samedi 29 avril 2017

CHRISTIAN FIESEL: Hagen's Delight (2017)

“Here's a wonderful surprise in the vein of vintage Berlin School loaded of bizarre rhythmic patterns and by great ambiences from a magical Mellotron. The golden years of EM we are having here”
CD 1 (73:29)
1 Bell's Call 4:13

2 Darkness Rising 7:30
3 Nightprogram 12:05
4 Out of the Spheres 6:01
5 Rusty Nail 5:18
6 Say Goodbye to Yesterday 9:56
7 Don't Surrender to Hate 3:02
8 The Long Cure 25:07

CD 2 (75:59)
1 Downwards we Go 17:36
2 Desert Trail 3:57
3 After Dallas 18:15
4 Shielded Transformer 4:57
5 Wisdom 22:27
6 Glass Cabinett 4:21
7 A Summer's Funeral 4:07

Bi-Za Records (2CD 149:28) **** (Berlin School and cinematographic music)
Christian Fiesel is not a new name in the field of EM. Inspired by the retro Berlin School, and these atmospheres which passed in transit between our ears with vapors of ether, as well as Krautrock in a more experimental way, he has released nearly 20 albums where the noise and the dissonance of the sounds went hand in hand. His approach of composition changed radically when he bought a Mellotron in 2015. From strange and bizarre, his music became more accessible for the kind of horror and science fiction movies. This is how he joined the label Aural Films and has cosigned works of obscures and tenebrous film or ambient music with the famous Wolfgang Barkowski (Alien Nature) and 3 others for movies purposes with the very famous Jack Hertz, big composer of theme music in the states. A contact from Hagen von Bergen, owner of the German Bi-Za Records label, opened the doors for the making of “Hagen's Delight”, a title which depicts all the affection of Hagen von Bergen for the music of Christian Fiesel. I was knocked down by this album of which the music was written between 2014 and 2016. Autopsy of an album where the Mellotron carries us into a magical universe of fright!
The first thing which seduces me with "
Bell's Call" is this odd sensation to penetrate into the lugubrious ambience of The Keep with a dense and a very dark ambiospherical veil where luciferian voices hum. These ambiences are weaved from mist oozing of a brownish drizzle and from lamentations of a guitar loaded of vampiric harmonies. The keys which ring in this glaucous decoration add a well felt touch of nostalgia. Christian Fiesel uses no sequencer and that's why his patterns of rhythms are surprisingly mesmerizing, as in "Darkness Rising" and its multiple oscillating loops which rise and fall with very nice nuance in the tone and in the pace. The whole thing is carefully wrapped of chthonian voices and with a paranormal atmosphere. I have the impression to hear Tomita in a Japanese horror drama. It's very good and that starts “Hagen's Delight” on the right foot! "Nightprogram" carries well enough its naming! A strange and enchanting beating creates a felted rhythmic but all the same rather hypnotic. Clouds move with bits of chant in the drizzle and are fill of a murky mood. This fusion of synths and Mellotron is a formidable weapon in this album. And it gives a so sibylline effect as our senses remain nailed to this fascinating occult air which espouses an amplified tangent in the middle with effects of distortions and chants of ectoplasms eager to invade us. Keen oscillatory movements establish a rhythmic cacophonous which does very experimental years of EM for a seducing 3 minutes' time. And there, it's getting so obvious, I have this feeling that Kraftwerk and its Radioland invades the sound space of “Hagen's Delight”. Up to here, I am totally under the charm. "Out of the Spheres" propose a structure of rhythm in the shape of Spirograph race among which the tones and the cracklings form a circular sound web, while the remote structures of rhythm in "Rusty Nail" gets out of breath in a dense magma of sounds and of sepulchral effects. "Say Goodbye to Yesterday" proposes a very beautiful introduction cut out in the charms of the Mellotron. Layers of old organ, murmurs of chthonian incantation and fluty harmonies float as an funeral cloud up to the doors of the fifth minute. Heavy percussions hammer a slow rhythm which progresses with difficulty through those many sound effects. Christian Fiesel imagines in music the difficult procession of a caravan and it’s quite a success. An explosive and creative title? "Don't Surrender to Hate" will seduce the fans of ['ramp] with a splendid rhythmic pattern built in Dance Music mode played with a small delay in the echo. Inserted here makes this short title simply magical. "The Long Cure" is a long and very ambiospherical title with some tumults which shake by moments its peace of mind. The ambiences are more translucent than totally dark with hollow breezes, chthonian choir and a long passage, as well as the final, more ethereal.
"
Downwards we Go" reflects quite well Christian Fiesel's gloomy cinematographic vision which feeds the 2nd CD of “Hagen's Delight”. The synthesist from Hamburg plays brilliantly well inside his ambient phases by crumbling a rambling structure of rhythm which disintegrates its fragments in a rather psychotronic 1st part, while the last 9 minutes of "Downwards we Go" get evaporate in a good moment of contemplative sweetness. "Desert Trail" stands out with its acoustic guitar which tries to scratch a melody in sound effects and in synth layers with flavors of trumpets which do very TD. Tangerine Dream that we were able to notice the influences also in "Downwards we Go". "After Dallas" does very Steve Roach, while the short "Shielded Transformer" does very atmospheres of horror movie where the end of the world gets in with its troop of starving evil spirits. "Wisdom" presents a violent storm of winds as dark as shrill and among which both tones are in confrontation in a hullabaloo duel. Are those the warning trumpets of the angels of apocalypse? The fact remains that we have the feeling to fall in the hollow of the Earth with noises of a sonic marginality as disturbing as attractive. "Wisdom" goes by in several phases. So, if the impression to emerge from the darkness in order to be caressed by warm harmonious winds calms down our feelings, it's to dive back again into a spiral, as a purgatory, where the din gets alive again and lead us even farther in the blackness. Two short titles separate our ears of this first listening of “Hagen's Delight”. "Glass Cabinett" is a very disturbing title perfect for a horror movie with grueling images It's sordid to the bone! "A Summer's Funeral" is a wonderful track. A lot of delicacy in spite of its mortuary envelope, the title offers a suite of arpeggios which skip with a melodious approach which melts into an embalmers' choir. It's very good and rather incentive to put back CD 1 of “Hagen's Delight” in the CD player. Here's a great surprise! A surprising album which will undoubtedly please to the fans of a Berlin School of the unimaginable years.

Sylvain Lupari (April 29th, 2017)
http://synthsequences.blogspot.ca/

You will find a way to order this album here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Christian Fiesel n'est pas un nouveau nom dans le domaine de la MÉ. Inspiré par le Berlin School rétro, et ces ambiances qui transitaient entre nos oreilles avec des vapeurs d'éther, ainsi que le Krautrock plus expérimental, il a composé plus d'une vingtaine d'albums où le bruit et la dissonance des sons allaient de pair. Son approche de composition changea radicalement lorsqu'il se procura un Mellotron en 2015. De bizarre sa musique devint plus accessible pour le genre film d'horreur et de science-fiction. C'est ainsi qu'il a joint le label Aural Films pour cosigner des œuvres de musique cinématographique pour films sombres et noirs avec le célèbre Wolfgang Barkowski (Alien Nature) et 3 avec le très renommé Jack Hertz, grand compositeur de musique de film aux USA. Un contact avec Hagen von Bergen, propriétaire du label Allemand Bi-Za Records ouvrit les portes pour la réalisation de “Hagen's Delight”, un titre qui dépeint toute l'affection de Hagen von Bergen pour la musique de Christian Fiesel. J'ai été renversé par cet album dont la musique fut écrite entre 2014 et 2016. Autopsie d'un album où le Mellotron nous entraîne dans un féérique univers de peur!
La première chose qui me séduit avec "Bell's Call" est cette étrange sensation de pénétrer la lugubre ambiance de The Keep avec un dense voile ambiosphérique très ténébreux où fredonnent des voix lucifériennes. Les ambiances sont tissées de brouillard suintant d'une bruine brunâtre et de lamentations d'une guitare aux harmonies vampiriques. Les accords qui tintent dans ce décor glauque ajoute une touche de nostalgie bien sentie. Christian Fiesel n'utilise aucun séquenceur et c'est pourquoi ses figures de rythmes sont étonnement envoutantes, comme dans "Darkness Rising" et ses multiples boucles oscillatrice qui montent et descendent avec très bonne nuance dans le ton et la cadence. Le tout est soigneusement enveloppé de voix chtoniennes et d'une ambiance paranormale. J'ai comme l'impression d'entendre du Tomita dans un drame d'horreur japonais. C'est très bon et ça démarre bien “Hagen's Delight”! "Nightprogram" porte assez bien son appellation! Un étrange et ensorcelant battement instaure une rythmique feutrée mais tout de même assez hypnotique. Les nuages se déplacent avec des chants dans la bruine et imprègnent une sordide ambiance. Cette fusion des synthés et Mellotron est une arme redoutable dans cet album. Et cela donne un effet si sibyllin que nos sens restent cloués à ce fascinant chant occulte qui épouse une tangente amplifiée en mi-parcours avec des effets de distorsions et des chants d'ectoplasmes pressés de nous envahir. De vifs mouvements oscillatoires instaurent une rythmique cacophonique qui fait très années expérimentales de la MÉ pour un séduisant 3 minutes. Et là, c'est tellement évident, j'ai cette impression que Kraftwerk et son Radioland envahit l'espace sonore de “Hagen's Delight”. Jusqu'ici, je suis totalement sous ensorcèlement. "Out of the Spheres" propose une structure de rythme en forme de spirographe dont les tons et les grésillements forment une toile sonique circulaire alors que la lointaine structure de rythme dans "Rusty Nail" s'essouffle dans un dense magma de sons et d'effets sépulcraux. "Say Goodbye to Yesterday" propose une très belle introduction découpée dans les charmes du Mellotron. Des nappes de vieil orgue, des murmures d'incantation chthoniennes et des harmonies flûtées flottent comme des nuages obituaires jusqu'aux portes des 5 minutes. Des percussions lourdes martèlent un rythme lent qui progresse avec peine à travers moult effets sonores. Christian Fiesel imagine en musique la difficile procession d'une caravane et c'est assez réussi. Un titre explosif et créatif? "Don't Surrender to Hate" va séduire les fans de Ramp et autres avec un splendide jeu de rythme construit en mode Dance Music joué avec un léger décale dans l'écho. Inséré ici rend cette courte pièce tout simplement magique. "The Long Cure" est un long titre très ambiosphérique avec quelques tumultes qui secouent par moment sa quiétude. Les ambiances sont plus translucides que totalement obscures avec des brises creuses, une chorale chtonienne et un long passage, ainsi qu'une finale, plus éthérée.
"Downwards we Go" reflète assez bien la vision cinématographique obituaire de Christian Fiesel qui nourrit le 2ième CD de “Hagen's Delight”. Le synthésiste natif d'Hambourg joue merveilleusement bien à l'intérieur de ses ambiances en émiettant une structure de rythme décousue qui désagrège ses fragments dans une 1ière partie assez psychotronique, alors que les 9 dernières minutes de "Downwards we Go" s'évaporent dans un bon moment de douceur contemplative. "Desert Trail" sort du lot avec sa guitare acoustique qui tente de gratter une mélodie dans des effets sonores et des nappes à saveurs de trompettes qui font très TD. Un Tangerine Dream que l'on a pu remarquer les influences aussi dans "Downwards we Go". "After Dallas" fait très Steve Roach, alors que le court "Shielded Transformer" fait très ambiances de film d'épouvante où la fin du monde arrive avec sa horde de démons affamés. "Wisdom" présente une violente tempête de vents autant sombres que criards et dont les deux tonalités s'affrontent dans un duel tintamarresque. Sont-ce les trompettes des anges annonciateurs d'apocalypse? Toujours est-il qu'on a l'impression de descendre dans le creux de la terre avec des bruits d'une marginalité sonique aussi dérangeante que séduisante. "Wisdom" se déroule en plusieurs phases. Ainsi, si l'impression d'émerger des ténèbres pour se faire caresser par de séduisants vents harmonieux c'est pour replonger dans une spirale, comme un purgatoire, où le tapage renait afin de nous ramener encore plus loin dans les entrailles des noirceurs. Deux courts titres séparent nos oreilles de cette 1ière écoute de “Hagen's Delight”. "Glass Cabinett" est un titre très dérangeant idéal pour un film d'horreurs aux images éprouvantes. C'est sordide à l'os! "A Summer's Funeral" est un superbe titre. Plein de délicatesse malgré son enveloppe mortuaire, le titre offre une suite d'arpèges qui sautillent avec une approche mélodieuse qui se fond à une chorale d'embaumeurs. C'est très bon et assez incitatif pour remettre “Hagen's Delight” en mode écoute. Voilà un très belle surprise! Un album étonnant qui plaira assurément aux amateurs d'une Berlin School des années inimaginables.

Sylvain Lupari (29/04/2017)

jeudi 27 avril 2017

LOST RADIANCE: Marly (2017)

“Here's a solid opus of EM built upon a lively sequencer-based style loaded of retro analog of the Berlin School moods”
1 Marly (Part 1) 9:40
2 Marly (Part 2) 6:11
3 Marly (Part 3) 7:00
4 Marly (Part 4) 8:54
5 Marly (Part 5) 7:26
6 Marly (Part 6) 7:50

Sense/Net | SN051 (DDL 47:05) ****½ 
(Sequencer-based style Berlin School)
Here is a splendid surprise that I almost forgot in the chinks of my lap-top. Who is Lost Radiance? It's a band of 4 Russian musicians (Alexander Asimov, Roman Rogov, Roman Zorin and Yuriy Miller) who simmer, together or in solo projects, an EM propelled by lively movement of sequencers or still flooded in dark atmospheres. “Marly” is a 2nd opus which is held far from the dark territories of Sirius Radiance, a Roman Rogov's dark ambient music project. And I have to admit that I was totally seduced by 5 superb movements, the finale is more serene, of sequencers which draw rhythms, and their subtle evolutions, in an electronic universe filled with these magnetizing perfumes of the analog universe.
Small butterflies filled with rhythmic tones frolic at the opening of "
Marly (Part 1)". A good layer of voices, emanating from the void, gives celestial airs to this rhythm so delicate as the webbed feet of a duckling which discovers its lake by making perfect circles. It's the bass line which precipitates things from the 2nd minute. Its keen palpitations add an always motionless swiftness while a wide band of bluish mist always gives a celestial privilege to this first title of “Marly”. Another lines of sequences, more crackling, gets in at the same moment as our duckling decides to modify the design of its circles. Rich in analog tones and fertile in the reshaping of an always motionless structure, here and all over “Marly” by the way, "Marly (Part 1)" is a very nice invitation to those who discover the universe of the Russian quartet. "Marly (Part 2)" does in very Berlin School with its introduction weaved with layers of vaporous mists which float like the vapors of a dream. A discreet line of arpeggios is undulating with a chant in the movement and electronic effects are chirping in the decor. Quite slowly the fog becomes a harmonious layer which reveals its seductive chant and of which the shadow, more musical, prints its Berliner imprint on "Marly (Part 2)". We can hear pulsations at the door of the two minutes. The rhythm is as smooth as a snake which hypnotizes its prey in an imaginary dance just as our senses have no chance to escape to the charms of this fascinating album of Lost Radiance. "Marly (Part 3)" is clearly the wildest track of “Marly”. The movement of the sequencer sculpts some small minimalist rhythmic loops while a 2nd movement espouses the curves with a light difference in the tone. This rhythmic movement modifies its pace in a mass of hypnotizing fog, firing up a rhythmic melodic which sounds like a derisive chant in a loud and wild rhythmic spiral. Delicious! Airy, "Marly (Part 4)" puts down an alternative movement which oscillates with hypnotic loops. The movement takes a more ethereal tangent in the middle. And as everything remains in movement in “Marly”, some percussive effects feed my ears always starved by these sequences which skip and pound, modifying even their paces, in a universe deprived of mists and of artifices from the synths. "Marly (Part 5)" is quite in contrast with a heavy and lively structure where bring out layers of Tangerine Dream's Jive years. It's a loud, boisterous and surprisingly musical sequencer-based style. My ears are always greedy for a style so heavy and effective at the level of the Mephistophelian effects. "Marly (Part 6)" lays down light arpeggios which ring as a rain finishes its tears in an ambience of melancholy. Others fall and shape a delicious sibylline air, which is as well near of a Halloween (the movie) ritornello than of the eternal light, that a huge layer of angelic voice attracts towards the void.
Offered in a downloadable format only, like the Lost Radiance's first album, Upon Us released in 2014, “Marly” is a very good album which is going to seduce the aficionados of an EM exhausted by lively and heavy structures of sequences. The atmospheres and the sound mass is just as much attractive with harmonies which draw their charms as much from the sequencers as the synths. Fans of Berlin School!? To your wallets!

Sylvain Lupari (April 27th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Lost Radiance's Bandcamp page here
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-

Voilà une excellente surprise que j'ai failli oublier dans les interstices de mon portable. Qui est Lost Radiance? C'est un groupe de 4 musiciens russes (Alexander Asimov, Roman Rogov, Roman Zorin et Yuriy Miller) qui mijotent, ensemble ou en projets solos, une MÉ propulsée par de vivants mouvement de séquenceurs ou encore noyée dans des ambiances ténébreuses. “Marly” est un 2ième opus qui se tient loin des territoires sombres de Sirius Radiance, projet de Roman Rogov. Et je dois admettre que j’ai été totalement séduit par 5 superbes mouvements, la finale est plus sereine, de séquenceurs qui dessinent des rythmes, et leurs subtiles évolutions, dans un univers électronique rempli de ces magnétisants parfums de l'univers analogue.
Des petits papillons gorgés de tonalités rythmiques folâtrent en ouverture de "Marly (Part 1)". Une nappe de voix, émanant du vide, donne des airs célestes à ce rythme aussi délicat que les pieds palmés d'un canardeau qui découvre son lac en effectuant des cercles parfaits. C'est une ligne de basse qui précipite les choses à partir de la 2ième minute. Ses palpitations frénétiques ajoutent une vélocité toujours stationnaire alors qu'une large bande de brume bleutée donne toujours un privilège céleste à ce premier titre de “Marly”. Une autre ligne de séquences, plus grésillantes, s'invite au même moment que notre caneton décide de modifier le design de ses cercles. Riches en tonalités analogues et fécond dans le remodelage d'une structure toujours immobile, "Marly (Part 1)" est une très belle invitation à ceux qui découvrent l'univers du quatuor russe. "Marly (Part 2)" fait dans le très Berlin School avec son introduction tissée avec des nappes de brumes vaporeuses qui ondoient comme les vapeurs d'un rêve. Une discrète ligne d'arpèges ondulent avec un chant dans le mouvement et des effets électroniques pépient dans le décor. Tout doucement le brouillard devient une nappe harmonique qui dévoile un séduisant chant dont l'ombre, plus musicale, imprime son empreinte Berliner sur "Marly (Part 2)". Des pulsations se font entendre à la porte des deux minutes. Le rythme est aussi coulant qu'un serpent qui hypnotise sa proie dans une danse imaginaire où les sens n'ont aucune chance d'échapper aux charmes de ce fascinant album de Lost Radiance. "Marly (Part 3)" est nettement le titre le plus animé de “Marly”. Le mouvement du séquenceur sculpte des petites boucles rythmiques minimalistes alors qu'un 2ième mouvement épouse les courbes avec une légère différence dans la tonalité. Ce mouvement rythmique modifie sa course dans une masse de brouillard hypnotisant, allumant une rythmique mélodique qui sonne comme un chant moqueur dans une spirale rythmique lourde et effrénée. Délicieux! Plus aéré, "Marly (Part 4)" dépose un mouvement alternatif qui oscille avec des boucles hypnotiques. Le mouvement prend une tangente plus éthérée en mi-parcours. Et comme tout reste en mouvement dans “Marly”, des effets percussifs nourrissent mes oreilles toujours affamées par ces séquences qui sautillent et palpitent, modifiant même leurs cadences dans un univers dénué de brumes et d'artifices des synthés. "Marly (Part 5)" est tout en contraste avec une structure lourde et vive où sortent des nappes à la TD des années Jive. C'est un style sequencer-based bruyant, entraînant et étonnement musical. Mes oreilles sont toujours avides d'un style aussi lourd et efficace au niveau des effets Méphistophéliques. "Marly (Part 6)" dépose des légers arpèges qui tintent comme la pluie achève ses pleurs dans une ambiance de mélancolie. D'autres tombent et façonnent un délicieux chant sibyllin, qui est aussi près d'une ritournelle à la Halloween (le film) que de la lueur éternelle, qu'une énorme nappe de voix angélique attire vers le vide.
Offert en format téléchargeable uniquement, comme le premier album de Lost Radiance Upon Us paru en 2014, “Marly” est un très bel album qui va séduire les amateurs d'une MÉ épuisée par de vivantes et lourdes structures de séquences. Les ambiances et la masse sonique est tout autant séduisante avec des harmonies qui puisent leurs charmes autant dans les séquenceurs que les synthés. Fans de Berlin School!? À vos portes-feuilles!

Sylvain Lupari (27/04/2017)
Vous allez trouver cet album sur le site Bandcamp de Lost Radiance ici

lundi 24 avril 2017

centrozoon: 217 XIII (2017)

“Yyyepp! Another one for lovers of tones and tones on tones in a progressive e-rock a la King Crimson”
1 Farmington High School 1 26:33
2 Farmington High School 2 10:54
3 Farmington High School 3 12:42
4 Farmington High School 4 17:37
5 Farmington High School 5 12:26
6 Farmington High School Soundcheck 12:51

Iapetus Records (DDL 93:06) ***
(Ambiospherical and neo-prog electronic and abstract music)
Three years after The Room of Plenty, centrozoon releases a series of recordings made during a tour on the American East coast in November 2016. And it's without Tobias Reber that Bernhard Wöstheinrich, on synth and sequencer, and Markus Reuter, on Touch Guitar U, have offered a short series of concerts of an EM more than audacious where the senses have to be in another dimension in order to follow the hazardous paths of “217 XIII”.
It's with a series of jerky sequences which crowd in side blows that
Markus Reuter's guitar spreads its flavors roaming on a bed of reverberations. The movement of the sequencer exhausts its keys which look for themselves in a heavy electronic envelope where the lamentations of the guitar and the synth are trumpeting like two different species of elephants on the point to merge in a new entity. Illustrated as description? And nevertheless, it's completely corresponding with the universe of centrozoon whom anti-music is at the service of the abstracted music lovers or of a fan of a symphony in fission. More convenient to the effects of synth than guitar, the 1st part of "Farmington High School 1" always evolves in the tumult to reach a point of no return and overturn into a progressive electronic rock around the 11th minute. We fall in a King Crimson ground with a one-armed drummer who tries constantly to thwart the long tortuous soloes of a guitar which grumbles more than sings. My degree of curiosity follows the curve of a long structure full of collapses, but which also hides good moments, where the moods are constantly colorful by hollow breezes, scattered blows of the sequencer and effects of guitar which are clearly more audacious than those of Robert Fripp. And it's all the universe, and the concept, of “217 XIII”. You should not expect to sit down and to dream lazily, nor to think of dancing or of swaying the hips, in front of the 5 segments of “217 XIII”. Everything is a story of experiments from Markus Reuter's Touch Guitar U8. The first 4 minutes of "Farmington High School 2" are a beautiful delight of ambient music. The chopper falls afterward. The atmospheres are dissipated by a tumult of knockings and sequences of which the soles of clogs scatter the nice Mellotron effects. Afterward, a strange homogeneity forms, giving to "Farmington High School 2" a musical aura which makes it the most beautiful title of “217 XIII”. There are good phases of progressive rock of flooded here, just like in "Farmington High School 3" whose evolution crosses light breezes, which make ring some bells and make sing a solitary guitar, in a heavy resounding passage which unravels its fury on a good mid-tempo. "Farmington High School 4" follows this upward curve after an introduction stained of sonic doodles which roll in a rather serene plain. The tension goes up rather easily with the wild imaginings of a six-strings which quietly builds its empire of distortions. The good moments here will please to the fans of a heavy and mortuary music where the friction of tones looks like an out of tune symphony. "Farmington High School 4" is undoubtedly the most disturbing, the most puzzling of the titles on this “217 XIII”. The good moments are always present, although less here, and bring us little by little to accustom us to the sound arsenal of this recording of which the softest boldness of centrozoon is in "Farmington High School Soundcheck". And it's this principle of duality that makes the listening of “217 XIII” always a little less painful. To taste part by part, by beginning with the end, and we let ourselves being cajoled by this universe where the storms arise by of so few things.

Sylvain Lupari (April 24th, 2017)
http://synthsequences.blogspot.ca/
You will find this album on the Bandcamp page of Iapetus Records here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Trois ans après The Room of Plenty, centrozoon sort une série d'enregistrements effectués lors d'une tournée sur la Côte Est américaine en Novembre 2016. Et c'est sans Tobias Reber que Bernhard Wöstheinrich, aux synthé et séquenceur, et Markus Reuter, à la Touch Guitar U, offraient une courte série de concerts d'une MÉ plus qu'audacieuse où les sens doivent être dans une autre dimension pour suivre les hasardeux parcours de “217 XIII”.
C'est avec une série de séquences saccadées qui se bousculent dans des coups latéraux que la guitare de Markus Reuter étend ses parfums errant sur un lit de réverbérations. Le mouvement du séquenceur épuise ses ions qui se cherchent dans une lourde enveloppe électronique où les lamentations de la guitare et du synthé barrissent comme deux différents espèces d'éléphants sur le point de fusionner en une nouvelle entité. Imagé comme description? Et pourtant, c'est tout à fait concordant avec l'univers de centrozoon dont l'anti-musique est au service des amateurs de musique abstraite, de symphonie en fission. Plus propice aux effets de synthé que de guitare, la 1ière partie de "Farmington High School 1" évolue toujours dans le tumulte pour atteindre un point de non-retour et verser dans un rock électronique progressif autour de la 11ième minute. On tombe dans du King Crimson avec un batteur manchot qui tente constamment de déjouer les longs solos tortueux d'une guitare qui râle plus qu'elle ne chante. Mon degré de curiosité suit la courbe d'une longue structure pleine de débâcles, mais qui cache de bons moments, où les ambiances sont constamment bigarrées par des brises caverneuses, des coups éparpillés du séquenceur et des effets de guitare qui sont nettement plus audacieux que ceux de Robert Fripp. Et c'est tout l'univers, et le concept, de “217 XIII”. Il ne faut pas s'attendre à s'assoir et rêver oisivement, ni penser danser ou se déhancher, devant les 5 volets de “217 XIII”. Tout est histoire d'expérimentations de la Touch Guitar U8 de Markus Reuter. Les 4 premières minutes de "Farmington High School 2" sont un beau délice de musique d'ambiances. Le couperet tombe par la suite. Les ambiances sont dissipées par un tumulte de cognements et de séquences dont les semelles de sabots éparpillent de beaux effets de Mellotron. Par la suite, une étrange homogénéité se forme, rendant à "Farmington High School 2 une aura musicale qui en fait le plus beau titre de “217 XIII”. Il y a de bonnes phases de rock progressif noyés ici, tout comme dans "Farmington High School 3" dont l'évolution passe de légères brises, qui font tinter des clochettes et chanter une guitare solitaire, à un lourd passage tonitruant qui effiloche sa rage sur un bon mid-tempo. "Farmington High School 4" suit cette courbe ascensionnelle après une introduction barbouillée de gribouillis sonique qui roulent dans une plaine assez sereine. La tension monte assez facilement avec les élucubrations d'une six-cordes qui tranquillement construit son empire de distorsions. Les bons moments ici plairont aux fans d'une musique lourde et mortuaire où la zizanie des tons ressemble à une symphonie désaccordée. "Farmington High School 4" est sans aucun doute le plus dérangeant, le plus déroutant des titres sur ce “217 XIII”. Les bons moments sont toujours présents, quoique moins ici, et nous amènent peu à peu à nous accoutumer à l'arsenal sonique de cet enregistrement dont le "Farmington High School Soundcheck" est la plus douce audace de centrozoon. Et c'est ce principe de dualité qui rend l'écoute de “217 XIII” toujours un peu moins pénible. À déguster partie par partie, en commençant par la fin, et on se laisse amadouer par cet univers où les tempêtes naissent de si peu de choses.
Sylvain Lupari (24/04/2017)

jeudi 20 avril 2017

CHRIS RUSSELL: Labyrinth (2017)

“This is quiet music drived by soft and slow moving synth washes and where the remote perfumes of Roach's ambient music style is constantly a recall of how ambient music could be so sweet to hear”
1 The Beginnings 7:49
2 Life's Journey 7:52
3 Dream Fragments 6:22
4 In the Maze 6:25
5 Lunation 9:26
6 The Vision 8:48

Spotted Peccary | SPM-3501 (DDL 46:42) ***½
(Deep ambient music)
Spotted Peccary widens its horizons with albums, a little more complex like the one of Concrete music from Mystified (Morning City) or this very ambient album from Chris Russell, “Labyrinth”, offer only in a downloadable format on SP Bandcamp. This is the very first album from the American musician, who does in the deep relaxation albums, on the American label. I have already heard the music of Chris Russell, who has a dozen albums of made, with Phillip Wilkerson on the very ambient album Vague Traces, also released on Spotted Peccary in 2014. And the least that we can say, Chris Russell is more than comfortable with long winged structures which move in slow motion in a musical universe centered on the quest of oneself. It's moreover in these terms that he qualifies the music of “Labyrinth”; a soundtrack to circling to the center of oneself!
A slow layer arises from the void in order to float over our head. Between perfumes of serenity and those a little more deeply touching from the calm drones, "The Beginnings" undertakes this journey inside our labyrinth of emotions. Two to three synth lines extend like ink clouds over a blotting paper, releasing the beginnings of an opposition, of a contrast, between blue and black and whose fusion depicts the depth of our feelings. Sometimes sibylline, sometimes dreamy and sometimes moving, the music of "The Beginnings" acts as a front door towards a session of Meta meditation, provided that we accept Chris Russell's invitation. Because here the ambient music is very Zen. If layers of a darker, of a deeper nature, like those with scents of organ in "Life's Journey", or more occult, like in the long "Lunation", are springing here and there, the music of “Labyrinth” inhales a peace of mind which would have made the delights of the lovers of the New Age in the 80' and 90's. Especially when we add to it the crackling of a paradisiac fire, "Dream Fragments", which dances under our eyes and sparkles in our ears on an unaccompanied evening on the edge of a lake. With a little of imagination, and a wish to feel it, we can even inhale the smell of the water. "In the Maze" is an ode to serenity with these layers built around translucent tints which espouse a course of clouds under azure winds. If there are essences of Steve Roach's desert atmospheres all over “Labyrinth”, it's in titles such as "In the Maze" and very quiet "The Vision" whom they are the most noticeable.
Not really my genre, I let myself embrace the void with the music of “Labyrinth”. If I was never capable of embracing it, I, on the other hand, have discovered an artist as seducing as Steve Roach when he carries me near the doors to the sleep. It's in my iPod, section night music!

Sylvain Lupari (April 20th, 2017)
http://synthsequences.blogspot.ca/
You will find this album only on the Bandcamp page of Spotted Peccary here
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Spotted Peccary élargit ses horizons en avec des albums un peu plus complexes (Mystified et Morning City) ou très ambiant comme ce tout premier opus de Chris Russell sur la nouvelle division d'albums en format téléchargeable du label américain. J'ai déjà entendu la musique de Chris Russell, qui a une douzaine d'albums au compteur, avec Phillip Wilkerson sur l'album très ambiant Vague Traces, aussi paru sur Spotted Peccary en 2014. Et pour le moins que l'on puisse dire, Chris Russell est plus qu'à l'aise avec de longues structures ailées qui se déplacent au ralenti dans un univers musical axé sur la quête de soi-même. C'est d'ailleurs en ces termes qu’il qualifie la musique de “Labyrinth”; une bande sonore pour circuler au centre de soi-même!
Une lente nappe s'extirpe du vide afin de flotter au-dessus de notre tête. Entre des parfums de sérénité et ceux un peu plus bouleversant de bourdonnements placides, "The Beginnings" entreprend ce voyage à l'intérieur de notre labyrinthe d'émotions. Deux à trois lignes de synthé s'étendent comme des nuages d'encre sur un papier buvard, dégageant la prémices d'une opposition, d'un contraste, entre le bleu et le noir et dont la fusion dépeint la profondeur de nos émotions. Tantôt sibylline, tantôt rêveuse et parfois émouvante, la musique de "The Beginnings" agit comme une porte d'entrée vers une séance de Meta méditation, à condition que l'on accepte l'invitation de Chris Russell. Car ici la musique d'ambiances est très Zen. Si des nappes d'une nature plus sombre, plus profonde, comme celles aux odeurs d'orgue dans "Life's Journey" ou plus occultes, comme dans le long "Lunation", jaillissent ici et là, la musique de “Labyrinth” respire une quiétude qui aurait fait les délices des amants du New Age dans les années 80-90. Surtout lorsque l'on y ajoute les crépitements d'un feu paradisiaque, "Dream Fragments", qui danse sous nos yeux et pétille dans nos oreilles par une soirée en solitaire sur le bord d'un lac. Avec un peu d’imagination, et de vouloir évidemment, on peut même respirer l'odeur de l'eau. "In the Maze" est une ode à la sérénité avec ces nappes aux teintes translucides qui épousent une course des nuages sous des vents azurés. S'il y a des essences des ambiances à la Steve Roach tout partout autour de “Labyrinth”, c'est dans des titres tel que "In the Maze" et le très tranquille "The Vision" qu'ils ressortent le plus….
Pas vraiment dans mon genre, je me suis laissé aller dans le vide avec la musique de “Labyrinth”. Si je n'ai jamais été capable d'embrasser ce vide, j'ai par contre découvert un artiste aussi séduisant que Steve Roach lorsqu'il me porte aux portes du sommeil. C'est dans mon iPod, section musique de nuit!

Sylvain Lupari (20/04/2017)

mercredi 19 avril 2017

SEQUENTIAL DREAMS: The Infinite Divide (2017)

“This has to be the most achieved work of Sequential Dreams which finally blend all those eras of Tangerine Dream into a complete sonic veil which floats for all those who want more of TD”
1 A Geometry of Shadows 9:35
2 Angels at Hades Gates 6:35
3 Breath of Life 6:19
4 Dark Energy 8:47
5 Eternity in a Moment 4:15
6 In Search of Forever 5:55
7 Glittering C-Beams 5:17
8 The Deconstruction of Falling Stars 5:48
9 The Einstein-Rosen Bridge 6:23
10 Distant Sunrise 4:17

Sequential Dreams (CD/DDL 63:03) ****¼
(Electronic Rock & Berlin School)
As prolific as a brook which draws its inspiration down from a fall, Ron Charron delivers us a 2nd opus, the 9th in all, of Sequential Dreams some 3 months after The Exodus Wave. And contrary to this album, “The Infinite Divide” proposes a less rock approach with 10 titles which travel between the various periods of Sequential Dreams' main source of inspiration: Tangerine Dream.
"
A Geometry of Shadows" opens “The Infinite Divide” with strength! A line of bass sequences runs like a train on a rail of wadding. Little wings of metal spin all around this delicious oscillatory movement that Ron Charron decorates with riffs under the forms of very TD's  layers, of reverberating effects and of delicate fluty melodies. Whereas the percussions plough a cynical weightiness, a guitar, not the one of Bernhard Beibl, grafts harmonious solos of which the tones are situated between Edgar and David Gilmour. More than a simple pastiche of the sound armada of TD, "A Geometry of Shadows" is a good fusion between Pink Floyd and the gang of Froese, Franke and Baumann in an approach which transcends the works of Sequential Dreams up to here. In fact, “The Infinite Divide” is a turning point, a bend in the career of this worldwide band, Chris Peare participated to the elaboration of "A Geometry of Shadows" while Arend Westra contributed to "Breath of Life", with a hyper well-done production and where all the instruments play a very precise role in a collection of titles inspired by the 1000 perfumes of Tangerine Dream and some of Pink Floyd. And even if the line is sometimes thin between EM and Prog music, the Berlin School style, all era reunited, shines here. Inspired from Edgar Froese's rhythms, "Angels at Hades Gates" is a nice combination between the Stuntman and the Beyond the Storm years. The blend between Ron Charron' electric six-strings and his synths is done judiciously, as well as this transition between Macula Transfer and Stratosfear. The rhythm is rather lively and gallops without stress in a beautiful sonic valley molded by nice synth effects and dramatic pads. "Breath of Life" is a pretty cool ballad which floats between clouds of blue mist and some slightly too cute sequences. Sometimes perched on the tears of a plaintive guitar, on the sighs of synth mist or in an enjoyable angelic voice, the seraphic melody travels on the delicate upward rhythm of a movement of sequences which will squeeze a cloud filled of water. It's nice to hear! After an ambient introduction a la Rick Wright in Wish You Were Here, "Dark Energy" proposes a galloping rhythm which slips into a splendid structure of complex rhythm fed by these Chris Franke's hyperactive and radioactive sequences. The guitar is judiciously inserted here.

"Eternity in a Moment" bears well its title name. It's a Rockoon kind of track! I listened to twice, it was enough! Set apart this little faux-pas, according to my ears, the rest of “The Infinite Divide” is simply delectable. Built a little in the same pattern as "Dark Energy", "In Search of Forever" plunges us straight away into the universe of This Park is Mine. The percussions and the sequences are well crafted while the dramatic effects, the riffs of an acoustic guitar and of an electric six-strings form a surprising symbiosis which flows with fluidity. And it's there that I notice the beautiful artistic maturity which Ron Charron shows here. Previously, all these ingredients had a little of difficulty in merging their directions, as rhythmic than harmonious. Here, the exchange between the phases of rhythms and those of the melodies flow pleasantly into a heavy decoration, into a sound decoration full of emotion or of fury. Take the ballad of "Glittering C-Beams" as example, but the furious "The Deconstruction of Falling Stars" stands to my words strongly. As well as the protean and evolutionary structure of "The Einstein-Rosen Bridge" where, in a ferocious rock, are hide beautiful moments of ethereal ambiences. "Distant Sunrise" closes brilliantly what I consider like the best opus of Sequential Dreams. I like to imagine a Ron Charron, the soul very nostalgic, strolling on the carpet of his keyboard the eyes full of hope for a better world and for his personal path. Yes, my friends and readers, “The Infinite Divide” is a very good album of EM armored to the infinity of the essences of Tangerine Dream. I know that there is a lot of those out there, but there is always one who stands out, like this worldwide project of Ron Charron!
Sylvain Lupari (April 19th, 2017)
gutsofdarkness.com & synthsequences.blogspot.ca

You will find this album on the Sequential Dreams Bandcamp page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Aussi prolifique qu'un ruisseau qui puise son inspiration du haut d'une chute, Ron Charron nous livre un 2ième opus, le 9ième en tout, de Sequential Dreams quelque 3 mois après The Exodus Wave. Et contrairement à cet album, “The Infinite Divide” propose une approche moins rock avec une 10zaine de titres qui voyagent entre les différentes périodes de la principale source d'inspiration de Sequential Dreams; Tangerine Dream.
"A Geometry of Shadows" ouvre “The Infinite Divide” avec force. Une ligne de séquences basses roule comme un train sur un rail de ouate. Des élytres de métal virevoltent tout autour du délicieux mouvement oscillatoire que Ron Charron décore de riffs sous formes de nappes très TD, d'effets réverbérant et de délicates mélodies flûtées. Tandis que les percussions labourent une pesanteur cynique, une guitare, non il ne s'agit pas de Bernhard Beibl, greffe des solos harmoniques dont les tonalités se situent entre Edgar et David Gilmour. Plus qu'un simple pastiche de l'armada sonique de TD, "A Geometry of Shadows" est une belle fusion entre du Pink Floyd et le gang à Froese, Franke et Baumann dans une approche qui transcende les œuvres de Sequential Dreams jusqu'ici. En fait, “The Infinite Divide” marque un tournant, un virage dans la carrière de ce band planétaire, Chris Peare a participé à l’élaboration de "A Geometry of Shadows" alors que Arend Westra a participé à "Breath of Life", avec une production hyper soignée et où tous les instruments jouent un rôle bien précis dans une collection de titres inspirée des 1000 parfums de Tangerine Dream et un peu de Pink Floyd. Et même si la ligne est parfois mince entre l'électronique et le progressif, le style Berlin School, toutes périodes confondues, rayonne ici. Inspiré des rythmes d'Edgar Froese, "Angels at Hades Gates" est un beau mélange entre les années Stuntman et Beyond The Storm. L'amalgame entre la six-cordes électrique de Ron Charron et ses synthés est très bien réussi, de même que cette transition entre Macula Transfer et Stratosfear. Le rythme est assez vivant et galope sans stress dans une belle vallée sonique moulée par de bons effets de synthé. "Breath of Life" est une belle ballade qui flotte entre des nuages de brume bleue et des séquences un peu trop mignonnes. Tantôt juchée sur les larmes d'une guitare plaintive, sur les soupirs de brume du synthé ou dans une suave voix angélique, la séraphique mélodie voyage sur le délicat rythme ascensionnel d'un mouvement de séquences à tordre les nuages gorgés d'eau. C'est une belle ballade! Après une introduction d'ambiances à la Wish You Were Here de Rick Wright, "Dark Energy" propose un rythme galopant qui dérape en une superbe structure de rythme complexe nourrie de ces séquences hyperactives et radioactives de Chris Franke. La guitare est judicieusement insérée ici.
"Eternity in a Moment" porte bien son titre. C'est du rock à la Rockoon! J'ai écouté deux fois, c'était assez! Mis à part ce petit faux-pas, selon mes oreilles, le reste de “The Infinite Divide” est tout à fait délectable. Construit un peu dans le même moule que "Dark Energy", "In Search of Forever" nous plonge dans l'univers de This Park is Mine. Les percussions et les séquences sont bien rodées alors que les effets dramatiques, les riffs d'une guitare acoustique et la six-corde forment une étonnante symbiose qui coule avec une fluidité. Et c'est là que je remarque la belle maturité artistique que Ron Charron affiche ici. Auparavant, tous ces ingrédients avaient un peu de difficulté à fusionner leurs directions, tant rythmiques qu'harmoniques. Ici, l'échange entre les phases de rythme et celles des mélodies coulent agréablement dans un décor lourd, dans un décor sonique chargé d'émotion ou de rage. On pourrait prendre la ballade "Glittering C-Beams" pour appuyer mes écrits mais le trop furieux "The Deconstruction of Falling Stars" est un exemple typique, de même que la structure protéiforme et évolutive de "The Einstein-Rosen Bridge" où, dans du rock féroce, se cachent de beaux moments d'ambiances éthérées. "Distant Sunrise" clôture avec brio ce que je considère comme le meilleur opus de Sequential Dreams. Je me plais à imaginer un Ron Charron, l'âme très nostalgique, fouler le tapis de son clavier les yeux plein de d'espoir pour un monde meilleur et pour son chemin personnel. Oui mes amis, “The Infinite Divide” est un bel album de MÉ blindé jusqu'à l'infini des essences de Tangerine Dream. Je sais qu'il y en a beaucoup, mais il y en a toujours qui sortent du lot comme le band planétaire à Ron Charron!
Sylvain Lupari (19/04/2017)

lundi 17 avril 2017

BERND KISTENMACHER: Music from Outer Space (1985)

“I had forgotten how Music from Outer Space was a so very beautiful album where solos, sequences and effects reveal quite the wealth of EM”
1 Music from Outer Space Part I 37:45 
2 Music from Outer Space Part II 41:38

Green Tree Records GTR 091
Bernd Kistenmacher Music (CD 79:26) ****½
(Vintage Berlin School)
Bernd Kistenmacher was doubtless one of the most beautiful secrets of the German electronic musical scene for numerous years. Making music in the shade of the big ones, at least on this side the planet, he has created since 1984 about fifteen cassettes, albums and cd, keeping his the most hard-hitting, the most accomplished works, for the 2000 years. But previously, this enigmatic synthésiste a bit romantic proposed a music in the steams of a Berlin School as poetic as chaotic. His first works are strongly inspired by Klaus Schulze's analog universe, period Blackdance and Body Love, but with a suspicion of soft anarchy which flows as some still blank honey. At first realized in cassette format, “Music from Outer Space” proposes 2 long minimalist titles with suites of harmonies and ambiences which are exchanged their roles through rhythms soft and savages in an electronic universe fed of its paradoxes and these wonderful machines which are synths and sequencers. Reedited in CD with the publication of the 8 CD boxset; My Little Universe was released in 1999, this first opus of Bernd Kistenmacher was nowhere to be found and thus was a collector item for his fans and the fans of the Berlin School style EM of the 70's. And I always emitted the wish that Bernd re-releases his whole catalog because his music has widely influenced artists who saw in EM the perfect way to create a little more symphonic works. Now it's done! You will find this album, as well as all the titles of Bernd Kistenmacher in original edition on the Bandcamp page of the latter. Let's start with “Music from Outer Space”.
Getting rid of its resonant membrane, a shadow coming from the oblivion floats with a delicate nuance in its movement, and its tone some 300 seconds later. It looks like small hoops are dancing here, creating a strange oneiric dance on a hardly undulating movement. Slowly,
Bernd Kistenmacher shapes his first part with the sound ingredients which made the charms of the70's EM. Thus a heavy veil spreads an interstellar carpet from where escapes a little stream of sequences which dance and glitter a little after the 7minutes point. The movement of sequences amplifies a pace which flickers swiftly, hunting the ascendancy of this heavy mist which mystified the introduction of "Music from Outer Space Part I". The purists will recognize here the same movement which livened up a certain very famous title of the album Encore from Tangerine Dream. But it doesn't matter! Schulze, TD and Ashra dominated the scene at that time, thus it was necessary to go out of somewhere and it was exactly what proposed Bernd Kistenmacher. The movement stays in suspension while more orchestral layers wrap it in a more lyrical atmosphere while little by little a mass of bass sequences and of percussions becomes agitated. Delicious to discover in a rather complex context, "Music from Outer Space Part I" gets into its rhythmic phase with more of mordant, but always with a hypnotic restraint, whereas the sequenced keys spin with fury in a tunnel where the freedom of movement is decorated by superb anesthetic layers full of Elfic voices of a synth which escapes its twisted solos. These solos spin as these pie charts which go and come in a game of Spirograph and these angelic voices which hum some shrill aaaaah which we can confuse with these complaints of a synth in mode alarm. Intense and crystallizing, "Music from Outer Space Part I" crashes in one finale where the flavors of Mirage and Body Love perfume our ears. A very good title which shows this vitality of the analog years but with a development more structured than these long sound Mass improvised of this time.
From the length of its 40 minutes, "
Music from Outer Space Part II" starts things clearly! Less poetic and more livened up, the dance of sequences begins with the foggy voice of Kistenmacher
 of which the echo reflects the words Music from Outer Space on a nice and very juicy, and also very Berliner, sequence. The tone is given! This sequence skips cheerfully alone before a synth wraps it with a chant all the same rather seraphic. Layers of voice get graft at this minimalist union which already introduced nuances, as much in the pace of the beat as the harmonious airs. The ear gets attached to this minimalist introduction when already the title plunges towards another direction, this time more ethereal but non less sibylline at around the 5th minute. The initial movement of the sequencer skips like at the beginning, except that this time foggier layers, a blue mist, caresses its beardless rebellion. Very beautiful synth solos float over there. Their nasal tints and their songs of snake charmers are wonderful. The crystal clear tick-tock of the sequence borrows a darker coat while a bluish cloud of mist opens the door to a rotatory solo where is nest a movement of sequences which flickers such as a hyperactive hand on a switch. Always very charmingly bewitching, the minimalist movement of "Music from Outer Space Part II" adorns itself with beautiful nuances while the title plunges into a velocity which slips totally in an anarchy chaos to finally slow down the pace in an ambiosonic passage around the 28th minute. But all along the title, Bernd Kistenmacher multiplies orchestral and voices layers as well as solos and effects which also feed to satisfaction this phase of confusion which will create another very beautiful passage of electronic rhythm among which the effects and the analog warmth are the instruments of one finale a little more ethereal.
I had forgotten how “
Music from Outer Space” was a so very beautiful album of EM. Built on 2 very long titles of which the minimalist routes are presented with nuances, so much in the rhythms, harmonies and ambient effects, this 2nd opus of Bernd Kistenmacher defines marvelously the complexities of a spatial and poetic universe in a symphonic envelope more sibylline than elegiac where solos, sequences and effects reveal quite the wealth of EM.

Sylvain Lupari (April 17th, 2017)
gutsofdarkness.com & synthsequences.blogspot.ca
You will find this album in a downloaded form on Bernd Kistenmcher Banbcamp page here


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-

Bernd Kistenmacher a été sans doute l'un des plus beaux secrets de la scène musicale électronique Allemande pour de nombreuses années. Opérant dans l'ombre des grands, à tout le moins de ce côté-ci de la planète, il a composé depuis 1984 une quinzaine de cassettes, albums et cd, gardant ses œuvres les plus percutantes, les plus accomplies, pour les années 2010. Mais auparavant, cet énigmatique synthésiste un brin romantique proposait une musique aux effluves d'une Berlin School aussi poétique que chaotique. Ses premières œuvres sont fortement inspirées par l’univers analogue de Klaus Schulze, période Black Dance et Body Love, mais avec un soupçon de douce anarchie qui coule comme du miel encore vierge. D'abord réalisé en format cassette, “Music from Outer Space” propose 2 longs titres minimalistes avec des suites d'harmonies et d'ambiances qui s'échangent les rôles à travers des rythmes doux et sauvages dans un univers électronique nourrit de ses paradoxes et de ces merveilleux engins que sont les synthés et les séquenceurs. Réédité en cd lors de la parution du coffret de 8 cd; My Little Universe, paru en 1999, cette première œuvre de Bernd Kistenmacher a été discontinué et est longtemps demeuré une pièce de collection pour ses fans et les amateurs de MÉ de style Berlin School des années 70. Et j'ai toujours émis le souhait que Bernd réédite son catalogue parce que sa musique a largement influencé des artistes qui voyaient en la MÉ un véhicule parfait pour créer des œuvres un peu plus symphoniques. C'est maintenant chose faite! Vous trouverez cet album, ainsi que tous les titres de Bernd Kistenmacher en format original sur la page Bandcamp de ce dernier. Débutons par “Music from Outer Space”.
Se défaisant de sa membrane résonnante, une ombre venue du vide flotte avec une délicate nuance dans son mouvement et sa tonalité, quelques 300 secondes plus tard. On dirait que des petits cerceaux y dansent, créant une étrange danse onirique sur un mouvement à peine ondulant. Lentement, Bernd Kistenmacher moule sa première partie avec les ingrédients sonores qui faisaient les charmes de la MÉ des années 70. Un lourd voile étend donc un tapis interstellaire d'où s'échappe un petit chapelet de séquences qui dansent et miroitent un peu après la barre des 7 minutes. Le mouvement des séquences amplifie une cadence qui papillonne vivement, chassant la prédominance de cette lourde brume qui mystifiait l'introduction de "Music from Outer Space Part I". Les puristes reconnaitront là ce même mouvement qui animait un certain titre très célèbre de l'album Encore de Tangerine Dream. Mais peu importe! Schulze, TD et Ashra dominaient la scène à cette époque, donc il fallait sortir de quelque part et c'est exactement ce que proposait Bernd Kistenmacher. Le mouvement reste en suspension alors que des nappes plus orchestrales l'enveloppent dans une ambiance plus lyrique alors que peu à peu s'agite une masse de basses séquences et de percussions. Délicieux à découvrir dans un contexte assez complexe, "Music from Outer Space Part I" s'enfonce dans sa phase rythmique avec plus de mordant, mais toujours avec une retenue hypnotisante, tandis que les ions virevoltent avec fureur dans un tunnel où la liberté de mouvement est décorée par de superbes nappes anesthésiantes ornées de voix Elfiques d'un synthé qui échappe ses solos en boucles torsadées. Ces solos virevoltent comme ces graphiques circulaires qui vont et viennent dans un jeu de spirographes et ces voix angéliques qui fredonnent des aaaaah stridents que l'on peut confondre avec ces plaintes d'un synthé en mode alarme. Intense et cristallisant, "Music from Outer Space Part I" s'écrase dans une finale où les parfums de Mirage et de Body Love embaument nos oreilles. Un très bon titre qui affiche cette vitalité des années analogues mais avec un développement plus structuré que ces longues messes soniques improvisées de cette époque.
Du long de ses 40 minutes, "Music from Outer Space Part II" ne fait pas dans la dentelle! Moins poétique et plus animé, la danse des séquences débute avec la voix brumeuse de Kistenmacher dont l'écho reflète les mots «Music from Outer Space» sur une belle séquence bien juteuse et très Berliner. Le ton est donné! Cette séquence sautille allègrement en solitaire avant qu’un synthé l'enveloppe d’un chant tout de même assez séraphique. Des nappes de voix se greffent à ce mariage minimaliste qui déjà introduit des nuances, tant dans le temps du rythme que les airs harmoniques. L'oreille s'attache à cette introduction minimaliste que déjà le titre plonge vers une autre direction, cette fois plus éthérée mais non moins sibylline vers la 5ième minute. Le mouvement initial du séquenceur sautille comme au début, sauf que cette fois-ci des nappes plus brumeuses, une brume bleue, caresse sa rébellion imberbe. De très beaux solos de synthé flottent là-bas. Leurs teintes nasillardes et leurs chants de charmeurs de serpents sont magnifiques. Les tic-tacs limpides de la séquence empruntent un manteau plus sombre alors qu'un nuage de brume bleuté ouvre la porte à un solo rotatoire où niche un mouvement de séquences qui papillonnent comme une main hyperactive sur un commutateur. Toujours très délicieusement envoûtant, le mouvement minimaliste de "Music from Outer Space Part II" se pare de belles nuances alors que le titre s'enfonce dans une vélocité qui dérape totalement en un chaos anarchique pour finalement ralentir la cadence dans un passage ambiosonique autour de la 28ième minute. Mais tout au long, Bernd Kistenmacher multiplie les nappes, les solos et les effets qui alimentent à satiété cette phase de confusion qui fera naître un autre très beau passage de rythme électronique dont les effets et la chaleur analogue sont les instruments d'une finale un peu plus éthérée.
J'avais oublié comment “Music from Outer Space” était à ce point un très bel album de MÉ. Monté sur 2 très longs titres dont les parcours minimalistes sont présentés avec des nuances, autant dans les rythmes, les harmonies et les effets d'ambiances, ce 2ième opus de Bernd Kistenmacher définit à merveille les complexités d'un univers spatial et poétique dans une enveloppe symphonique plus sibylline que parnassienne où les solos, les séquences et les effets révèlent toute les richesses de la MÉ.

Sylvain Lupari (réécrit le 17/04/2017)