dimanche 27 août 2017

ARCANE: Moon (2017)

“Moon is an inescapable album for fans of very luxurious and finely decorated lunar vibes and where the impossible seems to be at the tip of our dreams”
1 Moon-1 38:22
2 Moon-2 15:22

Paul Lawler Music (DDL 53:44) ****¼
(Ambient cosmic music)
The Moon! Its beauty and its mysteries is the new challenge of Arcane. In an absolutely delicious sound decoration and especially very enveloping, “Moon” pursues the sound and musical experiments of the modular synths that Paul Lawler undertook with the very immersive and ambient Black Night. Ambient music!? Yes and you should not run away before having read this chronicle, because this last Paul Lawler's opus can be compared as one of the most beautiful lunar ode to this planet that only few artist have succeed to make it so attractive into music than like the eyes can see through the lens of a telescope. “Moon” is sublime due to its soundscape and its texture which feed the hearing of a curiosity as starving as our eyes, this portal towards our imagination …
A captivating wave seize our ears, here the headset is of a big importance, with a slow balance which reminds these movements of waves which oscillate slowly in a long glass rectangle. The sound is full of small particles, like sound polyps, which sparkle around this wave which little by little unfolds a more musical influence. Other layers get grafted to this slow lunar waltz and the modulations become entangled like a one and only one sound entity which seems to be lost in the craters of the Sea of Tranquility. The movement is very slow and we have the impression to be sucked up by the void.
Paul Lawler decorates here his floating layers of mechanical snores and of small parasitic noises which can fool the panic to a claustrophobic. By doing this, the slowness of the evolution of "Moon-1" seems to fool its chronometer. The slow movement caresses moments of pinnacles without sprawling there, teasing rather any rhythmic approach which will arrive by surprise around the 10th minute. Pulsations awake the atmospheres with sharp oscillations. A movement of sequences invites itself before the 12 minutes, sculpting a more fragile but so lively impulse, whereas melodious synth layers are wrapping this weak swiftness. "Moon-1" dives back into its mysterious mirages after the point of 15 minutes. The cosmic surroundings swallow this momentary rhythm, bringing back the title towards a ambiospherical heaviness where get lost other bits of sequences into the abysses dug by heavy and hollow layers. But everything is not still so black, nor of lost ambiences in the 2nd phase of "Moon-1". The 25th minute reveals a brighter sound scenario while the title sinks into one finale which is clouded of howling strata. Strata which get out of breath too fast and of which the respite let hear a plenitude of sound effects which sparkle in a last momentum of storm before the vibes get worn out into fractions of ambient rhythm which crumble between two ears bewildered by a music of lunar moods as much fascinating as the images of 2001: A Space Odyssey.
At the level of the dark atmospheres, "Moon-2" is all the opposite of its older brother. More luminous and more orchestral, layers soaked of voices waltz around felted explosions and around interstellar noises. This music creates eddies of imagination in my head while small scenarios of movies follow this music which remains stuck on my earphones. Shorter of more than 23 minutes, "Moon-2" gives the impression of being more fed by strikes of rhythms. But there's only one and a very beautiful one which appears in the bends of ear-catching lunar oscillations s little before the 9 minutes. The rhythm is supported by bass pulsations and pecked by metallic small wings which nibble at the vibes. The sequencer sculpts contiguous movements which spread delicious spasmodic lines. The percussions add more dynamism while the finale approaches at big step. A delicious final by the way where a piano more than charmer disperses its notes, like these rainy drops which get lost in the memory lapse. Here you are, you know now why I liked this “Moon” so much! An unavoidable album for fans of very luxurious and finely decorated lunar vibes and where the impossible seems to be at the tip of our dreams.

Sylvain Lupari (August 27th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Paul Lawler Music Bandcamp page
here
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CHRONIQUE EN FRANÇAIS
La Lune! Sa beauté et ses mystères est le nouveau défi d'Arcane. Dans un décor sonore absolument délicieux et surtout très enveloppant, “Moon” poursuit les expérimentations sonores et musicales des synthés modulaires que Paul Lawler a entrepris avec le très immersif et ambiant Black Night. Musique d'ambiances!? Oui et il ne faut pas fuir avant d'avoir lu cette chronique, car ce dernier opus de Paul Lawler s'inscrit comme dans les plus belles odes lunaires à cette planète que peu peuvent se vanter de rendre aussi attrayante en musique que sa contemplation dans l'œil d'un télescope. “Moon” est sublime de par son panorama sonore et sa texture qui aliment l'ouïe d'une curiosité aussi affamée que nos yeux, ce portail vers notre imagination…
Une onde enveloppante saisit nos oreilles, ici le casque d’écoute est d'une grande importance, avec un lent balancement qui rappelle ces mouvements de vagues qui oscillent lentement dans un rectangle longiligne de verre. Le son est plein de petites particules, comme des polypes soniques, qui pétillent autour de cette onde qui peu à peu étend une emprise plus musicale. D'autres nappes se greffent à cette lente valse lunaire et les modulations s'enchevêtrent comme une seule et unique entité sonique qui semble être perdue dans les cratères de la Mer de la Tranquillité. Le mouvement est très lent et on a l'impression d'être aspiré par le vide. Paul Lawler décore ici ses nappes flottantes de ronflements mécaniques et de petits bruits parasitaires qui peut berner la panique chez un claustrophobe. Cela faisant, la lenteur de l'évolution de "Moon-1" semble déjouer son chronomètre. Le lent mouvement caresse des moments de pinacles sans pour autant s'y vautrer, titillant plutôt une quelconque approche rythmique qui arrivera par surprise autour de la 10ième minute. Des pulsations éveillent les ambiances avec de vives oscillations. Un mouvement de séquences s'invite avant les 12 minutes, sculptant une impulsion aussi vive mais plus fragile, tandis que des nappes de synthé mélodieuses recouvrent cette faible vélocité. "Moon-1" replonge dans ses mirages mystérieux après la barre des 15 minutes. Les ambiances avalent ce rythme passager, replongeant le titre vers une lourdeur ambiosphérique où se perdent d'autres parcelles de séquences dans des abysses creusés par de lourdes nappes caverneuses. Mais tout n'est pas toujours aussi noir, ni d'ambiances dans la 2ième phase de "Moon-1". La 25ième minute dévoile un scénario sonique plus lumineux alors que le titre s'enfonce dans une finale embrumée de nappes rugissantes. Des nappes qui s'essoufflent trop vite et dont l'éclaircie laisse entendre une plénitude d'effets sonores qui pétillent dans un dernier élan de tourmente avant que les ambiances s'étiolent dans des parcelles de rythme ambiant émiettées entre deux oreilles abasourdies par une musique d'ambiances lunaires aussi fascinantes que les images de 2001: A Space Odyssey
Au niveau des ambiances ténébreuses, "Moon-2" est tout le contraire de son grand frère. Plus lumineux et plus orchestral, les nappes imbibées de voix valsent autour d'explosions feutrées et de bruits interstellaires. Cette musique crée des remous d'imagination dans ma tête alors que des petits scénarios de films suit cette musique qui reste collée à mes écouteurs. Plus courte de plus de 23 minutes, "Moon-2" donne l'impression d'être plus alimenté par des frappes de rythmes. Il y en a qu'une seule et une très belle qui surgit dans les courbes de séduisantes oscillations lunaires un peu avant les 9 minutes. Le rythme est soutenu par de basses pulsations et des élytres de métal qui grignotent les ambiances. Le séquenceur sculpte des mouvements contigus qui étendent des délicieuses lignes spasmodiques. Des percussions ajoutent plus de dynamisme alors que la finale approche grand pas. Une délicieuse finale en passant où un piano plus que charmeur éparpille ses notes, comme ces gouttes de pluie qui se perdent dans l'oubli. Voilà, vous savez maintenant pourquoi j'ai aimé ce “Moon” à ce point! Un album incontournable pour amateurs d'ambiances lunaires très somptueuses et finement décorées et où l'impossible semble être au bout de nos rêves.
Sylvain Lupari 26/08/2017

vendredi 25 août 2017

LAMBERT RINGLAGE: Essential (2000)

“Essential is the ideal front door to Lambert's universe which addresses above all to those who still haven’t had the pleasure to discover his music strongly influenced by Tangerine Dream”
1 Light Sky 5:51
2 Sun 10:49
3 Successive Pictures 3:01
4 Energetic 5:21
5 Two Worlds 5:10
6 Return 6:36
7 Voyage to Nowhere-Extract (Lambert & Stephen Parsick) 5:17
8 Open Sky-Extract (Lambert & Palantír) 6:33
9 White Light-Extract (Jiannis & Lambert) 6:42
10 Floating in Magic 10:46
11 Glider 3:14

Spheric Music ‎| SMCD 1004 (CD 69:20) ****
(E-Rock, New and Vintage Berlin School)
You always hesitate to discover Lambert's universe? Here is a good compilation that will guide you through his universe. Built between the albums Timeless Vision and Finis Terrae, this collection of 11 titles proposes a more accessible vision of  the German synthesist music. In this way, the selection of the titles doesn't always offer the best of Lambert, but well and truly the best of his two universes with very catchy titles and others more or less complex which show all of his skills to unstitch the ambiences with very good patterns of sequences which lead to polyphased rhythms.
"
Light Sky" starts things up with a good electronic rock structured on sequences in stroboscopic and spasmodic mode. Undulatory, the movement goes up and down while being supported by a solid and throbbing bass line and adorned of Bongo style percussions. This very New Berlin School structure supports a melody weaved in synth layers which make very TD, style Le Parc, and which fall in a rather abrupt way. Fans of Tangerine Dream, this is quite easy to manage. The first 2 titles come from the album Inside Out. If "Light Sky" goes down easy, "Sun" is more complex and present a creation more personal to Lambert's own style. The sequencer is always very active with evolutionary structures of rhythms which enchant in this universe wraps of mist and of good synth solos (Lambert is also very creative on synths) which inject orchestral effects. It's one of good titles of Inside Out, but not the best. The album Mirror of Motions is also represented by 2 titles. "Successive Pictures" is a meshing between Synth-Pop and E-Rock. The rhythm is lively and catchy. And the melody is just as much catchy and still here is forged between riffs and layers from Le Parc era. That makes at the same time Mark Shreeve and Tangerine Dream and even Mike Oldfield for the guitar. "Energetic" is heavy and slow with percussions which tumble down and hammer a movement of spheroidal sequences which is as much harmonious than the synth. At the beginning, that track reminded me of the Optical Race period, but the more I listen to and the more I hear the perfumes of Legend. Two tracks chosen in Dimensions of Dreams is not very representative of this excellent album. If "Return" is explosive at the level of the sequences and the percussions, "Two Worlds" is more experimental and possesses a very particular cachet for a so short title. I reviewed the album quite recently and it is by far Lambert's most accomplished opus.
A short extract! A simple short extract of "
Voyage to Nowhere" from the Trancesession album is waiting for our ears on this “Essential”. It's a pity and tell yourself that this album made with Stephen Parsick is an inescapable in the field of retro Berlin School. Four other titles are unknowns to me. Again here, it's an extract of "Open Sky" that Lambert proposes to us. Taken out of the album Finis Terrae, composed with Palantir, this extract offers a structure of a not completely ambient rhythm with sequences which skip in suspension in effects of wind instruments, the signature of Palantir. It's like to hear a music of the Schmoelling years of TD jumps in Linda Spa's vapors. If that doesn't really give a deep overview of the album, that sounds very good here. The extract of "White Light", from the Timeless Vision album made in collaboration of Jiannis has puts my ears on the alert. The introduction is eroded by a nebulous approach where hollow breezes and faded voices form a mixture of an underground sanctuary. The movement of sequences and the very TD layers which escape from there at the edge of the 3 minutes maintain these ambiences in the dungeons of The Keep. "Floating in Magic" is a title livened up by a movement of sequences which does its jogging with the harmonies of the morning birds. That sounds retro, just like "White Light" and 2 the titles which date of the end of the 80's. "Glider", an unpublished title, is a little ballad rather romantic with beautiful synth effects. Simple and cute, especially with the light arrangements which make spin the music, that's next to the style of ballads from the Melrose time.
We cannot always separate the name of
Tangerine Dream from the music of Lambert. Normal, because Lambert is not ashamed of spreading the fruits of his immense influence of the music of TD over his. And I'm OK with that! Lambert assumes with delight and prolong this pleasure that we had when we discovered a new album of the famous Berlin trio. Thus, “Essential” is the ideal front door to Lambert's universe. And in my mind, this compilation addresses above all to those who still haven’t had the pleasure to discover his music. May you have a great discovery! You are going to love it if Tangerine Dream is a part of your passion …

Sylvain Lupari (August 23rd, 2017)
synth&sequences.com
You will find this CD here on Spheric Music shop

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CHRONIQUE EN FRANÇAIS
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Vous hésitez toujours à découvrir l'univers de Lambert? Voilà une bonne compilation qui vous guidera à travers son univers. Construite entre les albums Timeless Vision et Finis Terrae, cette collection de 11 titres propose une vision plus accessible de la musique du synthésiste Allemand. Cela faisant, la sélection des titres n'offre pas toujours le meilleur de Lambert, mais bel et bien le meilleur de ses deux univers avec des titres très accrocheurs et d'autres plus ou moins complexes qui démontrent tout son talent pour découdre des ambiances avec de très bons patterns de séquences qui conduisent à des rythmes polyphasés.
"
Light Sky" ouvre le bal avec un bon rock électronique structuré sur des séquences en mode stroboscopique et spasmodique. Ondulatoire, le mouvement monte et descend tout en étant soutenu par une solide ligne de basse palpitante et orné de percussions de style Bongo. Cette structure très New Berlin School supporte une mélodie tissée dans des nappes de synthé qui font très TD, style Le Parc, et qui tombent de façon plutôt abruptes. Amateurs de Tangerine Dream, c'est un titre assez facile à gérer. Les 2 premiers titres proviennent de l'album Inside Out. Si "Light Sky" accroche sans souci, "Sun" est plus complexe et présente une création plus personnelle à Lambert. Le séquenceur est toujours très actif avec des structures de rythmes évolutives, qui enchantent dans cet univers recouvert de brume, et de bons solos de synthé qui injectent des effets orchestraux. C'est un des bons titres de Inside Out, mais pas le meilleur. L'album Mirror of Motions est aussi représenté par 2 titres. "Successive Pictures" est un maillage entre le Synth-Pop et le E-Rock. Le rythme est vif et entraînant. Et la mélodie, tout autant sinon plus accrocheuse, est encore forgée entre des riffs et nappes des années Le Parc ainsi qu'une guitare mélodieuse. Ça fait à la fois Mark Shreeve et Tangerine Dream et même Mike Oldflield pour la guitare. "Energetic" est lourd et lent avec des percussions qui déboulent et martèlent un mouvement de séquences sphéroïdales qui est aussi harmonieux que le synthé. Au début ça me rappelait la période Optical Race, mais plus j'écoute et plus j'entends les parfums de Legend. Les 2 extraits choisis de Dimensions of Dreams ne sont pas très représentatifs de cet excellent album. Si "Return" est explosif au niveau séquences et percussions, "Two Worlds" est plus expérimentale et possède un cachet très particulier pour un titre aussi court. J'ai chroniqué l'album tout récemment et c'est de loin l'album le plus accompli de Lambert.
Un court extrait! Un simple court extrait de "
Voyage to Nowhere", tiré de l'album Trancesession, attend nos oreilles dans “Essential”. C'est dommage et dites-vous cet album réalisé avec Stephen Parsick est un incontournable dans le domaine du Berlin School rétro. Les 4 autres titres sont des inconnus pour moi. "Open Sky (Extract)" de l'album Finis Terrae, fait avec la collaboration de Palentir, offre une structure de rythme pas tout à fait ambiant avec des séquences qui sautillent en suspension dans des effets d'instruments à vent, la signature de Palentir. C'est comme entendre du TD des années Schmoelling sautiller dans les vapeurs de Linda Spa. Ça ne donne pas vraiment une idée de l'album, mais ça sonne très bien ici. L'extrait de "White Light", de l'album Timeless Vision en collaboration de Jiannis met mes oreilles en alerte. L'introduction est érodée par une approche nébuleuse où brises caverneuses et voix éteintes forment un mélange de sanctuaire souterrain. Le mouvement de séquences et les nappes très TD qui s'en échappent à l'orée des 3 minutes maintiennent ces ambiances dans les donjons de The Keep. "Floating in Magic" est un titre animé par un mouvement de séquences qui fait son jogging avec les harmonies des oiseaux matinaux. Ça sonne rétro, tout comme "White Light", 2 titres datant de la fin des années 80. "Glider", un titre inédit, est une petite ballade plutôt romanesque avec de beaux effets de synthé. Simpliste et mignon, surtout avec les légers arrangements qui font virevolter la musique, ça s'inscrit dans le style des ballades de l'époque Melrose.
On ne peut toujours pas dissocier le nom de
Tangerine Dream de la musique de Lambert. Normal, puisque Lambert ne se gêne pas pour étaler les fruits de son immense influence de la musique de TD sur la sienne. Et moi ça me va! Lambert s'assume avec délice et prolonge ce plaisir que nous avions lorsque l'on découvrait un nouvel album du célèbre trio de Berlin. Donc, “Essential” est la porte d’entrée idéale dans l'univers de Lambert. Selon moi, cette compilation s'adresse avant tout à ceux qui ne connaissent toujours pas la musique de Lambert. Bonne découverte! Vous allez aimer si Tangerine Dream fait partie de votre passion…
Sylvain Lupari (23/08/2017)


dimanche 20 août 2017

ULRICH SCHNAUSS: A Long Way To Fall (2012)

“Puzzling but brilliant, A Long Way To Fall is a dawn good sonic pancake of iconoclastic sounds sat on wild beats and effective melodies”
1 Her and the Sea 5:07
2 Broken Homes 7:35
3 Like a Ghost in your Own Life 5:49
4 A Long Way to Fall 6:07
5 I Take Comfort in your Ignorance 5:58
6 A Forgotten Birthday 7:02
7 The Weight of Darkening Skies 5:25
8 Borrowed Time 4:51
9 Ten Years 6:06
10 A Ritual in Time and Death 7:20

Scripted Realities | SCREALCD001 (CD 61:21) ****
(Electronica, E-Rock & Shoegaze)
Before joining the edition of Tangerine Dream's Quantum Years, Ulrich Schnauss had (and still has) a very prosperous career. Besides being a member of the English electronic rock band Engineers, with Mark Peters, or still of the German duet Beroshima, with Frank Müller, the last member of the Tangerine Dream adventure is a well-known character in the industry of the electronic music due to his numerous collaborations with artists as much prestigious as Johannes Schmoelling, Lunz (Roedelius) or still M83 to name but a few. In a parallel to all these bands and collaborations, Ulrich Schnauss has also developed an interesting solo career which started with the album Far Away Trains Passing By. Between this album, appeared in 2001, and No Further Ahead Than Today, whom I reviewed recently, Ulrich Schnauss proposed 3 other solo albums which have charmed a generation of fans of the down-tempo, the Dark Ambient and the Electronica styles as well as a rather unusual genre; Shoegaze. A noisy ethereal form of rock that usually focuses on self-deprecating lyrics and melody-driven distortion guitars. Usually the vocals are slurred and unintelligible. A kind which is very different from Ulrich Schnauss' first albums and a genre which has divided his fans in the album “A Long Way To Fall” which feeds on it, but not at the point of being indigestible. Quite the contrary! The music is very good and breathes of a very particular boldness while the effects of the voices, except for "Broken Homes", are not really disturbing.
"Her and the Sea" begins with an approach shaded by a dense sound fog. We well hear voices there, except that the spectral cachet is very attractive. When the music sets in motion, it reveals a beautiful stroboscopic strand where is hatching a superb percussive fauna. The voices become a misunderstood choir which intervenes with a more melodious attraction this time. Without precise rhythmic lead, the music of "Her and the Sea" surprises constantly the ear with unexpected directions where always roam the very harmonious side of
Ulrich Schnauss. It's the kind of title, especially for the percussions, that we like rather easily. These percussions crinkle the rather ethereal structure of "Broken Homes" which deliberates between its phases of ambiences and its rhythmic skids as so misty as muddled. Here, the choir inhales that of a monastery in decline and I have to admit that the voices at the very end break a little the charm. "Like a Ghost in your Own Life" is a small jewel. A good ballad in the style of Jerome Froese with nice variances in a melodious structure hyper catchy. We stick to it, like in the more techno "A Forgotten Birthday", very easily. For the rest, I compare “A Long Way To Fall” to David Bowie's Heroes so much the musical envelope and the moods which encircle the so lively rhythms amaze as much as seduce. And at the end we become addicted to this music. Even if some is very difficult to approach. Let's take the title-track and its rhythmic opening which is hatched by a series of riffs without strings which invent a metronomic beating. The effects of guitar converge with a meshing of voices and the synth layers are filled of Tangerine Dream perfumes. Quiet but buried under an avalanche of effects, “A Long Way To Fall” gets out from the influences of these ambiences to offer a more inspired pace which shows its primary skeleton as so tenuous as a tick-tock. The voices are more harmonious towards the finale.
"
I Take Comfort in your Ignorance" is a well loaded gun! Its rhythm beats on soberer percussions this time while this bass line shakes our inside tremor. The effects of synth are divine, as well as this delicate melody which lives of it. This heavy and very lively rock hits a phase of quiet zone before regurgitating a very radioactive fury. The more I listen to and the more I find that brilliant. "The Weight of Darkening Skies" is built on the same principles, but in a different universe. Here the structure of rhythm is undulating before being harpooned by percussions, a bass and a keyboard as so voracious than the one in the last minutes of "I Take Comfort in your Ignorance". According to my guts, it's a kind of an interlude in the chronological fury of “A Long Way To Fall”, because "Borrowed Time" explodes in our ears with its structure as convoluted than a culture of earth worms which looks for mud! Brilliant in its distortion of sounds and beats! The same goes for "Ten Years" and its insane heaviness which let filter thin lines of harmonies worn out by so much ferocity. A title very difficult to ingest but which is worth it. And I would say the same thing for "A Ritual in Time and Death", especially for its finale which shatters the samplings of voices a la Jean Michel Jarre in The Magnetic Fields. But just before its odyssey towards the oblivion, this title offers an astonishing lively and jerky structure of rhythm in a pace where Electronica is short of breath.
Inhomogeneous and complex, of “
A Long Way To Fall” is a dawn good sonic pancake of iconoclastic sounds where the disorder of the rhythms belongs to a handful of irresistible ones who feed on the incomprehension of others. But I guarantee you that once well assimilated, this fascinating album of Ulrich Schnauss will fill your conversations and you will congratulate yourself of your stubbornness to tame it. Puzzling but brilliant!
Sylvain Lupari (August 20th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to buy this album on Ulrich Web Site here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Avant de joindre l'édition des Quantum Years de Tangerine Dream, Ulrich Schnauss connaissait une carrière bien florissante. En plus de faire partie du groupe de rock électronique anglais Engineers, avec Mark Peters, ou encore du duo Allemand Beroshima, avec Frank Müller, le dernier membre de l'aventure Tangerine Dream était une figure bien connue dans l'industrie de la musique électronique de par ses collaborations avec des artistes aussi prestigieux que Johannes Schmoelling, Lunz (Roedelius) ou encore M83 pour ne nommer que ceux-ci. Parallèlement à tous ces groupes et ces collaborations, Ulrich Schnauss a développé une intéressante carrière solo qui fut lancée avec l'album Far Away Trains Passing By. Entre cet album, paru en 2001, et No Further Ahead Than Today, que j'ai chroniqué dernièrement, Ulrich Schnauss proposait 3 albums solo qui ont charmé une génération d’adeptes des styles down-tempo, Dark Ambient, Électronica et d'un genre plutôt inaccoutumé; le Shoegaze. Une forme de rock éthéré et bruyant qui se concentre habituellement sur des paroles inintelligibles et déprimantes ainsi que des distorsions de guitares. Un genre très différent des premiers albums d'Ulrich Schnauss mais qui conserve néanmoins un petit cachet mélodique. Un genre qui a divisé ses fans dans l'album “A Long Way To Fall” qui s'en nourrit mais pas au point d'être incomestible. Bien le contraire! La musique est très bonne et respire d'une audace très particulière alors que les effets des voix, sauf pour "Broken Homes", ne sont pas vraiment dérangeantes.
"Her and the Sea" débute avec une approche ombragée par un dense brouillard sonique. On y entend bien des voix, sauf que le cachet spectral est très attirant. Lorsque la musique se met en branle, elle déploie un beau filament stroboscopique où naît une superbe faune percussive. Les voix deviennent une chorale incomprise qui intervient avec un attrait plus mélodieux cette fois-ci. Sans direction rythmique précise, la musique de
"Her and the Sea" surprend constamment l'oreille avec des directions inattendues où rôdent toujours le côté très harmonique d'Ulrich Schnauss. C'est le genre de titre, surtout pour les percussions, que l'on aime assez facilement. Ces percussions gondolent la structure plutôt éthérée de "Broken Homes" qui délibère entre ses phases d'ambiances et ses dérapages rythmiques aussi nébuleux que désordonnés. Ici, la chorale respire celle d’un monastère en décrépitude et je dois admettre que les voix à la toute fin brisent un peu le charme. "Like a Ghost in your Own Life" est un petit bijou. Une belle ballade du style Jerome avec de belles variances dans une structure mélodieuse hyper accrocheuse. On accroche à ce titre, comme au plus techno "A Forgotten Birthday" très facilement. Pour le reste, je compare “A Long Way To Fall” à Heroes de David Bowie tant l'enveloppe musicale et les ambiances qui cernent des rythmes toujours entraînants étonnent autant que séduisent et qu'au final on en devient addicte. Prenons la pièce-titre et son ouverture rythmique hachuré par une série de riffs sans cordes qui inventent un battement métronomique. Les effets de guitare affluent avec un maillage de voix, comme des nappes de synthé aux parfums Tangerine Dream. Tranquille mais enterré sous une avalanche d'effets, "A Long Way to Fall" s'extirpe des emprises des ambiances afin d'offrir une cadence plus inspirée qui démontre son ossature primaire aussi ténue qu'un tic-tac. Les voix sont plus harmonieuses vers la finale.
"
I Take Comfort in your Ignorance" est un titre béton! Son rythme bat sur des percussions plus sobres que cette ligne de basse qui nous secoue le trémolo. Les effets de synthé sont divins, de même que cette délicate mélodie qui en vit. Ce rock lourd et très entraînant se bute à une phase d'ambiances avant de régurgiter une fureur très radioactive. Plus j'écoute et plus je trouve ça génial. "The Weight of Darkening Skies" est construit sur les mêmes principes, mais dans un univers différent. Ici la structure de rythme ondule avant de se faire harponner par des percussions, une basse et un clavier tout aussi vorace que dans les dernières minutes de "I Take Comfort in your Ignorance". Pour moi, il s'agit d'un intermède dans la fureur chronologique de “A Long Way To Fall”, car "Borrowed Time" nous pète dans les oreilles avec sa structure aussi alambiquée qu'une culture vers de terre qui cherche de la boue! Génial dans sa distorsion des sons et du rythme! Idem pour "Ten Years" et sa lourdeur insensée qui laisse filer de beaux filets d'harmonies usées par tant de férocité. Un titre très difficile à ingérer mais qui vaut la peine. Et je dirais la même chose de "A Ritual In Time And Death", surtout pour sa finale qui écrabouille les échantillonnages de voix à la Jean Michel Jarre dans Les Chants Magnétiques. Mais juste avant cette odyssée vers les néants, ce titre offre une époustouflante structure de rythme vive et saccadée dans un style où l'Électronica manque de souffle.
Inhomogène et complexe, “
A Long Way To Fall” est une sacrée galette de sons iconoclastes où le désordre des rythmes appartient à une poignée d'irrésistibles qui se nourrissent de l'incompréhension des autres. Mais je vous garantis qu'une fois bien assimilé, ce fascinant album d'Ulrich Schnauss meublera vos conversations et vous vous féliciterez de votre obstination à y faire face. Déroutant mais génial!
Sylvain Lupari (20/08/2017)

jeudi 17 août 2017

SVERRE KNUT JOHANSEN: Planets (2013)

“Beautiful and melodious EM which can compete with the music of Vangelis, Planets possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without faked emotions”
1 Twin Sunrise 4:00
2 Planets I 5:36
3 Dreamspace Part I 5:45
4 In Orbit 7:37
5 Nebulae 6:34
6 Planets II 6:50
7 Origins 11:37

8 Apsis 5:03
9 Planets III 3:20
10 Dreamspace Part II 17:35

Sverre Knut Johansen Music (DDL 61:58) ****¼
(Melodious Space Music)

It's while writing the chronicle about Secret Space Program that a fan wrote me about the album “Planets”. According to his statements, it was about Sverre Knut Johansen's best album. So Sverre has friendly sent me this album to validate the craze some of this admirer. My first contact with “Planets” was rather tepid. And my first analysis was that the album was feeding an armada of style which fluttered from synth Space Music to New Age while touching a good EM pushed by sequencers and by percussions. The following attempt brought me to the same reasoning but with more bewitchment for the senses. And finally, I ended to like this album of which the sound texture, the musical wealth and the harmonious direction lean on two working years, “Planets” was simmered between 2000 and 2002, with an attention to detail which states of Sverre Knut Johansen who neglects no aspect, from where a beautiful cosmic tale about planets which was thought with a vision which equals the perfectionism of the Norwegian musician.
An ambience of cosmos opens the twilights and allows to some arpeggios to make sparkle a little melody as fragile as striking. A melodist without equal, who is strongly inspired and influenced by the arrangements of
Vangelis, Sverre Knut Johansen draws a superb one in this opening of “Planets”. A decoration of cosmic jungle surrounds this harmonious delicacy which screws very solid at the bottom of our eardrums while the ambient rhythm of "Twin Sunrise" militarizes itself with percussions of which the rumblings sculpt a wonderful cosmic bolero. A strong starting signal which sends the ears in orbit. Especially that "Planets I" appears as a deserving successor with a very Tangerine Dream approach from the post TDI years. The electronic percussions, kind of bongo drums, and the melodic arrangements of the synth dominate and create an approach marked with emotion. The impact is not as well dominant as with "Twin Sunrise" but we let oneself easily cradle by this rhythmic approach which does in a very accessible New Age. "Dreamspace Part I" is another very beautiful title, if we like that when ethereal melody and arrangement go hand in hand, slightly livened up by these bongo percussions which perfume the rhythms of “Planets”. The rhythm is always in passive mode with some well moderated explosions and is drumming delicately under a bed of orchestrations that will raise the hairs of our spine. An Elvish voice comes to whisper in our ears the delights of a cosmic Eden while the arrangements, I even hear an oboe, are brilliantly mixed with good cosmic effects. Effects which are even more omnipresent in "In Orbit" whose evolutionary structure hangs onto this crescendo in mode Bolero which lead the ambient and circular rhythms that we find all over “Planets”. There is here a beautiful duel synth/guitar here with soft and evasive solos of the synth and incisive and penetrating ones from the guitar of Eivind Aarset. "Nebulae" is more in meditative mode with a synth which draws a melodious approach on the songs of cosmic whales. The layers of voices are as much serene and captivating as in "Dreamspace Part I".

"Planets II" puts more emphasis on the singing exercises with an approach clearly more in mode cosmic opera, genre Luc Besson's The 5th Element. The title embraces a more rock phase when this opera voice melts its fascinating harmonies to some nice guitar solos more in rock mode. Soft and poetic, "Origins" is a very beautiful title of meditative ambiences where we float through the space on the giant wings of an intersidereal eagle. There is a lot of emotion and intensity in this title where the ambient music is more melodious than tonal. "Apsis" flirts with the borders of New Age with a delicate melody puffed from a synth a bit nasal. The percussions, always in mode tom-tom and bongo and sometimes even military, welcome this tearful lullaby which hangs on to a rhythmic intensity of which the peak is a good electronic rock as much heavy than slow. After this short raid in this contemporary universe of Tangerine Dream, "Apsis" returns to its meditative bed where still sparkle these melodious pearls which are charmingly scattered in “Planets”. We cannot like what is beautiful! A little more aggressive and still very melodious, "Planets III" switches off its ardor into good orchestrations. "Dreamspace Part II" concludes this Sverre Knut Johansen's 6th album with an approach which follows the rules of "Dreamspace Part I" but with 12 minutes in plus which serve to explore a universe closer to the one of Code Indigo or the one of David Wright. The first 10 minutes are very effective with these layers of voices which are still fighting in duel with some strong raids of a starved and dynamic electric six-strings. The rhythm always grows in its pattern of crescendo, allying melody and intensity in a well embellished cosmic soundscape. The last 7 minutes are shared between fragments of rhythm and by phases of ambiences which are decorated of cosmic effects on a background of meditation and of this seraphic voice which gives a very oneiric depth to the universe of this very beautiful album of the Norwegian musician.
Beautiful and harmonious to the bone with phases of rhythm which sculpt crescendo full of emotion and arrangements which tickle the den of our emotions, I now understand very well why “
Planets” is described as being Sverre Knut Johansen's most beautiful album. And as I like all that is rather beautiful and melodious which can compete with the music of Vangelis, I have to admit that I got myself caught in the numerous traps of charms which are anchored in the universe of “Planets”. We are far from a complicated EM or a kind of Berlin School thirsty for black rhythms here. It's the very opposite! But that remains beautiful, very beautiful and that possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without becoming a work bared of emotions.

Sylvain Lupari (August 17th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Sverre Knut Johansen Bandcamp page here


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
C'est en écrivant la chronique sur Secret Space Program qu'un fan m'a mis au parfum au sujet de l'album “Planets”. Selon ses dires, il s'agissait du meilleur album de Sverre Knut Johansen. Sverre m'a gentiment fait parvenir cet album afin de valider l'engouement de cet admirateur. Mon premier contact avec “Planets” fut assez tiède. Et mon premier constat était que l'album nourrissait une armada de style qui voletait entre la Space Music à du New Age en passant par une bonne MÉ poussée par des séquenceurs et des percussions. La tentative suivante m'amena au même constat mais avec plus d'envoûtement dans les sens. Et finalement, j'ai fini par aimer cet album dont la texture sonore, la richesse musicale et la direction harmonieuse s’appuient sur deux ans de travail, “Planets” a été mijoté entre 2000 et 2002, avec un souci du détail qui témoigne de cette minutie chez Sverre Knut Johansen qui néglige rien, d'où un beau conte cosmique sur les planètes qui a été muri avec une vision qui égale le perfectionnisme du sympathique musicien Norvégien.
Une ambiance de cosmos ouvre les pénombres et permet à des arpèges de faire scintiller une petite mélodie aussi fragile que saisissante. Mélodiste hors-pair, qui est fortement inspiré et influencé par les arrangements de
Vangelis, Sverre Knut Johansen en dessine une superbe en ouverture de “Planets”. Un décor de jungle cosmique entoure cette délicatesse harmonique qui se visse bien solide dans le fond de nos tympans alors que le rythme ambiant de "Twin Sunrise" se militarise avec des percussions dont les roulements sculptent un superbe boléro cosmique. Un solide coup de départ qui met les oreilles en orbite. Surtout que "Planets I" se présente comme un digne successeur avec une approche très Tangerine Dream des années post TDI. Les percussions électroniques, d'un genre bongo, et les arrangements mélodiques du synthé dominent et sculptent une approche empreinte d'émotion. L'impact n'est pas aussi dominant qu'avec "Twin Sunrise" mais on se laisse facilement bercer par cette approche rythmique qui fait New Age très accessible. "Dreamspace Part I" est un autre très beau titre, si on aime ça quand mélodie et arrangement éthérés vont de pair, légèrement animé par ces percussions bongos qui parfument les rythmes de “Planets”. Le rythme est toujours en mode passif avec quelques explosions bien tempérées et tambourine délicatement sous un lit d'orchestrations à faire lever les poils dans le dos. Une voix Elfique vient susurrer à nos oreilles les délices d'un Éden cosmique alors que les arrangements, j'entends même un hautbois, sont superbement mélangés avec de bons effets cosmiques. Des effets qui sont encore plus omniprésents dans "In Orbit" dont la structure évolutive s'accroche à ces crescendos en mode Boléro qui animent les rythmes ambiants et circulaires de “Planets”. Il y a ici un beau duel synthé/guitare avec des solos mous et évasifs du synthé et incisifs et pénétrants pour la guitare de Eivind Aarset. "Nebulae" est plus en mode méditatif avec un synthé qui trace une approche mélodieuse sur les chants de baleines cosmiques. Les nappes de voix sont aussi sereines et enveloppantes que dans "Dreamspace Part I".
"
Planets II" met plus d'emphase sur les vocalises avec une approche nettement plus en mode opéra cosmique, genre Le 5ième Élément de Luc Besson. Le titre embrasse une phase plus rock lorsque cette voix opératique fait fondre ses fascinantes harmonies dans les solos d'une guitare plus en mode rock. Doux et poétique "Origins" est un très beau titre d'ambiances méditatives où l'on flotte à travers l'espace sur les géantes ailes d'un aigle intersidéral. Il y a beaucoup d'émotion et d'intensité dans ce titre où la musique d'ambiance est plus mélodieuse que tonale. "Apsis" flirte avec les frontières du New Age avec délicate mélodie soufflée sur un synthé un brin nasillard. Les percussions, toujours en mode tam-tam et bongo et parfois même militaire, accueillent cette berceuse larmoyante qui s'accroche à une intensité rythmique dont le point culminant est un bon rock électronique aussi lourd et que lent. Après cette brève incursion dans cet univers contemporain de Tangerine Dream, "Apsis" retourne à son lit méditatif où scintillent encore ces perles mélodieuses délicieusement éparpillées à la grandeur de “Planets”. On ne peut pas aimer ce qui est beau! Aussi agressif que mélodieux, "Planets III" éteint sa fougue dans de belles orchestrations. "Dreamspace Part II" conclut ce 6ième album de Sverre Knut Johansen avec une approche qui suit les préceptes de "Dreamspace Part I" mais avec plus de 12 minutes additionnelles qui servent à explorer un univers plus près de Code Indigo ou encore celui très symphonique de David Wright. Les 10 premières minutes sont très efficaces avec ces nappes de voix qui font duel à des attaques d'une six-cordes électrique vicieuse et dynamique. Le rythme croisse toujours dans son tissu de crescendo, alliant mélodie et intensité dans un décor cosmique bien imagé. Les 7 dernières minutes sont partagées entre des bribes de rythme et des phases d'ambiances ornées d'effets cosmiques sur fond de méditation et de cette voix séraphique qui donne une profondeur très onirique à l'univers de ce très bel album du musicien Norvégien.
Beau et harmonieux à l'os avec des phases de rythme qui sculptent des crescendos chargés d'émotions et des arrangements qui chatouillent le repaire de nos émotions, je comprends maintenant très bien pourquoi “
Planets” est décrit comme étant le plus bel album de Sverre Knut Johansen. Et comme j'aime tout ce qui est assez beau et mélodieux pour concurrencer avec la musique de Vangelis, je dois avouer que je me suis laisser prendre aux nombreux pièges de charmes qui sont ancrés dans l'univers de “Planets”. Nous sommes loin ici d'une MÉ compliquée ou d'un genre Berlin School assoiffé de rythmes noirs. C'est tout le contraire! Mais ça reste beau, très beau et ça possède tous les charmes d'une MÉ qui flirte habilement avec le New Age sans pour autant devenir une œuvre dénudée d'émotion.

Sylvain Lupari (17/08/2017)

dimanche 13 août 2017

PETER BAUMANN: Machines of Desire (2016)

“Let's be honest here; if Machines of Desire hasn't the name of Peter Baumann on it, a lot among us and among the different circles of EM would had shout a brilliant album”
The Blue Dream 5:53
Searching in Vain 5:37
Valley of the Gods 4:13
Echoes in the Cave 3:55
Ordinary Wonder 6:00
Crossing the Abyss 5:58
Dancing in the Dark 5:57
Dust to Dust 6:24

Bureau B | CD 124952 (CD 42:54) ****
(Classic Electronic Rock)
Did I have to speak about the coming back of Peter Baumann after more than a year that “Machines of Desire” has landed in the trays? Synonym of big expectations, both for this solo album as for this huge rumor which circulated regarding the possibility that he may joined the survivors of Tangerine Dream, the name of Peter Baumann was on all the lips in 2016. Besides this album, there were also the reeditions of the first 2 opuses which was made in November 2016. In brief, a lot of hubbub around the name of the one who had given as mission to democratize, of soften the strong angles of EM by exporting it on the American continent in 1984. The big question was to know what would be the musical direction of Peter Baumann. New Age or Synth-pop? Berlin School or New Age and Synth-pop? Well, having listened to it more than once these days, I would say that “Machines of Desire” is a nice fusion between the candy hymns of Transharmonic Nights and a bit of the boldness of Romance'76. And even if some pretend that this new album from Peter Baumann confirms that the one who left Tangerine Dream twice in the 70's hasn't really evolve, we cannot disagree because everything here inhales the structures of composition of Peter Baumann in that time. Me who had adored Transharmonic Nights, I however cannot complain. But a tiny more audacious bend here would certainly have countered the growing discontent of the dissatisfied ones. But at the end of line, this “Machines of Desire” is as beautiful as its pouch can be useless. I think this says it all! A beautiful honest album which is a kind of return home of the one that nobody waited for.
As if his imagination had not taken a wrinkle, a short woosh gets out of the oblivion to be punched by insistent knockings. Tears of synth squeal on a structure more percussive than rhythmic where the glaucous atmospheres wrap our senses like at the time of the
Dream's Dark Ambient zones. The rhythm is slow, theatrical and threatening. And suddenly, as coming out from nowhere, a melody sat on a synth in mode violins strings runs at a brisk pace like breakaways of a session of Vivaldi's 4 Seasons. "The Blue Dream" is the perfect opening to a comeback album with its catchy melody which jig between phases of dark moods. "Searching in Vain" seems to be a surviving title of the Transharmonic Nights sessions. The same goes for the slow, almost militarized rhythm, of "Ordinary Wonder". I like! And Peter Baumann raises himself on his music as the brilliant melodist that he is. These two small jewels precede two titles with doubtful and effective ambiences, "Valley of the Gods", one would imagine in Sorcerer but with a very fascinating rhythmic pattern and a splendid game of the sequencer. The line of bass bites this good electronic rock encircled by a melody from a shrill synth. "Echoes in the Cave", even with its melodious intro stolen to "The Blue Dream", stagnate in its ambiospherical cavern. This is another very good track filled of Sorcerer's sepulchral moods. After another introduction sculpted beneath the sign of dark ambiences, the rhythm of "Crossing the Abyss", which is rather light, is transported by a nice fight between a fluty synth and another one more whistler. I swim maybe in a total delirious, but I have this vague impression that The Keep guided the black atmospheres which roll all over the protean rhythms of “Machines of Desire”. The Keep and especially Legend for these moods of medieval dances, as in "Dancing in the Dark" which is well balanced between those great percussion designs, one of the many charms in this album, and its melody pinched on a little bit cold chords. The introduction of "Dust to Dust" is a small jewel of glaucous vibes. Throughout its evolution, we feel that the rhythm tries to conquer the ambiences. And when it happens, the circular movement of "Dust to Dust" drags us in a lively spiral where sings a wonderful synth solo always in mode harmonious seduction. Here, as everywhere in this last Peter Baumann's album, the percussions, the percussive effects and the sequencer unite their diversity to inflate rhythms which always keeps us a little bit speechless.
Glaucous atmospheres, melodies stylized in
Baumann signature and rhythms as surprising as very creative, “Machines of Desire” has all that it needs to satisfy those aficionados of EM and of course of Tangerine Dream, era 77 to 86. And if we are honest just a little bit; if the name of the artist wasn’t the one of Peter Baumann, more than a blogger-columnist or fan of EM would shout to genius here. A great album that I found a little too short, considering the fact that it took 33 years of maturation. And 33 years is very long to wait. I hope that Peter Baumann took good note of that. Because he is still very talented.

Sylvain Lupari (August 13th, 2017)
synth&sequences.com
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Devais-je parler du retour de Peter Baumann après plus d'un an que “Machines of Desire” ait atterri dans les bacs? Synonyme de grosses attentes, tant pour cet album solo que pour cette énorme rumeur qui circulait à l'effet qu'il rejoignait les rescapés du vaisseau musical Tangerine Dream, le nom de Peter Baumann était sur toutes les lèvres en 2016. En plus de cet album, il y avait aussi les rééditions de ses 2 premiers opus qui s'est effectué en novembre 2016. Bref, beaucoup de brouhaha autour du nom de celui qui s'était donné comme mission de démocratiser, d'adoucir les angles robustes de la MÉ en l'exportant sur le continent américain en 1984. La grosse question était de savoir quel serait la direction musicale de Peter Baumann. New Age ou Synth-Pop? Berlin School ou New Age et Synth-Pop? Eh bien, après l'avoir écouté plus d'une fois ces temps-ci, je dirais que “Machines of Desire” est une fusion entre les hymnes bonbons de Transharmonic Nights et les quelques audaces de Romance'76. Et même si certains prétendent que “Machines of Desire” confirme que celui qui a quitté Tangerine Dream à 2 reprises dans les années 70 n'a pas réellement évolué, on ne peut être en désaccord car tout ici respire les structures de composition de Peter Baumann à cette époque. Moi qui ait adoré Transharmonic Nights, je ne peux me plaindre. Mais un petit détour plus audacieux aurait certainement contré la grogne des mécontents. Mais en bout de ligne, “Machines of Desire” est aussi beau que sa pochette peut être inutile. Un bel album honnête qui est une sorte de retour au bercail de celui que personne n'attendait.
Comme si son imagination n'avait pas pris une ride, un bref woosh sort du néant pour se faire ramasser par des cognements insistants. Des larmes de synthé crissent sur une structure plus percussive que rythmique où les ambiances glauques enveloppent nos sens comme à l'époque du Dark Ambient du Dream. Le rythme est lent, théâtrale et menaçant. Et soudain, comme sortie de nulle part, une mélodie arquée sur un synthé en mode cordes de violons roule à vive allure comme échappée d'une session des 4 saisons de Vivaldi. "The Blue Dream" est l'ouverture parfaite à un album retour avec sa mélodie accrocheuse qui gigue entre des pans d'ambiances ténébreuses. "Searching in Vain" semble être un titre rescapé des sessions de Transharmonic Nights. Idem pour le rythme lent, quasiment militarisé, de "Ordinary Wonder". Moi j’aime! Et Peter Baumann se dresse sur sa musique comme un mélodiste hors-pair qu'il est effectivement. Ceux deux petits joyaux précèdent deux titres aux ambiances douteuses et efficaces en "Valley of the Gods", on se croirait dans Sorcerer mais avec une rythmique très captivante et un superbe jeu du séquenceur. La ligne de basse mord ce bon rock électronique ceinturé d'une mélodie d'un synthé criard. "Echoes in the Cave", même avec son intro mélodieuse dérobée à "The Blue Dream", stagne dans sa grotte ambiosphérique. C'est un bon titre d'ambiances sépulcrales à la Sorcerer. Après une autre introduction sculptée sous le signe d'ambiances ténébreuses, le rythme de "Crossing the Abyss", tout de même assez léger, est transporté par une belle lutte entre un synthé flûté et un autre plus siffloteur. Je nage peut-être en plein délire, mais j'ai comme cette vague impression que The Keep a guidé les ambiances noires qui tournent autour des rythmes protéiformes de “Machines of Desire”. The Keep et surtout Legend pour ces ambiances de danses médiévales, comme dans "Dancing in the Dark" qui est bien balancé entre ses très bonnes percussions et sa mélodie pincée sur des accords un peu froids. L'introduction de "Dust to Dust" est un petit bijoux d'atmosphères glauques. Tout au long de son évolution, nous sentons que le rythme cherche à conquérir les ambiances. Et lorsque ça arrive, le mouvement circulaire de "Dust to Dust" nous entraîne dans une spirale enlevante où chante un superbe de beau solo de synthé toujours aussi en mode séduction harmonique. Ici, comme partout dans ce dernier album de Peter Baumann, les percussions, les effets percussifs et le séquenceur unissent leur diversité afin de gonfler des rythmes qui nous reste toujours un peu bouche bée.
Ambiances glauques, mélodies stylisées dans la signature Baumann et des rythmes aussi surprenants que très créatifs, “Machines of Desire” a tout ce qu’il faut pour plaire aux fans de la MÉ et de Tangerine Dream, période 77 à 86. Et restons honnête, si le nom de l'artiste serait autre que celui de Peter Baumann, plus d'un blogueur-chroniqueur ou amateur de MÉ crierait au génie. Très bon et je dirais même trop court. Mais 33 ans c'est très long comme attente. J'espère que Peter Baumann en a pris bonne note….

Sylvain Lupari 12/08/2017

samedi 12 août 2017

PETE FARN: Noodle+ (2017)

“Noodle+ is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of Pete Farn”
1 Knospensprünge 4:32
2 Im Sumpf 5:30
3 Metallregen 4:05
4 Dickicht 3:25
5 Luftbewegung im Unterholz 4:01
6 Klangfluss 10:10
7 Schönklangs Farbreise 13:08
8 Elia 8:12
9 Spechtus 7:08

SynGate-Luna | CD-r pf16 (DDL/CD-r 60:13)
(Experimental and abstract music)

For the synth users, the term Noodle means all these threads which hang and which connect in the inputs or outputs of other EM components. A mishmash of threads and cables which seems to us to be like the equivalent of a mini Babel tower so much that the intertwine of wires looks like a crossroad without ending. But for Peter Schaefer, this mess of electronic wires is far from being a heap of noodles in an immense plate of spaghetti. And those who know the sound fantasies of this master of abstract music understand at once where I am getting at. The vision that we have of these wires serves marvelously the fruits of the imagination, always very overflowing, of Pete Farn who offers us in “Noodle+” an album as perplexing as very difficult to ingest. An album where the noises and the atmospheres of a dead EM, not electronic effects, have precedence on an approach which began to be a bit more accessible with the album Aus-Flug  which was released to the end of 2016.
"
Knospensprünge" attacks literally our ears with a structure as much noisy as a guitarist who uses his fuzz wah-wah for the first time in the disorder of his room. The sounds spring in all forms with a shadow which croaks in a sound jumble where we imagine easily the hubbub behind ill-matched noodles of a synth. You were patient? And for little that we like these harmonies which are quite pale behind a wall of boisterous vibes, "Im Sumpf" is a title rather relaxing where is lying a delicate and shy melody strummed on a piano. The ambiences are a bit theatrical, kind of horror, with a specter which regurgitates its last sentence in the harmonies scattered from a piano and a bass in mode Jazz. "Metallregen" brings us back in the core of the sanctum of the sonic beast without charms. The title begins in mode ambient before colliding a wall of sounds as unappetizing as a plate of cold spaghettis. I look like a repulsive being? No, rather of an adviser for those who tries to understand the Pete Farn phenomenon! In fact, I like this universe, but in small doses, because Peter Schaefer peels the reach of the sounds like an architect who sees decorations with another eye. If there are more difficult titles, as "Knospensprünge", "Dickicht" and "Luftbewegung im Unterholz", even with its spasmodic tune, the music of Peter Schaefer stays a crossing between that of Centrozoon, percussions and guitar less, and Perceptual Defence for the avant-gardist and ambiosonic approach. Regarding that, "Klangfluss" is simply delicious. By far the best track in “Noodle+”. Always in a contemplative mode, "Schönklangs Farbreise" is a little noisier on the other hand than "Klangfluss". But these 2 long titles remain the most accessible in the universe of “Noodle+”. Even in a tissue of atmospheres as floating and heterogeneous as these last 2 titles, "Elia" stays a puddle of noises which eventually irritates with acute rustlings and monotonous voices of which the only quality is to be out of the decoration. I'm a little torn regarding "Spechtus". The moods are rather inviting, but the sounds and noises are also charming as a source of exasperation. It's pure Centrozoon, in order to well situated the reader, with a fascinating, I have to admit, chant of mechanical locusts in a night where the fauna of sleepless insects unites its stridulations in an ambience of wandering percussions.
Offered on the Bandcamp platform of SynGate Records, as well as in manufactured CD-r, “Noodle+” is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of
Pete Farn. For the audacious and the curious! I won't rank it, because it’s not quite my style.

Sylvain Lupari (August 12th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the SynGate Bandcamp page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Pour les utilisateurs de synthé, le terme Noodle signifie tous ces fils qui pendent et qui rejoignent les entrées et sorties des autres composantes du synthé. Un micmac de filage qui nous semble être l'équivalent d'une mini tour de Babel tant l'entremêlement des fils est un carrefour sans issu. Mais pour Peter Schaefer, cet embrouillamini de fils est loin d'être un amas de nouilles dans une immense assiette de spaghetti. Et ceux qui connaissent les fantaisies sonores de ce maître de la musique abstraite comprennent tout de suite où je veux en venir. La vision que nous avons de ces fils sert à merveille les fruits de l'imagination, toujours très débordante, de Pete Farn qui nous offre en “Noodle+” un album aussi déroutant que très difficile à ingérer. Un album où les bruits et les ambiances d'une MÉ sans vie ont préséance sur une approche qui commençait à être un brin plus accessible avec l’album Aus-Flug (Opera's Space) qui est paru à la fin 2016.
"
Knospensprünge" attaque littéralement nos oreilles avec une structure aussi bruiteuse qu'un guitariste qui utilise son fuzz wah-wah dans le désordre de sa chambre. Les sons jaillissent sous toutes formes avec une ombre qui croasse dans un micmac sonore où on imagine aisément le brouhaha derrière les nouilles mal assorties d'un synthé. Vous avez été patient? Et pour un peu que l'on aime ces harmonies qui sont toutes pâlottes derrière une muraille d'ambiances bruiteuses, "Im Sumpf" est un titre plutôt relaxe où git une délicate et timide mélodie pianotée. Les ambiances sont un brin théâtrale, genre horreur, avec un spectre qui régurgite sa sentence dans les harmonies éparpillées d'un piano et d'une basse en mode Jazz. "Metallregen" nous replonge au cœur de la tanière d'une bête sonore sans charmes. Le titre débute en mode ambiances avant de percuter un mur de sons aussi peu appétissant qu'une assiette de spaghettis froids. J'ai les apparences d’un être rébarbatif? Non, plutôt aviseur pour ceux qui cherche à comprendre le phénomène Pet Farn! En fait, j'aime bien cet univers, mais à petites doses, car Peter Schaefer décortique la portée des sons comme un architecte qui revoie les décors avec un autre œil. S'il y a des titres plus difficiles, comme "Knospensprünge", "Dickicht" et "Luftbewegung im Unterholz", même avec son refrain spasmodique, la musique de Peter Schaefer reste un croisement entre celle de Centrozoon, percussions et guitare en moins, et Perceptual Defence pour l'approche avant-gardiste et ambiosonique. À cet égard, "Klangfluss" est tout simplement délectable. De loin le meilleur titre sur “Noodle+”. Toujours en mode contemplatif, "Schönklangs Farbreise" est par contre un peu plus bruyant que "Klangfluss". Mais ces 2 longs titres restent les plus accessibles de l'univers “Noodle+”. Même dans un tissu d'ambiances aussi flottantes et hétéroclites que ces 2 derniers titres, "Elia" reste une mare à bruits qui finit par irriter avec des crissements aigus et des voix monocordes dont la seule qualité est de sortir du décor. Je suis un peu déchiré en ce qui concerne "Spechtus". Les ambiances sont assez invitantes, mais les sons et les bruits sont aussi charmeurs que source d'exaspération. C'est du pur Centrozoon, afin de mieux situer le lecteur, avec un fascinant, je dois admettre, chant de criquets mécaniques dans une nuit où la faune d'insectes insomniaques unit ses stridulations dans une ambiance de percussions errantes.
Offert sur la plateforme Bandcamp de
SynGate Records, ainsi qu'en format CD-r, “Noodle+” s'adresse avant tout aux amateurs d’ambiances bruiteuses où l'art de créer de la musique passe en second plan dans l'univers de Pete Farn. Pour les audacieux et les curieux! Pas d'étoiles car ce n'est pas tout à fait mon genre!
Sylvain Lupari 11/08/2017