jeudi 29 novembre 2018

GERT EMMENS: Dark Secrets of the Urban Underground (2018)

“Dark Secrets of the Urban Underground definitely belongs to the best albums of Gert Emmens”

1 The Underground Labyrinth 12:11
2 A Message, Written on a Wall 11:59
3 Discovering You're not Alone 11:25
4 Dark Secrets Revealing Themselves 10:37
5 Lost in Fear 11:16
6 Run for your Life 11:22
7 Where Spirits Hide 11:05

Groove Unlimited ‎| GR-255 (CD/DDL 79:58)
(Netherlands School)
   **Chronique en français plus bas**
A drizzling wind and a roar of spacecraft open up the atmospheres of "The Underground Labyrinth". The sound effects are surrealistic with fascinating tonal colors (Am I hearing a train and some Tibetan felted clicking?) and synth pads that stretch their sonic auras into corkscrew reverberations. We have the feeling of being an astronaut awaking after months of cryogenics. These atmospheres numb our listening for nearly 3 minutes before a line of sequences does bounce its chords in a delicious ambient ballet. We immediately recognize the Emmens signature with these chords which rub themselves with an agile alternating in order to solder them into a thin rhythmic line which gallops and undulates with their shadows dressed of chimes. Drifting with a still seductive nonchalance, this floating rhythm traces an oblong circular figure with evolutive phases and pretty shades which give a more harmonious touch to the cosmic rhythms of the Dutch musician. The soundscape is misty and cosmic nebulosity. The ballet amplifies its stationary heaviness with the arrival of these synth solos and the guitar which stretch their pains with these tones still so unique in EM played by Gert. Mixing with subtlety the electric guitar and the synths, he manages to extract the best of both worlds here with an approach which plays tricks to our ears. One thing is certain, we stay in the realm of EM with “Dark Secrets of the Urban Underground”. Darker and perhaps more melancholy, this latest album from our buddy Gert respects his trademark with rhythms that float deliciously in musical panoramas unique to the one that has destabilized his audience in recent years by wanting to bring a more progressive rock vision to his electronic music. Here, there is nothing of that, except maybe the very good "Run for your Life"! Gert Emmens installs us comfortably in his comfort zone, which is ours by ricochet, by presenting us a beautiful album which will please his fans while possibly going to look for new ones.

After an introduction of astral nebulosity (I still hear this train howling) of a little over 2 minutes, "A Message, Written on a Wall" offers an industrial structure cloned into a good cosmic rock. The sound envelope, one of the highlights of this album, has a strong presence. Its impact enriched irreparably a tone that vibrates my eardrums. The rhythm is heavier and slightly more fluid with its jerky pace. Covered in a layer of glass, the sequences are like a horde of horses slowly gamboling on a moonlit night. And the movement goes to a more ambient phase when apocalyptic-toned solos come and go without adding a mordant to the music. Solos that turn into spectral murmurs when the pace slows down, like those movements of ascending train on light summits filled by cosmic mist. The sequencer's looseness in "Discovering You're Alone" is reminiscent of Klaus Schulze's Mirage period. Cold, the ambiances surround an astral movement which jumps innocently in an approach of ambient and drifting rhythm. The drum falls down around the 4th minute, igniting a reflection of Klaus Schulze and Harald Grosskpof on a music whose winter reflections fill us with a certain rather comfortable warmth. The movement has become slower, "Discovering You're Not Alone" plunges into a cosmic rock structure barely heavier with solos which mix synth and guitar for the pleasure of our ears. However, it's a relatively short rock moment as "Discovering You're Alone" soon ran away with a long ambiospherical finale that is a bit longer than the previous two tracks. We are getting on the first phase of ambient elements of “Dark Secrets of the Urban Underground”. And those of "Dark Secrets Revealing Themselves" overwhelm us with the deafening noises of a space shuttle in the cosmos. It's a rather dark title with dark breezes and woosh. The finale is a kind of cosmic awakening. After 2 minutes of dull hums and of metal screech worthy of a sound warehouse for scary movies, "Lost in Fear" follows with its ambient rhythm that flows with a certain linear velocity. It's like a passage in a tunnel soberly decorated so that we are not afraid to stroll in. "Run for your Life" is a powerful electronic rock, barely progressive, firmly attached by an astonishing mesh between the sequencer and the drums. I liked that a lot! Gert is huge on drums and the transition between rock and EM is done without noticing which style is on top of the other. "Where Spirits Hide" ends this other album by Gert Emmens on a rather ambient note. Guitar chords get hang silently in a dark universe that is raised here by a pretty nice palette of sound effects. A universe filled with arid breezes, wiish and woosh as well as suspicious noises. The moods drift as lazily as the ambient rhythms of the Dutch synthesist, while my imagination can not stop me from gluing images of the Stephen King's saga; The Dark Tower.
Dark Secrets of the Urban Underground” shows first that Gert Emmens has not changed. But do we really want him to change that much? And yet, he is still evolving! We love its floating rhythms which drift with its masses of galloping sequences and this dose of instability in the tones and its shades. And they are very present on this album. On the other hand, the sound envelope is mysterious and well cut out with a renewed richness that redefines the usual beacons of the Emmens repertoire. There are also those percussions which add a very Grosskopf dimension to this “Dark Secrets of the Urban Underground” which definitely belongs to the best albums of Gert Emmens.
Sylvain Lupari (November 29th, 2018) ****¼*

Available at Groove nl
                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS

Un vent gorgé de bruine et un grondement d'engin spatial ouvrent les ambiances de "The Underground Labyrinth". Les effets sonores sont surréalistes avec de fascinantes couleurs tonales (j'entends un train et des feutrements tibétains?) et des nappes qui étirent leurs auras soniques en des réverbérations en forme de tire-bouchon. Nous avons l'impression d'être des astronautes en phase d'éveil après des mois de cryogénie. Ces ambiances engourdissent notre écoute pour près de 3 minutes avant qu'une ligne de séquences ne fasse sautiller ses accords dans un délicieux ballet ambiant. Nous reconnaissons aussitôt la signature Emmens avec ces accords qui se frottent avec une agile alternance dans le débit afin de les souder en un filet rythmique qui galope et ondule avec leurs ombres vêtues de carillons. Dérivant avec une nonchalance toujours aussi séduisante, ce rythme flottant trace une oblongue figure circulaire avec des phases évolutives et de jolies nuances qui donnent une touchent plus harmonieuse aux rythmes cosmiques du musicien Néerlandais. Le décor est de brume et de nébulosité cosmique. Le ballet amplifie sa lourdeur stationnaire avec l'arrivée de ces solos de synthé et ou de guitares qui étirent leurs douleurs avec ces tonalités toujours aussi uniques à la MÉ jouée par Gert. Mixant avec plus de subtilité la guitare électrique et les synthés, l'ami Gert réussit à soutirer le meilleur des deux mondes ici avec une approche qui joue des tours à nos oreilles. Une chose est certaine, nous restons dans le royaume de la MÉ avec “Dark Secrets of the Urban Underground”. Plus sombre et peut-être plus mélancolique, ce dernier album de notre ami Gert respecte sa marque de commerce avec des rythmes qui flottent délicieusement dans des panoramas musicaux unique à celui qui a déstabilisé son public au cours des dernières années en voulant apporter une vision plus rock progressive à sa musique électronique. Ici, il n'y a rien de cela, exception faite peut-être du très bon "Run for your Life"! Gert Emmens nous installe bien confortablement dans sa zone de confort, qui est la nôtre par ricochet, en nous présentant un bel album qui fera plaisir à ses fans tout en allant possiblement en chercher de nouveaux.

Après une introduction de nébulosité astrale (j'entends toujours ce train hurler) d'un peu plus de 2 minutes, "A Message, Written on a Wall" propose une structure industrielle clonée en un bon rock cosmique. L'enveloppe sonore, un des points forts de cet album, a une forte présence. Son impact enrichi irrémédiablement une tonalité qui fait vibrer mes tympans. Le rythme est plus lourd et légèrement plus fluide avec son débit saccadé. Nimbées d'une couche de verre, les séquences sont comme une horde de chevaux par une nuit de pleine lune dans un beau ralenti qui pousse le mouvement vers une phase plus ambiante lorsque des solos aux tonalités d'apocalypse vont et viennent sans ajouter de mordant à la musique. Des solos qui se transforment en murmures spectraux lorsque le rythme tourne au ralenti comme ces mouvements de train ascendant sur de légères cimes comblées de brume cosmique. La ballant du séquenceur dans "Discovering You're not Alone" fait penser à la période Mirage de Klaus Schulze. Froides, les ambiances cernent un mouvement astral qui sautille innocemment dans une approche de rythme ambiant et allant en dérivant. Les percussions tombent autour de la 4ième minute, allumant une réflexion de Klaus Schulze et Harald Grosskpof sur une musique dont les reflets hivernaux nous emplissent d'une certaine chaleur plutôt confortable. Le mouvement devenu plus lent, "Discovering You're not Alone" plonge vers une structure de rock cosmique à peine plus pesant avec des solos qui mélangent synthé et guitare pour le plaisir de nos oreilles. Il s'agit par contre d'une période de rock assez courte puisque "Discovering You're not Alone" a tôt fait de s'enfuir par une longue finale ambiosphérique qui est un peu plus longue que les 2 titres précédents. Nous embarquons dans la 1ière phase d'ambiances de “Dark Secrets of the Urban Underground”. Et celles de "Dark Secrets Revealing Themselves" nous submergent des bruits assourdissant d'une navette faisant du surplace dans le cosmos. C'est un titre plutôt ténébreux avec des brises et des woosh sombres. La finale fait entendre une sorte d'éveil cosmique. Après 2 minutes de bourdonnements sourds et de crissements métalliques digne d'un entrepôt sonore pour films de peur, "Lost in Fear" suit avec son rythme ambiant qui coule pourtant avec une certaine vélocité linéaire. C'est comme un passage dans un tunnel sobrement décoré où on n'a pas peur de flâner. "Run for your Life" est un puissant rock électronique, à peine progressif, solidement attaché par un étonnant maillage entre le séquenceur et la batterie. J'aime bien! Gert est hyper solide sur les percussions et la transition entre le rock et la MÉ se fait sans que l'on remarque quel style embarque par-dessus l'autre. "Where Spirits Hide" termine cet autre album de Gert Emmens sur une note assez ambiante. Des accords de guitare traînent silencieusement dans un univers sombre qui est relevé ici par une belle palette d'effets sonores. Un univers rempli de brises arides, de wiish et de woosh ainsi que des bruits suspects. Les ambiances dérivent aussi paresseusement que les rythmes ambiants du synthésiste Néerlandais, tandis que mon imagination ne peut m'empêcher de coller des images de la saga de La Tour Sombre par Stephen King.
Dark Secrets of the Urban Underground” démontre en premier lieu que Gert Emmens n'a pas changé. Veut-on qu'il change à ce point? Mais il évolue toujours et encore! On aime ses rythmes flottants qui dérivent avec ses masses de séquences galopant avec cette dose d'instabilité dans les tons et les nuances. Et ils sont fort présents sur cet album. En revanche, l'enveloppe sonore est mystérieuse et bien découpée avec une richesse renouvelée qui redéfini les usuelles balises du répertoire Emmens. Il y a aussi ces percussions qui ajoutent une dimension très Grosskopf à ce “Dark Secrets of the Urban Underground” qui est définitivement dans les meilleurs albums de Gert Emmens.

Sylvain Lupari 29/11/18

mardi 27 novembre 2018

STEVE ROACH: Mercurius (2018)

“Even after all those years to be the ultimate expert in the field of EM, Steve Roach manages to seduce after a new sonic chapter like on this Mercurius whose music flirts with a darker mood”

1 Liminal 7:27
(At the Threshold of the In-Between)
2 Immanent 27:58
(Innate, Intrinsic, Inborn)
3 Aeon 24:09
(Forever... And a Day)
4 Mercurius 14:23
(Alchemical Creation from the Realm of Opposites)

Projekt ‎| PROJEKT 354 (CD/DDL 73:57)
(Dark Ambient)
   **Chronique en français plus bas**
"Liminal" opens the portal of the sepulchral ambiences of “Mercurius” with dark shadows that drift slowly, like a concerto for souls frozen in stalagmites of the caves. The movement is slow, arrhythmic and buzzing. These sound particles, like the effects of rain on the burning rocks in the deserts, disintegrate in layers of dust and try to turn to an organic life. Steve Roach hasn't composed ambient music in 2018! After monumental albums inspired by the Berlin School style, our friend Steve returns to his sonic home with a work entirely covered by these long and slow veils of serenity. The music is a little dark, I would even say rather melancholic, with a tone where the two sound extremes compete in a fight whose only winner is the listener. And no, Steve Roach, despite his impressive discography, doesn't copy and paste some earlier works here. The nuances are imposing in this “Mercurius” which combines musicality and ambience on a long plateau of enveloping movements.
Slow and mysteriously mesmerizing, "Immanent" fills our senses with these choristers trapped in the caves of Steve Roach's desert. Their breezes reach levels of incantations, sometimes dark and austere, while unfolding these musical wings that intermingle in an ocean of tonal caresses. The buzzing gets refined by the smooth appearance of the sinuous corridors of the caves, bringing a more musical, even oneiric, side to the drifting chants of these natural walls. The slowness of the movement soon brings us to the doors of reflection with this ocean of sonic waves whose oblong impulses animate "Immanent" rhythmic reflux as much graceful as these flights of eagles scanning the basement of a crust emaciated by the burning sun and by the bipolar winds of the deserts. Built on 27 minutes, the music is ideal for relaxation and meditation such as suggested by the Zen masters. Me, the Zen vision isn't really my cup of tea. I like the ambient music of Steve Roach because it allows me to disconnect, to read or to guide me to the realm of Morpheus. And these 27 minutes passes like a good communion with serenity. Following this precept of long sound waves as floating as those waves gently caressing in an oceanic tumult, "Aeon" proposes on the other hand a more sibylline approach with spectral wave currents which float with sand in their incantations. Modeled following the Immersion series, the music floats with a renewed dynamism in its tunes, giving it a spectacular vision of tragedy that is as mysterious as abstruse. The title-track plays with the present nuances of “Mercurius” sonic panoramas. Its first part gets into us with its smoother, more lyrical movement. Subsequently, muffled implosions lead us to the more intense portion of Steve Roach's latest ambient opus. These silent impulses accelerate the momentary races without rhythms of "Mercurius" which always surround us with these dark and enveloping wings that bring us, at least for me, towards these doors where the peace re-energizes my silent and oh so necessary moments.
Sylvain Lupari (November 27th, 2018) ***¾ **

Available at Projekt's Bandcamp
                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS

"Liminal" ouvre le portail des ambiances sépulcrales de “Mercurius” avec des ombres sombres qui dérivent lentement, comme un concerto pour âmes figées dans stalagmites des grottes. Le mouvement est lent, arythmique et rempli de bourdonnements dont les particules sonores, un peu comme l'effet de pluie sur les roches brulantes des déserts, se désagrègent comme des nappes de poussières qui s’accrochent à une vie organique. Steve Roach n'avait pas encore composé de musique ambiante en 2018! Après de monumentaux albums inspirés du Berlin School, notre ami retourne à son bercail sonique avec une œuvre entièrement recouverte de ses longs et lents voiles de sérénité. La musique est un peu sombre, je dirais même assez mélancolique, avec une tonalité où les deux extrêmes sonores s'affrontent dans un combat où le seul gagnant est l'auditeur. Et non, Steve Roach, malgré son impressionnante discographie, ne fait pas de copier-coller de certaines œuvres antérieures. Les nuances sont imposantes dans ce “Mercurius” qui allie musicalité et ambiance sur un long plateau de mouvements enveloppants.
Lent et mystérieusement envoûtant, "Immanent" remplit nos sens avec ces chorales prisonnières des grottes des déserts de Steve Roach. Leurs brises atteignent des niveaux d'incantations, parfois sombres et austères, tout en déployant ces ailes musicales qui s'entremêlent dans un océan de caresses tonales. Les bourdonnements deviennent raffinés par l'aspect lisse des couloirs sinueux des grottes, amenant un côté plus musical, voire onirique, aux chants dérivants de ces murettes naturelles. La lenteur du mouvement a tôt fait de nous amener aux portes des réflexions avec cet océan d'ondes soniques dont les oblongues impulsions animent "Immanent" de reflux rythmiques aussi gracieux que ces vols d'aigles scrutant les sous-sols d'une croute terrestre émaciée par le soleil brulant et les vents bipolaires des déserts. Montée sur 27 minutes, la musique est pour la relaxation et le recueillement suggérés par les maîtres Zen. Moi le zenisme n'est pas ma tasse de thé. J'aime la musique ambiante de Steve Roach parce qu'elle me permet de me déconnecter, de lire ou de me guider dans le domaine de Morphée. Et ces 27 minutes passent comme une belle communion avec la sérénité. Suivant ce précepte de longues ondes sonores aussi flottantes que ces vagues qui se caressent doucement dans un tumulte océanique, "Aeon" propose en revanche une approche plus sibylline avec des courants d'ondes spectrales qui flottent avec du sable dans leurs incantations. Calquée sur le modèle de la série Immersion, la musique flotte avec un dynamisme refoulé dans ses airs, lui donnant ainsi une spectaculaire vision de tragédie aussi mystérieuse qu'absconse. La pièce-titre joue avec les présentes nuances des panoramas soniques de “Mercurius”. Sa 1ière partie nous pénètre avec son mouvement plus lisse, plus lyrique. Par la suite, de sourdes implosions nous amène dans la portion plus intense de cette dernière œuvre d'ambiances de Steve Roach. Ces impulsions muettes accélèrent les courses momentanées et sans rythmes de "Mercurius" qui nous enserrent toujours de ces ailes sombres et enveloppantes qui nous amènent, à tout le moins pour moi, vers ces portes où la quiétude réénergise mes silencieux et oh combien nécessaires momentums.

Sylvain Lupari 27/11/18

dimanche 25 novembre 2018

MOONBOOTER: Groundcontrol and the Victory of Mankind (2018)

“This is a powerful work of EDM from Moonbooter which is enhanced of those flavors of Berlin School analog style”
1 First Encounter 1:38
2 Ground Control 8:50
3 Lucid Dream 5:27
4 The end of Eternity 6:15
5 Train de L'espace 5:01
6 Moondust 5:14
7 Beyond the Black Door 7:41
8 Particles (Bridge) 3:17
9 Dance with Captain F 6:14
10 Infinite State of Mind 6:34
11 Come with Me 5:11
12 The Victory of Mankind 6:32
13 Last Encounter 1:38

MellowJet Records ‎| cdr-mb1802 (CD-r 69:09)
(EDM, Berlin School)
   **Chronique en français plus bas**
A reverberant shadow cut into small parts bring "First Encounter" to a world of distortions and of unknown dialects. Welcome to the new
Moonbooter's bend! In a sound envelope fortified by a 24-bit presence, Bernd Scholl offers an album of unheard-of power. Musical and animated by rhythms of lead which order our feet to move, “Groundcontrol and the Victory of Mankind” is not really different from the previous albums of Moonbooter in terms of the compositions' structure. It is rather its sound envelope, strongly embellished by analog synths and sequences, which brings us to another level of listening definitely more enjoyable for the ears. The EDM now has a soul in this last album, very impressive I must admit, from Moonbooter. If you like loud, precise and incisive sounds and tones, you're in the right place here!
"Ground Control" pleases from the start my ears. Theatrical, its introduction is fixed in layers of anesthetic violins. If percussions dance gently, a line of bass pulsations is pulsating with tremolos in its echo. Arpeggios hatch like twigs in flames and forge a fragile line of invading melody that glitters with arrangements a bit Arabian. And then after the point of 2:22 minutes, the rhythm of "Ground Control" becomes slow, heavy and powerful with an intense bludgeoning from the percussions as well as the addition of dense and opaque layers whose slow movements caress a violence repressed in the oneiric approach of these cinematic arrangements. Intense and delicious! "Lucid Dream" puts us immediately in the aim of this new album of
Moonbooter, either a powerful EDM with an analog flavor whose influences stem from the Berlin School. It's at the level of the spasmodic dance of the sequences that the Berliner style jumps to the ears. Subsequently, our friend Bernd envelopes this convulsive rhythm of a series of reverberations in the shape of floating and guttural S, adding so a Mephistophelic vision to a music which becomes heavy, powerful and catchy like an EDM sculpted in analog flavors. "The end of Eternity" is a down-tempo supported by a bass line which throbs sneakily with a threat of explosion somewhere. In fact, it's these fat and resonant chords which create this climate of possible overflow. Synth lines try to add a harmonious vision which blurs in this musical indecision. Its 1st part is more honeyed with a nice swarm of sound effects, while the 2nd one is heavier and pounded by percussions that crack the eardrums. This is a very different down-tempo from the Moonbooter repertoire. "Train de L'espace" is really like that it should sounds. The rhythm, and the melody while being there, are doing very Jarre, Magnetic Fields Pt. 2, in a more boosted way. The sequences twirl with spasmodic jolts and, together with the percussions, they draw the race of a train that is even more realistic with these synth pads colored of charcoal mist. The rhythmic modification is seductive in its fluid and melodic approach. A very good title that combines dance music from the French and Düsseldorf Schools.
"Moondust" follows with a very good slow-tempo well framed by the echo effects of the slamming percussions and a bass line which throbs like in the most lascivious moments of Massive Attack or Sigur Ros. The synth layers are snoring in this rather suggestive pattern and the bass fills the pores of our skin in a decor filled of orchestrations which turn into beautiful dreamlike solos. NASA voices remind us of the purpose of the title. Each album of Moonbooter hides a beautiful pearl; "Moondust" is that of “Groundcontrol and the Victory of Mankind”. "Beyond the Black Door" is another solid track which evolves from its heavy shell of mid-tempo for hypnotized Zombies to ambient and cosmic Berlin School-inspired phases, while "Particles (Bridge)" navigates in purely in those ambio-cosmic spheres. "Dance with Captain F" is a very dance style track which is filled by Arcade games sounds effects and by succulent percussion effects which blow like gas bags bursting sharply. The rhythm is super-catchy with jerky jolts from the sequencer and a nervous flow of electronic percussions, whereas some Kraftwerk-like synth riffs hook a smile of astonishment with this a Break-Dance-like structure that breathes the Dance Music of the 90's. "Come with Me" is very intense at this level. A true hymn of dance that forces our legs to activate. "Infinite State of Mind" offers a two-step structure. If the movement of the sequencer activates a rippling rhythm roll, the synth pads give some slack to the body. The percussions are as good as the arrangements are deliciously slowing. In the end, it gives a half-slow and heavy rhythm loaded with a bank of sound effects which arouse the pleasures of listening. "The Victory of Mankind" revives the absolute charms of “Groundcontrol and the Victory of Mankind” with a rhythmic structure that hops like a cavalry in harmony with its victory of the music. The synth creates zones of breathtaking melodies with airs that can be whistled easily. It's beautiful and extremely catchy. This earworm overhangs grave chords which add a titanic dimension to the cosmic ambiences whose stroboscopic tweeting effects are no less addictive and seductive. A powerful title announcing a final, "Last Encounter", modeled on the opening of this powerful work of EDM from
Moonbooter which is enhanced of those flavors of Berlin School analog style.
Sylvain Lupari (November 25th, 2018) *****
Available at MellowJet Records Web shop
                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS

Une ombre réverbérante découpée en petite parties amènent "First Encounter" vers un monde de distorsions et de dialectes inconnus. Bienvenue dans le nouveau virage de Moonbooter! Dans une enveloppe sonore fortifiée par une présence 24 bits, Bernd Scholl propose un album d'une puissance inouïe. Musicale et animée par des rythmes de plomb qui ordonnent à nos pieds de bouger, “Groundcontrol and the Victory of Mankind” n'est pas vraiment différent des précédents albums de Moonbooter au niveau de la structure des compositions. C'est plutôt son enveloppe sonore, fortement agrémentée d'équipements analogues, qui nous amène vers un autre niveau d'écoute nettement plus jouissive pour les oreilles. La EDM possède maintenant une âme dans ce dernier album, fort impressionnant je dois admettre, de Moonbooter. Si vous aimez le son fort, précis et incisif, vous êtes à la bonne place!
"Ground Control" plaît tout de suite à mes oreilles. Théâtrale, son introduction est figée dans des nappes de violons anesthésiantes. Si des percussions dansent mollement, une ligne de basses pulsations palpite avec du trémolo dans son écho. Des arpèges éclosent comme des brindilles en flammes et forgent une fragile ligne de mélodie envahissante qui scintille dans des arrangements un brin arabiques. Et puis après le point des 2:22 minutes, le rythme de "Ground Control" devient lent, lourd et puissant avec un matraquage intensif des percussions ainsi que l'addition de strates denses et opaques dont les lents mouvements caressent une violence refoulée dans l'approche onirique de ces arrangements cinématographiques. Intense et délicieux! "Lucid Dream" nous met tout de suite dans le but visé de ce nouvel opus de Moonbooter, soit de l'EDM puissante à saveur analogue dont les influences découlent de la Berlin School. C'est au niveau de la danse spasmodique des séquences que le style Berliner saute aux oreilles. Par la suite, l'ami Bernd enveloppe ce rythme convulsif d'une série de réverbérations en forme de S flottants et gutturaux, ajoutant une vision Méphistophélique à une musique qui devient lourde, puissante et entraînante comme de la EDM sculptée dans des saveurs analogues. "The end of Eternity" est un down-tempo soutenu par une ligne de basse qui palpite avec une menace d'explosion quelque part. En fait, ce sont ces accords gras et résonnants qui instaurent ce climat de possible débordement. Des lignes de synthé tentent d'ajouter une vision harmonieuse qui se brouille dans cette indécision musicale. Sa 1ière partie est plus mielleuse avec une jolie nuée d'effets sonores, alors que la 2ième est plus lourde et pilonnée par des percussions qui font claquer les tympans. Voilà un down-tempo très différent du répertoire Moonbooter. "Train de L'espace" est vraiment comme ça sonne. Le rythme, et la mélodie tant qu'à y être, font très Jarre, Magnetic Fields Pt. 2, dans une mesure plus rehaussée, plus vivifiée. Les séquences virevoltent avec des soubresauts spasmodiques et, unies aux percussions, elles dessinent la course d'un train qui fait encore plus réaliste avec ces nappes de synthé colorées de brume charbonnée. La modification rythmique est séduisante dans son approche autant fluide que mélodique. Un très bon titre qui allie musique de danse de l'École Française et de Düsseldorf.
"Moondust" suit avec un très bon slow-tempo bien encadré par des effets d'écho des percussions claquantes et une ligne de basse qui palpite comme dans les moments les plus lascifs de Massive Attack ou encore Sigur Ros. Les nappes de synthé ronflent dans ce firmament plutôt suggestif et la basse remplie les pores de notre peau dans un décor gorgé d'orchestrations qui se transforment en beaux solos oniriques. Des voix de la NASA nous rappelle le fondement du titre. Chaque album de Moonbooter cache une trop belle perle; "Moondust" est celle de “Groundcontrol and the Victory of Mankind”. "Beyond the Black Door" est un autre solide titre qui évolue entre sa lourde carapace de mid-tempo pour Zombies hypnotisés et des phases ambiantes et cosmiques à saveur Berlin School, alors que "Particles (Bridge)" navigue dans des sphères purement ambio-cosmiques. "Dance with Captain F" est un titre très danse qui est bourré d'effets sonores de jeux d'Arcade et de succulents effets de percussions qui claquent comme des sacs de gaz que l'on fait éclater sèchement. Le rythme est hyper entraînant avec des secousses saccadées du séquenceur et le débit nerveux des percussions électroniques, alors que des riffs de synthé plutôt Kraftwerk accrochent un sourire d'étonnement dans une structure genre Break-Dance qui respire la Dance Music des années 90. "Come with Me" est très intense à ce niveau. Un véritable hymne à la danse qui oblige nos jambes à se dégourdit. "Infinite State of Mind" propose une structure en deux temps. Si le mouvement du séquenceur active un rouleau ondulant de rythme, les nappes du synthé lui donnent du mou dans le corps. Les percussions sont aussi bonnes que les arrangements délicieusement ralentissant. Au final, ça donne un rythme mi-lent et lourd rempli d'une banque d'effets sonores qui attisent les plaisirs de l'écoute. "The Victory of Mankind" ravive ce coup de charme absolu qu'est “Groundcontrol and the Victory of Mankind” avec une structure de rythme qui sautille comme une cavalerie en harmonie avec sa victoire de la musique. Le synthé crée des zones de mélodies à couper le souffle avec des airs que l'on peut siffloter aisément. C'est beau et extrêmement accrocheur. Ce ver-d'oreille surplombe des accords graves qui ajoutent une dimension titanesque à des ambiances cosmiques dont les effets de gazouillis stroboscopiques ne sont pas moins addictifs et séduisants. Un titre puissant qui annonce une finale, "Last Encounter", calquée sur l'ouverture de cette puissante œuvre d'EDM à saveur Berlin School analogue de
Sylvain Lupari 25/11/18

samedi 24 novembre 2018

ALBA ECSTASY: Over the Clouds (2018)

“Obviously AE does not bring reinvents the wheel with this ambient work, but he adds his personal vision which is more romantic and surely more warm in the Over the Clouds”
1 Over the Clouds 1 19:42
2 Over the Clouds 2 14:11
3 Over the Clouds 3 6:20
4 Over the Clouds 4 7:25

Alba Ecstasy Music (DDL 47:38)
(Ambient Music)
   **Chronique en français plus bas**
After a good reception from his audience regarding The Floating Body, Alba Ecxtasy decided to undertake a new chapter in his career; the ambient music. This new series will be called “Over the Clouds”. The artwork of the album, always available in downloadable format only on the Bandcamp site of the Romanian musician, is an evidence itself. Alba Ecxtasy is aiming for nothing less than the depths of the cosmos! The range is wide and the possibilities as great for the one whose creativity is no longer a shadow of a doubt. And the most interesting thing about all this is that the first two long titles of this new project are available on Alba Ecxtasy's YouTube channel. And I love this way that Mihail Adrian Simion has to demystify the art of EM conception.
"Over the Clouds 1" plunges us into an interstellar universe with immense morphic strata that intertwine their sleepy effects while serving as a bed for the Arp Odyssey's solos. Sound effects, borrowed from the waltz movements of space shuttle ships, as seen in films and documentaries about the explorers of the cosmos, embellish this long movement that is ideal for taming insomnia. "Over the Clouds 2" begins with a delicate movement of the sequencer that is taken from the Roland MSQ-100. No, I did not suddenly become a connoisseur! It's rather the explanations provided by Alba Ecxtasy in his video on YouTube that raises my level of knowledge. The ambient rhythm respects these jumping and ascending movements of Klaus Schulze's Berlin School style. Sound effects, that we have already heard in Jean-Michel Jarre's catalog, adorn this interstellar rise while riffs and chords from keyboards add a mysterious and melodious side to a music that would be naked without these great winged movements of the Arp Odyssey. AE adds a bit of intensity here and there and very scattered solos which seduce a listening that the musician never takes for granted. Alba Ecxtasy does not reinvent the wheel here, but he brings his vision, sometimes very romantic, to a genre that is exploited to the end since the early 70's. And I think here of those layers as attractive as touching which sail on the Dark Sea of "Over the Clouds 3". A beautiful ambient music track with just enough intensity to thrill our senses. "Over the Clouds 4" is built on the same principle as "Over the Clouds 2", at somethings near. The movement of the sequencer is more fluid, tracing good hypnotic zigzag to a rhythmic structure always in ambient mode. The tones of the sequencer sparkle like organic flowers or chirps of cosmic sparrows under the benevolence of a synth whose slow anesthetic movements weave orchestrations a bit sinister.
For lovers of ambient music, this “Over the Clouds” by Alba Ecxtasy does not revolutionize the genre! I would say that it does not bring something new to it. But it's well done, and one listens to it like the good albums in the ambient style. And I quite like these movements of ambient rhythms that the synthesist from Romania offers on parts 2 and 4. Titles that will easily appeal to fans of Indra and even those who devoured the period In Blue by Klaus Schulze. You can see Alba Ecxtasy playing parts 1 and 2 on You Tube. Here are the links; 

"Over the Clouds 1" 
"Over the Clouds 2"
Sylvain Lupari (November 24th, 2018) ***½**
Available at Alba Ecstasy's Bandcamp
                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS

Après une belle réception de son auditoire en égard à The Floating Body, Alba Ecxtasy a décidé d'entreprendre un nouveau volet dans sa carrière; la musique ambiante. Cette nouvelle série sera intitulée “Over the Clouds”. La jaquette de l'album, toujours disponible uniquement en format téléchargeable sur le site Bandcamp du musicien Roumain, fait foi de tout ici. Alba Ecxtasy ne vise rien de moins que les profondeurs du cosmos! L'éventail est large et les possibilités tout autant immenses pour celui dont la créativité ne fait plus l'ombre d'un doute. Et le plus intéressant dans tout cela, c'est que les 2 longues premières parties de ce nouveau volet de sa carrière sont disponibles sur la chaine YouTube d'Alba Ecxtasy. Et j'adore cette façon qu'à Mihail Adrian Simion de démystifier l'art de la conception de la MÉ.
"Over the Clouds 1" nous plonge dans un univers intersidéral avec d'immenses strates morphiques qui entrelacent leurs effets endormitoires tout en servant de lit à des solos du Arp Odyssey. Des effets sonores, empruntés aux mouvements valsant des odyssées des navettes spatiales, telles qu'observées dans des films et ou documentaires sur les explorateurs du cosmos, agrémentent ce long mouvement qui est idéal pour dompter l'insomnie. "Over the Clouds 2" débute par un délicat mouvement du séquenceur qui est soutiré au Roland MSQ-100. Non, je ne suis pas devenu subitement un connaisseur! Ce sont plutôt les explications fournies par Alba Ecxtasy dans son vidéo sur YouTube qui hausse mon niveau de connaissances Le rythme ambiant respecte ces mouvements sautillants et ascensionnels du Berlin School de Klaus Schulze. Des effets sonores, que l'on a déjà entendu dans le catalogue de Jean-Michel Jarre, ornent cette ascension interstellaire alors que des riffs et des accords de claviers ajoutent un côté mystérieux et mélodieux à une musique qui serait nue sans ces grands mouvements ailés du Arp Odyssey. AE ajoute un brin d'intensité ici et là ainsi que des solos très parsemés qui séduisent une écoute que le musicien ne prend jamais pour acquise. Alba Ecxtasy ne réinvente pas la roue ici, mais il apporte sa vision, parfois très romanesque, à un genre qui est exploité à en plus finir depuis le début des années 70. Et je pense ici aux nappes aussi séduisantes que touchantes qui voguent sur la Mer Sombre de "Over the Clouds 3". Un très beau titre de musique ambiante avec juste ce qu'il faut d'intensité pour faire frissonner nos sens. "Over the Clouds 4" est construit sur le même principe que "Over the Clouds 2", à peu de choses près. Le mouvement du séquenceur est plus fluide, traçant de bons zigzagues hypnotiques à une structure de rythme toujours en mode ambiant. Les tonalités du séquenceur pétillent comme des floraisons organiques ou des gazouillis de moineaux cosmiques sous la bienveillance d'un synthé dont les lents mouvements anesthésiants tissent des orchestrations un brin sinistre.
Avis aux amateurs de musique ambiante, ce “Over the Clouds” par Alba Ecxtasy ne révolutionne pas le genre! Je dirais même qu'il n'y apporte pas grand-chose de nouveau. Mais c'est bien fait et ça s'écoute aussi bien que les bonnes œuvres dans le style ambiant. Et j'aime bien ces mouvements de rythmes ambiants que le synthésiste de la Roumanie offre sur les parties 2 et 4. Des titres qui séduiront sans peine les fans d'Indra et même ceux qui ont dévoré la période In Blue de Klaus Schulze. On peut voir Alba Ecxtasy interpréter les parties 1 et 2 sur You Tube. Voici les liens;

"Over the Clouds 1" 
"Over the Clouds 2"
Sylvain Lupari 24/11/18

jeudi 22 novembre 2018

JAMES J. CLENT: Windows in the Sky (2018)

“Windows in the Sky is a rather surprising album with a blend of melodic patterns  and of rhythms build on fast sequencer based electronic rock anthems”
1 Journey of the Exuberant Son 6:30
2 Melancholic Afterglow 5:23
3 The Darkest Matter 4:47
4 Haunted Interlude 2:44
5 Awakening and Redemption 6:28
6 Meditation in Pacific Grove 9:18
7 Um Na Na 6:30
8 Dancing on the Nexus 8:35
9 My Love for You 7:47
10 Storm Clouds 6:00

Groove | GR-253 (CD 64:03)

(Mix of melodious music & Endgland School)
   **Chronique en français plus bas**
I am one of those who believe that the guitar has its place in the realm of EM, as long as it does not interfere with the freedom of synths and the creativity of their effects. Even less with the impact and the diversity of rhythms and lines of sequences. Otherwise, it becomes a kind of electronic progressive jazz or rock in the same genre as with the music of Maxxess. Frank Dorritke, with MorPheuSz or in solo, as well as Manuel Göttsching and Klaus Hoffmann-Hoock are good examples of what electric guitar can bring to EM. I have no idea who James J. Clent is and I think he wants it that way. A classically trained musician, he has already collaborated with the Groove label in the compilations Surfing from Beyond, Analogy Volume 2 and Analogy Volume 3. "Windows in the Sky" is a first solo album for the one who has already composed EM with Kees Aerts (Surfacing from Beyond), he also participated to the album Slice of Times (GR-001 in 1997) playing guitar on Friends, and with Gert Emmens (Vintage Contemporaries) between the years 2000 and 2007. The press info from Groove mentions that the music in “Windows in the Sky” can be situated between that of Pink Floyd and Tangerine Dream, or that of Frank Dorritke. If actually some rather ethereal harmonies plunge us into the world of Pink Floyd, it's pretty obvious with the astral slow of "Melancholic Afterglow", I hear very little of TD, except for the heavy and sharp "Storm Clouds", whereas at times we can easily scent FD Projekt's influences. With its 10 tracks for an average duration of 6 minutes each, the music in this first opus of James J. Clent is far from the complexities, favoring a very accessible approach with good melodies and pop-rock rhythms. But on the other hand, it is clear that the guitarist likes good impulses of rhythms with an approach based on sequencers.
Keen and throbbing pulsations surrounded by beautiful percussive effects a little paranoid, the very electronic opening of "Journey of the Exuberant Son" unblocks towards an electronic rock where the guitar throws good solos and fuzz-wah-wah effects. The setting is still very electronic with a good mesh of electronic percussions, sequences and keyboard riffs. But it's a rather melodious title, designed for the guitar of James J. Clent and his fiery solos. "Melancholic Afterglow" offers a pretty New Age ethereal soundscape with ocean waves and mermaids murmurs. It's a very astral slow beat with a Pink Floyd style guitar. The impact of "The Darkest Matter" makes us jump with its big bangs of metal doors. The intro is much electronic with keyboard chords that tinkle in vapors of guitar and synth. The music takes time before taking off and it's pretty well done with a spheroidal structure where sequences and synth solos twirl in symbiosis. It's good heavy, noisy and catchy electronic rock. "Haunted Interlude" honors the meaning of its title. The atmospheres are nebulous, and the rhythm breathes by a pulsating bass and its chords a little smothered. The keyboard scatters arpeggios of glass which tinkle like a false spectral melody in a decor designed on the colors of its title. After these two electronic tracks, "Awakening and Redemption" offers a guitar / keyboard duet with dominant solos in a vision where the New Age genre flirts with a melodious rock style and finally a heavy and catchy rock with guitar solos which tickle our thrills on a structure that is very Maxxess. There is an imprint that gives shivers on this title which evolves gracefully within its 6 minutes. The arrangements and the production are huge on this very intense title, and dense at the sound level, which has given me some good chills. Other title rather New Age, in the style of The Coral-Sea or Digital Dance from the Innovative Communication label, "Meditation in Pacific Grove" offers a light EM with a depth and arrangements that suits its vision rather well. The melody blown on a ritornello of sequenced arpeggios is that kind of thing that obsesses my senses. "Um Na Na" is a little heavy and mischievous catchy pop thing. A guilty pleasure! "Dancing on the Nexus" is also ennobled of loudness. It's a jewel of EM with its heavy rhythm spinning as being attached to a long stroboscopic filament. Percussive effects and voices add a dimension which flirts with a form of psychosis while its rhythm, hopping like a goblin with a flute, is an alloy of sequences, electronic percussion and bass that smashes my eardrums as it is so heavy and slow. Two qualifiers that have always seduced me in music! "My Love for You" is a beautiful cosmic slow with a guitar that flirts slightly with blues on phases that vary the intensities. It's hard not to like! "Storm Clouds" ends “Windows in the Sky” with the heaviest track of this album. It's a big rock with these metallic percussions a little Jarre, that we hear on a few occasions, and those spasmodic sequences whose fusions trigger fascinating moments of EM. The percussions are also very solid and are full of percussive effects while the guitar sounds very Tangerine Dream. Especially with a kind of Linda Spa perfumes, yes yes, towards the finale. In all, let's say it's this kind of title that could have appeared on Rockoon and even on 220 Volts.
Windows in the Sky” is a rather surprising album. Its first titles do not predict at any time all the ferocity that is really hidden behind this album. At first listen, I didn't really jump on this Groove adventure. I was afraid of falling on a music like that in Ambient Joy's Always hold the Light. Although some structures in this James J. Clent album could easily contain text, rest assured there is none, the vast majority enhance the art of the complexity of the heavy, vivid and whirling rhythms unique to the England School. A solid album and I can't wait to hear what will come next …
Sylvain Lupari (November 22nd, 2018) ***¾**

Available at Groove nl
                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS

Je suis l'un de ceux qui crois que la guitare a sa place dans le royaume de la MÉ, en autant qu'elle ne brime pas la liberté des synthés et ni la créativité de leurs effets. Encore moins l'impact et la diversité des rythmes et des lignes de séquences. Sinon, cela devient un genre de jazz progressif électronique ou de rock dans le même genre comme avec la musique de Maxxess. Frank Dorritke, avec MorPheuSz ou en solo, ainsi que Manuel Göttsching et Klaus Hoffmann-Hoock sont de bons exemples de ce que la guitare électrique peut apporter à la MÉ. Je n'ai aucune idée de qui est James J. Clent et je crois qu'il le veut ainsi. Musicien de formation classique, il a déjà collaboré avec l'étiquette Groove dans les compilations Surfacing From Beyond, Analogy Volume 2 et Analogy Volume 3. “Windows in the Sky” est un premier album solo pour celui qui a déjà composé de la MÉ avec Kees Aerts (Surfacing From Beyond), il a aussi participé à l'album Slice of Times (GR-001 en 1997) en jouant la guitare sur Friends, et Gert Emmens (Vintage Contemporaries) entre les années 2000 et 2007. Le guide de presse chez Groove mentionne que la musique dans “Windows in the Sky” peut être situé entre Pink Floyd et Tangerine Dream, ou encore à celle de Frank Dorritke. Si effectivement des harmonies plutôt éthérées nous plonge dans l'univers de Pink Floyd, c'est assez évident avec le slow astral de "Melancholic Afterglow", j'entends très peu de TD, exception du lourd et vif "Storm Clouds", alors que par moments on peut aisément flairer des influences de F.D. Projekt. Avec ses 10 titres pour une durée moyenne de 6 minutes chaque, la musique dans ce premier opus de James J. Clent se tient loin des complexités, privilégiant une approche très accessible avec de bonnes mélodies et des rythmes pop-rock. Mais en revanche on sent nettement que le guitariste affectionne de bons élans de rythmes avec une approche basée sur les séquenceurs.
Pulsations vives et vrombissantes cernées par de beaux effets percussifs un peu paranoïdes, l'ouverture très électronique de "Journey of the Exuberant Son" débloque vers un rock électronique où la guitare jette de bons solos et des effets fuzz-wah-wah. L'ossature reste en revanche très électronique avec un bon maillage de percussions électroniques, de séquences et de riffs de clavier. Mais c'est un titre, assez mélodieux, conçu pour la guitare de James J. Clent et ses fougueux solos. "Melancholic Afterglow" propose un paysage sonore éthéré assez New Age avec des vagues océaniques et des murmures de sirènes. Cela fait très slow astral avec une guitare plutôt Pink Floyd. L'impact de "The Darkest Matter" nous fait sursauter avec ses gros cognements de portes métalliques. L'intro est très électronique avec des accords de claviers qui tintent dans des vapeurs de guitare et de synthé. La musique prend du temps avant de décoller et c'est assez bien fait avec une structure sphéroïdale où séquences et solos de synthé virevoltent en symbiose. C'est du bon rock électronique lourd, tapageur et entraînant. "Haunted Interlude" fait honneur à la signification de son titre. Les ambiances sont nébuleuses et le rythme respire par une basse pulsatoire et ses accords un peu étouffés. Le clavier disperse des arpèges de verre qui tintent comme une fausse mélodie spectrale dans un décor conçu sur les couleurs de son titre. Après ces deux titres près du genre électronique, "Awakening and Redemption" offre un duel guitare/clavier avec des solos dominants dans une vision où le genre New Age flirte avec un style rock mélodieux et finalement un rock lourd et entraînant avec des solos de guitares qui chatouillent nos frissons sur une structure qui fait très Maxxess. Il y a une empreinte qui donne des frissons sur ce titre qui évolue avec grâce à l'intérieur de ses 6 minutes. Les arrangements et la production sont énorme sur ce titre très intense, et dense au niveau sonore, qui m'a donné quelques bons frissons. Autre titre plutôt New Age, dans le genre The Coral-Sea ou encore Digital Dance du label Innovative Communication, "Meditation in Pacific Grove" offre une MÉ légère avec la profondeur et les arrangements qui sied plutôt bien à sa vision. La mélodie soufflée sur une ritournelle d'arpèges séquencés est ce genre de truc qui obnubile mes sens. "Um Na Na" est un petit truc pop lourd et malicieusement entraînant. Un plaisir coupable! "Dancing on the Nexus" est aussi anoblit de lourdeur. C'est un joyau de MÉ avec son rythme lourd qui tournoie comme étant attaché à un long filament stroboscopique. Des effets percussifs et de voix ajoutent une dimension qui flirte avec une forme de psychose alors que son rythme, sautillant comme un lutin-charmeur muni d'une flûte, est d'un alliage de séquences, de percussions électroniques et de basse qui défonce mes tympans tant c'est lourd et lent. Deux qualificatifs qui m'ont toujours séduit en musique! "My Love for You" est un beau slow cosmique avec une guitare qui flirte légèrement avec du blues sur des phases qui varient les intensités. C'est difficile de ne pas aimer! "Storm Clouds" termine “Windows in the Sky” avec le titre le plus lourd de cet album. C'est un gros rock avec ces percussions métalliques un peu Jarre, que l'on entend à quelques occasions, et des séquences spasmodiques dont les fusions déclenchent de fascinants moments de MÉ. Les percussions sont très solides et sont bourrées d'effets percussifs alors que la guitare sonne très Tangerine Dream. Surtout avec des parfums de Linda Spa, oui oui, vers la finale. En tout, disons que c'est ce genre de titre qui aurait pu figurer sur Rockoon et même sur 220 Volts
Windows in the Sky” est un album plutôt surprenant. Ses premiers titres ne laissent présager en aucun moment toute la férocité qui se cache réellement derrière cet album. À la première écoute, je n'avais pas vraiment embarqué dans cette aventure de Groove. J'avais peur de tomber sur une musique comme celle dans Always hold the Light d'Ambient Joy. Même si certaines structures dans cet album de James J. Clent pourraient facilement contenir du texte, rassurez-vous il n'y en a pas, la grande majorité bonifie l'art de la complexité des rythmes lourds, vifs et tournoyants uniques à la England School. Un solide album et j'ai très hâte d'entendre ce qui viendra par la suite…

Sylvain Lupari 22/11/18

mercredi 21 novembre 2018

RON BOOTS: Once the Dust Settles (2018)

“Once the Dust Settles is a supeb album imagined in the abysses and that will certainly please the aficionados of the sequencer-based style ...”
1 Once the Dust Settles 7:47
2 A Sense of Turmoil 14:49
3 Orbital Paths 22:37
4 Solar Flares Burst with Magic 14:10
Groove | GR-259 (CD 52:23)
(Berlin School with ambient beats)
   **Chronique en français plus bas**
When was the last solo album of Ron Boots? I would go for Standing in the Rain at the very end of 2014, although that he was accompanied of Harold van der Heijden, Frank Dorittke et Onder Nomaler. But that was solo compositions. And yet, the master of the Dutch EM movement has been at all times since 2015. Collaborations with John Kerr, both on records and shows (the Juxtaposition album), convincing Stephan Whitlan to make a come back, same thing for John Dyson! In addition to mastering some of Groove's albums, Ron Boots has set up a series of collaborations that have been all well received by his fans and the fans of his ever-lively style. Between these collaborations, these appearances at prestigious EM festivals and the organizations of the main events of EM in Holland, E-Day and E-Live, Groove's boss has found a way to compose new music that is found on this “Once the Dust Settles”. The result? Well, like everything he touches turns into an album that must be bought, “Once the Dust Settles” is in the tradition of Standing in the Rain and Signs in the Sand, but with a darker touch which establishes a chthonian climate quite close of Tangerine Dream's 74-77 years.
A dark shadow, torn by filaments sizzling like a ball of static electricity but just as cajoled by murmurs of flutes, invites our ears to a fascinating disorder where many lines of synth stir like a knot of waves to take as many shapes than tones. Reverberant roaring or percussions that make roaring the ambiances, the title track of “Once the Dust Settles” plunges the listener into an abyss of darkness electrified by parasitic filaments where floats the sparkling song of a sequencer that shines between synth blades with those cataclysmic perfumes from Vangelis. In its sonic envelope obscured by so many disparate elements, "Once the Dust Settles" opens the doors of a universe that wobbles between 2 probabilities. One of ambiences and the other of rhythms, but in a state of darkness that does quite Ricochet. A good opening track! It may be that "A Sense of Turmoil" sounds familiar to you. It's indeed a reworked and shortened version of the title Dream but not of Today from the album Signs In The Sand. Thus, "A Sense of Turmoil" has a more rock and more suitable to be performed in concert with the usual acolytes of Ron Boots, as well as in a more intimate setting like the one in the Cosmic Night of 2018. But whatever it be, the music is washing our ears with a high level of intensity which is more palpable here. The line of ascending sequences in the background is more present and more sustained, while its finale sparkling of cosmic tones overflows up to the introduction of "Orbital Paths". This epic title of nearly 23 minutes is the ultimate peak of “Once the Dust Settles”.
Its opening is also dressed in this harmonious tumult which covers the music of this last opus of Ron Boots, whereas the rhythm develops slowly in its progressive envelope doped of intensity. Fragile arpeggios frolic and freeze a sequence weaver of earworm which remains suspended in a stable electronic climate where woosh and waash are pushing sound particles which glitter on the back of a slow symphonic movement filled with emotion. Filaments of sequences get grafted and one of them sculpts a cosmic rodeo whose minimalist approach circulates in continuous circles between the woosh and waash, as well as synth lines whose sinister harmonies dream of the universe of Vangelis. The orchestrations weave a poignant universe and gradually, ambiences and rhythm, deliciously hypnotic by the way, embrace a velocity under huge and intense synth pads stolen to the darkness. The rhythm reaches a stationary phase and flutters like an armada of metallic dragonflies on these layers which position themselves into pillows of mists and violins. Throughout its journey, the structure of "Orbital Paths" increases its velocity and intensity with the addition of self-taught shadows of sequences and a good throbbing bass as well as breezes from a synth which perfectly scatters its effects and its singing solos. This is a very good Berlin School which is the tradition of the good tracks from Ron Boots and of Klaus Schulze's style with a more contemporary imprint! And it's not over! Take the discreet rhythmic skeleton of "A Sense of Turmoil", give it more tone and presence. Graft it then to "Solar Flares Burst with Magic" and you have another great title from Ron. Its introduction is sewn into a form of nebulosity which is similar to the atmospheric masses of “Once the Dust Settles”. The upward movement of the sequencer hits early! Like a spiral staircase that rises constantly towards the heavens, it climbs relentlessly while being pecked by fickle castanets. The lines of sequences abound here with a vision of tumult, like these balls of lead rolling on a conveyor and these stroboscopic effects in the unfolding of certain lines of sequences which fatten the chaos of this vertical structure, whereas the turbulence of the ambience clings onto the orchestrations, the harmonic solos and pockets of sound effects that surround this circular procession emerging undoubtedly from darkness. And like the other tracks of this album, the rhythm and the ambiences sail with intensity to reach a wilder last part, an even violent ending.
Without too flattering the pride of our friendly Ron, “Once the Dust Settles” shows that the genius of Ron Boots continues to shine, even with a schedule as busy as his'. His music is always heavy and lively, though more frenzied here and this in both of rhythmic structures and atmospheres, while being surrounded by creative synths rich in effects, orchestrations and solos which are also singing. A great album imagined in the abysses and that will certainly please the aficionados of the sequencer-based style ...
Sylvain Lupari (November 21st, 2018) ****¼*

Available at Groove nl
                                 CHRONIQUE en FRANÇAIS

À quand remonte le dernier album solo de Ron Boots? J'irais pour Standing in the Rain à la toute fin de 2014, quoiqu'il était entouré de Harold van der Heijden, Frank Dorittke et Onder Nomaler. Pourtant, le maître du mouvement de MÉ Néerlandaise était de tous les instants depuis 2015. Collaborations avec John Kerr, autant sur disques qu'en spectacles (l'album Juxtaposition), convaincre Stephan Whitlan de revenir à l'avant-scène, même chose pour John Dyson! En plus de masteriser certains albums de Groove, il a aligné une suite de collaborations qui ont tous trouvées échos auprès de ses fans et des amateurs du style toujours très animé du synthésiste Néerlandais. Entre ces collaborations, ces apparitions à de prestigieux festivals de MÉ et les organisations des principaux évènements de MÉ en Hollande, les E-Day et les E-Live, le boss de Groove a trouvé le moyen de composer de la nouvelle musique qui se retrouve sur ce “Once the Dust Settles”. Le résultat? Eh bien comme tout ce qu'il touche se transforme en un album qu'il faut absolument se procurer, “Once the Dust Settles” est dans la lignée des Standing in the Rain et Signs in the Sand, mais avec une touche plus ténébreuse qui instaure un climat chthonien assez près des années 74-77 de Tangerine Dream.
Une ombre sombre, tiraillée par des filaments grésillant comme une boule d'électricité statique mais tout autant cajolée par des murmures de flûtes, invite nos oreilles à un fascinant désordre où moult lignes de synthé remuent comme un nœud d'ondes afin de prendre autant de formes que de tonalités. Des grondement réverbérants ou des percussions qui font gronder les ambiances, la pièce-titre de “Once the Dust Settles” plonge l'auditeur dans une abysse de ténèbres électrifiées par des filaments parasitaires où flottille le chant scintillant d'un séquenceur qui brille entre des lames de synthé aux parfums cataclysmiques de Vangelis. Dans son enveloppe sonique obscurcie par autant d'éléments disparates, "Once the Dust Settles" ouvre les portes d'un univers qui vacille entre 2 probabilités. Une d'ambiance et l'autre de rythme, mais dans un état de noirceur qui fait assez Ricochet. Un bon début! Il se pourrait que "A Sense of Turmoil" vous semble familier. C'est en effet une version retravaillée et écourtée de la pièce Dream but not of Today de l'album Signs In The Sand. Ainsi, "A Sense of Turmoil" possède un cachet plus rock et plus propice pour être performé en concert avec les usuels acolytes de Ron Boots, de même que dans un cadre plus intime comme dans le Cosmic Night de 2018. Mais quoi qu'il en soit, la musique lessive nos oreilles par son haut niveau d'intensité qui est plus palpable ici. La ligne de séquences ascendante dans le background est plus présente et plus soutenue, alors que sa finale pétillante de tonalités cosmiques déborde jusqu'à l'introduction de "Orbital Paths". Ce titre épique de près de 23 minutes est le point culminant de “Once the Dust Settles”.
Son ouverture est aussi vêtue de ce tumulte harmonieux qui recouvre la musique de ce dernier opus de Ron Boots, alors que le rythme se développe lentement dans son enveloppe progressive dopée à l'intensité. Des arpèges un peu fragiles gambadent et figent une séquence tisseuse de ver-d'oreille qui reste en suspension dans un climat électronique stable où woosh et waash poussent des particules sonores qui scintillent sur le dos d'un lent mouvement symphonique rempli d'émotivité. Des filaments de séquences se greffent et un d'entre eux sculpte un rodéo cosmique dont l'approche minimaliste circule en cercles continuels entre les woosh et les waash, ainsi que des lignes de synthé dont les harmonies patibulaires rêvent à l'univers de Vangelis. Les orchestrations tissent un univers poignant et peu à peu, ambiances et rythme, délicieusement hypnotique en passant, embrasse une vélocité sous d'immenses et intenses nappes de synthé volées aux ténèbres. Le rythme atteint une phase stationnaire et papillonne comme une armada de libellules métalliques sur ces nappes qui positionnent en coussins de brumes et de violons. Tout au long de son périple, la structure de "Orbital Paths" augmente sa vélocité et son intensité avec l'ajout des ombres autodidactes des séquences et une bonne basse palpitante ainsi que des brises d'un synthé qui éparpille à merveille ses effets et ses solos chantants. Voilà un très bon Berlin School qui est dans la lignée des bons titres de Ron Boots et du style de Klaus Schulze avec une empreinte plus contemporaine! Et ce n’est pas terminé! Prenez le discret squelette rythmique de "A Sense of Turmoil", donnez-lui plus de tonus et de présence. Greffez-le à ensuite à "Solar Flares Burst with Magic" et vous avez-là un autre très bon titre de l'ami Ron. Son introduction est cousue dans une forme de nébulosité qui s'apparente aux masses d'ambiances de “Once the Dust Settles”. Le mouvement ascendant du séquenceur frappe tôt! Comme un escalier en colimaçon qui monte constamment vers les cieux, il grimpe sans relâche tout en étant picoré par des castagnettes volages. Les lignes de séquences abondent avec une vision de tumulte, comme ces billes de plomb roulant sur un convoyeur et ces effets stroboscopiques dans le déroulement de certaines lignes de séquences qui engraissent le chaos de cette structure verticale, alors que la turbulence des ambiances s'accroche aux orchestrations, aux solos harmoniques et aux poches d'effets sonores qui cernent cette procession circulaire émergeant sans nul doute des ténèbres. Et comme les autres titres de cet album, le rythme et les ambiances voguent avec intensité pour atteindre une dernière partie encore plus sauvage, voire violente.
Sans trop flatter l'orgueil de notre sympathique ami, “Once the Dust Settles” témoigne que le génie de Ron Boots continu à briller, même avec un horaire aussi chargé que le sien. Sa musique est toujours lourde et vivante, quoique plus endiablée ici et ce tant dans les structures rythmiques que les ambiances, tout en étant cernée par des synthés créatifs riches en effets, en orchestrations et en solos chantants. Un grand album imaginé dans les abysses et qui va plaire assurément aux aficionados du style sequencer-based…

Sylvain Lupari 21/11/18