September 25th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on Steve Roach's web shop 
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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En Février 2015, Steve Roach donnait deux performances au Galactic Center de Tucson en Arizona. “Live in Tucson: Pinnacle Moments” propose les meilleurs instants de ces deux performances qui ont été décrits comme étant des purs moments de magie. Joué et enregistré le soir du 13, "Desert Eternal" nous plonge en pleine nature nocturne avec un concerto de stridulations. Des nappes de voix et des brises de synthé caressent ce chant de grillons alors que nos sens perçoivent une gradation au niveau des ambiances qui atteint son nirvana méditatif avec l'arrivée de percussions autour des 3minutes. Dès lors, le rythme très envoutant de "Desert Eternal" se balance délicatement, comme dans une forme de communion astrale. Les nappes de voix deviennent des souffles spectraux, voire des crissements sibyllins, tandis que la musique, les percussions aidant, continue sa gradation vers les cimes d'une contemplation nuiteuse. Les profondeurs de la nuit enveloppent et immobilisent cette transe cérébrale, plongeant la musique de "Desert Eternal" dans un tissu d'ambiances désertiques et caverneuses qui exhalent par moments ces parfums de Desert Solitaire, mais avec une touche plus contemporaine et surtout plus obscure avec une avalanche de nappes dont les couleurs contrastantes résonnent encore entre mes oreilles. "Endorphin Dreamtime" suit avec une structure rythmique aussi superbe qu'inattendue. Un mouvement fluide du séquenceur fait rouler des ions qui miroitent dans un tissu sonore organique. Des pulsations très régulières dessinent une structure minimaliste qui supporte à merveilles les effets sinusoïdaux des séquences. Les nappes de synthé sont aussi riches et moins crépusculaires que dans "Desert Eternal", irradiant même les intensités des vents que l'on retrouve dans Empetus. Nous ne sommes pas à bout de notre émerveillement que "Going Gone" nous tire vers ces ambiances tribales uniques au répertoire de Steve Roach. Ici, le rythme est nuancé et sa fureur retenue par des nappes flutées qui lancent des parfums tribaux des peuples aborigènes. On imagine aisément un Steve Roach orchestrer un cataclysme sonore en détachant peu à peu l'ossature rythmique de ce long titre-fleuve qui flirte avec le psychédélisme clanique afin d'accentuer sa vélocité par une accentuation des percussions et de la ligne du séquenceur. La puissance et le métissage des effets sonores semble déferler comme ces images en accéléré d'une nuit tourmentée par feux, vents et catastrophes terrestres. J'ai rarement entendu une approche tribale aussi démesurée et sauvage de Steve Roach qu'ici. D'autant que "Skeleton Passage" délie un mouvement du séquenceur en mode : Libération des ions. Le mouvement est vif, pour les neurones, avec un carrefour de lignes de séquences sinusoïdales et spasmodiques qui entrelacent leurs différences et leurs esthétismes dans un bouillon rythmique aussi explosif qu'implosif. Les effets percussifs et ces crotales qui tintent avec fascination sont tout simplement jouissifs pour mes oreilles avides de percussions et de séquences qui gravitent dans un intense et dense magma de tonalités gravitationnelles. Et il ne faut pas oublier que Steve Roach est seul sur scène. Donc il agit comme un chef d'orchestre devant ses équipements dans une improvisation de rythmes séquencés qu'il maquille de tonalités contrastantes et d'effets organiques sous un ciel flamboyant de ses couleurs écarlates. C'est un titre carrément explosif qui étourdira vos oreilles à force de compter toutes les lignes de séquences qui défilent à vitesse grand V. Même si "Spiral Passage" fut enregistré lors de la prestation du lendemain soir, soit le 14 Février, il se colle parfaitement à la finale de "Skeleton Passage" que l'on voudrait sans fin…mais neurones obligent. Son ouverture accepte l'atténuation du frénétique mouvement de "Skeleton Passage" pour l'amener à travers des boucles oscillatrices répétitives où la couleur des tons déforme la perception d'hypnose de ce titre qui conclut avec douceur un des meilleurs opus de Steve Roach. Un vidéo serait accueilli avec allégresse.
Sylvain Lupari (25/09/2017)

jeudi 21 septembre 2017

ERIK WOLLO: Cinematic (2017)

“Nothing hs changed and everything is always so beautiful in the world of Erik Wollo, in the world of Cinematic”
1 Crescent Moon 7:57
2 Mountain Range 7:21
3 Venture 1 6:05
4 Venture 2 3:54
5 Unfolding 4:31
6 In Slow Time 8:36
7 End of the River 4:24
8 Closing Theme/Exit Music 6:03

Projekt ‎– PRO344 (CD/DDL 48:58) ***¾
(Ambient and lyrical)
Erik Wollo is in mode hyper productivity. In fact, since 2011 the Norwegian Electro bard has launched on the market not less than 17 albums, E.P. and others collaboration albums. That's a lot! And nevertheless, if we like the kind, each of them found its reason in the bottom of our ears. And another peak was reached with the huge Different Spaces. A double album released on the Projekt label on last March. Was there enough inspiration to pursue on this prolific momentum with “Cinematic”? Without turning upside down nor reinventing his style his style, Erik Wollo offers us another beautiful album filled of soft rhythms and decorated of landscapes as much tenebrous than his melodies can be so nostalgic. A little like in some of his last works, Wollo has dig in his vaults and has find a series of compositions written between 1998 and 2003 that he remixed and remasterised for his 23rd album.
A rising wave coming from the west of our listening and which floats of its bluish membrane opens "
Crescent Moon" and answers adequately to our waits. Amerindian percussions catch onto a line of organic pulsation which is croaking among the felted clapping of metallic banging. Minimalist, the line of rhythm is weaved by percussive jerks which support this interbreeding of synth and guitar and of their harmonies always so enigmatic and so dear to Erik Wollo's signature. These harmonies dance with reverberations in the tone and float with this line which brought "Crescent Moon" towards daylight. Another guitar weaves a line of riffs which gallops like a stroboscopic shiver while from all over come very good guitar solos and chants from a synth guitar which gives a shade so particular to the music of the Norwegian musician. This depicts the content of “Cinematic”. Without changing anything of his recipe, the music of Erik Wollo always possesses this intuitive touch which makes it so unique. We listen to the soundscapes of "Mountain Range", of the very beautiful and melancholic "Unfolding", of "End of the River" and of "In Slow Time" like we devoured those of Elevations, Airborne or yet Blue Radiance. Thus, there are few surprises like there is no disappointment, or no filling or if you prefer no music without soul. Nothing has changed and everything is always so beautiful. Certainly, there are more vibrating titles which are the witnesses that the Norwegian bard still has pleasant surprises for us in his small box of creativity. "Crescent Moon" is very beautiful, but the superb "Venture 1" is even more splendid with this fascinating voice of astral mermaid on a beautiful down-tempo structure which is perfumed of a thousand and one charms from this fusion synth/guitar. This is a wonderful title which outclasses, and by far, the very gloomy "Venture 2" and its fascinating unreal chants in a structure of dark vibes but where the rhythm tries to stir up disorder in the background. A title which brings me back to the atmospheres of Arcadia Borealis. With its vigor and its very serene, even joyful, spirit "Closing Theme/Exit Music" tries to keep “Cinematic” on the path of caravan peoples on the move who are happy to conquer new spaces. The rhythm is lively and the loops of harmonies swirl in order to root down a melody which is an eater of tympans in the nostalgia of the wandering musical winds. The line of bass reminds me of a very modest Patrick O' Hearn and the melodies of six-strings which float like the last vestiges of a specter, are to unstitch those threads which tightens the harshness of our soul. Beautiful! And a wonderful way to concluding another beautiful album where the music of Erik Wollo always finds grace between our selective ears which are seduced beforehand.

Sylvain Lupari (September 21st, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Projekt Bandcamp page
here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Erik Wollo est en mode hyper productivité. En fait, depuis 2011 l'Électro barde Norvégien a mis sur le marché pas moins de 17 albums, E.P. et albums en collaborations. Ce qui est beaucoup! Et pourtant, si on aime le genre, chaque œuvre mise sur CD ou sur son site Bandcamp trouvait sa raison au fond de nos oreilles. Et un autre point culminant était atteint avec l'immense Different Spaces. Un album double paru sur l'étiquette Projekt en Mars de cette année. Restait-il assez d'inspiration pour poursuivre avec “Cinematic”? Sans rien virer à l'envers ni réinventer son style, Erik Wollo nous offre un autre bel album bourré de rythmes doux et orné de paysages soniques aussi ténébreux que ses mélodies peuvent être nostalgiques. Un peu comme dans quelques-unes de ses dernières œuvres, Wollo a fouillé dans ses voutes et trouvent une série de compositions écrites entre 1998 et 2003 qu'il a remixé et remasterisé pour son 23ième album.
C'est par une onde se levant à l'ouest de notre écoute et qui flotte de sa membrane bleutée que "Crescent Moon" infiltre nos attentes. Des percussions amérindiennes s'agrippent à une ligne de pulsation organique qui coasse parmi des claquements métalliques. Minimaliste, la ligne de rythme est tissée par des saccades percussives qui supportent ce métissage de synthé et de guitare aux harmonies toujours aussi énigmatiques et si chères à la signature d'Erik Wollo. Ces harmonies dansent avec des réverbérations dans la note et flottent avec cette ligne qui amenait "Crescent Moon" vers la lumière du jour. Une autre guitare tisse une ligne de riffs qui galope comme un tremblement stroboscopique alors qu'affluent de bons solos de guitare et les chants d'une guitare synthétiseur qui donne un ombrage si particulier à la musique du musicien Norvégien. Cette description dépeint la teneur de “Cinematic”! Sans rien changer à sa recette, la musique d'Erik Wollo possède toujours cette touche intuitive qui la rend si unique. On écoute les paysages sonores de "Mountain Range", du très beau et mélancolique "Unfolding", de "End of the River" et de "In Slow Time" comme on dévorait ceux de Elevations, de Airborne ou encore de Blue Radiance. Donc, il y a peu de surprises comme il n'y a aucune déception, ni de remplissage ou si vous préférez de musique sans âme. Rien n'a changé et tout est toujours aussi beau. Certes, il y a des titres plus vibrants qui sont les témoins que le barde norvégien a encore d'agréables surprises pour nous dans son coffret créativité. "Crescent Moon" est très beau, mais le superbe "Venture 1" l'est encore plus avec cette fascinante voix de sirène astrale sur une belle structure down-tempo aromatisée des mille-et-un charmes de cette fusion synthé/guitare. C'est un très beau titre qui surclasse, et de loin, le très ombrageux "Venture 2" et ses fascinants chants irréels dans une structure d'ambiances mais où le rythme cherche à fomenter le trouble en arrière-scène. Un titre qui me ramène aux ambiances de Arcadia Borealis. Avec sa vigueur et son entrain très serein, voire même joyeux, "Closing Theme/Exit Music" cherche à garder “Cinematic” sur le sentier d'un mouvement de caravaniers qui sont heureux de partir à la conquête de nouveaux espaces. Le rythme est entraînant et les boucles d'harmonies tournoient pour enraciner une mélodie mangeuse de tympans dans la nostalgie de vents musicaux errants. La ligne de basse me fait penser à du Patrick O’Hearn très discret et les mélodies de la six-cordes, qui flottent comme les derniers vestiges d'un spectre, sont à découdre ces fils qui serre la rudesse de notre âme. Beau! Et une superbe façon de conclure un bel album où la musique d'Erik Wollo trouve toujours grâce entre nos oreilles sélectives qui sont tout de même séduites d'avance.

Sylvain Lupari (21/09/2017)
Crescent Moon

lundi 18 septembre 2017

ROBERT SCHROEDER: D.MO Vol.4: Harmonic Decadence (2017)

“The music of Harmonic Decadence is as much magnificent as its tone which places the album in these years where the imagination has opened the door to a universe of one thousand fantasies”
1 Harmonic Decadence Side-A 23:56
2 Harmonic Decadence Side-B 25:19

Spheric Records | SMCD 2037 (CD49:15) *****
(Berlin School)
Robert Schroeder shook slightly the temples of EM in 1979 with the excellent Harmonic Ascendant. What the public did not know until today, but there were rumors at that time, was the story behind this album. The first recording of Robert Schroeder was in reality Harmonic Decadence which was recorded in the same studios, Panne-Paulssen in Frankfurt in 1978. Its tone, too electronic, hasn't pleased at all the big bosses of IC/WEA. Schroeder thus returned to the same studios and worked on what was going to become the imprint of the musician from Aachen on the chessboard EM with Harmonic Ascendant. The recordings of Harmonic Decadence were forgotten then finally lost in time until Robert Schroeder begins to search his memoirs and tapes in his vaults. The results of this search were going to be translated into a series entitled D.MO, for Demo. A series which was expected for the fans of this brilliant sound and instruments designer well before D.MO Vol 1, released in 1998, and which also contained recordings of the 78 year. The initial idea behind this dust removal of Robert Schroeder's old recordings was to restore them in their origin tones and sounds without retouches, except for “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” which was remasterised in the spirit of that era. The peak of Harmonic Ascendant was without any doubt its very long and how much magnificent title-track. Future Passing By and The Day After X were two more avant-gardist titles with its lot of effects and a good use of the vocoder. It's mainly the fragrances of those 2 tracks which blow over the first track, while the second one inhales those of the wonderful Harmonic Ascendant. And in the end of the day, “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” turns out to be a completely unexpected surprise which is going to please undoubtedly to the fans from the very beginning of Robert Schroeder.
Floating layers, electronic effects and murmurs of vocoder arouse the curiosity of our ears and comfort a wait which was very high, considering the impact of
Harmonic Ascendant in the history of modern EM. The sound aestheticism of Robert Schroeder is anchored well and truly in the harmonious descent of "Harmonic Decadence A Side-A" which sounds literally as in the modernist universe of the Face B in Harmonic Ascendant. The movement of the sequencer is more fluid here, being even situated between the movements of Future Passing By and The Day After X. Minimalist and very melodious, the rhythm is waving with its magnetizing effect while of all the pores of "Harmonic Decadence A Side-A" comes its lot of effects and murmurs from this synth which mix brilliantly its effects and solos. No doubt, we are in the lands of Harmonic Ascendant. "Harmonic Decadence Side-B" revisits its younger brother with an enhanced pace while surfing on the more livened up portion Harmonic Ascendant's title-track. The bouquet is very retro Berlin School with this clearly felt influence of Klaus Schulze on Robert Schroeder. The solos of synth are superb here, the effects are well measured and put an emphasis on the presence of the synth while the rhythm is as much animated as in la belle époque. Little by little this rhythm becomes breathless by the race of the sequences and lean on a slow structure which is very similar in The Day After X, effects in more.
I am very surprised that the management of IC/WEA disregarded Harmonic Decadence, considering the crazy adventures of
Klaus Schulze in Timewind, Moondawn and Body Love. The only difference between this Harmonic Decadence and Harmonic Ascendant is the very romantic approach of its title-track. But no matter, the important is that the recordings of its predecessor was found, because my ears have devoured a splendid music here. If I always have a drawback regarding these archaeological digs of the pioneers of the art, any forms included, I welcome with enthusiast this brilliant recording lost in time. The music of “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” is as much magnificent as its tone which places the album in these years where the imagination has opened the door to a universe of one thousand fantasies. This is what I call an unavoidable, a must!

Sylvain Lupari (September 18th, 2017)
synth&sequences.com
One find sthis album on CD Baby and on the Spheric Music shop here 
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Robert Schroeder secouait légèrement les temples de la MÉ en 1979 avec la parution de l'excellent Harmonic Ascendant. Ce que le public ne savait pas jusqu'à aujourd'hui, mais il y avait des rumeurs à l'époque, était l'histoire derrière cet album. Le premier enregistrement de Robert Schroeder était en réalité Harmonic Decadence qui fut enregistré dans les mêmes studios, soit le Panne-Paulssen à Frankfurt en 1978. Sa sonorité, trop électronique, ne plaisait pas du tout aux décideurs de IC/WEA. Schroeder retournait donc dans les mêmes studios afin de travailler sur ce qui allait devenir l'empreinte du musicien d'Aachen sur l’échiquier la MÉ avec Harmonic Ascendant. Les enregistrements de Harmonic Decadence ont été oublié puis finalement perdu dans le temps…jusqu'à ce que Robert Schroeder commence à fouiller dans ses mémoires et ses voutes. Les résultats de cette fouille allaient se traduire en une série intitulée D.MO, pour Démo. Une série qu'attendait les fans de ce brillant concepteur bien avant D.MO Vol.1, lancé en 1998 et qui contenait aussi des enregistrements de l'année 78. L'idée de départ derrière ce dépoussiérage des vieux enregistrements de Robert Schroeder était de les restituer dans leurs tonalité d'origine et sans retouches, sauf pour “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” qui a été remasterisé dans l’esprit de l'époque. Le point culminant de Harmonic Ascendant était sans nul doutes sa très longue et combien superbe pièce-titre. Future Passing By et The Day After X étaient deux titres plus avant-gardistes avec beaucoup d'effets et une bonne utilisation du vocodeur. Ce sont les ambiances de ces 2 titres qui soufflent sur “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence”, une surprise tout à fait inattendue qui va plaire assurément aux fans de la première heure de Robert Schroeder.
Des nappes flottantes, des effets électroniques et des murmures de vocodeur attisent la curiosité de nos oreilles et réconfortent une attente qui était très élevée, considérant l’impact de
Harmonic Ascendant dans l'histoire de la MÉ moderne. L'esthétisme sonore de Robert Schroeder est bel et bien ancré dans la descente harmonique de "Harmonic Decadence Side-A" qui sonne littéralement comme dans l'univers moderniste de la Face B de Harmonic Ascendant. Le mouvement du séquenceur est plus fluide ici, se situant même entre les mouvements de Future Passing By et The Day After X. Minimaliste et très mélodieux, le rythme ondule avec son effet magnétisant alors que de toutes les pores de "Harmonic Decadence Side-A" fusent des effets et murmure ce synthé qui mélangent merveilleusement ses effets et solos. Aucun doute, nous sommes dans les terres de Harmonic Ascendant. "Harmonic Decadence Side-B" revoit son petit frère en mode accéléré tout en surfant sur l'accélération de la portion plus animée de la pièce-titre de Harmonic Ascendant. Ça fait très Berlin School rétro avec cette influence nettement sentie de Klaus Schulze sur Robert Schroeder. Les solos de synthé sont superbes ici, les effets sont bien dosés et accentuent la présence du synthé alors que le rythme est aussi entraînant qu'à labelle époque. Peu à peu ce rythme essouffle la course des séquences pour s'appuyer sur une structure lente qui est très similaire à The Day After X, effets en plus.
Je suis très surpris que les dirigeants de IC/WEA aient levé le nez sur
Harmonic Decadence, considérant les folles aventures de Klaus Schulze dans Timewind, Moondawn et Body Love. La seule différence entre ce Harmonic Decadence et Harmonic Ascendant est l'approche très romanesque de sa pièce-titre. Mais peu importe, l'important est que les enregistrements de son prédécesseur ont été retrouvés, car c'est tout un album que mes oreilles, toutes aussi ébahies que stupéfaites, ont dévoré. Si j'ai toujours un bémol en ce qui concerne ces fouilles archéologiques des pionniers de l'art, toutes formes confondues, j'accueille avec enthousiaste ce brillant enregistrement perdu dans le temps. La musique de “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” est aussi splendide que sa tonalité qui situe l'album dans ces années où l'imagination ouvrait la porte à un univers de mille fantaisies. C'est ce que je nomme un incontournable!

Sylvain Lupari (18/09/2017)

dimanche 10 septembre 2017

JEFFREY KOEPPER: MantraSequent (2017)

“Frankly superb with its mixes of rhythms and phases of ambiences, the magnificent art of analog EM breathes from in each parcels of tones on this other excellent album from Jeffrey Koepper”
1 Parallax 12:42
2 Aura 7:43
3 Mandala 2:09
4 Apparition 10:38
5 Aurora 3:51
6 Gateway 13:48
7 Halo 6:34
8 Equinox 5:46
9 Spectre 4:02

Projekt | PRO341 ( CD/DDL 67:20) *****
(Mix of French and Pacific Schools)
It had been a long time, too long, since I had heard the very stylized music of Jeffrey Koepper. This exceptional artist is part of these pioneers who always believe in the virtues of analog synths and analog instruments. Which makes his music, his sonic prose and tone so unique. So alive! His last offering, offered in manufactured CD and also in download format by the American label Projekt Records, is a journey, segmented in 9 parts, in the heart of the meditative trances with a main skeleton of sequencer which undo a lot of spasmodic hymns as others more peaceful in a pattern of polyrhythmic rhythmic structures which are coated of immersive arrangements. Very livened up by a sequencer with some exceptional tones, “MantraSequent” releases known perfumes, which remain nevertheless forgotten in time, in a contemporary envelope. And a unique thing distances itself from his musical aestheticism; this ease that the American musician has to unite the cosmic essences of the French School, kind of Jarre, Zanov and Space Art, into the Pacific School model where the influences of Steve Roach and Michael Stearns are solidly anchored.
This last
Jeffrey Koepper's adventure begins with the very lively structure of "Parallax". The rhythm is lively and in flame. It evolves by oscillating phases. And its multiple spasmodic rebounds are structuring an effect of rhythmic echo slightly drifting, if not slowly circular. Furious, the sequencer modulates some variations in its tones, as well as in its jerky chords, giving the illusion that two structure of rhythm are merging or dividing in this long unstable rhythmic odyssey. The ambiences are drawn by layers a little bit hoarse which buzz in a circular effect and in small unknown details which push our hearing curiosity to its last limits. These ambiences become more present with the arrival of the percussions which give an effect more in the kind of Dance Music of future to "Parallax". "Aura" follows with a delicious structure of rhythm which is more ethereal. The arpeggios flutter lively like the wings of a hummingbird. They flash and swirl around a rachitic sequenced skeleton which crumbles its sonic keys by interrupted shocks. There is a very vintage spirit behind this title which hooks from the first moments because of the transparency of the sequences which sound like knocks of hammers on an armored glass anvil. Layers of celestial voices accost this other spasmodic structure where the keys get loose to offer a tone more sharpness and more musical in this title which adopts a constant velocity when it goes, with more muffled jumps, into the gargantuan intro of "Mandala".
It's a short moment of celestial rest in the 1st part of “
MantraSequent” because "Apparition" follows with layers which zigzag in effects of mist. A pulsation hesitates in the background and tries to implant a rhythm. In so doing, the structure gambols delicately with more an effect of wandering than of domination. Another structure of sequences decorates the uncertain approach of "Apparition" which seems to be so well in the multiple caresses of the effects of ambient music. But little by little, the structure gets up with the multiplication of the keys which frolic with lightness in a finale which gets more and more furious. This torrent of irascibility pours in the ocean of serenity that is "Aurora". And the rhythmic wheel of “MantraSequent” restarts with the very good "Gateway" of which the wealth lies in the diversity of the sequencer tones and of its percussive effects. We are in the territories of great EM made with the spirit of his first designers. "Halo" is the longest ethereal moment in “MantraSequent”. Ethereal but rich in emotionalism with layers of voices which float with intensity and with a light inflection in its ambient approach. "Equinox" is a wonderful track which seems to be inspired by Steve Roach's more or less ambient rhythms. The structure unwinds two and even three rhythmic patterns which skip in dichotomous phases and in luxurious decoration of meditative moods. And I like this way that Jeffrey Koepper has choose in order to guide the listener towards the finale of his last opus while "Equinox" wades in a brook to go to another very beautiful phase of serenity with the soft "Spectre". This superb album could not have a better finale. Hat to you Jeffrey for this album without flaws. And how not recommend it?
Sylvain Lupari (September 9th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ça faisait longtemps, trop longtemps, que j'avais entendu la musique très stylisée de Jeffrey Koepper. Cet artiste exceptionnel fait partie de ces pionniers qui croient toujours aux vertus des synthés et des équipements analogues. Ce qui rend sa musique, sa prose et sa tonalité unique. Vivante! Sa dernière offrande, offerte en format CD manufacturé et en téléchargement par le label américain Projekt Records, est un voyage, segmenté en 9 parties, au cœur des transes méditatives avec une ossature principale du séquenceur qui dénoue des hymnes spasmodiques, comme des structures rythmiques plus paisibles et polyrythmiques, qui sont nappées d'arrangements immersifs. Très animé par un séquenceur aux tonalités exceptionnelles, “MantraSequent” dégage des parfums connus, qui restent pourtant oubliés dans le temps, dans une enveloppe contemporaine. Et une chose unique se démarque de son esthétisme musical; cette facilité que le musicien américain à d'unir les essences cosmiques de l'École de France, genre Jarre, Zanov et Space Art, à la Pacific School où les influences de Steve Roach et de Michael Stearns sont solidement ancrées.
Cette dernière aventure de Jeffrey Koepper débute avec la structure très entraînante de "Parallax". Le rythme est vivant et enflammé. Il évolue par phase oscillatoire et ses multiples rebonds spasmodiques structurent un effet d'écho rythmique légèrement planant, sinon doucement circulaire. Endiablé, le séquenceur module des variations dans ses tonalités, de même que dans ses accords saccadés, donnant l'illusion que deux structure de rythme fusionne ou se détache dans cette longue odyssée rythmique mouvante. Les ambiances sont dessinées par des couches un peu rauques qui bourdonnent avec un effet circulaire et de petits détails inconnus qui poussent notre curiosité auditive à ses derniers tranchants. Ces ambiances deviennent plus présentes avec l'arrivée des percussions qui donnent un effet plus dans le genre Dance Music du futur à "Parallax". "Aura" suit avec une succulente structure de rythme plus éthérée avec des arpèges vifs comme les ailes d'un colibri. Ces arpèges clignotent et tournoient autour d'un rachitique squelette séquencé qui émiette ses ions soniques par secousses discontinuées. Il y a un esprit très vintage derrière ce titre qui accroche dès les premiers instants en raison de la limpidité des séquences qui sonnent comme des coups de marteaux sur une enclume en verre blindé. Des nappes de voix célestes accostent cette autre structure spasmodique où les ions se détachent afin d'offrir une tonalité plus acuité et plus musicale à ce titre qui épouse une certaine vélocité lorsqu'il se dirige, avec des bonds plus sourds, vers l'intro gargantuesque de "Mandala".

C'est un court moment de repos céleste dans la 1ière partie de “MantraSequent” car "Apparition" suit avec des nappes qui zigzaguent dans des effets de brume. Une pulsation hésite en arrière-plan afin d'implanter un rythme. Ce faisant, la structure gambade délicatement avec plus un effet d'errance que de domination. Une autre structure de séquences agrémente l'approche incertaine de "Apparition" qui semble trop bien dans les multiples caresses des effets d’ambiances. Mais peu à peu, la structure se lève et se dresse avec la multiplication des ions qui folâtrent avec légèreté dans une finale qui se fait de plus en plus rageuse. Ce torrent d'irascibilité se déverse dans l'océan de sérénité qu'est "Aurora". Et la roue rythmique de “MantraSequent” se remet en marche avec le très bon "Gateway" dont la richesse réside dans la diversité des tonalités du séquenceur ainsi que de ses séduisants effets percussifs. Nous sommes dans les territoires de la très bonne MÉ faite avec l'esprit de ses premiers concepteurs. "Halo" est le plus long moment éthéré de “MantraSequent”. Éthéré mais riche en émotivité avec des nappes de voix qui flottent avec intensité et avec une légère inflexion dans son approche ambiante. "Equinox" est un splendide titre qui semble inspiré des rythmes plus ou moins ambiants de Steve Roach. La structure déroule deux et même trois pattern rythmiques qui sautillent en phases dichotomiques dans un somptueux décor d'ambiances méditatives. Et j'aime cette façon qu'a Jeffrey Koepper de diriger l'auditeur vers la finale de son dernier opus alors que "Equinox" patauge dans un ruisseau pour se diriger vers une autre très belle phase de sérénité avec le doux "Spectre". Ce superbe album ne pouvait avoir une meilleure finale. Chapeau Jeffrey pour cet album sans bavures. Et comment ne pas le recommander?Sylvain Lupari 09/09/2017

vendredi 8 septembre 2017

STEVE ROACH: Nostalgia for the Future (2017)

“Nostalgia for the Future is an album arisen from the feeling of solitude and this can be felt all over this last rather dark journey into the inner mind by Steve Roach”
1 Home Now 19:48
2 The Rising Tide 11:31
3 The Rising Tide Part Two 11:37
4 Inside the Inside 7:43
5 Nostalgia in Waves 8:11
6 For The Future 15:00

Timeroom Editions ‎| TM42 (CD/DDL 73:50) ****
(Deep immersive Ambient Music)
With “Long Thoughts” and “Nostalgia for the Future”, Steve Roach makes a copy/paste of the albums Fade to Grey and Painting in the Dark. These albums released at the very end of 2016 have the same peculiarities and, more or less, the same structures of meditative vibes as “Long Thoughts” and of its unique title, as in Fade to Grey. And like in Painting in the Dark, “Nostalgia for the Future” proposes 6 titles which lengthen its music time of a single second with regard to Painting in the Dark. And the game of comparisons doesn't stop there. Quite the opposite, both albums flirt on the same pattern with as many structures which split into a long mosaic of meditation. But still here, the sculptor of the soundscapes from California succeeds to pull the improbable of this long lineage of meditative ambiences albums by insufflating a little of new in the old. 
"
Home Now" begins with warmness. On a slow and continuous humming, a more musical wave raises the game of the comparisons with a floating movement which pours its moans on this shaded task. If no percussion, or movement of sequences, liven up the ambiences, Steve Roach attributes to his sound reflections some slow winged movements which are propelled by slow ripple effects which roll on an ocean rocked by the hands of Neptune. It's quiet and very serene, besides having a melodious approach as attractive as mysterious. Hollow breezes win in power and smother the lines of melodious song of "Home Now" to empty its finale towards the saga of "The Rising Tide", a more ambient and darker title with harmonies so discreet that they are noticed on the late. The avalanche of the sound layers gives a rather impenetrable approach, dense and heavy from where also escape more lugubrious inhuman thin lines of singing exercises. Note that our friend Steve coats his music here with a fine membrane of white noises, giving a beautiful twilight contrast to the approach always very hollowed of his music. Speaking of which, the heavy moods in "The Rising Tide Part Two" surpasses the qualifier. The pile of synth lines gives an image of magma stopped by some very icy radiations where we can hear the boiling fusion howling to coldness. And from the opening line of "Inside the Inside", “Nostalgia for the Future” goes back into the ambiences of "Home Now" in order to reach a delicious moment of emotionalism with these winged songs which get loose from the long skeleton of hummings. "Nostalgia in Waves" follows with a slow and fascinating undulating movement which is pushed by reverberant waves. It's like to follow the evolution of a rangy hypnotic travel which is sculpted in the skeleton of a drone gliding between two stratospheric layers. "For The Future" ends this last Steve Roach's meditative odyssey with another drifting structure armored of drones which is also split into multiple fragments of serenity and by moments of ambiospherical swells which feed on the tenacity of drones to survive in scattered movements of calm.
Composed and recorded between January and July of this year, “
Nostalgia for the Future” is an album arisen from the feeling of solitude and this can be felt all over this last rather dark journey into mind from Steve Roach. A little darker, as a little more harmonious, but also with an impressive presence of the breaths of sound drones, “Nostalgia for the Future” follows closely the way traced by Painting in the Dark. It's another intimate opus that the musician offers to his fans. I would not say that it is an essential work in Steve Roach's repertoire, but that remains a more lugubrious ambient music with a harmonious side as much imperceptible as very elusive, but especially very fascinating in a decoration which sounds very devastating like the one of a planet which is in its last miles. Effective and very magnetizing, the fans of Steve Roach are going to be feed. Up until the next chapter.
Sylvain Lupari (September 8th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Avec “Long Thoughts” et “Nostalgia for the Future”, Steve Roach réalise un copié-collé des albums Fade to Grey et Painting in the Dark. Ces albums réalisés à la toute fin de 2016 ont les mêmes particularités et, à peu de choses près, les même structures d'ambiances méditatives que “Long Thoughts” et de son unique titre, comme dans Fade to Grey. Et comme dans Painting in the Dark, “Nostalgia for the Future” propose 6 titres qui allongent son temps de musique d'une seule seconde par rapport à Painting in the Dark. Et le jeu des comparaisons ne s'arrête pas là. Bien au contraire, les deux albums flirtent sur le même pattern avec autant de structures qui se scindent en une longue mosaïque de méditation. Mais encore ici, le sculpteur des paysages soniques de la Californie réussit à tirer l'improbable de cette longue lignée d'albums d'ambiances méditatives en insufflant du renouveau dans de l'ancien.
"Home Now" débute avec tiédeur. Sur un lent et continu bourdonnement, une onde plus musicale élève le jeu des comparaisons avec un mouvement flottant qui verse ses soupirs sur cette tâche ombragée. Si aucune percussion, ni mouvement de séquences animent les ambiances, Steve Roach attribue à ses réflexions soniques de lents mouvements ailés qui sont propulsés comme de lents effets de vagues qui roulent sur un océan bercé par les mains de Neptune. C'est calme et très serein, en plus d'avoir une approche mélodieuse aussi séduisante que mystérieuse. Des brises caverneuses gagnent en puissance et étouffent les lignes de chant mélodieux de "Home Now" pour verser sa finale dans la saga de "The Rising Tide", un titre plus ambiant et plus sombre avec des harmonies si discrètes que l'on les remarque sur le tard. L'avalanche des couches sonores donnent une approche plutôt impénétrable à ce titre dense et lourd d’où s'échappent aussi des filets de vocalises inhumains plus lugubres. Fait à noter, l'ami Steve enrobe sa musique ici d'une fine membrane de bruits blancs, donnant un beau contraste clair-obscur à l'approche toujours très caverneuse de sa musique. Et lorsque je dis caverneuse, les lourdes ambiances de "The Rising Tide Part Two" surpassent le qualificatif. L'amoncellement des lignes de synthé donne une image de magma stoppé par des radiations glaciales où l'on peut entendre la bouillante fusion hurler de froideur. Et dès la ligne d'ouverture de "Inside the Inside", “Nostalgia for the Future” retourne aux ambiances de "Home Now" afin d'atteindre un savoureux moment d'émotivité avec ces chants ailés qui se détachent de la longue ossature de bourdonnements. "Nostalgia in Waves" suit avec un lent et fascinant mouvement ondulatoire qui est poussé par des ondes réverbérantes. C’est comme suivre l’évolution d'un longiligne déplacement hypnotique qui est sculpté dans l'ossature d'un drone planant entre deux couches stratosphériques. "For The Future" termine cette dernière odyssée méditative de Steve Roach par une autre structure planante et blindée de drones qui est aussi scindée en multiple fragments de sérénité et des moments de houles ambiosphérique qui se nourrissent de la ténacité des drones à survivre aux éparses mouvements de calme.
Composé entre Janvier et Juillet de cette année, “Nostalgia for the Future” est une œuvre née de la solitude et cet état de claustration respire à la grandeur de ce dernier tableau assez obscur de Steve Roach. Un peu plus sombre, comme un peu plus harmonique, mais aussi avec une présence imposante des respirations de drones sonores, “Nostalgia for the Future” suit de près les chemins tracés par Painting in the Dark. C'est un autre opus intimiste que le musicien offre à ses fans. Je ne dirais pas que c'est une œuvre essentielle du répertoire de Steve Roach, mais ça reste une musique d'ambiances plus lugubre avec un côté harmonique aussi insaisissable que très fuyant, mais surtout très fascinant dans un décor aussi bouleversant que celui d'une planète qui en est à ses derniers miles. Efficace et très magnétisant, les fans de Steve Roach sont repus jusqu'au prochain chapitre.

Sylvain Lupari (09/09/2017)

jeudi 7 septembre 2017

STEVE ROACH: Long Thoughts (2017)

“Oh that I would like to give the same words a new dimension like Steve Roach is doing with his ambient music. Like here, like in Long Thoughts”

1 Long Thoughts 73:15
Projekt ‎| PRO343 (CD/DDL 73:15) ****
(Deep immersive Ambient Music)
How to describe “Long Thoughts” without my words turn into the pleonasm? I would like to be like Steve Roach and to write texts on the same theme. Texts which are alike and which nevertheless reveal subtle nuances in the prose and in the choice of the words so that I could captivate and charm constantly my faithful readers. A thing that Steve Roach does since ages and that he still doing with this other journey in the spiritual lands of our subconscious. Nevertheless, this long journey of 73 minutes borrows corridors that we visited repeatedly with albums such as Fade to Gray, Shadow of Time, This Place to Be and the mega 4 CD box Bloodmoon Rising. These transcendental symphonies were all released in 2015 and assured the longevity of ambient works as much immersive, one from the others. We have to think of the Immersion series and of the multitude of albums segmented in several titles and which are also long rivers of meditative atmospheres such as this last Steve Roach's opus. The peculiarity of “Long Thoughts” is to be as much intuitive as its title. I really had this impression to scatter my thoughts in long solitary journeys over a red desert or over a magma frozen in a blue steel. From a simple breeze, a multiplication of layers, quite unique one from the others, irradiates our ears. These layers get tangled and get untie like a thick cloud of shadows practicing diverse sexual intercourses on a reddish mass. They adopt the same tangent, but not the same illusion, and regroup in a sonic heap strongly divided between celestial and sibylline approaches. Some corrosive effects color the depth of the ambient choir with outlines which crackle over the stains of the shadows which are whistling like hollow winds. If there is an effect of harmony, it lives in these layers of white noises which sizzle in symbiosis with a mutation of the dark breezes which turn into bloodless humming. “Long Thoughts” too could have be divided into segments, so much that we feel here a clear detachment between the vibes of these thoughts which can be as much serene than furious. And I liked this fascinating confrontation between these nuances which makes that this other ambient soundscape of Steve Roach looks as much different than its inevitable links between his previous transcendental meditation works which are a part of Steve's DNA and, by ricochet, of his legion of apostles.
Similar but not completely alike to some of Steve Roach's previous works, “Long Thoughts” is like this annual pilgrimage with a musician who knows how to extend the reach of his works beyond the territories of our needs. Similar but not completely, “Long Thoughts” will charm more than one with its strange oratorios which hum in a hallucinating embellishment where the sonic and musical frontiers encircle us like hands caressing our soul, the core of our emotions.
Sylvain Lupari (Septembre 7th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Comment décrire “Long Thoughts” sans que mes mots ne versent dans le pléonasme? J'aimerais être comme Steve Roach et écrire des textes sur le même thème. Des textes qui se ressemblent et qui pourtant révèlent de subtiles nuances dans la prose et le choix des mots de façon à captiver et de charmer constamment mes fidèles lecteurs. Un truc que Steve Roach fait depuis des lunes et qu'il refait encore avec cet autre voyage dans les terres spirituelles de notre subconscient. Pourtant, ce long voyage de 73 minutes emprunte des corridors que nous avons visité à maintes reprises avec des albums tel que Fade to Gray, Shadow of Time, This Place to Be et le méga Bloodmoon Rising. Ces symphonies transcendantales ont tous parus en 2015 et assuraient la pérennité d'œuvres ambiantes aussi immersives les unes des autres. On a qu'à penser à la série Immersion et la multitude d'albums segmentés en plusieurs titres et qui sont aussi de longs fleuves d'ambiances méditatives tel que ce dernier opus de Steve Roach. La particularité de “Long Thoughts” est d'être aussi intuitif que son titre. J'ai vraiment eu cette impression d'éparpiller mes pensées en de longs voyages solitaires au-dessus d'un désert rouge ou d'un magma figé dans un bleu acier. Par une simple brise, une multiplication de couches, toutes aussi uniques les unes des autres, irradie nos oreilles. Ces couches s'entremêlent et se détachent comme une nuée d'ombres pratiquant divers coïts sur une masse rougeâtre. Elles épousent la même tangente, mais pas la même illusion, se détachant pour se regrouper en un amas sonore fortement divisé entre des approches célestes et sibyllines. Des éléments corrosifs teintent la profondeur des chants ambiants avec des contours qui grésillent sur des tâches d'ombres mugissant comme des vents caverneux. S'il y a un effet d'harmonie, elle réside dans ces couches de bruits blancs qui grésillent en symbiose avec une mutation des brises sombres qui deviennent des chants plus exsangues. “Long Thoughts” aurait pu être divisé en segment, tant on sent un net détachement entre les ambiances de ces pensées qui peuvent être autant sereines que rageuses. Et j'aime cette fascinante confrontation entre ces nuances qui fait que cet autre album de masse sonore de Steve Roach parait aussi différent que son inévitable rapprochement entre ces œuvres de méditation transcendantales antérieures qui font partie de l'ADN de Steve Roach et, par ricochet, de sa légion d'apôtres.
Pareil mais pas tout à fait pareil à certaines œuvres antérieures de
Steve Roach, “Long Thoughts” est comme ce rendez-vous annuel avec un musicien qui a su étendre la portée de ses œuvres au-delà des territoires de nos besoins. Pareil mais pas tout à fait, “Long Thoughts” en charmera plus d'un avec ses étranges oratorios qui hument dans un hallucinant décor où les frontières sonores nous cernent comme des mains caressant notre âme, le cœur de nos émotions.

Sylvain Lupari (07/09/2017)

mardi 5 septembre 2017

SASA TOSIC: Circles of Time (2017)

“Sasa Tosic amazes here by the way he builds his compositions which sounds like David Wright in his peak”
1 Modern Ballet 3:43
2 Twentyone Seconds 4:48

3 Infinity Part 1 4:14
4 When this Moment Became True 1:49

5 Circles of Time 5:06
6 Seawalk 5:46
7 Tenthousand Planets 6:27
8 Closer to You 4:22
9 Breakout 1:53
10 Forever Present 5:22
11 Infinity Part 2 5:24
12 Reflecting 3:56
13 Cycles of Life 4:00

Stefan Erbe Music (CD/DDL 56:49) ***½ (Symphonic Electronic Rock)
The proof that any album deserves a 2nd, even a 3rd chance? The 1st time that I listened to “Circles of Time” from the brand newcomer from the Erbe Music label, Sasa Tosic, I was a little surprised by a very film music, the kind that gives you a plentiful of tears in a poignant finale with violins waltzing in heavens, which takes with an electronic rock tangent close to the style of Jerome Froese, with a guitar and percussions which make riffs and jolts, in a second part more in rhythm and noisier of "Modern Ballet". My ears were annoyed by this bend between the sweetness of the dreamy piano and the fury of a not completely accomplished rock, for lack of time. The 2nd time, my ears go up until "Twentyone Seconds" without wanting again to go farther. And bang! By a gloomy Sunday morning of the beginning of September, I was reading my newspaper and I said to myself: why not? It's there that I succumbed to this very good production of the Erbe Music studio. Let's say that the very romantic "Infinity Part 1" helped a lot. And I discovered an album which rich in melodies, in slow rhythms and in arrangements where the cinematographic side goes in transit more pleasantly towards some very sentimental e-rock.
A piano of mist opens the delicate circular melody of "Modern Ballet". The movement is mild and poignant with sighs of violin and arrangements to make a wall cry. We float on the harmonies of the violin and we swirl frivolously on the harmonious carousel of the piano. We are not even reach the 2 minutes' spot that a guitar scribbles this soft illusion of romanticism with heavy riffs which espouse the sighs of orchestrations and point out soloes which go crawling like a threatening shadow. With a pattern which will be familiar to us for the next 50 minutes, "Modern Ballet" goes astray towards a jerky rock where the guitar makes duel with abrupt and convulsive orchestrations. "Twentyone Seconds" approaches our ears with a ghost melody of an oriental savor which sheds tears with an effect of Chinese violin. Pulsations resound in the background, disturbing these esoteric vibes where voices and harmonies are sculpted in symbiosis. The music approaches a slightly more accentuated phase with a structure of rhythm which gallops slowly in a thick coat of orchestrations. Still here, these orchestrations are of silk and are weaved with the aim of raising our hairs from our arms. And if you like the genre, it abounds and fed the numerous heart-rending moments of “Circles of Time”. We stay in a more ethereal tenderness with "Infinity Part 1". This time it's notes of guitar that sigh a very melancholic approach on a bed of clanic percussions. The effects of tenderness are so striking that we just don’t know where to give ear in this music knotted of intrigues of harmonies and of tearful violins on a slow, but delicately lively, rhythm. That works very well with the greyness which paint my windows. The guitar, also an object of omnipresence on this first album of Sasa Tosic, scatters very convincing solos which sound like a good old Mike Oldfield, or yet Brett Snyder. I'm going from surprise to surprise with a title like "When this Moment Became True" and its uncertain approach which looks for the comfort of the symphonic floating style. The title-track turns into melodrama with slow staccato movements which tear up the dense harmonies of the violins. The structure and the arrangements are very intense and especially impenetrable for this structure of rhythm of which the introvert gallop remains flooded in the jolts of the orchestrations. There is this fine melody perched on a vampiric carousel, Halloween style, which doesn't stop to haunt my ears. And the guitar which gets in! In brief, "Circles of Time" waltzes in an approach of movie where the e-rock always remains enclosed by an orchestra of 10 violins and cellos. It's very, but very, intense and I liked it quite easily. "Seawalk" is a beautiful ballad on a heavy and slow rhythm where the guitar and the keyboard harmonize their different. The same goes for "Tenthousand Planets" which is more symphonic on the other hand with a very good final transported by a gust of a slow and jerky beat and where the piano is always losing these bites of melodies. Between a rock heavy and slow and waltzes of violins, "Closer to You" goes down pretty well. Although the kind begins to be more predictable. After the rebel rhythm which embraces a little the kind of Jazz and Lounge of the too short "Breakout", "Forever Present" proposes a nice layer of harmonies on a ballad propelled by sentimental violins. It's a good slow dance with a good guitar which puts me in the moods of the movie Top Gun and of its track Anthem, without the wild rock side. "Infinity Part 2" proposes a structure in movement where the aspects of rock, of ballad and of ambient go in transit on heavy arrangements. After the soft and very light ballad of "Reflecting", "Cycles of Life" sells the last minutes of “Circles of Time” with a music which grows in velocity without ever exceeding these borders that Sasa Tosic keeps jealously into an approach of symphonic ballad.
For a first album, Sasa Tosic amazes by the way he builds his compositions which sounds like David Wright in his peak. “Circles of Time” is an album of electronic symphonic rock rather easy to assimilate, because his author plays constantly with the strings of our feelings with arrangements to make the walls cry. And the production is top notch! At the end, I liked these duels between a sometimes aggressive guitar and a dreamy piano which scatters twigs of harmonies in a dense tapestry of orchestrations. The soft and the hard are confronting each other, adding portions of lively rock and melodies of silk. My tender wife Lise has liked it a lot… that says everything!
Sylvain Lupari (September 5th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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La preuve que tout album mérite une 2ième, voire même une 3ième chance? La 1ière fois que j'ai écouté “Circles of Time” du tout dernier artiste à sortir de l'écurie Erbe Music, Sasa Tosic, j'ai été quelque peu décontenancé par la musique très cinématographique, genre larmes abondantes dans une finale poignante sur des violons valsant dans les cieux, qui prend avec une tangente de rock électronique assez Jerome Froese, avec une guitare et des percussions qui font riffs et saccades, dans une seconde partie plus en rythme et plus bruyante de "Modern Ballet". Mes oreilles étaient agacées par ce virage entre la douceur du piano rêveur et la rage d'un rock pas tout à fait abouti, faute de temps. La 2ième fois, mes oreilles ont été jusqu'à "Twentyone Seconds" sans encore vouloir aller plus loin. Et bang! Par un maussade dimanche matin du début Septembre, je lisais ma Presse et je me suis dit : Pourquoi pas? C'est là que j'ai succombé à cette très bonne production de la maison Erbe Music. Disons que le très romantique "Infinity Part 1" a beaucoup aidé. Et j'ai découvert un album riche en mélodies, en rythmes lents et en arrangements où le côté cinématographique transitait plus agréablement vers du e-rock genre rose-bonbon.
Un piano de brume ouvre la délicate mélodie circulaire de "
Modern Ballet". Le mouvement est délicat et poignant avec des soupirs de violon et des arrangements à faire pleurer un mur. On flotte sur les airs du violon et on tournoie avec légèreté sur le carrousel harmonique du piano. Nous ne sommes même pas à la barre des 2 minutes qu'une guitare barbouille cette douce illusion de romantisme avec de lourds riffs qui épousent les soupirs des orchestrations et déposent des solos aussi rampants qu'une ombre menaçante. Avec un pattern qui nous sera familier pour les 50 prochaines minutes, "Modern Ballet" dévie vers un rock saccadé où la guitare fait duel avec des orchestrations brusques et convulsives. "Twentyone Seconds" aborde nos oreilles avec une mélodie fantôme d'un genre oriental qui verse des larmes avec un effet de violon chinois. Des pulsations résonnent en arrière-plan, dérangeant ces ambiances ésotériques où voix et harmonies sont sculptées en symbiose. La musique aborde une phase légèrement plus accentuée avec une structure de rythme qui galope doucement dans un épais manteau d'orchestrations. Encore ici, ces orchestrations sont soyeuses et tissées dans le but de nous faire lever les poils du bras. Et si vous aimez le genre, elles foisonnent et nourrissent les moments, et ils sont plusieurs, émouvants de “Circles of Time”. Nous restons dans une tendresse plus éthérée avec "Infinity Part 1". Cette fois-ci ce sont des accords de guitare qui soupirent une approche très mélancolique sur un lit de percussions claniques. Les effets de tendresse sont époustouflants et on ne sait plus où donner de l'oreille dans cette musique nouée d'intrigues d'harmonies et de violons pleurnicheurs sur un rythme lent mais délicatement entraînant. Ça fonctionne très bien avec la grisaille qui peinture mes fenêtres. La guitare, aussi un objet d'omniprésence sur ce premier album de Sasa Tosic, éparpille des solos très convaincants qui sonnent comme du bon vieux Mike Oldfield, ou encore Brett Snyder. J'allais de surprise en surprise avec un titre comme "When this Moment Became True" et son approche incertaine qui cherche le confort du style planant symphonique. La pièce-titre verse dans le mélodrame avec de lents mouvements de staccato qui déchirent les denses harmonies des violons. La structure et les arrangements sont très intenses et surtout impénétrables pour cette structure de rythme dont le galop introverti reste noyé dans les saccades des orchestrations. Il y a cette fine mélodie perchée sur un carrousel vampirique à la Halloween qui ne cesse d'hanter mes oreilles. Et la guitare qui s'en mêle! Bref, "Circles of Time" valse dans une approche de film où le e-rock reste toujours enserré par un orchestre des 10 violons et violoncelles. C'est très, mais très, intense et j'ai bien aimé. "Seawalk" est une belle ballade sur un rythme pesant et lent où guitare et clavier harmonisent leur différence. Idem pour "Tenthousand Planets" qui est par contre plus symphonique avec une belle finale transportée par une rafale d'un rythme lent et saccadé et où le piano égare toujours ces brins de mélodies.
Entre un rock lourd et lent et des valses de violons, "
Closer to You" passe assez bien, quoique le genre commence à être plus prévisible. Après le rythme rebelle qui étreint un peu le genre Jazz et Lounge du trop court "Breakout", "Forever Present" propose une belle couche d'harmonies sur une ballade propulsée par des violons à l'eau-de-rose. C'est un bon slow avec une bonne guitare qui me met dans les ambiances du film Top Gun avec le titre Anthem, sans le côté rock sauvage. "Infinity Part 2" propose une structure en mouvement où l'aspect rock, ballade et ambiant transite dans de lourds arrangements. Après la douce ballade très légère de "Reflecting","Cycles of Life" écoule les dernières minutes de “Circles of Time” avec une musique qui pousse en vélocité sans jamais dépasser ces frontières que Sasa Tosic garde jalousement dans une approche de ballade symphonique. Pour un premier album, Sasa Tosic surprend par sa façon de construire ses compositions qui ressemble à du bon David Wright à son sommet. “Circles of Time” est un album de rock symphonique électronique assez facile à assimiler, puisque son auteur joue constamment avec les cordes de nos émotions avec des arrangements à faire pleurer les murs. J'aime ces duels entre une guitare parfois agressive et le piano qui éparpille des brindilles d'harmonies dans un dense vélum d'orchestrations. Le doux et le rude s'affrontent avec des portions de rock enlevant et des mélodies de soie. Ma Lise a aimé…ça dit tout!
Sylvain Lupari 05/09/2017