vendredi 20 juillet 2018

SUN DIAL: Science Fiction; A Compendium of Space Soundtrax (2018)

“Another jewel from Salutron, this album has a perfect balance between its main sources; either a blend of cosmic psy rock and rock of the 70's with an electronic vibe”
1 Hangar 13 4:34
2 White Stone 3:34
3 Mind Machine 3:03
4 Saturn Return 3:19
5 Space Travel 2:42
6 Alien X 3:07
7 Rise of The Robots 2:44
8 Airlock 3:32
9 Aftershock 3:25
10 Ghost Ship 3:35
11 Infra Red 3:15
12 Starwatchers 2:47

13 Hangar 13 (Long Version) (Bonus Track) 15:29
Sulatron Records 1802 (CD 55:06)
(Spacy Psy Rock and Rock)
====================================

  **Chronique en français plus bas**
====================================
I owe some very interesting discoveries to Sula Bassana! Apart from his latest solo albums, the one who runs the Sulatron label's guides introduced me to Son of Ohm and now to Sun Dial. Led by Gary Ramon, this English band has become over the years an icon in the genre of psychedelic rock. Except that since 2016, with the album Made in The Machine, Gary Ramon and his new journeyman Scorpio take on a particular challenge by adding a touch of electronic to a psychedelic music, transcending the borders of Krautrock, of psybient and of psybeat with a tasty approach of Space Rock totally crazy. “Science Fiction; A Compendium of Space Soundtrax” is a collection of 12 short titles whose cinematographic approach is quite obvious with an average time of 3:33 per title, excluding the bonus track. Sun Dial disguises its titles with a splendid sonic canvas where the terror is not too far from the cosmic and where the cosmos is really rooted in a seductive 1970's tone.
And it takes off with "Hangar 13" and its musical envelope that makes me think strangely of Tomorrow Never Knows from the Beatles. The pace is slow. Pummeled by good and heavy percussions and chewed up by a bass line and its organic language, "Hangar 13" is fed by a Hindu ambience with Sitar tones and with nice synth melodies. The ambiences are bursting with electronic sounds which flirt with the world of video games and with the boundaries of psychedelic music with twisted filaments and reverb effects. These elements adorn most of the titles of an album which literally surfs over several genres and more than one era. Percussion plays a decisive role as the guitars in “Science Fiction”. They propel the lustful rhythm of "White Stone" and its Ray Manzarek organ tones. Guitar solos as cosmic as horrific swirl on this title which literally does Flower Power. "Mind Machine" follows with an aggressive Spacy Funk which survives very well in this sonic fauna where the line between psychedelia and the extraterrestrial vision of the 70's has never been so fusional. Fascinating again here, the bass line chewed our ears a long time after its last gurgling. "Saturn Return" reminds me of old good Bebop Deluxe. Its rhythm is slow and hosts merged harmonies between an organ and a synth. Even while being sober, percussion and bass do the job while the sound effects of the cosmos remind us the meaning of the title. Short but effective!
I just love "Space Travel"! Its slow and magnetizing rhythm, where a fascinating melodic approach sits, is simply kiss-curl. A beautiful cosmic slow which rings the time of the sweetnesses of this album since "Alien X" follows with a structure slightly more lively built around orchestrations which sound out of tune in this strange spacey setting. The guitar riffs which weave 60's harmonies loops also stand out against the misty orchestrations of the Mellotron. We listen to "Rise of The Robots" and we say to oneself that indeed the music sticks to the title. The rhythm is catchy with a simplistic vision which sticks to the imagination of the creators of the time. It flows by the jolts of the drums and the bass, while the harmonies are woven into chords of which the echo effects adopt the robotic rhythm. "Airlock" clings a bit to the settings of "Hangar 13", but with a more Doors vision, even with the presence of the Sitar. "Aftershock" also offers a thing near the beat in "Hangar 13". Except that here, the envelope of the rhythm and of the moods is more in the 80's, in the synth wave era. "Ghost Ship" is elusive! A dark music, ideal for the horror movies of the silent years, with effects of reverberations which roll in loops in order to spread a tissue of percussions, organic riffs and psychedelic effects on a structure more fluid than jerky. We leave the universe of psychedelic cosmic rock a little on this title which remains quite mysterious when an intensity in the ambiances adds a bit of paranoia. "Infra Red" is a title which is very Beck, while "Starwatchers" concludes with the most cinematographic approach, especially at the level of the arrangements, of “Science Fiction; A Compendium of Space Soundtrax”. This fascinating compilation is offered with an extended version of "Hangar 13", as a bonus track. The music transits between the original opening towards a more ambient, more acoustic finale. Both versions are very good and are also the unsuspected engine of an album that will seduce more than one with its sweet madness of the psychedelic years. In the end, Sun Dial offers here an astonishing range of psychedelic cosmic rock with just what it needs to appeal to a wider audience. Very great!
Sylvain Lupari (July 19th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available at Sulatron-Records

===============================================================================
CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Je dois de très intéressantes découvertes à Sula Bassana! Mise à part ses derniers albums solos, celui qui tient les guides du label Sulatron m'a fait découvrir Son of Ohm et maintenant Sun Dial. Mené par Gary Ramon, ce groupe Anglais est devenu au fil des ans une icône dans le genre rock psychédélique. Sauf que depuis 2016, soit avec l'album Made in The Machine, Gary Ramon et son nouvel acolyte Scorpio relève un défi assez particulier en ajoutant un soupçon d'électronique à une musique toujours psychédélique, transcendant les frontières du Krautrock, du psybient et du psybeat avec une savoureuse approche de Space Rock totalement déjanté. “Science Fiction; A Compendium of Space Soundtrax” est une collection de 12 courts titres dont l'approche cinématographique est assez évidente avec un temps moyen de 3:33 par titre, excluant la pièce en bonus. Sun Dial maquille ses titres d'une splendide toile sonique où l'épouvante n'est pas trop loin du cosmique et où le cosmos est véritablement enraciné dans une séduisante tonalité des années 70.
Et ça décolle avec "Hangar 13" et son enveloppe musicale qui me fait étrangement penser à Tomorrow Never Knows des Beatles. Le rythme est lent. Matraqué par de bonnes et lourdes percussions et mâchouillé par une ligne de basse et son langage organique, "Hangar 13" est nourri par une ambiance Hindoue avec des tonalités de Sitar et par des belles mélodies synthétisées. Les ambiances sont gorgées de ces bruits électroniques qui flirtent avec le monde des jeux vidéo et les frontières de la musique psychédélique avec des filaments torsadés et des effets de réverbérations. Ces éléments ornent la plupart des titres d'un album qui surfe littéralement sur plusieurs genres et plus d'une époque. Les percussions jouent un rôle aussi déterminant que les guitares dans “Science Fiction”. Elles propulsent le rythme lascif de "White Stone" et de son orgue à la Ray Manzarek. Des solos de guitare aussi cosmiques que d'épouvantes tourbillonnent sur ce titre qui fait littéralement Flower Power. "Mind Machine" suit avec un Funk cosmique agressif qui survit très bien dans cette faune sonique où la ligne entre le psychédélisme et la vison extra-terrestre des années 70 n'a jamais été autant fusionnelle. Fascinante encore ici, la ligne de basse nous mâchonne les oreilles bien longtemps après ses derniers borborygmes. "Saturn Return" me fait penser à du bon Bebop Deluxe. Son rythme est lent et accueille des harmonies fusionnées entre un orgue et un synthé. Même en étant sobres, les percussions et la basse font le travail alors que les effets sonores du cosmos nous rappellent le sens du titre. Court mais efficace!
J'adore tout simplement "Space Travel"! Son rythme lent et magnétisant, où s'assoit une fascinante approche mélodique, est tout simplement accroche-cœur. Un beau slow cosmique qui sonne le temps des douceurs de cet album puisque "Alien X" suit avec une structure légèrement plus vive avec des orchestrations qui détonnent dans ce décor. Les riffs de guitare qui tissent des boucles d'harmonies des années 60 détonnent aussi face aux orchestrations brumeuses du Mellotron. On écoute "Rise of The Robots" et on se dit qu'effectivement la musique colle au titre. Le rythme est accrocheur avec une vision simpliste qui colle à l'imagination des créateurs de l'époque. Il coule par les secousses de la batterie et de la basse, alors que les harmonies sont tissées dans des accords dont les effets d'écho épousent le rythme robotique. "Airlock" s'accroche un peu aux paramètres de "Hangar 13", mais avec une vision plus du genre des Doors, même avec la présence du Sitar. "Aftershock" propose aussi une structure près de "Hangar 13". Sauf qu'ici, l'enveloppe du rythme et des ambiances fait plus dans les années 80, à l'ère du synth wave. "Ghost Ship" est insaisissable! Une musique sombre, idéale pour les films d'horreur du cinéma muet, avec des effets de réverbérations qui roulent en boucles pour étaler un tissu de percussions, de riffs organiques et d'effets psychédéliques sur une structure plus fluide que saccadée. On quitte un peu l'univers de rock cosmique psychédélique sur ce titre qui demeure tout de même assez mystérieux lorsqu'une intensité dans les ambiances ajoute un brin de paranoïa. "Infra Red" est un titre qui fait très Beck, alors que "Starwatchers" conclut avec l'approche la plus cinématographique, notamment au niveau des arrangements, de “Science Fiction; A Compendium of Space Soundtrax”. Cette fascinante compilation est offerte avec une version allongée de "Hangar 13" comme titre boni. La musique transite entre l'ouverture originale vers une finale plus ambiante, plus acoustique. Les 2 versions sont très bonnes et sont le moteur insoupçonné d'un album qui en séduira plus d'un avec sa douce folie des années psychédéliques. Au final, Sun Dial offre sur cet album une étonnante palette de rock cosmique psychédélique avec juste ce qu'il faut pour plaire à un public plus large. 
Sylvain Lupari 19/07/18


mercredi 18 juillet 2018

OLIVIER BRIAND: Dark Energy (2018)

“Dark Energy is not within the reach of all ears where synths are used for highly artistic purposes and trivialize the democratization of its potential”



Dark Energy Part I 30:34
Dark Energy Part II 29:52
PWM Distrib (CD 60:27)
(Ambient experimental music)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
A sound exploration in the depths of matter and dark energy! After Alpha Lyra's audacious sonic project on the ultimate atom, it's the turn of another French musician to make us listen to his reflection on a scientific phenomenon, namely astrophysics and dark energy. And how does this reflection unfold? With all the colors of its negative force. In fact, one must love the sounds related to the Cosmos since the dark energy fills everything of the Universe.
It's therefore in a symphony of composite sounds that this gravitational journey begins. Bubbles of sounds burst in this assemblage of cosmic tones. The listener is immersed in a form of video game that he has no joystick. Tones get agglutinate in masses or in small groups on barely formed layers which sometimes react by effects of reverberations which fray an embryonic density. But is it only sounds? Yes, but they are grouped by moments in fascinating lunar melodies where the delicacy of the notes and of the harmonic sequences, as well as the orchestrations that lead us adrift adorn a panorama whose slow evolution serves as a table to the dexterity of Olivier Briand. Thus the second part of "Dark Energy Part I" gives up its experimental imprint to embrace a tonal bloom more conducive to a deep musical immersion. Gigantic organ layers bring a chthonic dimension to this second phase where the tonal life now accompanies a more musical form of a reflection very difficult to describe, so rich is it and how it moves rather quickly for the genre. The layers of voices are imbued of a dreamlike tenderness and blend with orchestrations which lose their symphonic sense when absorbed by a synth and its intergalactic chants. Percussions bring a percussive dimension which welcomes a slight chaos, shaking even the moods to structure a spasmodic phase. If my friend Olivier refutes the chaos, he nourishes the introduction of "Dark Energy Part II" which still remains quite musical in its sonic tower of Babel. Percussive elements exert a rhythmic pressure which results into a long series of aggressive rodeos in a universe where the rhythmic fantasies and those of the atmospheres are drawn from the interstices of a synthesizer in madness. Rhythmic din and sonic fuss stick together in this introduction where the disorder has never looked so good, so beautiful. Olivier Briand takes us to the edge of a chasm where the long and slow slide brings us on the other side of an introduction always greedy of the tonal imbalance. A second part of
Dark Energy difficult to consume as its nature scares. But are we not in this illusion where dark energy acts as a repulsive gravitational force?
Music which respects the views of his author, “Dark Energy” is not within the reach of all ears. It's an album that is primarily for those who revel in complex works where synths are used for highly artistic purposes and trivialize the democratization of its potential. I found the delusions of "Dark Energy Part I" astonishingly appealing. As for "Dark Energy Part II", I'm always in mode tame the tones. Although I find more and more charms, to the chagrin of my Lise.
Sylvain Lupari (July 16th, 2018) ***½**
synth&sequences.com

Available at PWM Distrib
===============================================================================

CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Une exploration sonore au plus profond de la matière et de l'énergie noire! Après l'audacieux projet sonique d'Alpha Lyra sur l'atome ultime, c'est au tour d'un autre musicien Français de nous faire entendre sa réflexion sur un phénomène scientifique, soit l'astrophysique et l'énergie noire. Et comment se déroule cette réflexion? Avec toutes les couleurs de sa force négative. En fait, il faut aimer les sons reliés au Cosmos puisque l'énergie noire emplie tout de l'Univers. C'est donc dans une symphonie de sons composites que s'amorce ce voyage gravitationnel. On entend des bulles de sons éclater dans cet assemblage de tonalités cosmiques. L'auditeur est immergé dans une forme de jeu vidéo dont il ne possède aucune manette. Les tons s'agglutinent par masses ou par petits groupes sur des nappes à peine formées qui parfois réagissent par des effets de réverbérations qui effilochent une densité embryonnaire. Mais est-ce seulement que des sons? Oui, mais ils se regroupent par instants en de fascinantes mélodies lunaires où la délicatesse des notes et des séquences harmoniques, ainsi que les orchestrations qui nous amènent à la dérive ornent un panorama dont la lente évolution sert de tableau à la dextérité d'Olivier Briand. C'est ainsi que la 2ième partie de "Dark Energy Part I" délaisse son empreinte d'expérimentation afin d'embrasser une floraison tonale plus propice à une profonde immersion musicale. De gigantesques nappes d'orgue amènent une dimension chthonienne à cette seconde phase où la vie tonale accompagne maintenant une forme plus musicale d'une réflexion très difficile à décrire, tellement elle est riche et bouge assez rapidement pour le genre. Les nappes de voix sont imprégnées d'une tendresse onirique et se fondent avec des orchestrations qui perdent leurs sens symphonique lorsqu'absorbées par un synthé et ses chants intergalactiques. Des percussions amènent une dimension percussive qui admet un léger chaos, secouant même les ambiances afin de structurer une phase spasmodique. Si mon ami Olivier réfute le chaos, il en nourrit l'introduction de "Dark Energy Part II" qui demeure tout de même assez musical dans sa tour de Babel sonique. Des éléments percussifs exercent une pression rythmique qui se traduit par une longue suite de rodéos agressifs dans un univers où les fantaisies rythmiques côtoient celles des ambiances pigées dans les interstices d'un synthétiseur en folie. Tapage rythmique et tapage sonique se collent dans cette introduction où le désordre n'a jamais eu si belle allure. Olivier Briand nous amène sur le bord d'un gouffre où la longue et lente glissade nous ramène de l'autre côté d'une introduction toujours gourmande du déséquilibre tonal. Une 2ième partie de “Dark Energy” difficile à consommer tant sa nature effraie. Mais ne sommes-nous pas dans cette illusion où l'énergie sombre agit comme une force gravitationnelle répulsive?
Une musique qui respecte les visions de son auteur, “Dark Energy” n'est pas à la portée de toutes les oreilles. C'est un album qui s'adresse avant tout à ceux qui se délectent d'œuvre complexe où les synthés sont utilisés à des fins hautement artistiques et qui banalisent la démocratisation de son potentiel. J'ai trouvé les délires de "Dark Energy Part I" étonnement attrayant. Quant à "Dark Energy Part II", je suis toujours en mode dompter les sons. Quoique j'y trouve de plus en plus d'attraits, au grand dam de ma Lise.
Sylvain Lupari (16/07/18)

mardi 17 juillet 2018

KURTZ MINDFIELDS & TAJMAHAL: Analogic Touch (2018)

“Analogic Touch; From Berlin School to Ambient Electronica! That says it all”


1 Lanakiea 30:39
2 Deep Field Emotion Part One 7:43
3 Silken Voyage 9:16
4 Deep Field Emotion Part Two 9:29
5 After Earth Song 12:16
6 Dance of Senufo Ancestors (Bonus Track) 8:23

Electrik Dream (CD/DDL 77:46)
(Classic Berlin School)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
As much to specify you from the outset that discovering the fascinating world of “Analogic Touch” is to agree to enter in a unique sound world where experimentation with a range of synthesizers and analog sequencers go alongside musical forms and ambient phases intimately linked to this search of those great pioneers who brought EM to where it currently stands. Even more hungry for this universe without borders, Kurtz Mindfields is honoring his reputation by signing an even more striking work than Journey Through the Analog Adventure in 2015. Switching perfectly phases of atmospheres, intrinsic to the infinite possibilities of the art, for revolving rhythms, the duo Kurtz Mindfields and Tajmahal give the nobility to the Berlin School with an album whose only flaw is that any good thing has an end. Supported by the DJ designer of sounds Tajmahal, this album, which requires a little more patience before assimilating its beauties, teems with visionary guests with the participation of Stephane Gallay, Kliment and Olivier Grall on synths, Jean Michel Zanetti on guitar, Robert Rich on Haken Key Continuum as well as Milena Sergeeva, Irina Mikhailova and Wendy Martinez on voices. An amazing album which deserves its subtitle; From Berlin School to Ambient Electronica.
The album begins with the epic title "Lanakiea". From the top of its 30 minutes, this long title evolves in phases and through a rich soundscape of the 1001 sound lights of analog synthesizers. Milena Sergeeva lends her voice and sweet whispers to an introduction fed by a cloud of electronic atmosphere elements, as if the tandem Briançon/Tajmahal discovered for the first time the infinite possibilities of analog instruments from Olivier Grall's studio. The huge layers full of church tones flow like a tidal wave which splashes the banks of a cloud of sonorous orgasms. This phase of atmospheres and of experiments reaches the 5 minutes before a 1st structure of rhythm spits sequences which gurgles in a cosmos spotted of its outrageous sonic possibilities. Supported by sober percussions, the rhythm embraces the form of a Cosmic Funk with greedy oscillating loops which roll under the jets of acrobatic synth solos. Already the shape of things changes 3 minutes later. After a short ambiosonic phase, which takes up the elements of its introduction, the music clings to the spheres of its first phase, but with more slowness. Another phase, more ambiospherical, emerges around the 13th minute. Kurtz Mindfields and Tajmahal are going this time for an approach of pure Berlin School and its Gothic perfumes with chthonic layers of voices which hum on a bed of Schulzian pads. Mellotron perfumes rise with lines of flutes, whereas slowly this long ambient passage of "Lanakiea" enhances its value with a thoughtful piano and drifts towards a phase of purely Berliner rhythm. A stationary rhythm which hops on the spot and in a firmament of solos and analog effects. Another ambient phase meets our ears before "Lanakiea" wears out its energies in a progressive electronic jazz finale.
"Deep Field Emotion Part One" takes us to another level! A filament of the sequencer escapes after 90 seconds of ambient opacity. Its harmonic ritornello is as devilish as a horizontal spiral which twirls in order to hypnotize our listening. Percussion clicks bite this fragile rhythmic approach which also relies on heavier percussions. The movement is slow and allows the sequencer to bring nuances in the color of the rhythmic harmonies and of its ambient rhythm, as well as a subtle fluidity which barely stands out, as the moods intensify as "Deep Field Emotion Part One" reaches its final. I prefer the more fluid and experimental approach of "Deep Field Emotion Part Two" which reminds me of the best from Synergy. But both titles are superb! After a slow ambient introduction, "Silken Voyage" sparkles with its 1000 lights in a circular structure where the sequences twinkle in a Mike Oldfield (Tubular Bells) approach. The guitar of Jean Michel Zanetti throws some good meditative solos, preparing this title for its 2nd phase which is more rock. "After Earth Song" crowns “Analogic Touch; From Berlin School to Ambient Electronica” between dream, for the sweet piano, and reality with an approach of ambient rock that the beautiful voice of Irina Mikhailova caresses of a thousand murmurs. Magnetizing, the music of "After Earth Song" gets rid of its ambient/cosmic rock genre to plunge into a solid finale of ambient Electronica, thus respecting the whole dimension of the title of an album that will make you ears full of charms. A small gift comes with the purchase of this album; the title "Dance of Senufo Ancestors" available on the Bandcamp page of Electrik Dream. This is a variation on the same themes of "Deep Field Emotion", but in a more psychedelic approach. Another great gift from Kurtz Mindfields!
Sylvain Lupari (July 16th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Electrik Dream Bandcamp
===============================================================================
CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Aussi bien le dire d'entrée de jeu, en découvrant le fascinant univers de “Analogic Touch” vous acceptez d'entrer dans un monde sonore unique où l'expérimentation d'une panoplie de synthétiseurs et de séquenceurs analogues côtoient des formes musicales et des ambiances intimement liées à cette recherche des grands pionniers qui ont amené la MÉ là où elle se situe présentement. Encore plus affamé par cet univers sans frontières, Kurtz Mindfields fait honneur à sa réputation en signant une œuvre encore plus percutante que Journey Through the Analog Adventure en 2015. Troquant à merveille phases d'ambiances, intrinsèques aux infinies possibilités de l'art, pour des rythmes évolutifs, le duo Kurtz Mindfields et Tajmahal rend toute la noblesse à la MÉ de style Berlin School avec un album dont la seule faille est que toute bonne chose ait une fin. Appuyé par le DJ concepteur de sons Tajmahal, cet album, qui demande un peu plus de patience avant d'assimiler ses beautés, fourmille d'invités visionnaires avec les participations de Stephane Gallay, Kliment et Olivier Grall aux synthés, Jean Michel Zanetti à la guitare, Robert Rich au Haken Continuum à touches ainsi que Milena Sergeeva, Irina Mikhailova et Wendy Martinez aux voix. Un étonnant album qui mérite son sous-titre; From Berlin School to Ambient Electronica.
L'album débute avec le titre-fleuve "Lanakiea". Du haut de ses 30 minutes, ce long titre évolue par phases et à travers un panorama sonore riche des 1001 feux sonores des synthétiseurs analogues. Milena Sergeeva prête sa voix et ses suaves murmures à une introduction nourrie par une nuée d'éléments d'ambiances électroniques, un peu comme si le tandem Briançon/Tajmahal découvrait pour la 1ière fois les infinis possibilités des instruments analogues du studio d'Olivier Grall. Les immenses nappes gorgées de tonalités d'église affluent comme une marée déchainée qui éclabousse les berges d'une nuée d'orgasmes sonores. Cet espace d'ambiances et d'expérimentations atteint les 5 minutes avant qu'une 1ière structure de rythme crache des séquences qui gargouillent dans un cosmos tacheté de ses outrancières possibilités soniques. Appuyé de sobres percussions, le rythme étreint un genre de Funk cosmique avec des boucles oscillatrices gourmandes qui roulent sous des jets de solos acrobatiques. Déjà la forme change 3 minutes plus loin. Après une courte phase ambiosonique, qui reprend les éléments de son introduction, il s'accroche dans les sphères de sa 1ière phase, mais avec plus de lenteur. Une autre phase, plus ambiosphérique, émerge autour de la 13ième minute. Kurtz Mindfields et Tajmahal y vont cette fois pour une approche de pur Berlin School et ses parfums Gothiques avec des nappes de voix chthoniennes qui fredonnent sur un lit de nappes Schulziennes. Des parfums de Mellotron s'élèvent avec des lignes de flûtes, alors que tout doucement ce long passage ambiant de "Lanakiea" rehausse sa valeur avec un piano pensif et dérive vers une phase de rythme purement Berliner. Un rythme stationnaire qui sautille sur place et dans un firmament de solos et d'effets analogues. Une autre phase ambiante rencontre nos oreilles avant que "Lanakiea" épuise ses énergies dans une finale à saveur Jazz électronique progressif.      
"Deep Field Emotion Part One" nous amène à un autre niveau! Un filament du séquenceur s'échappe après 90 secondes d'opacité ambiante. Sa ritournelle harmonique est aussi diabolique qu'une spirale horizontale qui tournoie afin d'hypnotiser notre écoute. Des claquements de percussions mordent cette fragile approche rythmique qui s'appuie aussi sur des percussions plus lourdes. Le mouvement est lent et permet au séquenceur d'apporter des nuances dans la couleur des harmonies rythmiques et de son rythme ambiant, ainsi qu'une subtile fluidité qui se démarque à peine, tant les ambiances s'intensifient au fur et à mesure que "Deep Field Emotion Part One" approche sa finale. Je préfère par contre l'approche plus fluide et plus expérimentale de "Deep Field Emotion Part Two" qui me rappelle le meilleur de Synergy. Mais les 2 titres sont superbes! Après une lente introduction ambiante, "Silken Voyage" scintille de ses 1000 feux avec une structure circulaire où les séquences scintillent dans une approche à la Mike Oldfield (Tubular Bells). La guitare de Jean Michel Zanetti lance de beaux solos méditatifs, préparant ce titre à sa 2ième phase qui se veut plus rock. "After Earth Song" couronne “Analogic Touch; From Berlin School to Ambient Electronica” entre le rêve, pour le beau piano, et la réalité avec une approche de rock ambiant que la très belle voix d'Irina Mikhailova caresse de mille murmures. Magnétisante, la musique de "After Earth Song" se débarrasse de son étiquette de rock ambiant/cosmique pour plonger dans une solide finale d'Électronica ambiant, respectant ainsi à la lettre la dimension du titre d'un album qui va vous en mettre plein les oreilles. Un petit cadeau vient avec l'achat de cet album; le titre en "Dance of Senufo Ancestors" disponible sur la page Bandcamp d'Electrik Dream. Il s’agit d’une variation sur les mêmes thèmes de "Deep Field Emotion", mais dans une approche plus psychédélique. Un autre grand cadeau de Kurtz Mindfields!

Sylvain Lupari 16/07/18

dimanche 15 juillet 2018

SON OF OHM: Blackbirds (2018)

 “Blackbirds is the perfect example of how EM was made in the early 70's”
 
1 Morning Dew 11:47
2 Blackbirds 27:52
3 Velvet Sky 10:13

Son of Ohm Music (DDL/CD-r 50:00)
(Early Berlin School)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
A sound effect inspired by the sound of a jet airplane torturing the firmament opens the first seconds of "Morning Dew". The hesitant movement of a sequencer which makes a key wandering around emerges slowly and gains fluidity, while the reactor propulsions stretch their effects which become layers trapped in a distress approach. Hypnotic and magnetizing, the gamboling rhythm turns into a ritornello as rhythmic as harmonic which hops in a sound fauna speckled by stigmatized long mechanical sighs. The rout of the sober movement is organized around the 4th minute while dozens of marbles tinkle on an ill-fitting conveyor. Despite this rain of unruly rhythmic marbles, the rhythm is still as primary with the same movement which now flows under good, well-tuned synth solos and the distortions of an old organ which capture "Morning Dew" in a retro approach. Composed in a gust of wind, for the needs of the Electric Spectrum Experience held at the end of this last June 2018 Groningen, “Blackbirds” is an album which breathes this promiscuity between the basic instruments that carved a minimalist EM bare of complexity in its long sonic journeys. As in the Syrinx and Astronaut albums, Son of Ohm's music clings to the Berlin School model of the early 70's with minimalist rhythmic structures which roll in loops and serve as a bed for a cloud of experimentations from synths and organs. Moreover, the first two titles were recorded live in Leonardo Wijma's studio, we can hear the murmurs of blackbirds in the title track, reflecting this close creative collaboration between the musician and his instruments.
The title track is a good example. It plunges us into the ethereal world of Klaus Schulze with organ pads which drift between electronic effects and these boosted winds which propel a movement of linear rhythm after the point of 6 minutes. The sequencer deploys a structure which lays down long harmonic zigzag under nice electronic effects of the analog years. The rhythm is fluid and bypasses those charming effects which stick to it, some from Kraftwerk in Autobhan. Hypnotic and catchy, "Blackbirds" is a real tribute to the old Berlin School. The rhythm shifts to a fluidity around 13 minutes with guitar riffs, helping to maintain the basis of this rhythmic structure. Good synth solos follow the bends of the organ pads while the guitar accentuates its presence with such good solos, awakening reminiscences of Ashra and adding a touch of psychedelism to this title which draws its inspirations from the songs of the blackbirds during its genesis. Composed in 2016 with a similar approach, "Velvet Sky" is an ambient track worthy of the belle époque. The mesmerizing structure is sculpted on oscillating loops of low frequencies that roll on a long minimalist course where whistle a panoply of sound effects which embrace the borders of psychedelism and occultism.
Simple and minimalist, we can't avoid the many traps of bewitchment that seizes our ears while listening to “Blackbirds”. In the end, this is the perfect example of how EM was made in the early 70's. With equipment reduced to a minimum, Son of Ohm shapes a music built to be played in close connection with the listener, both in our living room and/or in concert. At this level, “Blackbirds” flows equally well with or without headphones. A beautiful album which will seduce the fans of the first works of Ashra Tempel and Klaus Schulze, whose improvisation sessions in the early 70's still make their fans talking about...some 50 years later.
Sylvain Lupari (July 15, 2018) *****
synth&sequences.com

Available on Son of Ohm's Bandcamp
===============================================================================
CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Un effet sonore inspiré par le bruit d'un avion réacteur torturant le firmament ouvre les premières secondes de "Morning Dew". Le mouvement hésitant d'un séquenceur qui fait dandiner un ion émerge doucement et gagne en fluidité, alors que les propulsions de réacteur étirent leurs effets qui deviennent des nappes piégées dans une approche de détresse. Hypnotique et magnétisant, le rythme gambadeur devient une ritournelle autant rythmique qu'harmonique qui sautille dans une faune sonore tachetée de longs soupirs mécaniques stigmatisés. La déroute du sobre mouvement s'organise autour de la 4ième minute alors que des dizaines de billes tintent sur un convoyeur mal ajusté. Malgré cette pluie de billes rythmiques indisciplinés, le rythme reste toujours aussi primaire avec ce même mouvement qui coule maintenant sous de beaux solos de synthé bien affutés et les distorsions d'un vieil orgue qui emmurent "Morning Dew" dans une approche rétro. Composé en coup de vent, pour les besoins du Electric Spectrum Experience qui s'est tenu en à la fin de Juin dernier Groningen, “Blackbirds” est un album qui respire cette promiscuité entre les instruments de base qui sculptaient une MÉ minimaliste dénudée de complexité dans ses longs parcours. Comme dans les albums Syrinx et Astronaut, la musique de Son of Ohm s'accroche au modèle Berlin School du début des années 70 avec des structures de rythmes minimalistes qui roulent en boucles et servent de lit à une nuée d'expérimentation des synthés et des orgues. D'ailleurs, les 2 premiers titres ont été enregistrés en direct dans le studio de Leonardo Wijma, on peut entendre les murmures de merles dans la pièce-titre, témoignant de cette étroite collaboration créative entre le musicien et ses instruments.
La pièce-titre est un bon exemple. Elle nous plonge dans l'univers d'éther de Klaus Schulze avec des nappes d'orgue qui dérivent entre des effets électroniques et ces vents vitaminés qui propulsent un mouvement de rythme linéaire après la barre des 6 minutes. Le séquenceur déploie une structure qui étale de longs zigzagues harmoniques sous des effets électroniques des années analogues. Le rythme est fluide et contourne de charmants effets qui s'y collent, dont certains de Kraftwerk, Autobhan. Hypnotique et entraînant, "Blackbirds" est un véritable hommage à la vieille Berlin School. Le rythme transite vers une fluidité autour des 13 minutes avec des riffs de guitare qui roulent en boucles, aidant à maintenir la base de cette structure rythmique. De bons solos de synthé épousent la courbe des nappes d'orgue tandis que la guitare accentue sa présence avec d'aussi bons solos, ajoutant une touche de psychédélisme et éveillant des réminiscences d'Ashra à ce titre qui puise son inspiration dans les chants des merles lors de sa genèse. Composé en 2016 avec une approche similaire, "Velvet Sky" est un titre ambient digne de la belle époque. La structure envoûtante est sculptée sur des boucles oscillatrices de basses fréquences qui roulent sur un long parcours minimaliste où sifflent une panoplie d'effets sonores qui embrassent les frontières du psychédélisme et de l'occultisme.
Simple et minimaliste, on ne peut éviter les nombreux pièges d'envoûtement qui s'empare de nos oreilles en écoutant “Blackbirds”. Au final, c'est le parfait exemple qui illustre la façon de faire de la MÉ au début des années 70. Avec de l'équipement réduit à son minimum, Son of Ohm façonne une musique construite afin d'être jouée en étroite connexion avec l'auditeur, tant dans notre salon qu'en concert. À ce niveau, “Blackbirds” coule aussi bien avec ou sans écouteurs. Un bel album qui séduira sans détours les fans des premières œuvres d'Ashra Tempel et de Klaus Schulze dont les sessions d'improvisations au début des années 70 font encore parler les fans quelques 50 ans plus loin.

Sylvain Lupari 14/07/18

vendredi 13 juillet 2018

JOHAN TRONESTAM: Planet X (2018)

“Faithful to the landmark of the Swedish musician, Planet X offers another good album of cosmic rock”
1 Contact 5:08
2 Evidence of life beyond Earth 7:04
3 How to Answer 5:24
4 Response 5:08
5 Reflections 5:46
6 The Star Arpeggiator 6:52
7 They have been Here Earlier 6:40
8 Closer to Knowledge 7:06
9 The Linguistic Gap 6:44 (Bonus Track)
10 Beyond our Intellect 4:48 (Bonus Track)
11 Planet X 5:38 (Bonus Track)
Johan Tronestam Music (DDL 66:18)
(Cosmic Rock Music with a scent of French School)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
Composed in the wake of The Island, “Planet X” gets a new sound skin that satisfies a little more the musical vision of Johan Tronestam in 2018 than in 2010. And we can easily understand this need for remastering and the feelings of the Swedish synthesist because the sound fauna of this album, as much at the level of its evolutionary rhythms than its ambiances, is nourished of a diversity which is clearly heard in the different passages of this album proposed in downloadable format and in 24 Bits remaster. As the title suggests it, the listener is immersed in a cosmic universe with a series of titles focused on the concept of communication with aliens. At this level, the game of synths is quite in the tone with tasty extraterrestrial intonations while the ambio-cosmic decor is firmly established by good effects whose research is undeniable. In summary! A very good album of intelligent cosmic rock with subtly evolving rhythms which are not alike from one title to another but are nevertheless from the same genes.
Lively and melodious, "Contact" starts “Planet X” in mode dance. The rhythm is sharp and jerky with a series of spasmodic sequences which flow in a hatched cadence. The ambiospheric elements consist of stroboscopic filaments slightly harmonious and fascinating electronic trumpets which sound very Jean-Michel Jarre. "Evidence of life beyond Earth" follows with an ambio-cosmic introduction where a synth sings an ectoplasmic alien chant. The rhythm structure emerges after 60 seconds. A space-rock rhythm which is soft, but dangerously catchy and reminiscent of Batman's music, with a bass line which digs oval shapes zigzagging under the bites of sober electronic percussions. The synth always throws these extra-terrestrial songs in another cosmic setting very close to the influences of Jarre again. Between rock and dance music, "How to Answer" offers an approach which is difficult to pin down, both for its rhythm and its strange vocal melody, as well as its ambience elements. It's a good track which rolls in a rather melodious setting and a good bass line whose flow rides on a good mesh between percussion and sequences. "Response" follows with a very beautiful lunar ballad as moving as cinematographic. A very beautiful title! More in mode Cosmic Blues, "Reflections" follows with a hyper slow rhythm where are succeed harmonious synth solos. "The Star Arpeggiator" takes back the road of electronic rhythms with fire arpeggios flying in orchestral position, a bit like Tomita in Snowflakes are Dancing. The rhythm is more rock on the other hand. Knotted spasms of sequencer and vivid percussion, it hits our eardrums with beautiful synth pads which turn into good solos, always very melodious, and sound effects still in mode cosmos is strange.
"They have been Here Earlier" is another good cosmic rock with a fascinating panting rhythm and synth pads in the colors of Twilight Zone. The color of the rhythmic arpeggios is of glass whereas the songs of the synths remain foggy, always close to extraterrestrial incantations. "Closer to Knowledge" offers an evolving structure. The rhythm is disjointed with percussions, which do secondary tam-tams, and sequences forged in an organic language. Synth layers blow a warm mist wind, as well as cosmic jets which constitute the essence of the ambio-cosmic elements of “Planet X”. Electric arpeggios are added and tinkle from everywhere while the language stammers on a rhythm which goes for good soft and lively cosmic rock around the 3 minutes. Here as elsewhere, Johan Tronestam waters good solos always very harmonious. "The Linguistic Gap" is the first of the 3 bonus tracks in this new version of “Planet X”. It's an ambient title carved around lush synth layers and effects knotted in a cinematic intensity vision. "Beyond our Intellect" is a nice piece of music. A kind of cosmic ballad with a slow pulsating rhythm and some nice melodies from both the synth and a harmonic approach finely strobe. The conclusion of this album comes with its title song still composed in the late 2000's which is a solid cosmic rock as melodious as very catchy. The influences of Jarre dominate this superb structure and end another solid album from an artist who remains at the top of his art.
Sylvain Lupari (July 12th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
Available on Johan Tronestam's Bandcamp

===============================================================================
CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================

Composé dans la foulée de The Island, “Planet X” revient dans une peau neuve qui satisfait un peu plus la vision musicale de Johan Tronestam en 2018 qu'en 2010. Et on peut comprendre aisément ce besoin de remasterisation et les sentiments du synthésiste Suédois car la faune sonore de cet album, tant au niveau de ses rythmes évolutifs que de ses ambiances, est nourrie d'une diversité qui s'entend clairement dans les différents passages de cet album proposé en format téléchargeable et en 24 Bits. Comme son titre l'indique, l'auditeur est plongé dans un univers cosmique avec une série de titres axés sur le concept de communication avec les aliens. À ce niveau, le jeu des synthés est tout à fait dans le ton avec de savoureuses intonations extraterrestres alors que le décor ambio-cosmique est solidement établi par de bons effets dont la recherche est indéniable. En résumé! Un très bon album de rock cosmique intelligent avec des rythmes subtilement évolutifs qui ne se ressemblent pas d'un titre à l'autre mais qui sont pourtant issus des mêmes gênes.
Enlevant et mélodieux, "Contact" démarre “Planet X” en mode danse. Le rythme est vif et saccadé avec une série de séquences spasmodiques qui coulent avec un débit hachuré. Les éléments ambiosphériques sont constitués de filaments stroboscopiques légèrement harmonieux et de fascinants barrissements électroniques qui sonnent très Jean-Michel Jarre. "Evidence of life beyond Earth" suit avec une introduction ambio-cosmique où un synthé claironne un chant ectoplasmique alien. La structure de rythme émerge après 60 secondes. Un rythme de space-rock mou, mais dangereusement entraînant et qui me fait penser à la musique de Batman, avec une ligne de basse qui creuse des formes ovales zigzaguant sous les morsures de percussions électroniques sobres. Le synthé lance toujours ces chants extra-terrestres dans un autre décor cosmique très près des influences de Jarre. Entre du rock et une musique de danse, "How to Answer" propose une approche difficilement cernable, tant pour son rythme que son étrange mélodie vocable que ses éléments d'ambiance. C'est un bon titre qui roule dans un décor assez mélodieux et sur une bonne ligne de basse dont le débit embarque sur un bon maillage entre percussions et séquences. "Response" suit avec une très belle ballade lunaire aussi émouvante que cinématographique. Un très beau titre! Plus en mode blues cosmique, "Reflections" enchaîne avec un rythme hyper lent où se succèdent des solos de synthé harmonieux. "The Star Arpeggiator" reprend la route des rythmes électroniques avec de arpèges en feu qui volètent en position orchestrale, un peu comme du Tomita dans Snowflakes are Dancing. Le rythme est plus rock par contre. Noué des spasmes du séquenceur et de percussions vives, il percute nos tympans sous de belles nappes de synthé qui permutent en bons solos, toujours très mélodieux, et des effets sonores toujours en mode étrange est le cosmos.
"They have been Here Earlier" est un autre bon rock cosmique avec un rythme fascinement haletant et des nappes de synthé aux couleurs de Twilight Zone. La couleur des arpèges rythmiques est de verre alors que les chants des synthés restent brumeux, toujours près des incantations extraterrestres. "Closer to Knowledge" propose une structure en évolution. Le rythme est décousu avec des percussions, qui font des tam-tams secondaires, et des séquences forgées dans un langage organique. Des nappes de synthé soufflent un vent de brume chaleureuse, ainsi que des jets cosmiques qui constituent l'essence des éléments ambio-cosmiques de “Planet X”. Des arpèges électriques s'ajoutent et tintent de partout tandis que le langage bafouille encore plus sur un rythme qui se met en bon rock cosmique mou et entraînant autour des 3 minutes. Ici comme ailleurs, Johan Tronestam arrose le tout de bons solos toujours très harmonieux. "The Linguistic Gap" est le premier des 3 titres bonus de cette nouvelle version de “Planet X”. C'est un titre ambiant sculpté autour de luxuriantes nappes de synthés et d'effets noués dans une intensité cinématographique. "Beyond our Intellect" est un très beau morceau de musique. Un genre de ballade cosmique avec un rythme pulsatoire lent et de belles mélodies tant du synthé que d'une approche harmonique finement stroboscopique. La conclusion de cet album vient avec sa pièce-titre toujours composé à la fin des années 2000 qui est un solide rock cosmique aussi mélodieux que très entraînant. Les influences de Jarre dominent cette superbe structure et termine un autre bel album d'un artiste qui reste au sommet de son art.

Sylvain Lupari 12/07/18

jeudi 12 juillet 2018

PETER IROCK: Seven (2018)

“Seven is this kind of album which can be listen to without too much difficulty and could especially initiate timorous ears to the world of EM”

1 The Nature Song 6:59
2 Start Universe 6:34
3 Seven 7:11
4 The Stone Flower 6:33
5 Galaxy 7:35

6 T.E. 7:49
Peter Irock Music (DDL 42:41)
(Prog Symphonic E-Rock, New Age & Vangelis style)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
Following the path of the Horizon album, Peter Irock tries to democratize the world of synthesizers and sequencers by offering an album where the influences of Vangelis enthroned among six structures which are in perpetual movement. Offered on various digital platforms, as well as most of the Spotify and Apple Music of this world, “Seven” is conceived in a New Age style with structures built on diversities. Indeed! Inside an average time of 6 minutes per title, you have to get your ears free and attentive in order to follow a music which disconcerts as much as it can seduce, and which is quite very accessible. Except that sometimes too much is not enough, especially at the level of arrangements where Peter Irock tries to fill our eyes of tears and to make our body waving of chills.
"The Nature Song" offers a good start. A soft rhythm, but quite punchy, bursts after these 2 minutes where multiple synth lines wove the opacity of an introduction forged in ambiospheric elements. The rhythm is lascivious with percussion effects fed by echoes and pearls which sparkle and sing an electronic romance. Some 90 seconds later, "The Nature Song" plunges into a harmonious and especially New Age approach with a pale imitation of Vangelis. Let's say that's the kind of title which pleases to my girlfriend, especially when orchestrations woven in tears counter a romantic ending. "Start Universe" evolves in an ambient approach where seraphic vocals seek shelter in weeping violins. These effects of nymphet voices extend into the territories of the fiery title-track which is a big electronic symphonic rock with a moving structure, kind of Yes. Well in saddle on percussions in mode progressive rock and well fed by riffs of a false guitar which still spits good solos, "Seven" is as homogeneous as a bunch of keys as evidenced by this saxophone solo while in fact unexpected. "The Stone Flower" takes Vangelis' influences with a pompous introduction where the multiple arrangements, and especially this very acute voice of oracle, are sculpted to give us chills. It depends on how you feel. But no matter, the music always evolves with its changing parameters. "Galaxy" is another title with a pompous opening which then undertakes a Vangelis' cosmic journey. The effects of voice to give us shivers are too much for nothing here, since the structure ends up being pretty enough with a tender melodious approach. The effects of bass drum rolling and of voices make me think of an imitation of Glorianna which can be found in the album Direct of the Greek Maestro. "T.E." ends this short “Seven” with all the disparity which disrupts the essence of this album. The opening is quite Jarre with percussive effects as noisy as in Chronology, directing the music towards a kind of EDM which runs away for a smooth Jazz rock. Another saxophone solo emanates from the synths of the Italian artist who revisits "T.E." for a more rock approach where fly high very good synth solos. And as the title flirts with the 8 minutes, his composer leads it into softer territories with an ambient finale.
Despite the many turnarounds in rather short structures, “Seven” is this kind of album which can be listen to without too much difficulty and could especially initiate timorous ears in the world of EM. Peter Irock is raking wide in each corner of a world fit for this kind of vision. From New Age to Jazz to progressive symphonic rock, not to mention the Berliner electronic approach, this album is especially full of cinematic moments that try to draw sighs and tears from the listener.
Sylvain Lupari (July 10th, 2018) *****
synth&sequences.com

Available on Amazon
===============================================================================
CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Suivant la route de l'album Horizon, Peter Irock tente de démocratiser l'univers des synthétiseurs et séquenceurs en offrant un album où les influences de Vangelis trônent parmi 6 structures qui sont en perpétuels mouvements. Offert sur diverses plateformes numériques, ainsi que sur la plupart des Spotify et Apple Music de ce monde, “Seven” est conçu dans un mode New Age avec des structures construites sur les diversités. En effet! À l'intérieur d'un temps moyen de 6 minutes par titre, il faut avoir les oreilles lousses et bien attentives afin de suivre une musique qui déconcerte autant qu'elle peut séduire, et ce assez facilement puisque très accessible. Sauf que parfois trop c'est comme pas assez, surtout au niveau des arrangements où Peter Irock tente de remplir nos yeux de larmes et faire onduler notre corps de frissons.
"The Nature Song" offre un bon départ. Un rythme doux, mais assez punché, éclate après ces 2 minutes où de multiples lignes de synthé tissaient l'opacité d'une introduction forgée dans des éléments d'ambiances. Le rythme est lascif avec des effets de percussions nourries d'échos et des perles qui scintillent et chantent une romance électronique. Quelque 90 secondes plus loin, "The Nature Song" plonge dans une approche harmonieuse et surtout très New Age avec une pâle imitation de Vangelis. Disons que c'est le genre de titre qui plaît à ma blonde, surtout lorsque des orchestrations tissées dans des larmes contrent une finale remplie de romantisme. "Start Universe" évolue dans une approche ambiante où les chants de voix séraphiques cherchent l'abri des violons pleureurs. Ces effets de voix de nymphettes se prolongent dans les territoires de la fougueuse pièce-titre qui est un gros rock symphonique électronique avec une structure en mouvement, genre Yes. Bien en selle sur des percussions en mode rock progressif et bien nourri de riffs d'une fausse guitare qui crache tout de même de bons solos, "Seven" est aussi homogène qu'un trousseau de clefs comme en fait foi ce solo de saxophone tout à fait inattendu. "The Stone Flower" reprend les influences de Vangelis avec une introduction pompeuse où les multiples arrangements, et surtout cette voix d'oracle bien aigüe, sont sculptés afin de nous donner des frissons. Ça dépend de comment on se sent. Mais peu importe, la musique évolue toujours dans des paramètres changeants. "Galaxy" est un autre titre avec une ouverture pompeuse qui entreprend par la suite un voyage cosmique à la Vangelis. Les effets de voix afin de donner des frissons sont de trop ici, puisque la structure finie par être assez jolie avec une tendre approche mélodieuse. Les effets de roulements des grosses caisses et la voix me font penser à une imitation de Glorianna que l'on retrouve dans l'album Direct du maestro Grec. "T.E." conclut ce court “Seven” avec toute la disparité qui perturbe l'essentiel de cet album. L'ouverture fait assez Jarre avec des effets percussifs aussi tapageurs que dans Chronologie, dirigeant la musique vers une sorte de EDM qui se sauve vers un doux Jazz rock. Un autre solo de saxophone émane des synthés de l'artiste Italien qui revisite "T.E." vers une approche rock où volent de très bon solos de synthés. Et comme le titre flirte avec les 8 minutes, son compositeur l'amène dans des territoires plus doux avec une finale ambiante.
Malgré les nombreux revirements dans des structures plutôt courtes, “Seven” est ce genre d'album qui s'écoute sans trop de difficulté et qui pourrait surtout initier des oreilles non-avisées dans l'univers de la MÉ. Peter Irock ratisse large dans tous les recoins d'un univers apte pour ce genre de vision. Du New Age à du Jazz en passant par du rock progressif symphonique sans oublier l'approche électronique Berliner, cet album est surtout bourré de moments cinématographiques qui tentent de soutirer soupirs et larmes chez l'auditeur.

Sylvain Lupari 10/07/18

mardi 10 juillet 2018

ALPHA LYRA: The Nude (OST) (2018)

“With The Nude (OST), Alpha Lyra brings to this film his most beautiful minimalist expressions with long and slow layers which adopt the body expressions of the dancer”

1 Theme from THE NUDE 20:36
2 Natalia 37:20
Patch Work Music (CD 57:56)
(Deep ambient music)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
The slow synth layers come from far away! There is an anesthetic heaviness in this slow movement where synth strata whisper an abstract language. We hear strange squeaks on these oblong winged movements from a synthesizer in mode; music for relaxation. Alpha Lyra has always favored an ambient music approach. Modeled in the essences of Schulzian floating music, Christian Piednoir's music transits through a universe of lyrical ambiences where the poetry of words is sculpted by a sensitive approach which always finds its way to our inner mind. “The Nude (OST)” is the soundtrack of an Alvin Case film starring Natalia Carbullido who expresses total control over her body in an atypical ballet. Conscious of each muscle and its functions, she uses her training in Aikido to guide graceful minimalist movements, thus expressing the mysteries of the human form. And "Theme from THE NUDE" fits perfectly with this principle. The French musician brings to this film his most beautiful minimalist expression with long and slow layers which adopt the body expressions of the dancer. These floating layers get couple into a surprising nuptial symphony which gradually erodes its intensity with a slight tremolo in their expressions until a delicate pulsating rhythm brings us to its finale. That's ambient music at its best! Less minimalist but always very ambient, "Natalia" moves by the slow impulses of various synth layers with contracting tones. The principle espouses a little the approach of Ultime Atome but with variations in the rhythm space. A rhythm pushed by tiny after-effects of synth strata which agglutinate themselves and get melt like ink on a blotting paper extending thus multiple sonic filiform. Slow and fabulous, this long of nearly 40 minutes is full of angelic voices and lyrical sonic filaments as well as those cavernous breezes which come and go like the languid movements of a form of solitary ballet. It's a very good music of ambiences with nice moments of intensity that raise the hairs of our arms when one gives oneself entirely to the vision of Alpha Lyra. A must for fans of ambient music, just like the whole of “The Nude (OST)” which easily finds its place in the best works of its kind in 2018.
Sylvain Lupari (July 9th, 2018) *****
synth&sequences.com

Available on CD at Patch Work Music
===============================================================================
CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Les lentes nappes viennent de loin! Il y a une pesanteur anesthésiante dans ce lent mouvement où les strates de synthé chuchotent un langage abstrait. On entend des crissements étranges sur ces oblongs mouvements ailés d'un synthétiseur en mode; musique pour relaxation. Alpha Lyra a toujours privilégié une approche de musique ambiante. Modelée dans les essences de la musique flottante Schulzienne, la musique de Christian Piednoir transite dans un univers d'ambiances lyriques où la poésie des mots se sculpte par une approche sensible qui trouve toujours son chemin vers notre intérieur. “The Nude (OST)” est la trame sonore d'un film d'Alvin Case mettant en vedette Natalia Carbullido qui exprime un contrôle total sur son corps dans un ballet atypique. Consciente de chaque muscle et de ses fonctions, elle utilise son entraînement en Aïkido pour guider de gracieux mouvements minimalistes, exprimant ainsi les mystères de la forme humaine. Et "Theme from THE NUDE" colle à merveille avec ce principe. Le musicien Français apporte à ce film son plus bel expression minimaliste avec de longues et lentes nappes qui épousent les expressions corporelles de la danseuse. Ces nappes flottantes s'accouplent dans une surprenante symphonie nuptiale qui peu à peu érode son intensité par un léger trémolo dans leurs expressions jusqu'à ce qu'un délicat rythme pulsatoire nous amène à sa finale. La musique ambiante à son meilleur! Moins minimaliste mais toujours très ambiant, "Natalia" se déplace par les lentes impulsions de diverses couches de synthé aux tonalités contratstantes. Le principe épouse un peu l'approche de Ultime Atome mais avec des variations dans l'espace rythme. Un rythme poussé par d'infimes contrecoups des strates de synthé qui s'agglutinent et se fondent comme de l'encre sur un papier buvard étendant des filiformes soniques. Lent et mirifique, ce long titre d'une 40taine de musique est gorgée de voix angéliques et de filaments sonores tout autant lyriques ainsi que de ces brises caverneuses qui vont et viennent comme les mouvements alanguis d'une forme de ballet solitaire. C'est de la très bonne musique d'ambiances avec de beaux moments d'intensité qui soulèvent les poils des bras lorsque l'on se donne entièrement à la vision d'Alpha Lyra. Un must pour les amateurs de musique ambiante, tout comme l'entièreté de “The Nude (OST)” qui trouve aisément sa place dans les meilleures œuvres du genre en 2018.
Sylvain Lupari 09/07/18

lundi 9 juillet 2018

ALPHA LYRA: Ultime Atome (2018)

“Ultime Atome offers us a great musical panorama on a subject difficult to put into music but which Alpha Lyra succeeds on its always lyrical touch”
1 Uuu111 5:44
2 Uub112 3:54
3 Uut113 4:48
4 Uuq114 7:58
5 Uup115 4:31
6 Uuh116 12:44
7 Uus117 2:49
8 Uuo118 3:59
9 Uun119 4:36

10 Ultime Atome 9:33
Alpha Lyra Music (CD/DDL 60:44)
(Ambient Music with a touch of Pacific School)
====================================
  **Chronique en français plus bas**
====================================
An album on atoms! Is it interesting you? With a series of titles bearing different nicknames of atoms in search of life and names, Alpha Lyra concocts an EM which flirts with the different variables of these atoms in an album where ambient music is delicately propelled by a nameless rhythmic life. “Ultime Atome” is a superb continuity to the very good Between Cloud and Sky album with figures of ambient rhythms camouflaged in a swarm of synth pads with contrasting tones and where the translucent side is never too far from the sibylline state. And if my cranial space is not overloaded with painkillers, I'd dare to say that it's a neutron concert dictated by a musician who flirts dangerously with the boundaries of being and non-being.
Cottony mist breezes open the "Uuu111" experience. A slight manipulation of the sequencer carves a traveling rhythm whose minimalist approach hosts a concert of translucent synth pads filled by radiations and others filled by heavenly voices. Filaments of an azure blue cover this delicate approach which melts too quickly in the silence. No problem, the beefy "Uub112" shows its rhythm all in radiation while jumping of its fragile feet under an avalanche of waterlogged layers. Fire and water are elements which draw contrasts all over “Ultime Atome”, either with heavy oceanic layers or by those voices of fire which furrow the tumultuous elements of the last Alpha Lyra album. After these two animated titles, "Uut113" returns to the more ambient signature of Christian Piednoir. If there is a slight pulsating movement, it's buried and ochered by a duality between the ether and the angelic which squabbles this fascinating musical poetry on abstract elements of our daily life. The attention to detail is omnipresent in this album where a real texture of iodine grows up to our ears in each chapter of this “Ultime Atome”. "Uuq114" is a small jewel structured on an approach of a sequencer in mode Steve Roach. And what about the synth layers where spectral voices are lost in a mist? Pure Steve Roach, just like "Uuh116" while "Uuo118", another track animated of a fascinating tumultuous structure, offers a concerto of pearls which dance with their mirrored reflections in the echoes of multiple effects of reverberations. "Uup115" is an ambient title astonishing musical. If one listens attentively, one notices the genesis of a melody quite sublime in its frame of foggy voice. The synth pads are quite striking. Ditto for "Uus117" which lays down a seraphic veil to the multiple ambient structures of this album. "Uun119" lays cavernous layers which circulate in an endless corridor. "Ultime Atome" is in the pure Alpha Lyra tradition with an ambient pattern where burst out bubbles carrier of a melody fragmented and scattered and of which the tinklings are floating in a universe filled of misty layers and of sibylline lines. Thus concluding an album which survives very well to Between Cloud and Sky, even if the subject is devilishly more delicate. A beautiful album that we listen the head going adrift, but not too much because we can miss elements that will come to haunt us over the next listenings.

Sylvain Lupari (July 9th, 2018) ****½*
synth&sequences.com
Available on CD and DDL on Alpha Lyra Bandcamp
===============================================================================

CHRONIQUE en FRANÇAIS
===============================================================================
Un album sur les atomes! Ça vous intéresse? Avec une série de titres portant différents surnoms d'atomes en quête de vie et de noms, Alpha Lyra concocte une MÉ qui flirte avec les différentes variables de ces atomes dans un album où la musique ambiante est délicatement propulsée par une vie rythmique sans noms. “Ultime Atome” est une superbe continuité au très beau Between Cloud and Sky avec des figures de rythmes ambiants camouflées dans un essaim de nappes de synthés aux tonalités pleines de contrastes où le côté translucide n'est jamais trop loin du sibyllin. Et si mon espace crânien ne serait pas trop chargé d'antidouleurs, j'oserais dire que c'est un concert pour neutrons dicté par un musicien qui flirte dangereusement avec les frontières d'être et du non-être.
Des brises de brume cotonneuse ouvrent l'expérience "Uuu111". Un léger maniement du séquenceur sculpte un rythme ambulant dont l'approche minimaliste accueille un concert de nappes au rayonnement translucide et d'autres qui sont gorgées de voix célestes. Des filaments d'un bleu azur recouvrent cette approche délicate, mais qui fond trop vite dans le silence. Pas de problème, le costaud "Uub112" montre son rythme tout en radiation qui sautille de ses pieds fragiles sous une avalanche de nappes gorgées d'eau. Le feu et l'eau sont des éléments qui font contrastes à la grandeur de “Ultime Atome”, soit avec de lourdes nappes océaniques ou par ces voix de feu qui sillonnent les éléments tumultueux du dernier Alpha Lyra. Après ces deux titres animés, "Uut113" renoue avec la signature plus ambiante de Christian Piednoir. S'il existe un léger mouvement pulsatoire, il est enseveli et ocré par une dualité entre l'éther et l'angélique qui se tiraillent cette fascinante poésie musicale sur des éléments abstraits de notre vie quotidienne. Le souci du détail est omniprésent dans cet album où une véritable texture d'iode monte à nos oreilles à chaque chapitre de cet album. "Uuq114" est un petit bijou structuré sur une approche d'un séquenceur en mode Steve Roach. Et que dire de ces nappes où les voix spectrales se perdent dans une brume? Du pur Steve Roach, tout comme "Uuh116" alors que "Uuo118", un autre titre animé d'une fascinante structure tumultueuse, propose un concerto de perles qui dansent avec leurs reflets miroités dans l'écho de multiples effets de réverbérations. "Uup115" est un titre ambiant étonnement musical. Si on prête une oreille attentive, on remarque la genèse d'une mélodie tout à fait sublime dans son cadre de voix brumeuse. Les nappes de synthé sont tout à fait saisissantes. Idem pour "Uus117" qui étend un voile séraphique dans les multiples structures d'ambiances de cet album. "Uun119" étend des nappes caverneuses qui circulent dans un couloir sans fin. Et la pièce-titre, "Ultime Atome", est dans la pure tradition Alpha Lyra avec un pattern ambiant où éclatent des bulles qui sont porteuse d'une mélodie fragmentée et dont les tintements éparpillés flottent dans un univers rempli de strates brumeuses et de lignes sibyllines. Concluant ainsi un album qui survit très bien à Between Cloud and Sky, et ce même si le sujet est diablement plus délicat. Un très bel album qui s'écoute la tête à la dérive, mais pas trop parce que nous pourrons rater des éléments qui viendront nous hanter lors des prochaines écoutes. 
Sylvain Lupari 09/07/18